La Caja Negra
Itinerario del Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA
El Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA, luego de concluir su primera gira internacional en México, llegó a su Santiago de Cuba para seguir impulsando los proyectos que en gran medida le dan sentido a su existencia. Todos ellos vinculados al trabajo con los jóvenes desde distintos espacios.
En el mes de julio el escenario fue el Centro Cultural ALEGRO y la Casa del Joven Creador en la provincia. Sumados al programa Almas nuevas de la AHS durante los días del Festival del Caribe, la obra Leviatán en versión para tres actores confluyó con espectadores de distintas nacionalidades. Como cada puesta, el intercambio demostró lo importante que es basar un espectáculo en una investigación seria, una que profundice en la universalización de los temas y los conflictos expuestos.
En agosto el trabajo se desplazó a las comunidades de difícil acceso, aquellas que pertenecen en específico al Plan Turquino en el municipio de Guamá. Hasta Ocujal del Turquino, Uvero, Chivirico, la Calabaza, el Marañón, Bahía Larga, Caletón Blanco y Cañizo llegaron espectáculos como Bonsái, Cartografía para elefantes sin manada y los procesos de trabajo Luces de Neón y Psicosis. Además de un espectáculo variado con poemas, canciones y juegos escénicos pensados para los más pequeños.
Con el auspicio de la Asociación Hermanos Saíz en la provincia y el Consejo Provincial de las Artes Escénicas, otro grupo de artistas se sumaron a esta iniciativa, donde vale resaltar al proyecto audiovisual Buena Luz producciones, y al metodólogo provincial de teatro Ricardo Martínez Benavides.
La Casa del Joven Creador en la provincia ha servido como espacio natural del grupo, de ahí que espectáculos como Leviatán en versión para un actor, Cartografía para elefantes sin manada y Psicosis dieran varias presentaciones para el público que radica alrededor durante este periodo.
El mes de septiembre trae para el grupo una movilidad bastante atrayente. El primer fin de semana se estará presentando el espectáculo Bonsái a las 6.00 p.m. en el Cabildo Teatral Santiago, y en este mismo espacio, pero a las 8.00 p.m. Leviatán, el segundo fin de semana. Sin que esto tenga alguna afectación, de martes a viernes desde el Centro Cultural El Ingenio, la obra Cartografía para elefantes sin manada se pondrá a las 4.00 p.m. Estos son espectáculos que empiezan acumular una cantidad importante de representaciones, algunos ya casi están cercanos al centenar de funciones.
Como si fuera poco aún, del 5 al 11 de septiembre continua la gira por las comunidades, en esta ocasión será en el Cobre, Boniato, El Cristo, Siboney, Verraco, Baconao, el Caney, el Escandel, y el Ramón de las Yaguas.
En la segunda quincena del mes, el GEE LA CAJA cumplirá con algunos compromisos en la capital. Durante las celebraciones del evento Pensamos Cuba, de la AHS, estará compartiendo con el público capitalino la obra Ofelia, el más reciente estreno de la compañía. Luego ese mismo espectáculo será presentado en distintas salas y localidades de La Habana.
Todo esto no es más que la antesala a la segunda gira internacional del grupo. Otra vez a México, en esta ocasión por cinco estados y con una duración de dos meses. Todo está arreglado para que el repertorio total del grupo llegue hasta tierras aztecas en busca de mantener el éxito alcanzado hace unos meses en Jalisco.
Finalizando noviembre, dos estrenos llegarán a Santiago de Cuba. Se trata de los espectáculos Luces de Neón y Psicosis, este último, beca Milanés 2020. Ambas obras ya han dado algunas funciones como proceso de trabajos pero ya entran en su fase final.
Hoy el grupo se encuentra en una dinámica saludable. Aún no termina este año, y ya se piensa en las proyecciones del 2023. Se trabaja en un cortometraje y en una nueva aserie de videos-poemas. Dos aristas del grupo que muestran su diversidad creativa. Y es que ante la rudeza de la realidad, el antídoto perfecto pudiera ser, no dejar de soñar.
Una voz necesaria
El actor es
un metafísico en la sombra, punteando un instrumento, punteando una cuerda de alambre que da sonidos que atraviesan súbitas rectitudes, por entero
conteniendo la mente, bajo la cual no puede descender,
más allá de la cual no tiene voluntad para alzarse.
Wallace Stevens
I
Es importante pensar el teatro desde los diferentes contextos en que se localiza, de ello depende la importancia de cada proyecto y cada espacio que se geste. Encontrar los puntos de fuerza y debilidad en cada región (entiéndase poblado, provincia o país) resulta una labor necesaria y vital. De eso depende que no nos repitamos y seamos capaces de darle al lugar donde vivimos una propuesta diferente y un aire renovador.
La búsqueda banal de la novedad es peligrosa y no se ha de andar buscando lo nuevo porque sí, sino que se ha de ir a la esencia primaria de nuestros impulsos para extraer de ahí lo que nos define y darle forma y contenido artísticos. En esa búsqueda, y solo entonces, lo nuevo que aparezca vendrá dotado con la fuerza de lo peculiar. En esa pequeña germinación hay vida y la vida se respeta y alimenta.
Leviatán. Foto Belice Blanco
II
Creo que el Grupo de Experimentación Escénica La Caja Negra de Santiago de Cuba, aparece en la escena dotado de estas advertencias anteriormente señaladas. Es un pequeño grupo que, enmarcado en la vorágine cultural de una ciudad como nuestro Santiago, ha sabido denotarse con letras precisas y con una propuesta tangencial a lo habitual. En esa parte oriental de nuestro país, si bien hemos tenido colectivos, actores y actrices que han apostado por la búsqueda de alternativas escénicas complejas y diferentes, la generalidad ha sido un apego a las formas tradicionales y folclóricas de entender el teatro. Entonces; el teatro ritualizado o el ritual teatralizado, la oralidad, el teatro de relaciones con su cercanía a lo africano y a la gente del pueblo que baila la conga y entona un himno de batalla o religioso, la ceremonialidad de los santos patrones y la heroicidad devenida realismo escénico, son peculiaridades de la teatralidad santiaguera. De ahí que la propuesta de Juan Edilberto Sosa como líder de La Caja Negra sea tan certera y necesaria.
Este proyecto viene a significar para Santiago una fuerza nueva llena de directrices para entender la pluralidad y la mixtura en una región donde está todo mezclado. La novedad de La Caja Negra viene inspirada por maestros que han sabido dejar para las generaciones un legado artístico decisivo. En la poética de este grupo coexisten la sabiduría y la intensidad de maestros como Grotowski y Meyerhold junto a la escisión que proponen Fischer Lichte, Rodrigo García y Angélica Lidell por citar algunos referentes. De ahí que logremos apreciar en las obras de este grupo un trayecto marcado que va desde lo intrincadamente personal como en El deseo (otro panfleto escénico), hasta Leviatán que cierra la trilogía “Cómo se llega a ser lo que se es.”
III
La Caja Negra pretende para Santiago de Cuba un estímulo capaz de remover las formas de entender la escena y una sacudida que saque al teatro de su espacio oscuro y limitado. En sus propuestas, los chicos de La Caja Negra trascienden los espacios para llegar a más personas, es por ello que en una obra como Bonsái, salieron a la calle como parte de una propuesta performativa y audiovisual para que el teatro no quedara dentro de la cámara negra. Además, presentan una búsqueda constante dentro del propio lenguaje escénico para fusionar esa identidad con otras como el audiovisual y la performance.
En Bonsái Juan Edilberto propone una mezcla entre estos lenguajes para mostrar un discurso que va de la sociedad moderna, la incomunicación, el deterioro de los valores generados por el trabajo y la angustia de la superficialidad. Este espectáculo-performance-audiovisual propone al espectador la posibilidad de cuestionarse su entorno y sus actitudes.
Bonsái. Foto Frank Lahera
IV
Desde su fundación, el grupo aboga por la irreverencia contra el estatismo y la pereza creativa. Sus fuerzas están centradas en generar espacios de intercambio con los espectadores y a menudo realizan lecturas dramatizadas, espacios de comunicación teórica y práctica y presentaciones de espectáculos. Desde su accionar en la AHS santiaguera han consolidado lo que, a mi modo de ver, es uno de los aportes decisivos al panorama cultural de la ciudad: el Evento de Teatro Experimental DESCONECTADOS A 969.
Este evento defendido por La Caja Negra trabaja para dar voz y relevancia a un movimiento que aúna a creadores de todo el país que trabajan en una dirección alternativa de creación. El encuentro convida al análisis de procesos y a la desarticulación de mecanismos que den luz a diferentes maneras de hacer en estos momentos. Desconectados no es más que un acto de compañía en la que, una minoría defensora del teatro de experimentación, se busca y se encuentra para comulgar juntos la vocación hacia lo diferente, lo poético y lo profundo (cuestionado la mayoría de las veces). Este evento es una marca de resistencia a los patrones hegemónicos que se validan en otros festivales nacionales e internacionales.
V
Santiago y Cuba necesitan un grupo como La Caja Negra que sepa hablar con argumentos y timbres propios en función de una cultura de lo diverso. Se necesitan voces jóvenes que dialoguen contra lo muerto y contra las fórmulas enquistadas en procedimientos probados por décadas y décadas. Juan Edilberto esgrime una manera peculiar de usar el idioma y los conocimientos aprendidos; en Leviatán propone una estructura teatral marcada por los espacios. Son los espacios los que determinan las escenas. También se apoya en las luces y personajes como núcleos determinantes de esa estructura.
Esta obra habla de la ciudad, de Cuba, del mundo y la humanidad toda englobada en la figura de ese deambulante (loco) que vive en la basura. Leviatán propone no quitar la vista de la poesía aunque esté formada por trastos viejos y comportamientos espantosos. En el espectáculo los “locos” van conformando con sus diferentes comportamientos, acciones y elementos, el imaginario de un pueblo que convive con Dios y se cree Dios al mismo tiempo, un pueblo que revende la historia y las mercancías como pacotilla de quinta, de un pueblo que ama a los animales y ama decir palabras groseras, de un pueblo que construye y luego destruye, de un pueblo que crece y alumbra otros pueblos. Leviatán es la paradoja y el dilema de nuestras manos y nuestro cerebro.
La obra nos lleva hacia el interior de las esencias humanas y, como en Charenton de Peter Brook, realizamos una estancia dentro del manicomio que es el mundo, que son las calles, que es la mente humana. Los actores en Leviatán realizan un complejo viaje de subsistencia contra los personajes y a su vez se dejan penetrar por ellos sin ser consumidos. En esta obra se aprecia una lucha a muerte entre el actor y este personaje que lo empodera a la vez que le quita la voz. Juan supo crear estas batallas porque el montaje propone un transcurrir asombroso de los personajes por su cotidianidad. Todo el tiempo los actores actúan y aun cuando no son vistos, cuando no hay luz sobre ellos, cuando están en quinto plano escénico, aún así continúan actuando y viviendo la intensidad de la locura.
Y los peces salieron a combatir contra los hombres. Foto Marvin Rodríguez
VI
En la agudeza y fortaleza de sus miembros para permanecer radicará la valía de este colectivo que ha demostrado ya la intensidad de sus propuestas. Me alegra que Santiago tenga un grupo de jóvenes capaces de entender que por vías alternas se puede crear para ser útiles. Es importante saber mirar para cuidar lo nuevo, proteger la diferencia, empoderar lo necesario.
En portada: Deseo (otro panfleto escénico). Foto Frank Lahera.
«Soy una amante fiel de mis imperfecciones»
(Una conversación con la actriz Maibel del Rio Salazar)
El teatro es un espacio para construir(se). Un lugar donde todo es real, incluso la espera o la magia. Los que practicamos este arte sabemos que en el escenario nada es casual, que todo lo utilizado genera consecuencias para el cuerpo. Elegir la actuación como modo de vida es como elegir algún deporte de riesgo, donde la vida está en juego; la diferencia es que en el teatro la vida es una noción distinta. La vida en el teatro es la unión de varios ojos que observan: público, actor y personaje. La vida en el teatro es una noción cuyo significado varía según el contexto.
Maibel del Rio Salazar (Santiago de Cuba, 1990) es una equilibrista de la vida que yace en el terreno de lo teatral. Con su talento ha podido interpretar otras biografías, transformarse en historias e ideas, todo para hacernos ver distintas alternativas de un mismo fenómeno. Todo para hacernos creer. Su lenguaje se ha perfeccionado hasta alcanzar cierta madurez que la hace diferente. Graduada de la Escuela Profesional de Arte José Joaquín Tejada en su nivel medio, y luego en la Universidad de las Artes de la filial santiaguera, en el perfil de actuación, ya deja personajes memorables para el teatro de la ciudad. Tal es el caso del monólogo Estrella Negra o Aniña, de la obra Leviatán.
Hoy, la hija del ya desaparecido grupo La Guerrilla del Golem acepta este diálogo. Ella se encuentra expectante, como si hubiera olvidado algún bocadillo, pero firme, segura de que lo solucionará desde su verdad. Yo la observo. Ambos sabemos que la función acaba de empezar.
¿Por qué el teatro?
Yo bien quería ser músico, cantante, bailarina, artista de la plástica o actriz. Mi vocación estuvo siempre muy clara desde niña, y claro está, incursioné en cada una de ellas como aficionada. Gracias a mi madre que siempre me apoyó en todo, ella creía que si tenía el talento debía ayudarme a desarrollarlo.
Aunque me dediqué a ser aplicada para tener oportunidades de otras carreras no afines al arte, dígase periodismo y derecho, estudié teatro porque según me decían en aquellos momentos, era la manifestación del arte más completa. Estando en la secundaria, en noveno grado, llega la convocatoria de captación para la Escuela Profesional de Arte José Joaquín Tejada, una filial de la ENA, exactamente lo que yo quería y aprobé.
Durante esta etapa el teatro era un deseo, una ilusión de niña con aptitud y vocación. En la academia el teatro se transformó en descubrimiento, pasión, esnobismo y certeza. Recuerdo a mi madre decirme en su regreso a casa después de la primera reunión de padres: “oye, tú no estás en una escuela cualquiera, en la reunión estaban Lescay y Joel James; parece que tienen familiares ahí, porque fueron en calidad de padres”. Y muy cierto, el hijo de Lescay estudiaba en la escuela y el nieto de James era uno de mis compañeros de aula, este al final no se graduó, pero a ella le impactó muchísimo que en la escuela en que estudiaban familiares de estas personalidades de la cultura cubana, estudiara su hija, fue muy cómico.
Luego de graduada en pleno enfrentamiento con la vida laboral, el teatro se vuelve mi vida, mi presente, mi canalización, mi exaltación del yo, mi exploración interior-exterior… Es tan indescriptible el poder que uno experimenta cuando habita otras pieles, y como se habitan, es decir, los disímiles procesos por los que se transita para habitar, la cosmovisión es otra.
La profesión siempre necesita de guías, algunas espirituales/simbólicas, otras más terrenales. La búsqueda del referente y del consejo preciso son tan vitales como el talento. ¿Quiénes fueron esos maestros?
De la existencia muchos, empezando por mi madre que ha sido mi principal maestra. En carrera los que mencionaré a continuación, que no solo fueron los formadores en la especialidad que estudiaba, sino también en amistad, en inclusión, en multiplicidad, en perspicacia. Quizás no fueron los mejores, pero aprecio mucho la autenticidad, y ellos eran verdaderamente auténticos. Ellos fueron Ruperto Pérez, Odalis Ferrer y Harold Fernández. El tiempo ha pasado y los caminos se han bifurcado, pero recordarlos me hace respetarlos y quererlos igual o más que el primer día que los conocí. Ellos me guiaron a la búsqueda de los maestros que yo necesitaba en la posteridad. En la actualidad, el Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA está ejerciendo como un maestro excepcional.
Me dices que ellos te impulsaron en la búsqueda de esos maestros que necesitabas. En gran medida eso hace grande a quien porte la palabra MAESTRO. ¿Cuáles fueron esos referentes que encontraste?
La vida, la naturaleza, la sociedad son mis referentes principales, porque me alimento de ellos. Soy aprehensiva, por eso disfruto y me duelen las sensaciones, las emociones, los detalles, lo visceral.
En cuanto al teatro supe que la línea que me hacía vibrar tenía que venir muy de adentro, y me pasó con Charenton del Buendía, en un festival de Camagüey, aun siendo estudiante, ese es el camino, me dije. La academia te crea referentes de cabecera que te quedan para siempre, escuela al fin, te dota de herramientas conexas con tu futura actividad profesional y la experiencia laboral te conduce hacia otros.
En Santiago de Cuba las estéticas de trabajo existentes no me provocaban o me movían el piso popularmente hablando, excepto La Guerrilla del Golem de Marcial Lorenzo Escudero, que me ofrecía una vibración bastante parecida a la que sentí cuando vi al Buendía. Es que manejaban códigos que tenían que ver entre sí o que tenían que ver con lo que yo buscaba. Luego aparecen Nelda y el Ciervo Encantado, y de los foráneos, el teatro de Rodrigo García. Cada uno tiene una verdad especial, que me hace recurrir a ellos de alguna u otra manera. Y la aterrizada Uta Hagen, que vuelvo a ella una y otra vez.
Cuando hacía la introducción para esta entrevista, anuncié que eras hija de la Guerrilla del Golem. ¿Qué representa para ti dicho grupo?
En mis tiempos de estudiante, La Guerrilla del Golem era el grupo problematizador, indómito, de estética opuesta al teatro popular tradicional santiaguero. Se movía entre lo absurdo, la comedia negra y un teatro contemporáneo-reflexivo desde situaciones límites. Un teatro parecido a mis intereses profesionales; es que me gusta aun el teatro que dialogue con mi tiempo, con mi presente, y así era la Guerrilla. Además, era el grupo del boom y del swing en Santiago de Cuba, marcaban la diferencia, en todos los aspectos. Mis aspiraciones eran estudiar Teatrología luego de terminar el nivel medio y quedarme en La Habana, pero no pudo ser, entonces fui por la Guerrilla que no era el grupo que me tocó en boleta, pero luché y luché hasta ir directamente para allá. Estoy hablando de 2009.
La Guerrilla del Golem y Marcial me mostraron de qué iba verdaderamente el mundo del teatro y me lo mostraron sin paños tibios. Recuerdo mi primer día, como si fuera hoy, en lo que era la sede en aquel momento, las ruinas del cine América; me dan a leer una escena de lo que iba a ser más tarde un montaje, lo primero que me dijeron con mucho sarcasmo fue: tú vas a dar guerra en este grupo, y así mismo fue, pero confieso que la guerra me encantó.
Agrego a la lista de maestros que han dejado su huella y sabiduría a Marcial Lorenzo Escudero y a la Guerrilla del Golem. Ello representa el inicio sin fin, mi morir o no morir. La Guerrilla del Golem fue el verdadero proceso de gestación y alumbramiento. Le debo lo que soy y se lo agradezco de todo corazón.
Voy hacer un salto enorme. Recuerdo que un día te invité a ver un ensayo de mi grupo, mi intención era que te quedaras trabajando con nosotros y lo logré. Desde entonces han pasado casi cinco años, ahora das guerra en y desde el grupo. ¿Qué ha significado El Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA para ti?
LA CAJA NEGRA si bien es mi perturbación emocional, anímica, sentimental, es también un diario examen de conciencia, una exploración de mi vida en presente, pasado y futuro. En ella he podido certificar que soy una amante fiel de mis imperfecciones, de mis obsesiones, y que son ellas precisamente las que me llevan a crear, porque me vuelven frágil, me desnudan, me hacen única como ser, y esa propiedad justamente fue lo que me hizo apreciar de un modo revelador al grupo.
¿Qué hace diferente al Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA de tus otras experiencias?
Los procesos de trabajo destacan al grupo. Los procesos de trabajo para mí son las verdaderas obras de LA CAJA NEGRA. Son extraordinarios y punzantes a la vez. Te conducen por zonas inesperadas y eso te obliga a vivir expectante. Son muy ricos. Es una experiencia que solo la he saboreado aquí.
Desde tu condición de actriz vinculada a una praxis diaria y extensa en Santiago de Cuba, puede ser tal vez muy difícil definir el estado de la creación teatral en la ciudad. Esa edad dorada de nuestro teatro, para muchos, parece un mito o un camino que no se terminó de hacer. ¿Qué le falta al teatro santiaguero de hoy?
Vida, diversidad, energía, proyección, solidaridad, diálogo. El teatro santiaguero está inmóvil e inseguro. Disfruta con beneplácito el progreso fuera de sus posesiones, más se resiste al progreso interno.
¿Cómo se pudiera desarrollar en Santiago de Cuba un teatro más inclusivo?
Para desarrollar un teatro más inclusivo en Santiago de Cuba debe existir respeto sobre todas las formas de pensar y hacer el teatro. Coherencia entre los creadores y las instituciones que los respaldan, comunicación real, armonía.
Aun en medio de tantas disonancias, ¿por qué tener fe en el teatro?
Porque el teatro es la representación de la naturaleza humana, tiene muchos caminos y todos son un ser en sustancia. Si tienes la capacidad de sentir afecto, sensibilizarte con las fragilidades, deslices, resistencias, y eliges como yo, el teatro para enmendar, entregar, comprender y fraternizar, entonces estamos ante un acto de correspondencia con nuestra esencia, un acto de fe, esperanza y caridad.
Entrevista #5: La verdad como un estado mental
(una conversación con la actriz Lisandra Hechavarría Hurtado)
Santiago de Cuba posee un sinfín de nombres que participan con honor en la historia del teatro cubano. Nombres que trascienden la geografía y las desventajas sociales que pudieran prevalecer ante el desarrollo del arte teatral. Los actores, dramaturgos, directores y demás hombres y mujeres de la escena, hacen de esta urbe su principal motivación. Una ciudad llena de conflictos, colores, sonidos y energía caribeña, que dota a la creación artística de cierta singularidad.
Las artes escénicas en la ciudad forman parte del pentagrama cultural de los individuos que permanecemos en ella. Santiago de Cuba es una ciudad teatral. De ahí que muchos jóvenes se encuentren con el escenario y el hecho escénico desde distintas circunstancias. Al conversar con la actriz Lisandra Hechavarría Hurtado, quien es miembro del Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA, pude percibir misticismo en su encuentro con el teatro. Lisandra posee, a pesar de su juventud, una amplia experiencia de trabajo. Se graduó de la academia de actuación José Joaquín Tejada y de la Universidad de las Artes ISA, en su filial santiaguera. Para ella el teatro es una hermosa muestra de filantropía.
¿Por qué el teatro?
No tuve alternativa, el teatro me eligió y no a la inversa.
A los 14 años lo tenía súper claro que iba a ser músico, estudiaba en la escuela de arte José María Heredia y Heredia, en la especialidad de dirección coral. Una mañana llego un claustro de profesores actores y directores de teatro captando talentos, y yo que entonces era el doble de entusiasta que ahora, me presente.
Una vez en la academia de actuación me percaté que había llegado a un lugar perfecto. Era una sensación liberadora, al estar allí siendo juzgada y observada sobre la escen, se resolvían de un tajo todos los problemas existenciales de mi adolescencia. En fin, el teatro me puso la trampa y me convirtió en una buscadora incansable por conquistar la belleza. Así comprendí que el teatro es una de las más hermosas muestras de filantropía.
En el arte, los viajes por lo regular son o muy cortos o infinitos. En ninguno de los casos, el trayecto se hace solo ni sin referentes. ¿Quiénes han sido los maestros en tus viajes?
Bueno, tuve los mejores maestros que un estudiante de teatro en Santiago de Cuba podía tener en esos años. Nora Hamze Guilart, Rogelio Meneses, Elena Yanes, Jorge Socarras Linares, Odalis Ferrer, y en estos últimos años a Alina Narciso, directora de teatro italiana quien me ha ayudado a descubrir cuáles son mis capacidades como actriz y a fortalecerlas. Debo decir algo con respecto a mis maestros y es que agradezco la formación que me han dado desde su experiencia, pero sobre todo, agradezco cuanto han aportado a mi crecimiento personal.
Los referentes que llegan a partir de nuestros maestros son motivación para encontrar otros. Así el viaje va obteniendo nuevos significados y resoluciones. En tu caso, ¿cuáles son esos referentes artísticos?
Lo primero es la escuela de actuación inglesa. Pero también Led Zeppelin, la música de los 70 y los 80, la filosofía clásica alemana, mujeres como Frida Kahlo, Marina Abramović, Pina Bausch, Merlyn Street, Marie Curie, Nina Simone , Areta Franklin, Janis Joplin, el cine italiano de los años cincuenta, Vivaldi, Rembrandt, Vincent van Gogh, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Salvador Dalí, entre muchos otros.
Haz recorrido distintos grupos o proyectos teatrales. ¿Qué te has llevado de cada grupo?
Le debo mi formación actoral al grupo “Gestus”, en ese colectivo conocí los elementos técnicos básicos que un actor profesional necesita. Allí aprendí a dominar la importancia de observar y lo necesario que es para un artista observarse a sí mismo, así como dialogar con diversas técnicas a fin de conformar una técnica propia. Esto último fue lo que me conllevó a abandonar en un momento dado a la compañía, la necesidad de otras técnicas y conceptos sobre el teatro. Además de que después de un tiempo la creación allí se había paralazado.
Luego llegué a la compañía “A dos manos”, donde tendría una estadía bastante corta, fue como una parada en el camino. “A dos Manos” tiene en su poder uno de los grandes tesoros del teatro santiaguero: el maestro Dagoberto Gainza. Con él es muy simple hablar de teatro y guarda un caudal de conocimiento riquísimo. Dagoberto fue el mayor regalo que me llevé en mi corta travesía por este grupo. Debo admitir que mi viaje por allí también me sirvió para constatar una problemática del teatro santiaguero y es la permanente contradicción generacional. Hay una generación que concibe el teatro como un espacio inmutable y no está dispuesta a salirse de su zona de confort. A ellos les interesa el diálogo con las antiguas concepciones del teatro y no les importa correr riesgos, ni experimentar. Por otro lado, hay una generación que grita por un teatro nuevo, contemporáneo y con el cual pueden identificarse y comunicarse.
También está la experiencia con Alina Narciso y su compañía Metec Allegre, para quien el tiempo alcanza solo para trabajar. Mi historia con Alina y su compañía italiana que desde hace años viene teniendo encuentros culturales con Cuba y de la cual formo parte desde hace más de 10 años, es realmente fundamental para mí. Con ella es que comienzo a sentar las bases de lo que hoy entiendo como teatro. Con el tiempo y en mi transcurrir por Metec Alegre, mi realidad comenzó a adulterarse. Una realidad inexacta y cada vez más compleja de representar. Adquirí un discurso propio y consciente, lo cual me conllevó a una gran responsabilidad.
Una de las compañías que ha sido una sorpresa para mí es el Grupo de Experimentación Escénica LA Caja Negra. Lo primero que me sucede al entrar a esta compañí, es que me encuentro con un grupo de inadaptados como yo. Gente inconforme e inquieta. La primera vez que me subí al escenario del GEE LA CAJA NEGRA me percaté que estaba frente a un espacio de interacción con todo tipo de propuestas culturales: sin tabúes ni etiquetas, libre creación, permisión de códigos foraneos, procesos íntimos, y en los últimos tiempos se ha vuelto una interrogante para nosotros la búsqueda de la identidad.
Otro asunto de interés en el ejercicio del GEE LA CAJA NEGRA es el trabajo del actor. El actor del GEE LA CAJA NEGRA no es el actor que se deshumaniza haciendo uso de la máscara para actuar, por el contrario, es el actor que se desprende de todo artificio mostrando su humanidad hasta volverse vulnerable. Es un teatro que explota no solo las fortalezas del actor sino también sus debilidades. De este grupo me llevaré la verdad como único precepto a la hora de hacer arte. La verdad como precepto ético y artístico, la verdad como un estado mental.
¿Cómo ha cambiado tu noción de lo que entendías como teatro y lo que hoy prácticas y asumes?
Imagínate que antes veía el teatro como una pasarela donde me subía a pavonearme sin analizar las cosas ni medir las consecuencias. Era muy chica cuando comencé y no tenía ni la madurez ni la información para comprender las cosas. Para asumir la existencia de un teatro comprometido, culto, revolucionario, educativo, crítico y necesario. Tuve que pasar incluso por dos procesos de metamorfosis, el primero con Metec Alegre, y el segundo con GEE LA CAJA NEGRA. El teatro me cambió para que yo pudiera luego comprender la responsabilidad del oficio. Así descubrí su poder y el mío, así me comprometí.
La Bota Rota #3: En conflicto con la realidad
Toda crisis es material valioso para el teatro. La realidad nos dota de posibilidad infinita para r-interpretar sus fisuras y sus composiciones. Para muchos el arte es la representación conflictiva del hombre con la realidad. Todas las épocas han encontrado a través de los artistas, los prismas esenciales para confluir con las tramas de “lo real”, “lo probable” y “lo posible”.
El Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA es un colectivo teatral donde el arte es asumido como imagen conflictiva de la existencia. Los proyectos desarrollados durante los últimos meses respaldan la anterior afirmación. Búnker es el nuevo espectáculo en construcción, interpretado por el actor Ricell Rivero Rivera; la obra se integrará de distintos materiales simbólicos y disciplinas artísticas.
La presentación del video performance Búnker #1 Zonas de conflicto, da inicio a una saga de video-artes que encabezan la exploración de nuestro contexto actual. El hombre alienado/aislado, en la soledad del fracaso colectivo. ¿Existe? ¿Será el final del juego? ¿Encierro?
Búnker será una investigación compleja; empezó por la fotografía, se sumerge en el video-arte y el performance, y llegará al cine para luego convertirse en un espectáculo teatral. Un actor/performer que no cabe dentro del traje aislador. Un individuo subjetivo, a medio hacer o a medio acabar con su existencia. ¿Cómo ensamblar la contradicción? El hombre está aparentemente solo, pero es la realidad quien lo oculta de sí mismo.
Siguiendo la ruta del GEE LA CAJA NEGRA, aparece el material Ofelia. Texto inspirado en segmentos de Máquina Hamlet, del dramaturgo Heiner Müller, y que cuenta con la actuación de Yanisleidys Laborí Cuevas. Este es un inicio de montaje, donde la poesía se mezcla con el dolor histórico encarnado en un cuerpo de mujer para denunciar la violencia que han ejercido sobre su naturaleza a través de los siglos. Este es un trabajo limpio, de una belleza que nace en “lo teatral” pero que muta al leguaje del audiovisual. Es precisamente esta mezcla la que hace contundente el discurso de la representación. Todas las imágenes son precisas y no admiten banalidades ni entretenimientos.
Ofelia es una búsqueda arriesgada pero que de seguro el público acogerá sin miramientos. Defiende grandes causas, defiende el sentido de la igualdad y la diversidad de ideas. No será un montaje para pedir permisos ni libertades contemporáneas, será una obra para tomar el almanaque de todos y darle forma.
Otros de los procesos que se compartieron y cuyo valor excede “lo común”, es #TroyanasenYouTube. Proyecto transmedia de la autoría de Ámbar Carralero Díaz (teatróloga y escritora), de La Habana. Cada documentación presentada en voz de sus protagonistas fue un registro de sus experiencias durante el trayecto. Las intervenciones estuvieron protagonizadas por Anabel Pla (actriz que interpreta el personaje de Elektra), Yoanna Pérez Acanda (actriz que interpreta el personaje de Casandra), Laura Hernández Perdomo (productora y asistente de dirección del proyecto), Ileana Sarduy Prohenza (actriz que interpreta a Hécuba), y los actores Inima Fuentes y Yasmany Guerrero. #TroyanasenYouTube es un proyecto intransigente, vistoso y renovador en la relación entre artista-público-obra.
Desde San Antonio de los Baños, en la provincia de Artemisa, nos acompañó el grupo Teatro del Retorno, proyecto dirigido por Alexander Diego Gil Valle. Entre los materiales presentados es Comorbilidad; el trabajo más certero y necesario. Su propuesta cinematográfica nos recuerda a Artaud y, su crueldad, a Samuel Beckett, y su absurdo a nuestro Virgilio y su poética del destierro. Gil Valla reta a la realidad como si esta no pudiera evitar la eterna enfermedad de la presencia/la ausencia. Su lenguaje es una construcción de distintos referentes visuales y escénicos pero que se entrelazan para crear una narrativa en conflicto con la realidad. Casa gesto es un imán sensoperceptivo. Cada movimiento una salida a un mundo corporal y enfermo.
El cierre nos trajo al cortometraje Cambio de Planes, dirigido por Arnaldo Sariol Valdés. Un obra cuya búsqueda simplifica al arte como experiencia “respiracional” en conflicto con la realidad. Sariol, en su deseo de construir lenguajes alternos/interdisciplinares, nos regala “un susto”. Nos dice que la vida es determinación dentro del azar. Nos dice que todo día es bueno para cambiar de suerte.
La II Edición de la Jornada Teatral La Bota Rota nos deja varias enseñanzas tras el cierre del telón. La primera es que el teatro seguirá necesario sin importar dónde se piense y se haga. La segunda, que en Cuba hay muchos creadores interviniendo la realidad y convirtiéndola en material simbólico. Y para no hacer más larga la lista, una tercera enseñanza: la voluntad creativa del hombre. Nada les es más natural a los hombres que la necesidad de crear y expresarse a través de la creación.
Esta fue una jornada para el encuentro, para el ciber-abrazo, para el recuerdo. Pero también para activar distintas zonas de la creación teatral cubana. Santiago de Cuba continúa en la construcción de caminos para fortalecer los vínculos escénicos en el país. La Bota Rota es un ejemplo de cómo medir el contexto y transformarlo en acción.
Escena #8: El único enemigo es el lenguaje
(El Grupo de Experimentación Escénica La Caja Negra cumple cinco años)
I
Han pasado cinco años desde que un grupo de jóvenes teatristas santiagueros, decidieran fundar un nuevo camino. Una nueva imagen para entender y entenderse dentro del mundo. Un concepto para ofrecer otra alternativa. ¿Herejía? La lucha contra el espasmo siempre es una contradicción. Todo lo que simule (al menos) una salida a la obediencia a la que nos somete el lenguaje, es una entropía reprochable y fácil de ver como enemigo. El lenguaje suele subyugar a los artistas a consonancias muy rígidas y tóxicas. El lenguaje busca someternos cuando la fórmula funciona para algunos.
Han pasado cinco años y nuestra disputa por vencer al lenguaje continua. El ego perdió su pulso tras obras como “El plan B es seguir el plan A” y “Bonsái”. Nuestra escena sigue caótica/imperfecta/enérgica/simbólica/política/familiar. Después de estos cinco años, todo empieza a encajar en el puzzle. Todo es una visión sobre lo exacto. El camino nunca fue casual, elegimos esta imagen porque nos representa. Elegimos esta conducta escénica porque nos permite dialogar. Elegimos LA CAJA NEGRA porque era una necesidad creativa.
Fundar siempre es complicado. El arte es una mezcla de todas las cosas bellas del mundo pero también de todas las miserias. Ser un concepto para el ojo que observa puede significar cambio, y el cambio es un susurro demoledor que siempre amenaza con ensordecer al pasivo.
II
Si algo ha sucedido durante este tiempo es que nuestra identidad como grupo se ha fortalecido. Cada trabajo es una consecuencia del anterior. Cada trabajo es divergente pero mantienen la unidad estética de LA CAJA NEGRA.
Desde que la pandemia se instauró en la isla, los planos simbólicos del arte cubano (y del teatro específicamente) han mutado o se han paralizado en algunas zonas. Nuestro grupo ha encontrado en el espacio virtual y la producción audiovisual, un ejercicio de resistencia para producir y compartir todo el material simbólico que generamos a diario. Durante este periodo hemos creados distintos materiales: videoarte, cortometrajes, video-poesía, micro teatro, cápsulas promocionales, y exposiciones fotográficas. El número de colaboradores ha crecido, últimamente hablamos más de usuarios y suscriptores que de público. Nuestra voluntad nos ha introducido en un mar sin fondo. Allí, frente a una platea infinita construimos memoria. ¿Será que se puede existir sin ese ejercicio?
Filtrar la realidad con nuestro hacer y transformarla en arte, siempre fue nuestra premisa más determinativa. Somos un grupo que experimenta con las emociones de los otros, somos un grupo que construye nuevas narrativas a partir de las historias de los otros. Nuestra imagen del mundo es posible gracias a la multiplicidad de voces que nos inspiran. ¿Podría ser de otra manera? ¿Experimentar/construir/hacer? Nada le es ajeno al arte. Todo lo que yace a la vista puede ser naturalizado por las emociones y los sentimientos.
III
Nuestro teatro busca ser transparente. No asumimos la escena como un espacio para entablar una disputa con el espectador. La escena es un lugar sagrado donde cabemos todos sin distinciones. Sin importar nuestras fragilidades y nuestras diferencias. Nuestro teatro busca ser trasparente porque se rige por el amor y la verdad, aunque esos parezcan conceptos muy cursis y gastados en pleno siglo XXI. Asumir esas palabras o el sentido que ellas generan es una necesidad que no podríamos evadir. Para nosotros no hay nada más transgresor que lo que se genera desde el amor y la verdad.
Trabajos como Bonsái (la película) nos han conducido a explorar nuestra cotidianeidad desde su sentido más absurdo y simbólico. Seres insignificantes habitan una sociedad de colmo donde los minutos trascurren como condena. Seres que desafían la credulidad del ojo que observa y nos ponen frente al espejo. ¿Puede este árbol dejar de ser nuestra sombra? ¿Por qué no generar otra luz menos uniforme y rígida? ¿Podemos evitar la práctica del Bonsái? ¿Cómo entender la acción distintiva en un individuo condenado al fracaso?
La serie Juego de Agua nos introdujo al mundo de la poesía como literatura. Allí nos acercamos a Dulce María Loynaz y al universo que generó su búsqueda. Diez capítulos entre performance, video y literatura nos fueron suficientes para continuar por esos senderos. Fue entonces cuando decidimos llegar a José Lezama Lima. De todos los textos abordados del gran poeta, Muerte de Narciso ha significado nuestro mayor reto. Una representación sobre el discurso del texto, nos llevó a ver la poética de Lezama como un canto a la experiencia acumulada en vida. Una experiencia que desaparece con la muerte, y eso significa libertad.
Muerte de Narciso pudo ser otro tipo de material, pero para nosotros hablaba del amor y eso nos generaba otras conclusiones: amor al cuerpo, amor a la memoria, amor a la vida, amor a la muerte, amor a transitar libre despojado de todo credo y convicción. Así Narciso se convirtió en otro de nuestros personajes, como si Lezama le hubiese dado esa orden.
Desde el teatro, Ofelia como espectáculo puede ser un buen ejemplo de nuestra investigación en aislamiento. El texto fue extraído de la obra Máquina Hamlet de Heiner Müller y trabajado como un material cercano al micro teatro. Un abordaje de un texto teatral, con una visualidad teatral, pero que funciona como un dispositivo audiovisual/cinematográfico. Ofelia es una experiencia que se nutre de nuestra participación en los espacios virtuales. Es un dispositivo con el que podemos dialogar en el cibermundo y aun parecer que estamos aferrados al escenario. A ese lenguaje que busca el convivio y la participación activa desde platea.
IV
Han pasado cinco años desde que el lenguaje se convirtiera en nuestro único enemigo. Ha sido el inicio de un viaje contra el ego y todo lo que agreda espiritualmente a las cosas esenciales de la creación artística. En ese viaje muchos han quedado atrás pero no sin antes aportar y dejar su huella en nuestro colectivo. Otros han llegado para incorporarse a un sueño que le es común y por el que vale la pena sacrificar el orgullo y otros aranceles.
El teatro para el Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA es un acto de fe. Una respuesta al fracaso y a las contradicciones de nuestra generación. Es nuestra manera de enfrentar y superar al lenguaje. Es nuestra voluntad y nuestra propuesta para crear un mundo regido por el amor y la verdad. ¿Será esto la construcción de una utopía?
Orígenes seguirá teniendo la palabra
El día 18 de mayo aún continuábamos recibiendo materiales de varias provincias del país. El equipo coordinador del evento ponía en marcha su mejor estrategia para descargar las informaciones y, a último minuto, las peripecias con el diseñador nos hicieron entrar en pánico. Nos abrumó la idea de no poder llevar a cabo en fecha la Jornada Literaria Orígenes. De no haber podido realizarse según calendario perdía su objeto histórico: el de rendir tributo al Apóstol el día19. Pero como el empeño y la entrega a lo que hacemos es la fuerza de ese motor impulsor que no claudica, el evento rompió en la mañana del 18 justo a las nueve en punto con la entrevista al Comité Organizador: el Coordinador de la Célula de Contramaestre Arnaldo Sariol, realizador audiovisual, quien fuera parte indispensable de la producción para el evento; el presidente de la filial santiaguera Juan Edilberto Sosa Torres, director del Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA, y la vicepresidenta Lisbeth Lima Hechavarría, escritora santiaguera. Amén de que además se contó con el trabajo del vicepresidente Erick Pérez Martín, músico, director de la banda D’Nova, quien estuvo a cargo de todo el proceso de producción y el equipo de comunicación.
Cada mañana el locutor y miembro destacado de nuestra AHS, Dayron Chang, nos ponía al tanto con los Noti Orígenes, donde no fueron pocas las sorpresas que se sucedieron a lo largo del evento. Se contó con un amplio programa donde los paneles y conversatorios nutrieron la parte teórica, resaltando momentos tales como: Digo lo ineludible: ideas como músculos en la prosa de Eduard Encina, a cargo de Jorge Labañino Legrá (Contramaestre, Santiago de Cuba). Abriendo con esta conferencia inaugural rendimos tributo al Miembro de Honor de la Asociación Hermanos Saíz, el escritor Eduard Encina, fundador del evento junto a Arnoldo Fernández Verdecia, historiador, a quien se dedicaron las siguientes entrevistas: Desde los Orígenes, sobre la fundación de la Jornada, por Lisbeth Lima Hechavarría, con el realizador audiovisual Arnaldo Sariol Valdés y Remanganaguas, ruta histórica en Contramaestre, por Yanetsy Ariste (Pinar del Río).
Esta XIII edición del Orígenes estuvo dedicada la traducción en el panorama literario actual, vistiéndonos de lujo con los panelistas: Oscar Cruz y Aida Bahr (Santiago de Cuba), ambos con una trayectoria notable en este hacer. Siguiendo esta misma temática contamos con la colaboración de la Asociación de Traductores de Santiago de Cuba con el conversatorio Los textos que Martí tradujo, por Lilian Sanz.
Tuvimos la presentación del Boletín Literario Otro Criterio, por Ernesto Andrés (Lezama), poeta y miembro de la AHS en la célula de Contramaestre, momento que estableció un nexo con la interesantísima propuesta, colaboración de los Miembros de Honor de la Célula de Songo La Maya: Eloy Díaz y Rogelio Ramos, con el conversatorio Martí y el pensamiento crítico, necesidad de una crítica artística especializada en nuestros días. Y en este recuento sobre lo fructífero en materia cognitiva, no puedo dejar de mencionar las conferencias magistrales por intelectuales santiagueros como Israel Escalona y Luis E. Jerez, con el conversatorio Martí y la intelectualidad del presente, Influencia martiana en la joven literatura de la Isla, por Rodolfo Tamayo y El pensamiento económico en Martí, en homenaje al aniversario 130 de su discurso ante la conferencia monetaria, por Reynier Rodríguez Pérez.
Pero no solo Literatura e Historia inundaron las redes por esos días, el arte todo fue protagonista de esta edición, por primera vez online, en donde el Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA estrenó su serie Juegos de Agua, presentando videos performans a obras clásicas de nuestra literatura como A la del amor más triste, El amor indeciso, ambos materiales por Adolfo Guzmán Pacheco, y Balada del amor tardío, por Dalia Ramón León, ambos de Santiago de Cuba, rindiendo tributo a nuestra poetisa Dulce María Loynaz.
Se inauguró la expo fotográfica Híbridos de un texto. Curada por Edgar Brielo (Jefe de la sección de artes visuales de la AHS Santiago) y Miguel Y. Cosme (Santiago de Cuba, artista visual), con la participación de creadores de todas partes del país, entre ellos la destacada artista de la plástica Tahimi Cugat Estevez (Santiago de Cuba).
La música amenizó cada noche al cierre en conciertos con los trovadores de La Habana, Inti Santana y EL GAPE, quien acaba de ganar el Premio Cubadisco 2021. Desde Villa Clara Yatser Rodríguez, presidente de la filial de la AHS en el territorio, nos deleitó como miembro del movimiento de trovadores “Trovuntivitis”, y del movimiento Caña Santa, la joven y talentosa trovadora Yeni Turiño, quien ya nos había acompañado en la edición del Orígenes en 2017. Y, por supuesto, no podían faltar los chicos del quehacer trovadoresco en el municipio Contramaestre, entre los que destacó el concierto del grupo Diástoles, integrado por Luis Ariel Fernández, Chicho Vega, Leonel Ramírez Alcolea y Livan Leyva. Además, participaron otros trovadores como: Yanco León (Bayamo), Henry Fonseca y Roe Alejandro (Contramaestre).
La peña literaria El Escriba, espacio habitual de la programación de la filial santiaguera que cada mes presta atención a un género literario distinto, realzando el quehacer de los principales exponentes en el país, llegó ese mes a su décima edición desarrollándose dentro del marco del evento. Dedicó su temática al haiku como mínima expresión poética teniendo como invitado al haijin Yulier Canuto Pérez (La Maya, Santiago de Cuba), coordinador principal del proyecto Pensar en Haiku. Se abordó la temática de Martí y el Haiku. Influencia de la cultura japonesa en la obra martiana y haijines en Cuba (http://www.ahs.cu/pensar-en-haiku/). En la sección “Café con Letras”, dedicada siempre al vínculo con la AHS, el invitado fue el joven escritor Darío Cisneros Borruel.
El día 19 de mayo en horas tempranas de la mañana se hizo entrega de una ofrenda floral en el Cementerio de Remanganaguas en conmemoración del aniversario 126 de la caída en combate del Apóstol, José Martí, a nombre de la AHS en Santiago de Cuba, su filial de Contramaestre y las autoridades del territorio. También llegaron hasta donde se encuentran los restos del colega y amigo Eduard Encina, aquellos que no dejan de sentir su ausencia. Se le dedicaron unos versos y el momento nos envolvió a todos, aun en la distancia, de una nostalgia propia del que ha sentido el vacío que dejó Encina en Orígenes.
Se presentaron novedades literarias de editoriales santiagueras: Ediciones Caserón, por Rodolfo Tamayo Castellanos, Ediciones Santiago, por Rainer Martínez, y la Editorial Oriente, la cual recién arribó a su 50 aniversario, por Roberto Carlos Founier. Además, tuvimos las presentaciones de las novedades literarias de las editoriales de la AHS: Ediciones La Luz, por Lilian Sarmiento, Elizabeth Soto y Liset Prego (Holguín). Editorial Sed de Belleza, por Alejandro Hernández, (Villa Clara), y Editorial Áncoras, por Yadian Carbonell Hechavarría (Isla de la Juventud). Y no podían faltar nuestras revistas santiagueras en el marco del evento cuyas presentaciones corrieron a cargo de Oscar Cruz, con la revista literaria La Noria, Rodolfo Tamayo con la revista Caserón, y la revista Viña Joven por Noel Pérez (Santiago de Cuba).
Los proyectos literarios del país también tuvieron su espacio. El Proyecto Islíada, del escritor Rafael Grillo, uno de los repositorios más nutridos de la literatura cubana contemporánea, así como de otros exponentes latinoamericanos, con cerca de 500 autores, celebró su décimo aniversario en el marco del evento Orígenes. Callejas, desde Trinidad, nos compartió en su intervención los objetivos fundamentales de su quehacer, donde la promoción artístico-literaria es faro para las nuevas voces. Por su parte, el Proyecto 5ta Dimensión, de literatura de Ciencia Ficción y Fantasía, coordinado por la escritora y periodista María de Jesús Chávez Vilorio, nos puso al tanto de las perspectivas futuras una vez superada esta etapa de la pandemia. El taller se mantendrá los 2dos y 3eros viernes de cada mes, y la peña, como cada 4to sábado, seguirá teniendo lugar en la programación de la Casa del Joven Creador.
Un momento de mucha fuerza dentro del programa fue la intervención del Proyecto Diversas con el conversatorio: Mujeres piensan a Martí. Este proyecto, dedicado al enfoque de género y a la desmitificación respecto a las creencias populares, pretende desde el arte enarbolar el quehacer de la mujer y la potencia de su voz. Por ende, en esta decimotercera edición del evento, pensar a Martí desde la concepción femenina, con la presencia de Sahay Fajardo, coordinadora principal del proyecto, Taína Barthel y Ada Lescay matizó con nuevos aires al Orígenes.
Los invitados agradecieron el obsequio de dos libros en el evento, uno de ellos José Martí, el apóstol de Remanganaguas, de Arnoldo Fernández y Antonio Isacc Hechavarría, a cargo de quien corrió la presentación del mismo. Se mostraron deslumbrados ante las sorpresas de la historia mientras la voz de Arnoldo narraba, como si camino a Remanganaguas fuéramos, la ruta histórico funeraria de los restos del Apóstol y el maravilloso mito que envuelve las tierras del cementerio en ese lugar, donde la magia no deja de acompañar a quienes lo visitan.
Los propósitos de esta XIII edición de la Jornada Literaria Orígenes se cumplieron dejando tras de sí una memoria histórica invaluable para la Asociación. Se logró dar un vuelo nacional al evento donde contamos con la participación de escritores de todas partes de la Isla. En las lecturas de poesía Nada en el polvo ni en la cal se encierra contamos con invitados tales: Reynaldo García Blanco (Santiago de Cuba, Premio Casa de las Américas), Onel Pérez (Contramaestre, Santiago de Cuba, Premio Poesía de Primavera), Mailin Ciria Castro (Contramaestre, Santiago de Cuba), Ernesto Andrés (Lezama) (Contramaestre, Santiago de Cuba), Jorge Labañino Legrá (Contramaestre, Santiago de Cuba, Premio La Gaceta), Hansrruel Aldana (Guantánamo), Gisselle Lucía (La Habana), Eddy Serrano Castillo (La Maya, Santiago de Cuba), Karla Gil (Guantánamo), Yess Ramirez (Guantánamo), Reinyer Rodríguez Pérez (Santiago de Cuba), Drian Orduñez (Guantánamo), Rdolfo Tamayo Castellanos (Santiago de Cuba), Roberto Fournier (Guantánamo).
Y, en las lecturas de narrativa Memoria es un taller de la existencia, contamos con escritores de la talla de Elaine Vilar Madruga, Abel Guelmes Roblejo, Barbarella D’ Acevedo, Rafael Grillo, Malena Salazar Maciá, de La Habana. Alejandro Rama (Las Tunas, Premio Calendario 2020), Raúl Piad (Matanzas, Premio Calendario 2020), Javier Pupo (Contramaestre, Santiago de Cuba), Ana Lisandra López Méndez (nuevo ingreso, Contramaestre, Santiago de Cuba), Argenis Sánchez Osorio (Mayarí Arriba, Santiago de Cuba), María de Jesús Chávez Vilorio, Darío Cisneros Borruel (Santiago de Cuba) y César David Guerrero Paz (Palma Soriano, Santiago de Cuba).
Así fue, amigos, el programa de este evento en Santiago de Cuba, cargado de primicias y con un ritmo que conquistó la comunidad online, donde una vez más el trabajo de la Asociación Hermanos Saíz enarboló la bandera del hashtag más usado ahora mismo en redes por el gremio artístico joven: #ElArteSalva. Celebrando el aniversario 35 de la AHS, echamos a andar seguros de que en la edición XIV el Orígenes seguirá teniendo la palabra.
Un mapa para elefantes solitarios
La Cartografía puede ser una ciencia, un tratado de Geografía náutica o una técnica para trazar mapas de reinos actuales o perdidos en el tiempo. En el mapamundi no existe Elefantolandia; ni los elefantes han dejado de andar en manada. Pero la metáfora es imbatible y la imaginación señorea cuando hablamos de nosotros, los seres humanos que vivimos hinc et nunc. Decía Ortega y Gasset, el filósofo español, que “yo soy yo y mis circunstancias”. ¿Es que, acaso, puedo ser otro? Para reflexionar sobre la existencia humana han ocupado, nuevamente, un espacio en la escena un grupo de jóvenes artistas santiagueros.
El jueves 24 de septiembre (2020) en el Cabildo Teatral Santiago, en el inusual pero obligado horario de las 6:00 P.M., el Grupo de Experimentación Escénica LA CAJA NEGRA estrenó Cartografía para elefantes sin manada, de Laura Liz Gil Echenique, con diseño escenográfico y bajo la dirección artística y general de Juan Edilberto Sosa. En el elenco artístico estuvieron Erasmo Griñán, Maibel del Rio y Lisandra Hechavarría, quien alternó con Yanisleidys Laborí. LA CAJA NEGRA, fundada en junio de 2016 como un proyecto de la AHS, ha sido desde entonces un foco de atención permanente para el público y los artistas de la ciudad. Han estrenado, entre otros, El Deseo (otro panfleto escénico); Bonsái; Y los peces salieron a combatir contra los hombres, y Leviatán.
Sobre heridas y nostalgias, aciertos y errores en la búsqueda de la felicidad, memorias, recuerdos y añoranzas trata esta obra. Su tono es altamente lírico, lleno de metáforas contemporáneas, tan hermosas como complejas, tan sociales como existenciales. Y es que no puede ser de otro modo. El mundo ha cambiado y el lenguaje poético y el escénico han de cambiar con él. La subjetividad está presente a todo lo largo de la puesta en escena. El espacio se convierte en una categoría dramatúrgica y existencial. No puede olvidarse la importancia que concedía al espacio el director, profesor y dramaturgo, Rogelio Meneses Benítez, quien consideraba que el espacio determina la dramaturgia. Aquí soledad, incomunicación y actitud de búsqueda de la felicidad, van de la mano.
La acción se desarrolla por confesiones monodramáticas y puede ser vista como circular. Aun cuando ellos se van de sus espacios, todo puede volver a comenzar en otros o por otros protagonistas. Los personajes pueden ser Maibel, Lisandra y Erasmo pero en otros espacios, o ser otros en los mismos espacios que ya han habitado Maibel, Lisandra y Erasmo.
El elenco cuenta con algunas de las figuras más relevantes de la escena santiaguera. Maibel del Rio mostró su talento y versatilidad en dos piezas tan diferentes como Menudos pedazos y La estrella negra. Lisandra Hechavarría deslumbró desde su aparición como una simpática anciana revolucionaria; cederista, federada y miliciana, pero adicta al ron, en ¿Y llegarán los camiones? hasta el trabajo con Alina Narciso como directora a partir de los textos de la poeta Teresa Melo, escritos en La sombra protectora.
Hay un tercer actor en la puesta en escena. Es graduado de la Academia pero no es un actor académico. El público lo ha visto en espectáculos y presentaciones no convencionales. En Pasaporte (Calibán Teatro) hizo un camarero cubano en EE.UU., en una difícil e intensa pareja con Dalia Leyva, quien siempre se muestra excepcional para elevar el nivel emotivo del público. La labor de Erasmo Griñán resulta válida, nuevamente, como balance actoral y dramatúrgico de esta puesta en escena. Posee carisma, presencia, buena voz y correcta dicción e irrada, además, una energía contagiosa. Posee respeto y fe. La fama habrá de llegarle con el tiempo.
Juan Edilberto Sosa es uno de los creadores santiagueros que ha decidido hacer un camino en el arte de la ciudad. Ha resultado polémico por novedoso y, en consecuencia, atractivo para la juventud y la bohemia de la ciudad. Pero su labor se profundiza por día y sus instrumentos como director se amplían, lo que permite una mejor y más rápida conexión con todo tipo de público. Logra belleza en la transposición de la imagen literaria a la escénica, así como en la creación de la metáfora teatral en sí misma. El espectador percibe dos palabras/clave en el discurso narrativo. De ambas tenemos en común elefantes y seres humanos: memoria y manada, que suponen o se contradicen con otras visibilizadas en el discurso escénico.
El tema de Cartografía… es de una importancia poco menos que vital para todos los seres humanos. Pero tales disquisiciones transitan por una situación de fondo en las que navegan nuestras angustias más íntimas dado que tendemos a intelectualizarlas, esto es, navegan por el sentido profundo de la cubanía y su relación con el mundo; y de nosotros, con la realidad en la que vivimos. Siempre recuerdo a Martí, todo el que lleva luz, se queda solo.
La AHS en jornada homenaje a Fidel y a los hermanos Saíz
Un variado programa de presentaciones de libros, lecturas de poesía, exposiciones, y puesta en escena de obras de teatro en comunidades de difícil acceso, integrará la Jornada 13 de agosto, en homenaje a los jóvenes poetas Luis y Sergio Saíz Montes de Oca y al Comandante en Jefe Fidel Castro (1926-2016).
Organizadas por la Asociación Hermanos Saíz (AHS), que agrupa a la joven vanguardia artística del país, las actividades se desarrollan desde este lunes y hasta el 13 de agosto próximo, fecha de los aniversarios 94 del natalicio del Líder Histórico de la Revolución Cubana y 63 del asesinato de los hermanos Saíz, cuando se disponían a realizar una acción por el cumpleaños del Fidel.
Una vez más, el programa acogerá el ascenso al Pico Turquino (el punto de mayor altitud de Cuba con mil 974 metros sobre el nivel de mar) y la visita la casa natal de Luis y Sergio en el actual municipio pinareño de San Juan y Martínez.
El propio 13 de agosto las acciones llegarán hasta Artemisa, donde en el espacio La AHS y su historia, conducido por la Lic. Mabel Martínez Deulofeu, directora del Mausoleo Homenaje a los hermanos Saíz, se realizará la entrega del carnet a los nuevos asociados, y a las cinco de la tarde en la Sala 3D, tendrá lugar un concierto de Pancho Amat y la agrupación Tiempos de sí.
Asimismo, en Mayabeque se inaugurará la expo personal Humanites, del artista Lázaro Reinier Tamayo, en la Galería AHS; y en Matanzas se realizará la presentación del libro Fidel y la AHS, en el Patio Colonial, sede provincial de la organización y una descarga de trova con Silvio Raúl Torres, Javier Alejandro, Rey Pantoja y Carlos Fidel Taboada de invitados.
Según la nota de prensa, Villa Clara acogerá en la fecha una gala artística del proyecto Coronavida, en el municipio Cifuentes, con la actuación del trovador Yatsel Rodríguez y el grupo Café Pilongo, y los poetas Sergio García Zamora, Ernesto González y el trío Palabras.
Por otra parte, en Cienfuegos se realizará el concierto de Ariel Barreiro e invitados; y en Sancti Spíritus tendrá lugar la inauguración de la muestra colectiva Convergencias II y una lectura de poesías a cargo de Ariel Fonseca, premio Calendario 2019; mientras que en Ciego de Ávila se proyectará, en el Café Barquito, el documental Por qué luchamos, dedicado a los hermanos Saíz.
De acuerdo con la información, en Camagüey tendrá lugar una siembra de árboles en el Jardín botánico; en Las Tunas la develación del identificador de la sede provincial de la AHS, a cargo de Amaury del Río; y en Holguín un concierto de música electrónica con DJs de la organización.
En Santiago de Cuba, por su parte, se realizará la actividad central por la conmemoración en el municipio Palma Soriano, en un encuentro con autoridades del territorio y un panel sobre el quehacer de la AHS, talleres de apreciación–creación a niños de la comunidad y al Parque Central llegará Ventana performance, un programa de intervenciones públicas con la participación del grupo de experimentación escénica La Caja Negra.
Las acciones de la Jornada 13 de agosto se extenderán también hacia los días 14 y 15 por todo el país, inmerso en la celebración de la vida y obra del Comandante en Jefe y los valientes jóvenes patriotas Luis y Sergio Saíz, destacados combatientes contra la tiranía batistiana en la década del 50 del siglo pasado y militantes del Directorio Estudiantil Revolucionario.
Bonsái: un ejercicio de mutilación del yo ⃰ (+ Videos)
Un bonsái, básicamente, es un árbol mutilado para moldearlo de manera estética según los intereses de quien lo haga. Partiendo de esta idea y, teniendo en cuenta algunos de los procedimientos para llegar al resultado final (dígase: siembra, trasplante, poda, alambrado, etc), sospecho que la pieza de rareza inclasificable o inter-genérica Bonsái, del santiaguero Juan Edilberto Sosa, no es otra cosa que el registro audiovisual de una metáfora.
No importa aquí ningún tipo de búsqueda técnica del audiovisual propiamente dicho; aunque tampoco carece de cierto hallazgo afortunado, sobre todo a nivel narrativo y psicológico: planos aberrantes, sonidos ambiguos y una secuencia abstracta hacia mitad de la película. Desde este punto de vista quizás se resiente en la precariedad del sonido, independientemente a que haya sido intención –o no– de sus realizadores. El sonido, se sabe, juega un papel protagónico en la dramaturgia de cualquier tipo de obra audiovisual.
Pero a lo que íbamos: la jerarquía aquí pertenece a la mera coincidencia de colocar una cámara en un sitio donde está ocurriendo algo: la metáfora: la mutilación del ego de un personaje que es muchos personajes.
Hay una angustia latente que se respira durante todo el film y que es, luego de las posibles carcajadas iniciales provocadas por la imagen esperpéntica del personaje, lo que logra conectar con el espectador. La angustia entendida como un oxímoron: de un lado, la angustia de lo cotidiano como inercia que tira hacia la desidia; del otro, la angustia como envite tácito que provoca finalmente un salto (una suma de pequeños saltos, en realidad): lo que delata, en definitiva, la naturaleza más primitiva y elemental del ser humano: el drama de respirar, comer y cagar: la belleza patética. Ejecutada por Juan desde lo alegórico y manifestada visualmente en el vestuario (o piel) y la conducta (¿o mente?) del personaje.
Entonces entramos de a lleno en una especie de círculo vicioso que roza lo inquietante, sobre todo entendiendo que los sentidos están anulados de antemano por esa piel o caparazón forjado a golpe de alienación: multi-medial, (des)informativa y de resistencia instintiva a la agonía. Este último elemento cobra particular connotación en la dedicada compulsión del personaje a su higiene personal, que además implica –narrativamente– una contextualización inmediata de la historia. Sin embargo, poco a poco se nos revela que en realidad el círculo es espiral que, a cada vuelta, ha ido ganando en diámetro, poco a poco, mientras su zona de confort se torna cada vez más peligrosa.
Bonsái es un ejercicio de pensamiento. Si no logra echarle a andar las neuronas, ya puede dormir tranquilo el resto de su vida. Más allá de un argumento lineal que sospecho propiciado para el audiovisual y no así para la pieza teatral en conjunto, lo que destaca de la historia es la certeza de que somos manipulados por un algo que prevalece. Llámelo dios, llámelo narrador, llámelo sociedad. Nos siembran, nos podan y nos trasplantan; así como pretendemos hacerlo con otras cosas.
Al ser, además, un ejercicio de supresión del ego, el actor deja de tener importancia y el personaje se convierte en la obra. Condición que le acerca a un Kafka o a un Virgilio Piñera, donde el yo es sustituido por el nosotros, incluso por el eso. Es entonces que desaparece el individuo y aparece el sustrato. Por lo tanto, desde un punto de vista formal y referencial, le percibo cierta proximidad con algunas formas del teatro asiático, pero desde una especie de hibridez que le acercan, desde lo teórico, al teatro antropológico del italiano Eugenio Barba y, desde la ejecución, al teatro pobre del polaco Grotowski y al experimentalismo de Samuel Beckett.
Finalmente, descubrimos en la pieza ese acercamiento otro que lo redondea y lo carga de significado: la metáfora multiplicada en la colectividad, el fin mismo de todo arte: provocar. La capacidad inter-genérica que por naturaleza porta Bonsái permite que pueda desbordarse hacia el performance o el happening. Y descubrimos la mirada atónita del transeúnte no-pensante, que es capaz de creer sin dudar en lo que dice su televisor, pero no da crédito a lo que puede aparecer ante sus ojos un día cualquiera de su vida.
Entonces todo cobra sentido, un sentido quijotesco: el transeúnte queda mutilado y el personaje se exonera, al menos durante algunos instantes, de cualquier tipo de averno: real o simbólico. El personaje tiene un proyecto, pero no se imagina que sigue siendo parte de un plan más grande: el proyecto del gran mutilador: el pequeño ojo que te mira desde la primera fila, el enorme ojo que te mira desde la sala de proyecciones. El personaje sale en su bicicleta, convencido de que solo lo guía su voluntad, convertido definitivamente en un resultado estético: mutilado y moldeado, pero admirable.
