música


Réquiem por Impuro

La tragedia se ha cumplido. ¡Descansa en paz Alejandro Yarini, descansa en paz!, dice Carmen. Y una antiquísima canción entonada por los actores como una letanía inunda con más fuerza la escena: ¡Se van los seres, se van los seres, se van los seres a otra mansión. Gracias, gracias, gracias le damos al divino Señor. Gracias, gracias, gracias le damos al divino Señor! Nosotros, los testigos desde la platea del desastre, del héroe asesinado, también decimos para nuestros adentros: ¡Descansa en paz Yarini!

Señalado desde pequeño con una estrella, dotado de una belleza casi sin par en su época, perteneciente a una de las familias más acomodadas del país, con una formación múltiple que le llevó a estudiar incluso en el exterior (EE.UU), con dominio de la lengua española e inglesa; un hábil conversador y seductor de masas, Alberto Manuel Francisco Yarini Ponce de León (1882-1910), más conocido por su apellido, Yarini, fue un meteorito para La Habana de principios de siglo.  

El “Rey de San Isidro”, como muchos le llamaban, brillaba por el cuidado de su etiqueta personal, por sus modales burgueses refinados, la bondad del corazón que amaba a la familia, pero también a los suyos de los barrios bajos. Con ellos intimaba, cerraba pactos, pasaba buena parte del tiempo, se batía a balazos o se perdía en fiestas lujuriosas.

De Yarini, a más de un siglo de su deceso, un 22 de noviembre de 1910, se ha hablado mucho. El imaginario popular ha guardado su figura al punto de elevarlo a una extraña beatificación. Tanto es así que quien pasa por su tumba en el Cementerio de Colón puede ver tarjas facturas en las últimas décadas que le dedican epitafios laudatorios.

Carlos Felipe (1914-1975), quien fue reconocido por Rine Leal como uno de los dramaturgos de transición, es sin dudas una figura esencial para el teatro cubano. Legó textos como Esta noche en el bosque (1939), Tambores (1943), El chino[1] (1947), Capricho en rojo (1948), El travieso Jimmy (1949), Ladrillos de plata (1957), El alfabeto o La bata de encaje (1962), De película (1963), entre otros.  

Mas, su opus magnum, la pieza por la que todavía se le recuerda con devoción, es Réquiem por Yarini (1960)[2]. En esta obra no recrea un mito griego, ni siguiera lo parodia, sino va más allá (el principal mérito que le reconocemos). Vuelve a la tradición, a la historia nacional y en encuentra en ella la sustancia, el sustrato suficiente para dotar de una eminente fábula a nuestra escena nacional.   

Teniendo en cuenta los principios a partir de los cuales los poetas trágicos griegos componían sus textos, las leyes que rigen el universo trágico, Carlos Felipe traza su impronta; una tragedia auténticamente cubana. Escoge como protagonista de su texto a un héroe reconocido por todos, cuya historia personal ha sido casi contada como algo divino entre sus contemporáneos y la posteridad (un principio muy importante para los griegos, sobre todo por la cuestión histórica y moral): Yarini. Un héroe que eleva a la altura de las grandes figuras clásicas, haciéndolo moverse entre lo divino y lo mortal[3].

El “Rey de San Isidro”, según Felipe, estará rodeado de misticismo. El proxenetismo, la prostitución no serán vistos como un tabú, sino el ambiente sublime en que se moverá. La religión, como en los helenos, como sucedió con Edipo, advertirá sobre su destino irrevocablemente trágico.

La Macorina, una antigua y legendaria ramera muerta, lo reclama para sí. Enciende la llama de la tragedia, echa a andar el reloj, mueve en La Santiaguera una pasión incontenible hacia Alejandro Yarini. Sin embargo, él, en plena ironía trágica, está ausente de todo lo dispuesto por el ánima que lo reclama.

Luchará por su vida, acudirá al elemento mágico para salvarla, pero sus propias acciones, sus decisiones, como los héroes trágicos griegos, determinan su final.

Comete la falla de enamorarse con fuerza telúrica, como nunca antes lo había hecho, como tenía por regla no hacerlo, de una de las mujeres que administra, lo cual nubla su juicio. Luego, no cumple como de costumbre su palabra, pues aun cuando ha perdido en un juego a La Santiaguera, se niega a estar sin ella, y en gesto fatal, intentando devolverla a su regazo, enfrenta al nuevo dueño de la joven, su rival, Lotot. Para concluir, Yarini, conociendo la alerta del oráculo que le niega girar la cabeza atrás hasta el amanecer, vencido por su amor, se vuelve para recontarse con La Santiaguera.

Errores que convierten al Yarini-“Rey”, al Yarini-dios, en un héroe trágico. El tratamiento de esos temas en Réquiem por Yarini le garantizó un boleto a la televisión, en 2001, en forma de teleteatro, bajo la dirección general Jorge Alonso Padilla. Luego, en 2008, a la pantalla grande, en versión cinematográfica de Ernesto Daranas, bajo el nombre de Los Dioses Rotos.

En nuestro caso, tres años transcurrieron desde que escuchamos las primeras noticas que se llevaría a las tablas a Réquiem…, de mano de la Compañía de Teatro Lírico “Ernesto Lecuona”. Unos escucharon la noticia con beneplácito y otros con cierto escepticismo, en vista de la fluctuante calidad artística de las últimas presentaciones del prestigioso elenco lírico pinareño.

Con todo, unos y otros aguardamos ansiosamente la materialización del montaje; a fin de cuentas se trataba una propuesta de musical (al menos como se proyecta porque ni una opereta, ni un vodevil, ni una zarzuela, ni ópera es) edificada con material nacional y desde las mismas entrañas de Vueltabajo.

Y aconteció lo que de alguna manera se temía. El proyecto quedó muy grande. Impuro, la versión de Réquiem por Yarini y puesta en escena de Dunieski Jo, al menos como lo recibimos, no posee justamente las piezas ni la combinación exacta de sus engranajes para poder echar a andar correctamente.

Sucede, porque, según se demuestra en escena, no hubo una claridad exacta a la hora de pensar y llevar a adelante el proyecto; el cual no es menos cierto constituyó –y constituye– un reto en todos los sentidos no solo para Compañía de Teatro Lírico “Ernesto Lecuona”, sino para cualquier compañía teatral del mundo, lo que se debió haber tenido muy en cuenta para intentar concebir una producción como esta, complejísima, que exige medios, material humano y en ocasiones más de un año de trabajo para subir a escena.   

Uno de los mayores inconvenientes que afrontó Impuro es que no se sustenta en un texto original creado específicamente para la ocasión. Algo que de por sí se extraña, dado que los propios intereses de la puesta lo reclamaban. Pues, ¿qué mejor oportunidad para volver a contar la historia del antihéroe, reelaborar de su universo, realizar un nuevo acercamiento al paradigma real elevado a mito, y a partir de ello, generar un discurso potencialmente interesante?

¿Así no obraron alguna vez los poetas trágicos cuando revisitaban los antiguos mitos helénicos? ¿No fue esto lo que hizo el propio Carlos Felipe, al apropiarse del relato popular, del mito y rescribir circunstancias, parlamentos para devolver al mundo, como si fuera por primera vez, al héroe y su devenir? ¿Más allá de deberle a Réquiem…, acaso Los Dioses Rotos, de Ernesto Daranas, no son de alguna manera una recreación temática del mito de Yarini?

¿Un acercamiento original al mito, desde las aristas que se quisiese contar no hubiese facilitado manejar, crear a piacere un musical a partir de las reales condiciones logísticas, espaciales, de decorado, talento artístico con que cuenta la Compañía de Teatro Lírico “Ernesto Lecuona? Tal acción hubiese evitado unos cuantos dolores de cabeza, hubiese facilitado el trabajo para el prestigioso elenco pinareño y desde luego, posibilitado que el resultado final hubiese sido más atractivo.

Era el momento idóneo para que la compañía lírica pinareña mostrara en forma estreno mundial el resultado del trabajo y los aprendizajes durante años. Referentes no faltan en cuanto a componer un texto original y llevarlo escena en forma de musical. Los guiones y las filmaciones de espectáculos originales legendarios se encuentran a la vuelta de mover un mouse. Ahí están a la mano por ejemplo, Mamma Mía!(1999)[4], Jersey boys (2005) o Hairspray (2012)[5].

Sin embargo, Dunieski Jo se arriesga y hace reposar su impronta en un texto establecido, que responde a una modalidad teatral específica, el teatro dramático, que reclama una puesta en escena específica. Pero el mayor problema no reside en que opere de dicha manera, sino en tratar de llevar un texto dramático al musical –ya que la obra de Carlos Felipe se podía haber versionado y logrado que se ajustara a esos reclamos–, y que no se consigue.

Ha faltado oficio en el intento de rescritura de una pieza fundamental de nuestra escena como lo es Réquiem por Yarini. Impuro; carece de la dinámica, la expansión, las complejidades técnicas, el derroche de talento, el despliegue coreográfico, aquellos momentos que pueden cortar la respiración en un musical. Se enmaraña en una densidad de texto dialogado que pone en duda los niveles de claridad que tenía el autor con respecto a la estructura y resolución de la trama en un musical; donde los pasajes deben ser ligeros, para nada superficiales; que se afirmó desde su nacimiento en el siglo XlX con Niblo’s Garden, porque la acción escénica se resuelve la mayor parte del tiempo a través canciones e intervenciones danzarias.

Lo cual de cierto modo nos parece inexplicable. Textos y espectáculos modélicos –otra vez los referentes– en cuanto a componer un musical a partir de un texto original y ponerlo en escena, no faltan. Pues, ¿qué mejores paradigmas en cuanto a adaptar un texto narrativo al lenguaje del musical que Wicked[6]; Los Miserables[7] o el Fantasma de la Opera[8]?

Pero si se trata de encontrar, hablar de un musical exitoso concebido a partir de la obra de teatro –operación que intentan realizar Dunieski Jo y la Compañía “Ernesto Lecuona”–, ¿cuál mejor referente que Chicago[9], dirigida y coreografiada por Bob Fosse?

Con más mil funciones, el ambiente vodevilesco, la visualidad, el derroche de buena iluminación, el virtuosismo de los actores, de las más precisas coreografías, la calidad la letra y la melodía de temas musicales como Cello Block Tango, When you´re Good to Momma,Overture, All that jazz, Funny Horney, han sido en Chicago, un atrapamoscas, un gancho irresistible para el público. Tanto es así que ha recaudado más de 541 millones de dólares en sus múltiples subidas a escena[10].

Sin embargo, Impuro, en poco se emparienta, salvando las diferencias en todos los órdenes, en estructura y resolución a los mencionados musicales que son modélicos en el orbe. Como resultado, es más bien una versión reductora de Réquiem por Yarini. Carece para infortunio suyo de aquellos imprescindibles e indesdeñables intertextos que podrían enriquecerlo, dotarlo de nuevos sentidos, los cuales podrían provenir de un amplísimo mundo documental, histórico, artístico, literario, periodístico que versa sobre la época y la figura de Yarini[11].

Mas, lo que realmente acaba de ponerle “la tapa al pomo”, lo que nos hace confirmar que Impuro resulta una versión limitadísima de Réquiem…, es que en esta propuesta quedan excluidas muchas líneas temáticas significativas que enriquecían el original creado por Carlos Felipe.

Se reduce la acción únicamente en torno al amor malsano entre La China (La Santigüera, en Réquiem…) y Yarini. Con esta acción, el espectáculo se hace insustancial, pues en él se respira poco del contexto y las circunstancias que realmente vivió el Yarini- hombre, el Yarini-personaje: las luchas entre sectores políticos en que se ve envuelto(uno de los elementos que precisa su posible final trágico) y sobre todo, la prostitución( el centro de la pieza de Carlos Felipe, de la vida de Yarini y que, como señala la Jabá ( que en Impuro, se nombra Carmen), lo define”: “Yarini el político nada significa; Yarini el tahúr no es gran cosa te lo digo yo que conozco sus mañas. Ah, Pero Yarini el chulo. ¡Yarini el chulo es el Rey!” (Carlos Felipe, 1967, pág.194).

Un amasijo de detonantes que una vez enriquecieron, se colocaron en el centro de debate a Réquiem… y que ahora brillan por su ausencia en Impuro. Algo lamentable, dada su reminiscencia en el mundo actual y quizás entre nosotros.

Por otra parte, podemos apuntar que en la escritura escénica de Impuro no se han superado los puntuales logros (una incipiente teatralidad, cierto dinamismo en la puesta en escena, intérpretes que comienzan a explorar su histrionismo) ni los marcados desaciertos que han minado las últimas presentaciones, El Secreto de Susana (2016), A Mucha honra (2017), La verbena de la paloma (2018), Parece Blanca (2019) y Los herederos (2020), de la Compañía de Teatro Lírico “Ernesto Lecuona”.

Aspirando revelarse como un musical, porque como sabemos nunca llega a serlo, Impuro se pronuncia por una interdisciplinaridad artística donde no se logran integrar unos con otros los engranajes, los lenguajes artísticos que la conforman (música, danza, teatro). En la medida en que se revelan esos lenguajes –fundamentalmente la música (partes cantadas) y la danza– se patentiza que fueron concebidos y labrados de manera bastante independientemente de la acción teatral. Tanto que su vínculo con esta resulta muy traído por los pelos: pueden ser entresacados del desarrollo de la representación y poco, diríamos que casi nada, la afectaría.

Pero no solo la evidente falta imbricación de los lenguajes artísticos afecta a Impuro, también lo hacen las propias significaciones de esos lenguajes, aquello que sugieren.

La representación, el modo en que se ha enfilado, principalmente desde lo visual (vestuarios y peinados), indica que los sucesos escénicos presentados acontecen en el ahora. No obstante, las canciones que se articulan en el entramado escénico, los ubican por lo menos tres décadas atrás. Así pues se manifiesta una incongruencia, una notable y no premeditada falta de relación entre la temporalidad que sugiere la acción teatral (que es el presente) y la que sugiere la música (más acorde con la década del setenta, principio de los ochenta, según su sonoridad).

Una grieta que deberían tratar de salvar la dirección artística y el compositor, el arreglista, para así poder lograr que se experimente por todas partes el aire de contemporaneidad en el montaje, que no haya ambigüedad en cuanto al momento en que se desarrolla la acción escénica.

De igual forma en la cuerda de la relación entre acción escénica –música; se deberían revisar que los temas musicales[12] (sobre todo su letra)– pues no parecen ser un resultado, no fungen como una acción-reacción del devenir de los personajes. No se muestran como una forma sólida de comunicación, de diálogo entre ellos, como una respuesta ante una situación; como un mecanismo de caracterización de un sujeto escénico (dada la generalidad de estos temas). Más bien surgen como apéndices a la acción escénica.

Porque no es menos cierto, también otro desliz, que la dinámica de las canciones que se dan cita en Impuro, siempre extensas y con una cadencia lenta, afecta los intentos de crecimiento de la acción y la recepción del espectáculo. Lo que nos hace llegar a la certeza que los mencionados temas musicales, su resolución, se presta más para un concierto íntimo, una velada, que para un espectáculo con una diversidad sonora y rítmica como lo es un musical.

Impuro reclama una partitura musical trazada desde una variada dinámica –unas veces más a presto tempo y otras, no tanto– para no cansar, caer en la monotonía, para poder resolverse como un verdadero musical. No puede ser de otra manera (aquí se imponía la participación de la dirección general de la agrupación especializada en música)[13].

Demuestran todo lo antes señalado, solamente por solo citar algunos, temas de musicales que dada su capacidad de fungir como mecanismo dialógico, de mover la acción, repasarla, discutirla, desarrollarla, han sito hitos en los escenarios de Broadway y también en la pantalla. Tal es el caso de “El rey duerme en la noche”, “El círculo de la vida”, “Hakuna matata” y “No puedo esperar a ser un rey”[14], en el El rey León; “The old Gumbie”, “The cat about Town”, “The Railway Cat”, “Beautiful ghosts”, “Memory”, en Cats[15]. O “Drink with me”, “Look down”, “The confrontation”, “On my own”, “Do you hear the people sing”, “Empty chairs an empty tables”, “ABC Café: Red and Black”, “One day more”, “Stars”, en Los miserables.

Por otro lado, danza, coreografía y acción teatral se encuentran más ligados, pero no por mucho, sino por un fino hilo. Todavía se impone vincular ambos lenguajes artísticos de un modo más contundente.  

Algunos bailarines interpretan una fugaz secuencia de guaguancó antes que Yarini apueste con Guzmán. Sin embargo, luego que ocurre la secuencia, uno se llega a cuestionar su pertenencia. Puesto que la dramaturgia escénica no resuelve fundamentar cómo abruptamente y por qué se llega al suceso danzario, qué lo provoca y qué trascendencia tiene después efectuarse, qué significa más allá de intentar ser un guiño que pueda sugerir ambiente barriotero –ardid muy elemental– en la puesta en escena (donde realmente se extraña la ausencia del ambiente de fondo de sensualidad, la lujuria esquiva a lo pedestre en que se mueve Yarini)[16].

De haber ocurrido una fluida conexión de esta secuencia danzaria con la acción escénica, de seguro se hubiese agradecido mucho, porque lo que se cuestiona no es su calidad artística, sino su lógica y coherente inserción dentro del entramado escénico.

La danza puede reforzar la acción teatral, contribuir a llenar vacíos, a producir texturas, significaciones más allá de la mera ilustración, generar atmósferas en escenas como la limpieza de Yarini (donde sería más afectivo que inundara la escena y no solo se quedara en un plano derriére); cuando este vuelve la cabeza ante la voz de la China; en la pelea con Víctor Guzmán (Lotot) o quizás cuando se descubre herido de muerte.

Lo que sí no puede suceder es que la danza solo se convierta en un mero elemento decorativo en la puesta. Si se apuesta por su presencia en las tablas, debe ser explotada en todo el amplio espectro que la palabra abarca.

En otro sentido, debemos apuntar que si antes se había ganado en teatralidad, ritmo y dinámica en las puestas en escena de la “Ernesto Lecuona”, ahora en Impuro, el proceso decayó, involucionó. No se ha conseguido que la acción fluya, crezca en el espectáculo. Una de las causas que determinan ese descalabro reside en que se ha diseñado un sistema de elementales evoluciones, de movimientos que tienden a ralentizarse, al estatismo, a evitar sumamente complicarse.

Ello por dos razones que saltan a la vista : primero porque se ha intentado mover a los actores más que en función de la acción escénica, de lo que demanda, en función de ubicarlos exactamente debajo del sistema de micrófonos que les permite ser escuchados mientras cantan. La otra porque se ha tratado de salvar, evitando cadenas de acciones y desplazamientos complejos, las deficiencias técnicas que todavía enfrentan los intérpretes líricos: carecen de las habilidades de moverse, cambiar de niveles y sostener con potencia la columna de aire que les permite cantar y, al mismo tiempo, sostener la caracterización del rol que interpretan.

Una de las escenas más lamentables en ese sentido es aquella en que Yarini se vuelve y ¿establece? un proceso de intercambio amoroso con la China. Uno frente al cual se llega sentir cierto desapego en vista de su escasa elaboración, los vacíos que lo minan, su falta de acción.

Un elemento que de alguna manera no deja que Impuro se aleje del tradicional sentido costumbrista que inunda las puestas de la Compañía de Teatro Lírico “Ernesto Lecuona”, es el juego de dominó en que Yarini pierde la administración de La China. La elección de dicho juego, tan típico y gastado en los solares convencionalmente representados en el teatro vernáculo cubano, desde nuestro punto de vista disminuye –en su carácter de lugar común–, pues no logra superar el sentido poético, del azar, que lleva consigo el juego de la charada en Réquiem por Yarini.

La charada no es un simple modo de apostar para Yarini. El “Rey” se sabe con poder, domina el juego como pocos. Por eso apuesta ya que se piensa con todas las de ganar. Nunca lo haría sabiendo que su rival tendría ventaja. La charada es símbolo de su entrega al mundo de lo incierto y turbulento que tanto lo excita, es símbolo de la manera en que labra su suerte, un destino en los renglones torcidos de la vida. Por eso le apasiona el juego que paradójicamente acentúa el sentido trágico de su trayectoria: en la charada se apuesta irónicamente algo más que una mujer, su vida.

Por eso escoger el dominó, recalcamos, como forma de graficar el destino incierto que conducirá a la tragedia, resulta un poco chato. Más cuando el Yarini que se nos presenta en Impuro, es menos sabio que el de Réquiem…, puesto que se implica en un juego en el que reconoce que su rival –error dramatúrgico imperdonable– tiene las de ganar.

Otro de los infortunios que inevitable no se pueden pasar por alto en Impuro es el diseño de vestuario de la Macorina. La excesiva cantidad de metros de tela empleados en un velo –sobre los seis metros– y las alas emplumadas que lo coronan, nos dejan un sabor agridulce. La concepción del traje es bastante kitsch, llegando a lo baladí, y lo peor de todo es que no deviene la solución más inteligente para sugerir, mientras se eleva en el aire –con muchas dificultades por cierto– la partida de Yarini.

Como ya antes apuntamos, el trabajo de los actores en Impuro no es el más destacado (cosa que evidencia la idea de que se debe reforzar la formación teatral, dramatúrgica, actoral, de los intérpretes líricos). Se han seleccionado dos actores que poco se acercan al protagónico, el mismísimo Alejandro Yarini. Miguel A. Caballero y Josué Machado no logran, por más que se esfuerzan, perfilarse con los rictus, la potencia atronadora del que pareció alguna vez poseer cada centímetro donde ponía el pie. Se extraña en ellos ese uso de la autoridad camuflada en la manipulación y el desenfreno, al hombre sensual, ágil, soberbio, absorbente que es el personaje creado por Carlos Felipe y el hombre real al que una vez casi se le rindió culto.

Inconcebible todavía resulta el momento –esto tiene mucha responsabilidad la dirección artística– en que después de ser apuñalado, Yarini, entra a escena y mirando la herida en su costado, ni siquiera hace visible su espanto ante la llegada de su fin. Anda como el más común de los actos, como si nada le aconteciera (cosa muy contradictoria). No muestra el proceso interno y externo en que se desangra, pierde fuerzas, convulsiona, sufre espasmos o muere[17]. 

Independientemente, en ocasiones la potencia y la resistencia de las voces de ambos intérpretes no los acompañaba mucho. Para fines del espectáculo, casi no podían –Josué Machado es quien menos lo logra– interpretar las partes cantadas que le sobrevenían.

Lo mismo sucede a las actrices que interpretan a La China (La Santigüera según Carlos Felipe). Ana Merly Ramos y Aida Rosa Rivera, si bien no coinciden con la belleza física, mucho menos, que es lo que importa, consiguen desatar la sensualidad que podría, por sobre tantas mujeres que conoció, que bajaban su vista ante él, arrastrar a Yarini. Una y otra deben indagar más, buscar resortes dentro de sí para llegar a ser las joyas de un negocio de la carne.

No es el caso de Yaidelis Lorenzo y Ariena Ramos, que asumen a Carmen. Del reparto son la mejor selección, lo más brillante. Entienden e imprimen, desde sus posibilidades, vida a su personaje. En ellas se experimenta fuerza interpretativa, cuidado en el tejido de las emisiones. Saben –cosa rara en dos actrices que interpretan un mismo rol– perfilarse con hondura, verdad, como la mujer que ama en secreto y respeta a su jefe.

No obstante, se debe trabajar mucho en la musicalidad, la afinación de Ariena Ramos, que no es precisamente una actriz lírica, pero que se le ha encomendado un momento musical que debe defender con la vehemencia, la calidad y una limpieza que ahora se extraña. Raro el desliz –presentar un intérprete sin la debida preparación vocal en escena– en una producción de la “Ernesto Lecuona”.

De los actores que encarnan a Víctor Guzmán, solo por momentos se puede agradecerse la labor de Amable Laza, quien de forma más concreta sabe otorgarle la amargura, la enviada, el recelo que siente su personaje hacia Yarini.

Los demás miembros del reparto, sus trabajos interpretativos, se perciben muy necesitados de madurez. No obstante, se les debe reconocer la cuidadosa interpretación a coro, ya al final de la puesta, de la canción “Los seres”. Consiguen otorgarle el tono exacto, bello, a la partida de Alejandro Yarini.

Luego de tres años de espera, Impuro ve la luz sobre la escena del teatro Milanés. Esperábamos que en el espectáculo quedaran atrás los traspiés que por años han asolado las producciones de la Compañía de Teatro Lírico “Ernesto Lecuona”, pero no ha sucedido así. Lo cual nos deja la más concreta certeza que se ha llegado a un punto, luego de intentos de versionar los clásicos, en que hay que detenerse, auto examinarse. Sin resquemores, sin parapetarse y con la mayor honestidad repensar qué es lo que no se está logrando, qué cismas se están heredando en el plano creativo de un montaje a otro y por qué, dónde hay que reforzar, qué hay que buscar de nuevo, con qué hay que romper, hacia dónde se debe re-enrumbar el trabajo. Para así poder gozar de una escénica lírica con mayor calidad en Vueltabajo.

 

Notas:

[1] Donde dada su vasta cultura, despliega una trama que estructura según los principios pirandellianos del teatro dentro del teatro, algo que fue novedoso en nuestra escena del pasado siglo.

[2] Esta es la fecha del estreno de la pieza, sin embargo, ya estaba compuesta desde 1958, antes del Triunfo de la Revolución.

[3] En lo divino porque aun visitando el ultramundo, el bajo mundo popular, nunca abandona sus modos (gallardía, saludos, formas de mirarlo y reverenciarlo con la cabeza gacha, rutinas de juegos al azar como la charada), que lo elevan al rango dios popular. Como se sabe, piensa y actúa benefactor que ofrece a los hombres el favor de la prostitución como forma de cambiar su mundo, las reglas determinadas por el matrimonio, los modos rápidos y justos de obtener placer. Pero también el Yarini de Carlos Felipe es un mortal, dado que siente una pasión terrenal por su oficio, el proxenetismo, y por una de sus mujeres, La Santiaguera, por la que muere.

[4] Se estrenó el 16 de abril de 1999, es una obra original modélica. La dramaturga británica Catherine Johnson, basándose en algunos de los temas antológicos del grupo sueco ABBA (de hecho el título deviene de una de sus canciones más reconocidas, de 1975), arma una arquitectura teatral en dos actos, donde se cuenta la historia de Sophie, una joven que el día antes de casarse se propone conocer la identidad de su padre, entre tres exnovios que tuvo su madre Donna.

Tan sencillo motivo ha sido suficiente para que el debut de Mamma Mía!, en Prince Edward Theatre del West Endn (Reino Unido) y luego en 2000, en Orpheum Theatre de San Francisco, fuese todo un éxito de público y la crítica. Lo que no se esperó que trascendiera, se convirtió en uno de los musicales más solicitados en el mundo.

[5] Concebido en forma de documental en cuatro estaciones, se revela a través de la mirada de sus protagonistas, cuatro jóvenes, el devenir de sus carreras artísticas en el grupo que fundan, The Flour Seasons(un grupo que existió realmente en New Jersey y que se hizo muy popular en 1960), el cual llega a alcanzar la fama.

Semejante trama sostiene una producción escénica casi increíble. La escena prácticamente vacía, con cuatro micrófonos al frente, y una pantalla detrás, basta para que se despliegue un espectáculo de altos quilates, muy bien hilvanado, donde los temas musicales cuidadosamente se intercalan con los diálogos de los actores, donde aún los silencios guardan expresividad. Las cualidades de este musical rock, han sido reconocidas por premios como Tony y el Grammy al Mejor Disco Musical Nuevo.

[6] Se estrenó en 2003 y es una adaptación, la mano de Stephen Schwartz, del reconocido libro Wicked: memorias de una bruja mala, de la escritora Gregory Maguire. Un texto llevado a las tablas por Joe Mantello y ganador de premios como Tony, Drama Desk o el Grammy

[7] Adaptación de la novela de Victor Hugo, puesta en escena por Robert Hossein, que todavía, desde su estreno en New York en 1987, se mantiene en cartelera ocupando el quinto lugar del musical más aclamado en Broadway.

[8] Una adaptación de la novela homónima de Gastón Leroux, que se estrenó en 1986, en el West End y luego en Broadway, con música de Adrew Lloyd Webber y libreto de Adrew Adrew Lloyd Webber y Richard Stilgoe. Su puesta en escena, bajo la mira de Hold Prince, ha hecho que devenga en ser el musical con mayor permanencia en los escenarios de Broadway.

[9] Una versión de la pieza teatral homónima de Maurice Dallas (1896-1969), estrenada en 1975, en el 46th Street Theatre (actual Richard Rodgers Theatre).

[10]Su mejor versión es de 1996, donde resultó ser el mejor revival de un musical, bajo la mira de Walter Bobbie.

[11] Entre estos encontramos La vida en rosa, de Teatro Buendía, que está registrada en video y que es un referente inevitable en estos tiempos en cuanto a acercamiento teatral a la figura de Yarini; notas de prensa la época, fotos; biografías y narrativas relacionadas con el “Rey de San Isidro” (San Isidro, 1910, de L. Cañizares; La guerra de las portañuelas, de Leonardo Padura; Canción para Rachel, de Miguel Barnet). Pero de igual modo son esenciales relatos populares que circulan por todas partes y unos cuantos ensayos sobre Réquiem por Yarini, de Carlos Felipe (Eros en los infiernos, de Cintio Vitier; Mito, tragedia y sincretismo religioso en Réquiem por Yarini de Carlos Felipe, de José A. Escarpanter; Réquiem por Yarini. ¿Una tragedia griega cubana?, de Elina Miranda Cancela).

[12] Ya he hecho alusión antes, pero ahora quiero reafirmar que los temas musicales, las canciones y su orquestación poseen mucha calidad artística. De ser interpretados fuera del espectáculo se confirmaría su calidad en tanto producto musical.

[13] Ya lo decía Dorys Humphrey en El arte de componer una danza, lo parafraseamos: “Demasiado adagio duerme”.

[14]Estrenado en 1997, El Rey León, con libreto de Roger Aller e Irene Mecci y dirigido por Jule Taymor y Has Zimmer, continúa en cartelera en el Minskoff Theatre. Durante más de dos horas las melodías, las canciones compuestas para animados y luego para el teatro, por Hans Zimmer y Elton John y Tim Rice, son capaces de divertir al público no solo infantil, sino adulto.

[15]Cats es un musical compuesto por Andrew Lloyd Weber, a partir de Old Possum´s Book of Practica Cats, de T.S. Eliot, que se estrena en New London el 11 de mayo de 1981 (con muchas reposiciones, entre las más famosas en 2014 y 2015, 2016, en Broadway) en el West End. Se encuentra entre los más reconocidos musicales de la historia y ocupa el cuarto lugar en la lista de los espectáculos de mayor permanencia en Broadway.

[16] El teatro lírico como institución debe romper con muchos tabúes que limitan el carácter proactivo, militante de sus espectáculos.

[17] Una falla de la dirección escénica del espectáculo, ya que los dos actores repiten idéntica cadena de acciones y movimientos. 


Regresan los sonidos electrónicos de Stereo G

Con amplia presencia de artistas nacionales y locales se realizará, el próximo dos de septiembre, el Festival de Música Electrónica Stereo G, auspiciado por la AHS en Holguín y el Laboratorio Nacional de Música Electroacústica y una de las principales citas del género en Cuba.

Este año, como es usual, el certamen se desarrollará en la playa de Caletones, en el municipio costero de Gibara, luego de dos ediciones realizadas a través de las redes sociales y las plataformas digitales por las condiciones epidemiológicas impuestas por la Covid-19.

De manera especial la cita se dedicará a Ernesto Jorge Hidalgo (TikoSK8DJ), quien falleció recientemente y fuera desde su creación, junto a Luis Ángel Jiménez, su organizador y productor del proyecto Electrozona; así como al 35 aniversario de la filial de la AHS en la provincia.

Jiménez, a cargo de la organización del Festival y del proyecto Electrozona, comentó que la mayoría de los asistentes a la cita serán DJs productores de relevancia nacional, y artistas locales que se sumarán con sus propuestas, como Faleke, The Kun, Rakxo, Acid Seduction, Arte, Alex6music, Electrozona, Axennar, primera Dj femenina en Holguín, y Dian, de La Habana.

A las presentaciones y las sesiones creativas de DJs se une el trabajo audiovisual y de efectos visuales, empleados de forma directa para promocionar la cultura electrónica en todos sus géneros y estilos. En sus sesiones los artistas participantes estarán trabajando sus últimas creaciones, explorando la variedad de géneros dentro de lo electrónico, comentó Jiménez.

Surgido en 2012 y promovido por el proyecto Electrozona, Stereo G se ratifica cada año como uno de los festivales más importantes de su género en Cuba, logrando una interacción entre el público asistente y los artistas, en la cual la electrónica es pretexto y soporte.

El Festival de Música Electrónica Stereo G pretende promover una cultura sonora diferente, al defender el trabajo de jóvenes que apuestan por la creación, estudian la electrónica y escogen un sonido hasta convertirlo en una pista original, añadió Luis Ángel Jiménez.


Charlie Duran, cada día es un reto

Un joven holguinero lucha por alcanzar sus sueños y metas dentro del pentagrama musical de la isla. Su voz le permite interpretar diversos géneros y estilos musicales entre los que destaca el bolero, el flamenco y la balada. Con el vocalista de la agrupación WenaOnda, Charlie Durán conversamos para la web de la Asociación Hermanos Saiz.

 ¿De dónde nació tu pasión por la música?

Mi pasión por la música nació desde la familia, mi abuelo fue aficionado cuando joven, mi papá pasó clases de guitarra cuando era niño, mi mamá dio clases de piano también cuando era niña, mi hermana llegó hasta la casa de la cultura, pero no pudo seguir. Entonces desde que yo era niño mi familia se reunían y cantaban en fiestas, cumpleaños y en los fines de años, y poco a poco me fui girando para el canto, entonces cantaba en las escuelas, matutinos y fiestas populares del municipio de Holguín, provincia Holguín, me acerqué a la casa de cultura para tomar clases de guitarra aunque después no seguí, pasaron años sin retomar esta afición, y pasando el servicio militar pues retomé el canto como un hobbie, participando en varios actos y concursos del mismo servicio militar, terminando el SMA comencé a trabajar de comprador en un banco de sangre el cual pasó solo un mes cuando una locutora de la radio me invitó a una peña de la cual era anfitriona y justo ese día fue una antes y un después, y el principio de mi carrera artística.

¿Quién o quienes han contribuido a tu formación?

En el trayecto de mi carrera recién empezando me topé con muchas personas que me ayudaron el cual siempre voy a estar agradecido con todos y con todas, pero tengo que hacer mención a una persona que me formó la voz de una manera maravillosa convirtiéndose en una madre para mí, a pesar de todo el conocimiento que me aportó Gladys María Bonete cantante solista del catálogo de la empresa comercializadora de la música y los espectáculos de Holguín, tenemos una relación muy bonita, como si hubiéramos nacido para conocernos y tener todo el cariño que hoy en día nos tenemos. También a lo largo de mi carrera he compartido escenarios con muchas personalidades populares de la música que han sido parte de mi formación como artista como Waldo Mendoza, Buena Fé, Elaín Morales, Mauricio Figueiral, Jan Cruz, Luis Franco, Moncada y actualmente con WenaOnda Y por supuesto el apoyo de la familia siempre ha sido un pilar fundamental.

¿Cómo fueron esos inicios en tu natal Holguín?

El día que canté por primera vez en público fue mágico, fue en un bar donde solamente contaba con algo empírico para presentarme y aun así todas las personas me recibieron con una gran ovación y mucho cariño, fue un día inolvidable para mí.

¿Qué importancia tuvo aquel período inicial? ¿Tuviste el apoyo familiar desde el inicio?

En esos días de inicios en mi carrera, mi familia más que nunca me apoyó y apostó por mi carrera, también tuve amigos que me apoyaron y me ayudaron a llenarme de conocimientos sobre el maravilloso mundo de la música.

¿Cómo valoras el apoyo que ofrece a jóvenes como tú la Asociación Hermanos Saíz?

Está asociación siempre ha sido de mucha ayuda para todo el talento nobel, ya que en sí le ha dado muchos espacios para que se presenten estos mismos y darse a conocer mediante todos los medios de comunicación, sin dudas otro componente muy importante para la vida de un artista.

 ¿Cuándo y porque razones decides abandonar tu provincia natal y venirte a La Habana?

 Bueno la razón tiene nombre jaja, Mauricio Figueiral me hizo una invitación de participar en su programa de televisión «Cantar en la ducha» el cual anteriormente había participado de manera online. De esta forma me trasladé para la Habana y decidí de quedarme para seguir mi carrera desde la capital.

 

Te hemos visto transitar por agrupaciones tan populares en Cuba como Moncada y ahora Wena Onda. ¿Qué te han aportado?

Estas agrupaciones han sido para mí una escuela ya que he experimentado otros géneros musicales y me ha aportado mucho en mi formación como músico y cantante.

¿Actualmente cuáles son tus nuevos proyectos, metas y retos?

Actualmente me encuentro en la agrupación WenaOnda como cantante, tengo muchos proyectos en camino y estoy terminando un disco con canciones propias e inéditas, con futuras colaboraciones también. Cada paso es un logro y una meta alcanzada y cada día es un reto

¿Fuera del mundo de la música qué te gusta hacer en tus tiempos libres?

Pues me gusta mucho el diseño gráfico y el dibujo, pocas veces hago ejercicios cuando tengo el  tiempo, porque ando siempre conectado a la música jaja. Y también cuando tengo el chance compartir con la familia y amigos. Quisiera de esta manera y mediante esta entrevista a todos aquellos que siempre me han apoyado y ayudado en mi carrera dar las gracias.

 


BECA DE CREACIÓN CONMUTACIONES

La Asociación Hermanos Saíz, en coordinación con el Instituto Cubano de la Música y el Sello discográfico Producciones Colibrí, con el objetivo de potenciar y promover la joven vanguardia de la música académica en Cuba, convoca a la Beca de Creación Conmutaciones.

Podrán optar por ella todos los cubanos residentes en el territorio nacional de hasta 35 años de edad, sean miembros o no de la AHS, que no hayan ganado esta beca con anterioridad.

Los interesados presentarán una muestra mínima de tres piezas originales e inéditas pertenecientes a la música académica y/o música electroacústica (incluye las partituras en formato PDF y la grabación preliminar de las obras en formato mp3, con calidad aceptable que permita su escucha y evaluación). Las obras podrán formar parte de una serie o ser independientes. Además, los aspirantes entregarán un documento único que incluya la fundamentación conceptual del proyecto que no exceda una cuartilla, los datos personales del aspirante (nombre y apellidos, carné de identidad, dirección particular, dirección de correo electrónico, teléfono y síntesis curricular) y una constancia de que las piezas son originales e inéditas, no están comprometidas con ninguna disquera ni han sido premiadas con anterioridad en otro certamen.

Los proyectos deben enviarse antes del 31 de octubre de 2022 a la dirección de correo electrónico becasypremiosahs@gmail.com, especificando en el asunto “Beca Conmutaciones”. Los participantes adjuntarán el documento en formato Word, las partituras en formato PDF y las canciones a través de Google Drive. Como variante, podrán hacer llegar los proyectos en soporte digital a cualquiera de las sedes de la AHS en el país. 

La beca consiste en:

  • Diploma acreditativo y el pago de 2 000 pesos durante seis meses para apoyar el montaje del repertorio.
  • La grabación de un fonograma bajo el sello discográfico Colibrí que incluya las obras premiadas y otras que respondan a las características de la beca.
  • La producción conjunta entre AHS y la Colibrí del concierto de lanzamiento del fonograma.
  • Grabación audiovisual del concierto de lanzamiento o de un videoclip, según convenga a ambas partes.

Los resultados se informarán en diciembre de 2022, en un acto público en el Pabellón Cuba, sede nacional de la Asociación Hermanos Saíz. El fallo del jurado será inapelable.

La participación en esta convocatoria implica la aceptación y cumplimiento de todas sus bases. 

Para más información DESCARGAR:

💡 SOLICITUD DE PARTICIPANTE EN BECAS Y PREMIOS AHS


BECA DE INTERPRETACIÓN VOCAL ELENA BURKE

La Asociación Hermanos Saíz, en coordinación con el Instituto Cubano de la Música y el sello discográfico Bis Music, con el objetivo de potenciar y promover el trabajo de jóvenes intérpretes en Cuba, convoca a la Beca de Interpretación Vocal Elena Burke.

Podrán optar por ella todos los cubanos residentes en el territorio nacional de hasta 35 años de edad, sean miembros o no de la AHS, que no la hayan ganado con anterioridad.

Los interesados presentarán una muestra mínima de cinco canciones en formato mp3 (con una calidad aceptable que permita su escucha y evaluación) pertenecientes a cualquier género de la música popular y/o tradicional, de compositores cubanos. Además, un documento único que incluya la fundamentación conceptual del proyecto que no exceda una cuartilla, y los datos personales del aspirante (nombre y apellidos, carné de identidad, dirección particular, dirección de correo electrónico, teléfono y síntesis curricular).

Los proyectos deben enviarse antes del 31 de octubre de 2022 a la dirección de correo electrónico becasypremiosahs@gmail.com, especificando en el asunto “Beca Elena Burke”. Los participantes adjuntarán el documento en formato Word (no se aceptarán archivos en PDF) y las canciones a través de Google Drive. Como variante, podrán hacer llegar los proyectos en soporte digital a cualquiera de las sedes de la AHS en el país. 

La beca consiste en:

  • Diploma acreditativo y el pago de 2 000 pesos durante seis meses para apoyar el montaje del repertorio.
  • La grabación de un fonograma bajo el sello discográfico Bis Music que incluya las obras premiadas y otras que respondan a las características de la beca.
  • La producción conjunta entre AHS y Bis Music del concierto de lanzamiento del fonograma.
  • Grabación audiovisual del concierto de lanzamiento o de un videoclip, según convenga a ambas partes.

Los resultados se informarán en diciembre de 2022, en un acto público en el Pabellón Cuba, sede nacional de la Asociación Hermanos Saíz. El fallo del jurado será inapelable.

La participación en esta convocatoria implica la aceptación y cumplimiento de todas sus bases. 

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💡 SOLICITUD DE PARTICIPANTE EN BECAS Y PREMIOS AHS


Dany Cruz, el auténtico que lucha por sus sueños  

Dany Alejandro Cruz Pimienta es un joven intérprete del género urbano, que por estos días trabaja incansablemente para que su música llegue a todos los cubanos en cualquier rincón de la isla donde se encuentren. Este cubano de 32 años de edad y conocido en el mundo de la música como Dany Cruz El Auténtico dice caracterizarse por ser muy reservado, de pocos amigos, pero de un gran corazón lleno de buenos sentimientos. Sus inicios están vinculados al mundo del deporte en su Marinao natal, aunque dice amar la música desde muy niño.  

Desde muy joven has estado ligado al mundo del deporte, entonces… ¿cómo y cuándo nace tu pasión por la música?

Te cuento que desde muy pequeño a la edad de 10 años aproximadamente ya mi oído y gusto musical estaban definidos por un estilo musical muy urbano pero sin dejar de gustarme otros géneros musicales pero la música urbana que para aquel entonces no sabía su definición fue la que atrapo mi curiosidad de niño amante a la música y al deporte también desde muy chico amaba jugar, competir y sobre todo aprender a hacerlo bien en cada disciplina que participará deportivamente. Sobre los diecisiete años escribo mi primera composición y fue como una sorpresa para mí porque la hice en un tiempo que no imagine y con un gran contenido para ser mi primera canción ,luego de eso llego el Servicio Militar y más tarde  me gradúe de profesor de Educación Física pero me sentía incompleto en mi realización personal hasta que un día ocurrió algo que fue una prueba irrefutable que Dios me dio de que mi camino era la música, su creación y dedicarme por completo a lo que verdaderamente amo en la vida que es esto.

Además de interpretar también compones ¿en qué te inspiras para crear tus propias canciones?

Puedo decirte que siento que es más que una inspiración, es como una medicina una auto inyección a mi espíritu, al dolor, a lo que me mantiene con vida, es como la puerta de desahogo cuando ocurre un incendio y solo hay una puerta de salida que da a un bosque donde solo habitas tú y la Naturaleza, donde puedo sonreír y sentirme orgulloso de lo que acabo de componer con la gracia que Dios me dio para aliviar mi dolor, más adelante vendrán nuevas inspiraciones porque presiento que la vida me tiene preparado nuevas sorpresas y nuevas emociones para inspirarme en ellas.

¿Dany por qué defiendes el género urbano y no otro tipo de música?

Como bien dices defiendo el género urbano aparte de los otros géneros, porque este produce en mí emociones inexplicables, una vibra muy buena una gran emisión que solo lo llega a lograr este género musical, la buena música urbana esa que tiene matices tiene sentimiento y lleva dentro de ella un gran discurso. Aparte de llevar en ella una buena melodía es una de las razones por la que amo y defiendo este género musical pero te diría que la razón más grande y la lucha que quiero llevar a mis espaldas es hacer que en mi país se llegue a promocionar en los medios nacionales como mismo se difunden otro tipo de géneros más autóctonos y tradicionales como el son y la guaracha.  

Eres un intérprete totalmente empírico. ¿Qué artistas te han servido de inspiración?

Es innegable que en nuestro país a través de los años han existido muy buenos artistas del género urbano, pero puedo decirte que ninguno con quien me sintiera identificado con su forma de interpretar y cantar las canciones, no fue hasta que escuché en los inicios del año  2010 un artista de Puerto Rico llamado J Álvarez que fue algo que jamás había escuchado en este género encontrando en sus canciones contenido, lírica, melodía, musicalidad y personalidad que hasta el día es mi inspiración.

 ¿Actualmente cuáles son tus nuevos proyectos, metas y retos?

Actualmente mi más grande y nuevo proyecto es hacer que mi música se escuche en todo el ámbito nacional es decir en todo la isla de Cuba, mi meta más grande con toda sinceridad creo que no existe porque decir que tengo una meta sería decir que cuando llegue a alcanzarla a cruzar esa línea pues dejaré de crear y no tendré nuevas metas, soy del pensamiento que las metas no tienen límites siempre hay nuevas metas que proponerse en la vida, y mi más grande reto es hacer que cada canción llegue a los corazones de quienes la escuchan que después de escuchar mi música tengan una buena opinión sobre ella y perdure en sus reproductores por décadas.

¿Fuera del mundo de la música qué te gusta hacer en tus tiempos libres?

En mis tiempos libres me encanta hacer ejercicios soy un amante de mi rutina diaria en el gimnasio, ver televisión, tengo una gran debilidad por la comida y eso en mis tiempos libres ocupa momentos especiales diría yo y escuchar mucha música.


Laura García, nací siendo artista

Laura García es una joven intérprete en ascenso dentro del panorama musical cubano. Desde niña, estuvo vinculada a la música, formó parte de agrupaciones infantiles como «Los Pequeños Príncipes» y concursó en diversos festivales y eventos de música infantil durante su niñez, en la adolescencia continuó sus actividades dentro del mundo de la música presentándose en distintos festivales de aficionados donde obtuvo varios premios debido a su gran calidad como intérprete, con ella conversamos para la web de la Asociación Hermanos Saiz.  

 ¿Cuéntanos como llega Laura García a la música? ¿Fue desde muy pequeña, o con los años supiste que querías ser artista?

Mi pasión por la música nace desde pequeña, cuando veía mi programa favorito “La Sombrilla Amarilla”, se desataba la artista en mí, que según dice mi mamá, nací siendo artista, pues me robaba el show en todos los cumpleaños. Mi papá al ver que cantaba todas las canciones de este programa una y otra vez, me pregunta: Laura, ¿te gusta cantar? Y le dije: Sí papá, fue ahí donde mis padres se acercaron a la Casa de Cultura local, en la cual me hicieron unas pruebas y lamentablemente me dijeron que no tenía oído musical, que no podía cantar y fuera a dar clases de baile. Años más tarde mis padres viendo que aún mi pasión por el arte seguía latente me llevaron a formar parte del grupo de teatro infantil “Los Pequeños Príncipes” ahí desempeñé papeles protagónicos en las obras de teatro, hasta que la directora Tania Perdomo, me escuchó cantar. A partir de ese momento pasé de ser actriz a cantante, ahí empezó a ponerse serio.

Eres una artista sumamente agradecida, siempre lo dejas ver en tus entrevistas, pero ¿quiénes han sido esas personas que siempre te han apoyado y que contribuyen a tu formación musical?

En primer lugar, mi familia, por apoyarme desde bien pequeña en todos mis sueños. Siempre he contado con el apoyo total de mi familia, desde mis padres y hermano, hasta mis abuelos y tíos, todos han dedicado y sacrificado gran parte su tiempo para apoyarme en la loca aventura de ser artista. Debo reconocer también a Tania Perdomo, directora de “Los Pequeños Príncipes” por ser una de las primeras personas en creer en mí y enseñarme mucho. Otro indispensable en mi carrera lo es el tenor Rodolfo Chacón, mi profesor desde los 11 años, a quien le debo mi pasión por la ópera y todo lo que sé a la hora de interpretar la música.  

Laura García, nací siendo artista
Laura García, nací siendo artista

 

Todos los inicios son importantes ya que marcan la formación y preparación de un artista en su camino al futuro. ¿Cómo fueron los de Laura García cuando aún no eras tan popular?

Aún no me considero una artista conocida, aunque llevo más de quince años de carrera artística. Es un camino duro y difícil pero no me arrepiento ni un segundo de haberlo elegido para transitar. Tengo que agradecer mucho a todos los concursos y festivales por brindarme la posibilidad de visibilidad y la oportunidad de conocer personas increíbles. A la radio cubana, principalmente a Radio Mayabeque, por creer en mí y apoyarme a difundir mi obra. El inicio fue muy duro como lo sigue siendo hasta hoy, pues esta carrera exige demasiados sacrificios.

 Eres una intérprete muy versátil que logra desdoblarse en casi todos los géneros musicales. Sientes que  algún género o estilo en particular define tu línea musical?

La versatilidad es lo que me define como cantante, me gusta interpretar la mayor cantidad de géneros musicales siempre y cuando conecte con la canción y sienta que pueda transmitir sentimientos al público que escucha. En mis inicios participé en diversos festivales y concursos de la música mexicana por lo que muchos me apodaron “La Mexicana”. Esto me impulsó a incursionar en más géneros ya que no me gusta que me encasillen. Mi formación es de canto lírico, esta técnica del Bell Canto me ha ayudado a poder desdoblarme. En la actualidad interpreto género como la Balada, Bolero, Filin, Salsa, Rancheras, Ópera, Pop, Canción, Habaneras, Fusiones de géneros caribeños, etc.

Laura García, nací siendo artista
Laura García, nací siendo artista

 

¿Cómo valoras el apoyo que ofrece a jóvenes como tú la Asociación Hermanos Saíz?

El apoyo de la Asociación Hermanos Saíz es fundamental para los jóvenes talentos emergentes en Cuba, pues sus programas y becas, brindan visibilidad y posibilidades a muchos artistas desconocidos, que de otra manera les resultaría el camino más difícil de lo que ya es.

 Sé que acabas de concluir tu primera producción discográfica, además de esto ¿qué  nuevos proyectos tienes?

Como bien dices acabo de concluir mi primera producción discográfica, compuesta por 11 temas, todos de música popular bailable. Con él busco defender las raíces y nuevas sonoridades de la música cubana. Incluye un tema que mezcla la música mexicana y la salsa. Espero sea del agrado del público y me permita alegrar los corazones que es la esencia de este fonograma que surge así, “Sin Querer”, dándole título a este disco. Dos de los sencillos que conforman esta producción, se encuentran en las principales plataformas digitales de la música internacional. En estos momentos me encuentro trabajando en una segunda producción discográfica más variada, la cual incluye temas en otros idiomas, siendo el primero de estos, el sencillo “Eternally” que cuenta con muy buena aceptación del público que lo ha escuchado. Mis metas y retos son seguir creciendo como artista y aprender cada día, pues nunca podemos dejar de superarnos.

Además de cantante eres licenciada en Gestión Sociocultural para el Desarrollo. Fuera del mundo de la cultura ¿qué te gusta hacer en los tiempos libres?

En mis tiempos libres lo que más disfruto es estar con mi familia y poner en práctica mis deseos ocultos de diseñadora, amo redecorar la casa y cambiar su aspecto. Además disfruto mucho innovar en la cocina.

Laura García, nací siendo artista
Laura García, nací siendo artista

 

 Tienes un público fiel que te sigue y apoya en cada una de tus presentaciones, como artista que se debe a su gente ¿qué valor les das en tu carrera y cómo influyen en tu desempeño sobre el escenario?

El público lo es todo para un artista, pues siempre será tu mayor guía y tu mayor juez. Para ellos trabajamos y a ellos nos debemos. En particular, le agradezco muchísimo a todas las personas que me dejan sus muestras de cariño y apoyo incondicional a diario. Gracias a ellos no pierdo la motivación ni la fe en mí, cuando a veces todo parece incierto y los tiempos son más difíciles, un aplauso y una palabra de aliento desde el corazón producen las mejores sensaciones y curan el alma.

Laura García junto a Leyber Gomez y Rakel Mayedo en el programa De Tarde en Casa
Laura García junto a Leyber Gomez y Rakel Mayedo en el programa De Tarde en Casa

 


Los 35 años de la AHS en Holguín desde la creación artística

La AHS en Holguín ha preparado una amplia programación cultural para la actual etapa de verano, jornada que celebra, además, los 35 años de fundada la filial el próximo 13 de agosto.

La Casa de Iberoamérica acoge la presentación de proyectos electrónicos, mientras que el Festival de Radio Joven, que por primera vez se realiza desde la ciudad de Holguín, se realizó el 14 y 15 de julio, comentó Norge Luis Labrada, presidente de la AHS en la provincia.

Fotos AHS Holguín

Este certamen se dedicó al centenario de la radio cubana y propició el intercambio de jóvenes realizadores, menores de 35 años, miembros o no de la organización. El locutor y director de programas César Hidalgo Torres impartió un taller sobre guion radiofónico, habilidades que demostraron los participantes con una intervención en un espacio radial insertado especialmente en la programación de la emisora provincial Radio Angulo, añadió.

En esta etapa se retoman las cruzadas culturales los próximos 25, 26 y 27. Las Brigadas de Arte Rebelde llegarán hasta las montañas de Pinares de Mayarí, con más de 25 artistas de todas las manifestaciones, quienes estarán compartiendo su arte con las familias del Plan Turquino.

Fotos AHS Holguín

El Festival de Música Electrónica Stéreo G, evento que convierte a Holguín en el epicentro de la música electrónica en Cuba, se encuentra entre los momentos más esperados de la fecha.

Stéreo G, además de la presentación de proyectos de asociados del país, incluirá acciones de saneamiento ambiental en la playa de Caletones, en el municipio de Gibara, sede habitual del Festival, así como intercambios sobre música y literatura con los pioneros de la zona.

Fotos AHS Holguín

La AHS suma también sus espacios habituales, en el gabinete Caligari, en Ediciones La Luz y la Casa del Joven Creador, entre ellos el taller de narrativa “La fiesta secreta”, iniciativa del Centro Provincial del Libro y la Literatura que estará a cargo del escritor y editor Adalberto Santos, los segundos y cuartos viernes de cada mes, en la sede de esta casa editora.

El 13 de agosto, fecha en la que se celebran los 35 años de creada la AHS en la provincia, se develará una tarja conmemorativa, creada por el reconocido escultor Lauro Hechavarría.

Fotos AHS Holguín

Este mismo día se presentará un audiolibro bajo el sello de La Luz, que recoge, desde las voces de los asociados de la Sección de Literatura, diversos textos de poesía y narrativa de Luis y Sergio Saíz Montes de Oca, conmemorando los 65 años de su asesinato, añadió Labrada.


Jorge Amado, una vida soñada en la música

Esta semana desde nuestra sección Rostros conversamos con el joven músico Jorge Amado Molina. Graduado en 2020 de la Universidad de las Artes, Jorge Amado recibió honores de «Título de Oro», así como honores de estudiante más integral tanto en Composición como en Violín. Como compositor, Jorge ha participado en importantes festivales cubanos de música contemporánea, como los Premios de Composición Casa de las Américas, el Festival de Música Contemporánea de La Habana, el Festival de Música de Cámara de La Habana y el Festival Música Nova. En este 2022 resulto ganador de dos premios Cubadisco con su primer fonograma ¨Ofrenda¨ producto de la Beca Conmutaciones que ofrece la Asociación Hermanos Saíz.

¿Jorge Amado de dónde nace tu pasión por la música? ¿Tuviste alguna influencia familiar?

Creo que surgió antes de que yo naciera. Mis padres son músicos, ambos son cantores de coro profesional y mi interés por estudiar música se fue forjando con el paso del tiempo. Recuerdo a mis padres estudiando, practicando en casa cuando yo no tenía ni idea de lo que era una partitura, al igual que los ensayos que pude ir en el Teatro Auditorium Amadeo Roldán con el coro Exaudi (mismo coro en el cual trabajan actualmente). También asistía a los conciertos de ellos con mi hermano. Creo que todo eso me fue convenciendo de que quería estudiar música.

Jorge Amado, una vida soñada en la música
Jorge Amado, una vida soñada en la música

 ¿Quién o quienes han contribuido a tu formación?

Realmente siento que son muchas las personas que han contribuido a mi formación, desde mi familia hasta maestros que me han enseñado. Temo mencionar nombres para que no se me olvide nadie pero se extiende desde mis estudios de Nivel Elemental hasta mis maestros del ISA. No todos los profesores han contribuido para bien ni todo ha sido color rosa, pero los maestros que me han ayudado saben en la actualidad que estoy muy agradecido con ellos.

¿Cómo fueron esos inicios y porque elegiste el violín entre tantos instrumentos musicales?

Los inicios de mi formación fueron maravillosos, recuerdo con mucho cariño los dos primeros años de formación del Nivel Elemental en el conservatorio Manuel Saumell. Desde niño siempre he sido muy obediente y disciplinado, por lo que ponerme a estudiar durante horas el instrumento no me creaba un gran pesar por no poder hacer cosas normales que hacían los niños a esa edad. La decisión por el violín pudo haber estado influenciado por mi tío, quien es violinista profesional. Siempre me gustó este instrumento, aunque confieso que también me hubiese gustado estudiar cello.

Jorge Amado, una vida soñada en la música
Jorge Amado, una vida soñada en la música

¿Qué importancia tuvo aquel período inicial?

Fue importante ese período porque se forjaron los cimientos de lo que soy hoy en día. Y por supuesto, siempre me he sentido apoyado, tanto en los tiempos buenos como en los más difíciles.

¿Cómo valoras el apoyo que ofrece a jóvenes como tú la Asociación Hermanos Saíz?

Pienso que la Asociación Hermanos Saíz brinda oportunidades muy buenas a los jóvenes, sobre todo por las becas que ofrece. En mi caso personal pienso que haber ganado la Beca Conmutaciones 2019 ha tenido un gran significado en mi curriculum. No solamente por la magnitud que significa tener un disco producido, sino también que dicho fonograma haya podido llegar al Cubadisco 2022 y obtener dos premios, es algo que no hubiese obtenido si no hubiera existido la Beca Conmutaciones de la Asociación Hermanos Saíz.

Jorge Amado, una vida soñada en la música
Jorge Amado, una vida soñada en la música

 A pesar de tu Juventud múltiples premios y reconocimiento avalan tu carrera ¿Cuál de estos te ha sorprendido o causado mayor alegría?  

Personalmente el premio que más recuerdo y guardo especialmente en mi corazón fue el Premio de Creación Sinfonica Ojalá 2018. Para dicho certamen escribí mi primer concierto para violín y orquesta, y fue una alegría inmensa estrenarme en este concierto como solista junto a la Orquesta del Lyceum de la Habana. Eso significó mucho para mí, poder unificar mis dos especialidades en una creación, es algo sin lugar a dudas inolvidable. Sin embargo, de los más recientes confieso que el Cubadisco fue una sorpresa inmensa. Mi primer disco compitiendo en el evento discográfico más importante de mi país pienso que es algo que atesoraré con mucho cariño para toda la vida.

Jorge Amado, una vida soñada en la música
Jorge Amado, una vida soñada en la música

¿Actualmente cuáles son tus nuevos proyectos, metas y retos?

El mayor reto que tengo en estos momentos es seguir superándome. Pienso que los artistas deben tener un equilibrio entre la satisfacción y la insatisfacción, porque si uno se queda complacido con lo que ha obtenido o logrado su creación no evolucionará y se quedará estancado. No solamente es un criterio que se aplica a los intérpretes, ni los compositores, pienso que todo aquel que trabaje con un material intelectual es importante que esté consciente que, citando a Stravisnky, seguir un solo camino es retroceder. Es por eso que además de la música de concierto sigo trabajando en música para otros medios como la danza y audiovisuales; porque son mundos muy atractivos para mí y siento que me queda mucho por aprender. Ya con eso tengo muchísima motivación

¿Fuera del mundo de la música qué te gusta hacer en tus tiempos libres?

Confieso que la música está presente hasta en mis momentos de ocio, es difícil para mí no pensar en ella. Incluso voy caminando en la calle y escucho ruidos que al instante me entretengo en como lo representaría desde el punto de vista instrumental. Realmente disfruto mucho caminar y descodificar estos sonidos, pero como joven que soy también disfruto de los videojuegos, algunas series, el anime y el manga. Siento que son manifestaciones que a veces son infravaloradas por pertenecer a la industria del entretenimiento, pero hay otras que tienen un valor artístico digno de admirar, y por supuesto de estudiar. Inclusive, en mis clases de análisis con los teóricos de la Escuela Nacional de Música he podido compartir criterios sobre la música creada para otros medios, sobre todo de los videojuegos y los debates que hemos podido crear sin lugar a dudas nos hemos retroalimentado.

Jorge Amado y Leyber Gómez en el programa ¨De Tarde En Casa¨
Jorge Amado y Leyber Gómez en el programa ¨De Tarde En Casa¨

 


Pentagrama con aires marinos

Confieso que me llenó de alegría escuchar al músico Raymel Quiñones, vicepresidente de la AHS en Artemisa, al referirse al amplio apoyo que ha recibido la cercana celebración de la V edición del evento Aires de Mar, del 15, 16 y 17 de julio, en Bahía Honda.

Hasta fecha reciente no sucedía así. Pero cambió la dirección del viento, para bien, y las inquietudes y amarguras de creadores como Raymel y la vocalista Dunia Álvarez, integrantes del grupo Tiempos de Sí, fueron sustituidas por ese apoyo institucional que tanto necesitaban en la tierra bahiondense para desarrollar su labor creadora.

“Se pasa para organizar un evento como este, pero la pasión se impone”, afirma Raymel, y explica que tanto la AHS como Únete a mi fiesta, proyecto de desarrollo local del gobierno de Bahía Honda, auspician esta edición, donde estarán de fiesta el rock, la fusión, el rap, la trova…

En este evento, donde participarán agrupaciones como la ya mencionada, Hay que estar claro, Switchs, Kolao, el dúo Iris, hasta llegar a un total de 20, junto a creadores de Colombia y España, se prevé homenajear la influencia de la cultura africana en el mundo y, en especial, en nuestro país.

La agrupación portadora Magino Arará, de larga tradición en Bahía Honda, integrará la programación, en tanto la Comunidad Mendieta, barrio vulnerable, pondrá en escena su proyecto de Colmenita nombrado La Edad de Oro.

Por su meritoria labor en la promoción de la música alternativa en Cuba, el programa televisivo Cuerda Viva recibirá un homenaje por sus 20 años de creado, y los nuevos miembros de la AHS en Artemisa recibirán el carné de miembros de la vanguardia del arte joven en Cuba.