artes visuales


Réquiem por la escultura

La escultura tiene especificidades materiales que la colocan en una posici√≥n desventajosa respecto a otras expresiones de las artes pl√°sticas. No solo producir, sino tambi√©n exhibir una obra tridimensional ‚Äďcon todas las dificultades de costo, transportaci√≥n y dificultades de emplazamiento que la misma entra√Īa‚Äď es siempre m√°s complejo que tratar museogr√°ficamente con las piezas bidimensionales como la pintura y la fotograf√≠a.

Cuando a ello se suma la poca atenci√≥n por parte de especialistas y cr√≠ticos ‚Äďque son los responsables, en √ļltima instancia, de potenciar su promoci√≥n a trav√©s de la oportuna evaluaci√≥n cr√≠tica de los resultados art√≠sticos‚Äď, m√°s dif√≠cil se torna su justa valoraci√≥n en el √°mbito del movimiento pl√°stico nacional.

Durante el per√≠odo colonial la escultura tuvo un lugar poco privilegiado en el concierto jer√°rquico de las Bellas Artes. Se mantuvo a la zaga en el constante proceso de renovaci√≥n que viv√≠a la arquitectura y la pintura, permaneciendo casi ‚Äúinvisible‚ÄĚ en los salones expositivos ante la mirada del espectador y desatendida por no pocos historiadores y cr√≠ticos.

Sin embargo, su condici√≥n de Cenicienta[1] se vio favorecida, considerablemente, cuando en la primera mitad de la d√©cada del veinte un reducido n√ļmero de artistas comenzaron a subvertir los c√°nones acad√©micos que no hab√≠an variado desde el per√≠odo colonial. A ellos les corresponde la primicia, no solo en Cuba sino tambi√©n en el √°rea caribe√Īa, de haber iniciado el camino de la vanguardia escult√≥rica.

escultura de Roberto Fabelo, en La Habana Vieja

El triunfo revolucionario impulsó sustancialmente el desarrollo de la manifestación. Se crearon cursos de postgrado en el extranjero, se abrieron becas nacionales e internacionales, se fomentó el montaje de exposiciones personales y colectivas. En 1967 se produjo la primera graduación de la Escuela Nacional de Arte donde emergen con fuerza creadora un grupo de jóvenes de avanzada que abogan por temas novedosos y se interesan por la experimentación.

En los ochenta, la fundaci√≥n de Codema (Consejo Asesor para el Desarrollo de la Escultura Monumentaria y Ambiental) repercuti√≥ de forma favorable en ambas vertientes ‚Äďla escultura ambiental y la de sal√≥n‚Äď estrechando v√≠nculos y apoyando proyectos creativos.

No obstante, pensemos, en los √ļltimos a√Īos, ¬Ņcu√°ntos salones nacionales privilegian la escultura? Y en las muestras colectivas, ¬Ņcu√°ntos escultores participan?

Las cifras son extremadamente reducidas en comparaci√≥n al resto de las manifestaciones, donde destaca siempre la pintura en su variedad de po√©ticas. Ante las dificultades t√©cnicas y materiales, que la escultura demanda no es de extra√Īar que sea menor el n√ļmero de escultores que el de artistas que abogan por otras manifestaciones.

Entonces ¬ŅC√≥mo estimular su creaci√≥n?

Ser√≠a relevante fundar espacios exposititos dedicados √ļnicamente a la escultura; crear talleres sobre creaci√≥n escult√≥rica y desde Codema, fomentar m√°s proyectos que embellezcan las ciudades, no solo en sus principales arterias sino tambi√©n en los repartos y zonas perif√©ricas‚Ķpara que las comunidades est√©n m√°s cercanas al arte.

Urge desde las instituciones potenciar el coleccionismo de piezas escult√≥ricas; destinarles becas de creaci√≥n para financiar su producci√≥n, parcial o totalmente; y atender la restauraci√≥n de las obras emplazadas en espacios p√ļblicos, por su deterioro natural o por la acci√≥n ciudadana.

La escultura es una manifestaci√≥n tridimensional que mucho puede aportar a la experiencia art√≠stica de quien la aprecia; pero adem√°s puede, vinculada a la ciudad, mejorar la sensorialidad y la inteligencia emocional de sus habitantes. Esos rasgos volum√©tricos, a veces did√°cticos y l√ļdicos, ya sea en discursos realistas o abstractos, la acercan al hombre, la enclavan en sus espacios cotidianos, sensibilizan el consumo del arte, atrapan, seducen, interpelan‚Ķ; de ah√≠ su importancia.

 

Nota:

[1] T√©rmino acu√Īado por la Dra. Adelaida de Juan en el pr√≥logo del libro Escultura y escultores cubanos de la Dra. Mar√≠a de los √Āngeles Pereira.


Sal√≥n Gesto en Camag√ľey premia a j√≥venes artistas (+Fotos)

La obra Acotaci√≥n para el silencio, de los artistas Heidy Almarales Sierra y Yunier Vergara Mujica, mereci√≥ el Gran Premio del Sal√≥n de Artes Visuales para J√≥venes Creadores Gesto, cuya novena edici√≥n culmin√≥ en la sede de la filial camag√ľeyana de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z (AHS).

Entre los resultados del concurso -que incluy√≥ manifestaciones art√≠sticas como la fotograf√≠a, el grabado, la instalaci√≥n, la escultura y el videoarte, entre otras- el jurado otorg√≥ menciones a Alejandro Bustos L√≥pez, Argel Ernesto Gonz√°lez Alvarez y Jorge F√©lix Pe√Īa Olive, por sus respectivos trabajos De la Serie: Jard√≠n No.1, Barricada, y Muros, f√°bulas y otros restos.

Además, la Galería de Arte Universal Alejo Carpentier reconoció la obra Hierogamia, concebida por Rogelio Loret de Mola, y Anomalía militar, creada por César Daniel Sánchez Loyola.

Los j√≥venes Jonathan Morales Peguero y Diego Olaz√°bal Vald√©s, autores de Sentimientos, identidad y faceta de la vida, y de Reader¬ī Digestion, fueron premiados por la Academia de las Artes Vicentina de la Torre.

Otras instituciones culturales de la¬†provincia de Camag√ľey, como el Consejo Provincial de Artes Pl√°sticas, la Asociaci√≥n Cubana de Artesanos y Artistas y la Editorial √Ācana concedieron igualmente premios y menciones a noveles exponentes de las artes visuales.

El Sal√≥n Gesto, que abri√≥ el mi√©rcoles 19 en esta ciudad, propuso en su programa sesiones te√≥ricas con la Doctora en Ciencias sobre Arte y curadora principal del Festival Internacional de Videoarte, Teresa Bustillo, y el M√°ster Ernesto Escobar, quienes durante sus talleres dialogaron con los participantes acerca del valor de la acci√≥n gestual en el arte y la escultura en Cuba, apunta la web de la filial de la AHS camag√ľeyana.

Una exposici√≥n de dise√Īo escenogr√°fico y las tradicionales pintadas se incluyeron asimismo en las jornadas de una cita que promueve las creaciones de j√≥venes talentos.

En las galer√≠as Gestus y Mira, ubicadas en la Casa del Joven Creador, donde radica la sede de la AHS en Camag√ľey, se exhibieron las obras en competencia.

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Convergencia no casual, concomitancia memorable: José Villa Soberón y Gabriel Cisneros

A prop√≥sito de la reci√©n inaugurada exposici√≥n Convergencia, en la Galer√≠a Ren√© Vald√©s Cede√Īo del Sistema Caguayo en Santiago de Cuba, se han querido comentar algunos elementos puntuales de sus protagonistas: Jos√© Villa Sober√≥n, Premio Nacional de Artes Pl√°sticas 2008, y el joven escultor Gabriel Cisneros B√°ez, adem√°s de los detalles concernientes a la muestra que ser√° exhibida hasta el venidero mes de marzo y que forma parte de las acciones de la 34 Bienal de Artes Pl√°sticas que este a√Īo tiene como sede a la caribe√Īa provincia.

fotos de la inauguración

Al hablar de convergencias podría parecer que el tema principal está dictado por la casualidad. Ciertamente, en la vida lo imprevisto a menudo resulta en afortunados efectos. No obstante, para esta circunstancia poco ha tenido que ver el azar. La ocasión a la cual se hace referencia es una concomitancia memorable. Dos grandes artistas han sido convidados para, en semejante despliegue hacia Santiago de Cuba, permitir el deleite de una expresión artística que ha padecido mucho, pero sobrevive y con nutrida salud: la escultura.

Los artistas Jos√© Ram√≥n Villa Sober√≥n y Gabriel Cisneros B√°ez concurren a este encuentro para compartir sus creaciones de los √ļltimos a√Īos de trabajo. En ellos el medio ha encontrado fieles defensores. Constituyen dos escultores natos, que a√ļn siendo de distintas generaciones persiguen el mismo objetivo: enaltecer la manifestaci√≥n.

Son dos apasionados de esta arista que durante un largo per√≠odo los especialistas llamaron la ‚ÄúCenicienta de las artes cubanas‚ÄĚ. De este debate me atrevo a agregar, a√ļn le queda mucho camino por recorrer a la expresi√≥n en la consecuci√≥n de un momento de esplendor, sin embargo, el crecimiento es innegable. Sobresale el hecho de que en las √ļltimas d√©cadas se ha expandido a diversos soportes, variantes y posee mayores espacios de visibilizaci√≥n, no como objeto agregado a otras manifestaciones, sino como entidad viva.

fotos de la inauguración

De la unión de Villa y Cisneros muchos subtemas pudieran desmontarse. Entre ellos emerge el diálogo constante entre el maestro y el alumno, el mentor y su discípulo, una trama recurrente en el ámbito de las artes.

Se habla de Villa Sober√≥n, uno de los escultores m√°s importantes del arte cubano, sin temor a espesar demasiado las palabras. Por alrededor de cincuenta a√Īos ha creado obras para comunidades de todo el mundo. A trav√©s de sus piezas, el artista vuelve a concebir la escultura c√≠vica y ambiental plasmando formas abstractas que realiza paralelamente a sus creaciones figurativas de car√°cter m√°s hist√≥rico y conmemorativo.

Por otro lado, se encuentra Cisneros, un joven con una carrera en ascenso. Con mucho empe√Īo se ha colocado en espacios certeros de la promoci√≥n de las artes de la isla y goza de no poco reconocimiento nacional e internacional. Su inquietante b√ļsqueda le ha permitido hallar una f√≥rmula exitosa para que convivan en sus piezas la figuraci√≥n m√°s academicista con una incisiva reflexi√≥n que le hace afianzar sus basamentos y significados conceptuales.

El salto/ 2019/ Resina 215 cm x 155 cm x75 cm

En esta muestra las obras de ambos art√≠fices distan en semejanzas formales y estil√≠sticas. Representan la otredad que les caracteriza. No obstante, en ella se adhieren im√°genes de algunas de sus piezas figurativas que han realizado conjuntamente en los √ļltimos a√Īos, entre las que se encuentran la escultura a Alicia Alonso, Enriqueta Favez, Dante Alighieri y Eusebio Leal, recientemente develado.

Es importante resaltar que esta exposici√≥n tuvo su antecedente en el √°mbito capitalino donde bajo el t√≠tulo de En la misma cuerda, ambos artistas establecieron una retroalimentaci√≥n arm√≥nica. En Convergencia, una vez m√°s, Villa seduce con sus vol√ļmenes. Las texturas, las soluciones est√©ticas son extraordinarias. Sus obras Arpa, C√≠clope, Rueda y Pensador del 2020 son alusiones corp√≥reas de elementos reales tratados como met√°foras. Vigor, vivacidad, excelencia, belleza y gracia son algunos de los calificativos que pudieran describir las mismas.

Arpa / 2020 / acero patinado / 38 x 34 x 34 cm

Por otro lado, Cisneros acude con la reflexi√≥n. Las piezas El Salto, Zib y Cabezas de esfinge I y II subrayan que con recto juicio ejecuta la escultura.¬† La gracia del artista es palpable. De Cisneros se puede decir como Vasari de Miguel √Āngel, ‚ÄúPor arte de mano y de ingenio hace disfrutar de soberbias representaciones‚ÄĚ.

¬†Esta ocasi√≥n remarca una vez m√°s la intenci√≥n del Sistema Caguayo de contribuir al desarrollo de la escultura cubana y el impulso de sus quijotes. La Galer√≠a Ren√© Vald√©s acoge este proyecto que hoy finalmente se concreta y ser√° posesi√≥n del p√ļblico cubano. Convergencia de Villa y Cisneros, dos grandes del arte de estos tiempos.


Zib/ 2017/Resina/100 cm x 70 cm x70 cm

Buscar una pizca de oscuridad en la belleza

Si digo su nombre completo, Silvia Mar√≠a Becerril Guillermo, quiz√°s no tengas ninguna referencia que te permita saber de qui√©n hablo. Pero si vas a las redes sociales, fundamentalmente Instagram, y buscas a @draw_my_journal, te aseguro que quedar√°s extasiado ante la belleza, las sombras y luces de la obra de Silvia. Ella es una joven artista visual cubana y una fabulosa ilustradora que vale la pena conocer. ¬ŅMe acompa√Īas en este viaje?

¬ŅHasta qu√© punto han influido en tu concepci√≥n de hacer arte el uso de las redes sociales? ¬ŅCu√°n √ļtiles pueden resultar para un creador?

Las redes sociales brindan posibilidades que están al alcance de la imaginación de un artista. En mi caso constituyen una herramienta fundamental de inspiración, interacción y difusión de mi arte. Me considero una persona introvertida, que hasta cierto punto le cuesta establecer una relación interpersonal de la manera tradicional y, en ese sentido, la pantalla de mi móvil me facilita esa comunicación. Por otra parte, las redes permiten que se establezcan relaciones con otros ilustradores y que se gestionen ofertas de trabajo. Sin embargo, tienen en mi opinión un lado oscuro, pues muchos llegan a desanimarse si no llegan a conseguir suficiente apoyo o seguidores. Por esta razón es importante estar centrado e ir creando una propia comunidad que se identifique con nuestra obra, saber hacia dónde nos dirigimos y ser constantes.

¬ŅCu√°les son tus principales influencias creativas?

Me inspira casi todo lo que me lleve a mi infancia, a las memorias y los sue√Īos que ten√≠a en la etapa m√°s inocente de todo ser humano. Entre los artistas de la animaci√≥n que m√°s tomo como referente puedo destacar a Don Bluth, Tom Moore, Satoshi Kon, Tim Burton y las producciones del Estudio Ghibli. Recuerdo los primeros libros ilustrados que mis padres me le√≠an y por los que sent√≠a gran fascinaci√≥n, los cuentos folcl√≥ricos y con referencias a sirenas y otras criaturas formaron mi identidad como creadora. Por aquel entonces tambi√©n llegaba mucha mercanc√≠a a Cuba proveniente de Rusia, incluso a nivel audiovisual, por lo que las ilustraciones a acuarela de Nika Goltz u otros ilustradores sovi√©ticos influyeron en mi estilo. Pero sin lugar a duda fueron los cuentos de Andersen y de Oscar Wilde los que claramente me llegaron al alma: esa pizca de oscuridad en la belleza o ese destello de luz en la sombra forman parte de la identidad que he logrado crear como ilustradora.

Soledad. Draw my journal/ cortesía de la entrevistada

¬ŅC√≥mo definir√≠as tu estilo?

Nostálgico, narrativo y onírico. En los comienzos me enfocaba en realizar ilustraciones estéticas, en tomar muchas referencias de otros artistas o tendencias del momento, creo que con el fin de aprender nuevas técnicas digitales e ir ganando popularidad. Afortunadamente siempre existía una esencia en la mayoría de mis primeros trabajos como ilustradora que fueron imponiéndose a todo y lograron fusionarse en un estilo más propio. Formas anatómicas muy sencillas, el énfasis en la iluminación y en el uso del color son de suma importancia en la conformación de mi estilo de ilustrar. Con el tiempo he creado una paleta de colores propia que toma como referencia los contrastes y destellos sutiles de la ilustración tradicional al óleo y que se focaliza en los detalles de la iluminación presente en la naturaleza. La presencia femenina es casi una constante en mi obra.

¬ŅC√≥mo transcurre tu proceso creativo?

Me siento ante la computadora o el papel con un caf√© y m√ļsica, esta √ļltima casi siempre expresa mis estados de √°nimo. Intento pensar en qu√© quiero transmitir y voy bosquejando infinitamente hasta que llego a un resultado que, aunque para mi sea un garabato, lo visualice como una imagen. Luego pienso en el aura crom√°tica y comienzo a dibujar sobre ello y a dar detalles directamente, pues soy un poco impaciente y ca√≥tica y me gusta ver resultados inmediatos en algunas de las partes, es un proceso que hago de manera desenfadada.

Como dibujante e ilustradora tienes una formaci√≥n autodidacta, ¬Ņsientes que existen iguales oportunidades para los creadores formados en academias que para aquellos que llegan al mundo del arte por sus propios medios de aprendizaje?

En nuestro contexto nacional creo que no, y esto precisamente est√° propuesto por el tipo de sociedad que tenemos. Como autodidacta me ha resultado muy complicado darme a conocer, y cuando lo he logrado, en ocasiones confunden mi formaci√≥n con la del Instituto Superior de Dise√Īo o piensan que mis m√©ritos los tengo porque me form√© en alguna academia; simplemente lo asumen. Igualmente, el acceso a medios de trabajo o exposiciones personales, incluso al mundo audiovisual o editorial es juzgado por la procedencia del artista o por sus contactos, en mi opini√≥n, muchas veces sin valorar la calidad del trabajo. Aun as√≠, nada de esto me detiene.

¬ŅPor qu√© has encauzado tu vida creativa hacia el dibujo y la ilustraci√≥n? ¬ŅC√≥mo descubriste que este ser√≠a tu camino como artista?

Desde peque√Īa naci√≥ esa admiraci√≥n por todo lo visual, inspirada por los dibujos animados y tambi√©n por el h√°bito de la lectura, cosa que agradezco a mis padres. Ellos sin saberlo fueron de cierta manera mis primeros referentes, aunque sus profesiones nada tienen que ver con el arte (mi madre es microbi√≥loga y mi padre ingeniero el√©ctrico), ambos tienen habilidades para el dibujo y muy pronto se percataron de las m√≠as y las incentivaron. Desde que logro recordar, fui creciendo como una persona que plantea sus ideas y pensamiento a partir de las im√°genes. Como suele suceder en muchos casos, las personas cercanas a m√≠ lo ve√≠an como un simple pasatiempo, la idea de no ser pr√°ctico o no tener una formaci√≥n universitaria, la presi√≥n del exterior, me hizo poco a poco tomar ese pensamiento. Estudi√© inform√°tica en el preuniversitario y luego comenc√© la carrera de arquitectura, en la que ten√≠a espacios donde pod√≠a seguir refugi√°ndome dentro de la creaci√≥n, pero no era suficiente.¬†

Entre el momento en que el artista descubre el llamado de la vocaci√≥n y ese otro momento en el que el artista sigue sin frenos su llamado puede transcurrir un buen tiempo. ¬ŅSucedi√≥ as√≠ en tu caso?

Efectivamente. Luego de mi graduaci√≥n como arquitecta estuve un buen tiempo desarrollando mi labor como profesora en la disciplina de dise√Īo. Inspirar los primeros a√Īos de los estudiantes, que en mi opini√≥n es la etapa m√°s importante de cualquier profesi√≥n, me hizo descubrir que faltaba esa chispa en mi vida. Una serie de trabajos t√©cnicos y de situaciones complejas a nivel personal sucedieron en los siguientes a√Īos, tiempo en el que pr√°cticamente cualquier bosquejo que sal√≠a de mi mano era para fundamentar un trabajo, hasta llegar a un momento de reflexi√≥n, de ser impulsiva.

Volver al dibujo fue casi un acto de auto aceptación y una lección crucial sobre la importancia de ser honesto con uno mismo en el arte. Un amigo me prestó mi primera tableta digital hasta que pude comprar la mía propia y así recomenzar algo que nunca debía haber terminado. Convertir la ilustración en una carrera de tiempo completo requiere aprender a personalizar nuestro enfoque creativo.

cortesía de la entrevistada

¬ŅQu√© tipo de colaboraciones con otros artistas te interesar√≠an en tu vida creativa?

Me encantar√≠a tener la oportunidad de colaborar con cineastas y escritores. El mundo de la animaci√≥n requiere de una etapa de dise√Īo conceptual que se adecua a mi estilo, que es m√°s desenfadado. Tambi√©n me gustar√≠a trabajar ilustraciones para el ballet.

¬ŅHas pensado en la ilustraci√≥n de libros?

Realmente mis deseos radican en esta interrogante. Crec√≠ en un mundo lleno de historias, le√≠ much√≠simo en mi adolescencia y aunque actualmente lo hago menos, porque el dibujo ocupa gran parte de mi tiempo, siempre me doy una escapada y al menos busco alg√ļn escrito que me motive. En muchos de mis trabajos pueden verse algunas frases que los inspiran o acompa√Īan la ilustraci√≥n, lo cual para m√≠ es el comienzo de todo, como lo son esas im√°genes que hice para el #folktaleweek2020. Ilustrar libros y crear mis propios √°lbumes ilustrados es mi sue√Īo futuro, transmitir esa sensaci√≥n que me hizo enamorarme de este universo art√≠stico.

El mundo de lo fant√°stico y lo on√≠rico forma parte indiscutible de tu trabajo como dibujante, ¬Ņpor qu√© sucede as√≠? ¬ŅQu√© es lo que m√°s te atrae de esa mirada a lo extracotidiano y a lo extraordinario?

Al principio de mi incursi√≥n en la ilustraci√≥n digital trat√© en vano de ser m√°s comercial, entonces quiz√°s mi trabajo llegaba o gustaba m√°s al p√ļblico, pero yo quedaba rara vez satisfecha con el resultado. Las escenas cotidianas, los autorretratos son im√°genes que est√°n presentes en mi vida, pero que no me definen como persona. Como dicen mis amigos, estoy siempre en la luna. Fue asimilar este concepto y comenzar a dibujarlo lo que realmente me hizo desbloquear ese mundo de sue√Īos. Cuando dibujo soy yo y al mismo tiempo soy quien quiera ser, me refugio en mi mundo de historias y personajes, viajo a todas partes desde mi silla de escritorio.

El mundo de Instagram ha sido una plataforma donde expones, a modo de nuevo tipo de galer√≠a, tu trabajo como dibujante. ¬ŅSon las redes sociales nuevos espacios de exhibici√≥n del arte?

Lo son. ¬ŅQu√© mejor manera de mostrar tu trabajo que cuando puede ser accesible a todos? Aun as√≠, desgraciadamente encontramos personas que en ocasiones quieren adue√Īarse de tu arte y no tienen reparo en hacerlo, por eso es importante establecer l√≠mites y con el tiempo poder crear nuestra propia plataforma independiente donde podamos hacer valer nuestro derecho de autor.

M√°s all√° del dibujo, ¬Ņqui√©n es Silvia?

Silvia es una mujer so√Īadora que intenta vivir el presente sin descuidar sus prop√≥sitos futuros. Hija, hermana y sobre todo amiga. Ilustradora comprometida con su trabajo y en ocasiones artesana. Amante de los simples placeres cotidianos como la lectura, el caf√© y el t√©, los animales, la cocina y los audiovisuales. Caminante urbana empedernida. Curiosa incansable de nuevos desaf√≠os.


Tatuarte, un proyecto que gana p√ļblico desde Holgu√≠n

La Casa del Joven Creador de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z de la ciudad de Holgu√≠n reabri√≥ sus puertas al p√ļblico el pasado 18 de junio con Tatuarte, proyecto pensado para la difusi√≥n del arte del tatuaje en Cuba.

Desde su primera edici√≥n, Tatuarte persigue reivindicar al tatuaje como una manifestaci√≥n art√≠stica dentro de las artes visuales, empe√Īo de su fundador y organizador del evento Gilberto Gonz√°lez Carcac√©s (Yiki), quien ha logrado sumar a representantes de toda Cuba.

Tatuarte 2021

‚ÄúLos tatuadores encuentran a trav√©s del evento un espacio para visibilizar su obra y expandir sus inquietudes art√≠sticas; siempre les he exigido que traigan sus propios dise√Īos, y dise√Īos que no sean convencionales. En Holgu√≠n tenemos la suerte que las instituciones apoyen este tipo de proyectos‚ÄĚ, destaca Yiki.

Tatuarte 2021

Debido a la aun amenazante condici√≥n epidemiol√≥gica del pa√≠s, la V edici√≥n ha resultado at√≠pica imposibilit√°ndose la interacci√≥n con creadores de otras provincias. En esta ocasi√≥n se ha enmarcado en el aspecto de buscar una interrelaci√≥n entre las obras que se exponen en la Galer√≠a de la AHS y las muestras que se realizan en vivo para el p√ļblico (propuesta perform√°tica atractiva donde se descontextualiza a el t√≠pico entorno de trabajo del tatuador hacia un espacio de taller-escenario, donde el tatuaje como producto visual es tambi√©n objeto de observaci√≥n para el espectador).

En la cita se cont√≥ con la participaci√≥n de cuatro tatuadores del patio: Denier Sellez D√≠az, Darwin Mario Puig Rodr√≠guez, Yiki, y el veterano Arquel Baganet Calzadilla, tambi√©n fundador del proyecto y ‚Äúpadre‚ÄĚ del tatuaje en Holgu√≠n.

Tatuarte 2021

Seg√ļn Javier Rodr√≠guez Calder√≠n, voz autorizada dentro del estudio de la pl√°stica, ‚Äúen la exposici√≥n se reunieron cuatro visualidades diferentes, y esto guarda relaci√≥n con el tatuaje que el visitante se pueda ejecutar. Se pueden encontrar en estas piezas algunas que est√°n m√°s combinadas a un sentido humor√≠stico y m√°s actual, desde la caricatura o lo naif, la intertextualidad de tatuajes referentes a la tradici√≥n asi√°tica, el abstraccionismo con ciertos niveles de manchas. Por eso la exposici√≥n se llama en esta ocasi√≥n ¬ę4 C de P a P¬Ľ: Cuatros creadores con caminos diferentes de la perded a la piel‚ÄĚ.

Manteni√©ndose la tradici√≥n del proyecto vinculado a otras manifestaciones del arte, durante la clausura del evento se pudo disfrutar de las bandas Complot, Dazehorn y Claim, de gran aceptaci√≥n por el p√ļblico joven.


Asomo de un Salón

Algo predispuesto con los Salones, uno asiste a sus inauguraciones sabiendo que encontrar√°, cuando menos, una selecci√≥n ‚Äďrepresentativa o no‚Äď del quehacer actual de un grupo de artistas pertenecientes a un determinado contexto social o geogr√°fico, pero conociendo que esa muestra no tiene que ser necesariamente el estado del arte en ese momento. Uno asiste a los Salones con la certeza que encontrar√° piezas que ha visto en otras muestras, personales o colectivas… Uno asiste a ellos ‚Äďpesimistas que somos‚Äď aun sabiendo que los m√°s reconocidos artistas no siempre estar√°n presentes y que ‚Äďy esto es algo bueno‚Äď los j√≥venes van ocupando el lugar legitimador que la instituci√≥n ha creado como catapulta visibilizadora de su trabajo (sabiendo incluso que muchas veces han fallado las estrategias de promoci√≥n y legitimaci√≥n). Aun as√≠ uno los visita, insiste en recorrerlos, incluso despu√©s de haber le√≠do varias cr√≠ticas donde se subraya el car√°cter epid√©rmico, mon√≥tono, tradicionalista, r√≠gido‚Ķ que en los √ļltimos a√Īos asolan los salones en varias ciudades del pa√≠s. No todos, est√° de m√°s decirlo; y aqu√≠ es donde la museograf√≠a y el ejercicio curatorial, principalmente, han venido a distinguir algunos salones en el panorama insular.

Uno asiste al XXIX Sal√≥n Provincial de Artes Visuales de Holgu√≠n, abierto al p√ļblico en el Centro Provincial de Artes (CPA) con un t√≠tulo, Asomo de un Sal√≥n, que nos reafirma la ‚Äúgradual retracci√≥n, en detrimento de la deseada pero pocas veces alcanzada representatividad de los procesos art√≠sticos locales‚ÄĚ, que en esta edici√≥n el certamen ‚Äďel principal de su tipo en la provincia‚Äď ha mostrado, como asegura su curadora Bertha Beltr√°n, pero con el deseo de que la tan deseada representatividad d√© paso a la necesaria calidad del mismo (Un t√≠tulo que, incluso, recurre inteligentemente a la iron√≠a, a lo l√ļdico, a aprovechar y sacar partido de las debilidades de la edici√≥n, como alternativa necesaria, l√≥gica y perspicaz).

Cada a√Īo el joven equipo del CPA, que celebra su 30 aniversario este a√Īo, liderado por Yuricel Moreno Zald√≠var, ha buscado alternativas y potenciado dis√≠miles ejercicios curatoriales para revitalizar los salones locales ‚Äďtanto en el Provincial, cada dos a√Īos, como cada enero el Sal√≥n de la Ciudad‚Äď, y desde una mirada cr√≠tica y cuestionadora, incluso del hecho art√≠stico, del mercado del arte, la institucionalizaci√≥n y circulaci√≥n del mismo, y de la propia articulaci√≥n de los salones como entes legitimadores, visibilizar la producci√≥n pl√°stica holguinera, pues ‚Äúcomo evento es un sujeto vivo, d√ļctil, susceptible a cambios y, sobre todo, es un riguroso ejercicio de pensamiento, para no correr el riesgo de quedar obsoleto en el tiempo‚ÄĚ, a√Īade Berta en el cat√°logo, pues el Sal√≥n Provincial no est√° ausente de varias de estas cuestiones: la falta de reconocidas firmas, la poca participaci√≥n de los artistas locales, que ha hecho menguar el nivel de convocatoria y el inter√©s, la calidad de las obras en concurso‚Ķ (Todo esto, de alguna manera, pod√≠a reflejar el estado de las artes visuales en Holgu√≠n).

Este riesgo lo ha evitado siempre el Sal√≥n, pues ha sido un espacio ‚Äúcon amplia tradici√≥n dentro de la vida cultural holguinera‚ÄĚ, y que ‚Äúse ha caracterizado por mostrar el quehacer de la provincia y a lo largo de estos a√Īos, premiado el √≠mpetu de varias generaciones de artistas‚ÄĚ.

Esta 29 edici√≥n reuni√≥ a 18 creadores y 25 obras en concurso, lo que subraya que ‚Äúqueda mucho por desear, hacer y mostrar‚ÄĚ, pues ‚Äúasistimos al nacimiento de tiempos que imponen nuevos y dif√≠ciles retos‚ÄĚ. ‚ÄúPartiendo de un eje curatorial con un pensamiento cr√≠tico que vincule a un creador motivado y comprometido, para un p√ļblico √°vido del disfrute est√©tico, el Centro de Arte en el a√Īo 30 de su aniversario tiene como reto futuro rebasar todas las expectativas posibles‚ÄĚ. Sin dudas sobrepasar este ‚Äúasomo‚ÄĚ de lo que ha sido el Sal√≥n Provincial, a partir del an√°lisis y superaci√≥n de esta experiencia, matizada por los efectos sociales de la Covid-19 y las alternativas para sobreponerse, personal e institucionalmente, constituye una vara alta que la instituci√≥n holguinera sobrepasar√° con √©xito.

Repasemos los premios de esta edici√≥n del Sal√≥n. El jurado, integrado por Leticia Leyva Azze, Ernesto Ceballos Hern√°ndez y V√≠ctor Manuel Vel√°zquez Mirabal, decidi√≥ entregar un Premio √ļnico ‚Äúpor trascender la visi√≥n meramente est√©tica o formal, por plantearse una met√°fora acerca del vac√≠o y del espacio existencial con la depurada carga minimalista y por el sentimiento de libertad que aportan‚ÄĚ, al proyecto escult√≥rico ‚ÄúLa libertad de la tierra‚ÄĚ, fotograf√≠a digital de Luis Alberto Santiesteban G√≥ngora (en mi opini√≥n, una de las obras m√°s interesantes de una muestra peque√Īa y variopinta). Mientras que las menciones recayeron en Juan Carlos Dom√≠nguez Diez, por el video ‚ÄúPiel de Burd√©gano‚ÄĚ, y Cristian Escalona Herrera, por la obra de la serie fotogr√°fica digital ‚ÄúSobre como las palabras construyen im√°genes‚ÄĚ.

Por su parte, la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z premi√≥ ‚Äú¬°Cierra las piernas!‚ÄĚ (monotipia/cartulina) de Cecilia Patricia Vaca Rodr√≠guez; la Filial del Fondo Cubano de Bienes Culturales a Raymundo Sosa Tamayo con ‚ÄúLa caravana‚ÄĚ (√≥leo/lienzo); y la Uneac sum√≥ su reconocimiento al Premio entregado por el jurado a Luis Alberto Santiesteban G√≥ngora.

Adem√°s de los premios otras obras destacan en la propuesta: ‚ÄúGrafemas para un pol√≠glota‚ÄĚ, fotograf√≠a digital de An√≠bal de la Torre; ‚ÄúLa familia insurrecta‚ÄĚ y ‚ÄúObertura cubana‚ÄĚ, mixtas/lienzo de Dayam√≠ Pupo; las obras de la serie ‚ÄúDe avispa‚ÄĚ y otras piezas de Cecilia Patricia Vaca Rodr√≠guez; las obras de la serie ‚ÄúFashion On‚ÄĚ de Dayam√≠ Rodr√≠guez; ‚ÄúAntojos‚ÄĚ (acr√≠lico/lienzo) de Hennyer Delgado Chac√≥n, y ‚ÄúMezcla homog√©nea‚ÄĚ, de Mariannis Mirabal Ripoll.

M√°s all√° del hecho curatorial, me parece que lo m√°s significativo de este Sal√≥n ‚Äďcomo en otros salones recientes‚Äď ha sido la convergencia de diferentes po√©ticas con un discurso ideoest√©tico propio dentro del quehacer regional y nacional, incluso an√°logo en cuanto a intenciones e interrogantes creativas y sociales. As√≠ la galer√≠a se convierte en ese espacio donde todo es posible: v√≥rtice abierto a m√ļltiples posibilidades que terminan confluyendo sem√°nticamente y mostrando una parte, aunque no sea representativa, aunque no sea la deseada, del cuerpo pl√°stico holguinero. Un Sal√≥n que, en pr√≥ximas ediciones, estoy seguro de ello, sabr√° superarse y crecer. Mientras bien vale la pena ‚Äúasomarnos‚ÄĚ un poco para ver mejor.


Vocación por el arte

Su pasi√≥n por el universo de la pintura lo condujo desde peque√Īo hacia el arte. Sus padres estimularon ese anhelo y Josvel V√°zquez Prat encontr√≥ en la Escuela de Instructores de Arte de Holgu√≠n un espacio para aprender, en el Centro de Artes Pl√°sticas un sitio para desarrollarse, y en la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z un motivo para crecer y compartir sus conocimientos.

Hice las pruebas de ingreso cuando la Escuela ten√≠a apenas dos a√Īos de abierta en Holgu√≠n y tuve la dicha de que el claustro de profesores estuviera compuesto por importantes artistas como Miguel √Āngel Salv√≥ en dibujo y pintura, Julio Alarc√≥n en grabado, entre otros. Ellos nos hablaban del fuerte movimiento art√≠stico de la ciudad y eso aviv√≥ mi pasi√≥n por el arte. El objetivo fundamental de un instructor es encontrar talentos en las escuelas e incentivarlos, pero siempre quise ir m√°s all√°.

cortesía del entrevistado

De instructor a curador…

Cuando me gradu√© comenc√© a trabajar en la Casa de Cultura ‚ÄúManuel Dositeo Aguilera‚ÄĚ y despu√©s de un tiempo escuch√© que exist√≠a una plaza vacante como curador en el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas. No ten√≠a una idea exacta de lo que iba a hacer, pero ten√≠a inquietudes sobre esta profesi√≥n, y en el a√Īo 2014 la directora de la instituci√≥n, Yuricel Moreno, me dio la oportunidad. Ella estaba formando un nuevo equipo para cambiar la din√°mica de trabajo y junto a un grupo de j√≥venes egresados de la carrera de Historia del Arte comenc√© a hacer los proyectos curatoriales y a convocar a los artistas.

En ese mismo a√Īo realic√© el Tercer Sal√≥n de la AHS que se llam√≥ Entre col y col y as√≠ poco a poco me fui integrando a la Asociaci√≥n, hasta que me seleccionaron como jefe de la secci√≥n de Artes Visuales, un puesto en el que llevo ya tres a√Īos.

¬ŅHa sido un reto para ti?

En parte s√≠, porque me ha obligado a superarme cada d√≠a y a prepararme mejor. Tambi√©n me ha brindado la posibilidad de trabajar en la confecci√≥n del cat√°logo monogr√°fico sobre la pintora, escultora y muralista mexicana Electa Arenal Huerta, y en la curadur√≠a de diversas exposiciones como ‚ÄúVariaciones sobre temas de Matisse‚ÄĚ, del reconocido pintor holguinero Cosme Proenza; la colectiva ‚ÄúPensar a La Luz‚ÄĚ, auspiciada por el sello de la AHS en Holgu√≠n, Ediciones La Luz, y el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas; y ‚ÄúEn L√≠nea‚ÄĚ, que reuni√≥ a j√≥venes artistas de la pl√°stica local y se exhibi√≥ en la Casa del Joven Creador de la AHS, entre otras.

cortesía del entrevistado

Curar en tiempos de pandemia…

La necesidad de estar aislados nos ha obligado a redise√Īar los espacios tradicionales y a buscar una visualidad en las plataformas digitales con proyectos que incluso contienen obras modeladas en tercera dimensi√≥n. Sin duda alguna las redes sociales han sido fundamentales durante esta crisis sanitaria para la promoci√≥n de las obras. As√≠ tuvimos que hacerlo durante la Fiesta de la Cultura Iberoamericana del a√Īo 2020 con la muestra de artes visuales ‚ÄúM√°s all√° del tiempo y el espacio‚ÄĚ, y en Babel, evento de las Romer√≠as de Mayo que promueve lo mejor de las Artes Pl√°sticas.

Para lograr que las exposiciones sean más atractivas en el escenario virtual hemos tenido que superarnos profesionalmente y, aun cuando ha sido una variante paliativa a esta situación, creo que la virtualidad llegó para quedarse y en el futuro debe coexistir con las muestras físicas.

cortesía del entrevistado

Babel, Haute Couture y las redes sociales…

Es bastante exigente organizar cada a√Īo el evento Babel en el Festival Mundial del Arte Joven y en esta edici√≥n, a pesar de la Covid-19, nos pusimos el reto de realizar una exposici√≥n colectiva virtual bastante ambiciosa. Para ello convocamos a los miembros de la Asociaci√≥n de todo el pa√≠s y tuvimos una respuesta muy satisfactoria, logrando reunir en Haute Couture (Alta costura) a j√≥venes creadores de casi todas las provincias y el municipio especial Isla de la Juventud, como Jorge Pedro Mart√≠n, Luis Alberto Salda√Īa, Ram√≥n Jes√ļs, Leandro Emilio Mompi√©, Eduardo de la Cruz Guerra, Hennyer Delgado y Julio C√©sar Cisneros Fuentes, entre otros.

¬ŅEst√° garantizado el relevo generacional en Holgu√≠n?

Holguín fue, es y seguirá siendo una importante plaza de las artes plásticas a nivel nacional, porque aquí hay mucho talento y prestigiosas escuelas formadoras como la Academia Regional de Artes Plásticas El Alba, que cuenta con un claustro conformado por destacados artistas en activo y miembros de las principales organizaciones que aglutinan a los creadores de esta manifestación. En esa institución holguinera se forma cada día una parte del futuro cultural de Cuba.

Insatisfacciones y proyectos…

Como jefe de sección creo que nos falta por lograr una mayor promoción de las artes visuales en el mercado internacional y posicionar a los artistas en otros circuitos del arte, además de fundar proyectos y espacios expositivos fuera de los eventos.

En mi caso personal, trabajo ahora mismo en la maquetaci√≥n de un libro dedicado a los 30 a√Īos del Centro Provincial de Arte junto a Ramiro Ricardo, primer director del centro y fundador de la AHS. Asimismo, cuando pase la pandemia, quiero organizar una gran exposici√≥n f√≠sica con los miembros de la AHS de toda Cuba por sus 35 a√Īos de fundada, y trabajar en la curadur√≠a de otros proyectos innovadores que le gusten a la gente y movilicen su pensamiento, eso es lo fundamental.

cortesía del entrevistado

Anibal De la Torre, orgulloso de llevar la isla dentro

Anibal De la Torre Cruz (1985) es uno de los m√°s persistentes artistas visuales holguineros. A fuerza de trabajo y talento ‚Äďnunca est√° tranquilo, sino en la b√ļsqueda constante, asegura‚Äď, su firma aparece en la mayor√≠a de las exposiciones colectivas realizadas en Holgu√≠n en los √ļltimos a√Īos. Estas, junto a las personales que ha inaugurado, como la reciente Rostros en la sede provincial de la Uneac, nos reafirman que la po√©tica de Anibal, la cosmovisi√≥n que permea sus cuadros, mezcla de elementos identitarios locales y nacionales, con otros de la tradici√≥n yoruba, es reconocible a simple vista. Ha logrado con ello lo que muchos artistas buscan: un sello de identidad, una marca visible ‚Äďque ha evolucionado, pero ha mantenido, como un v√≠a crucis, los mismos sentidos, b√ļsquedas, dudas y preocupaciones, sue√Īos y signos a los que aferrarse como se√Īales de la vida‚Äď en el panorama de la pl√°stica holguinera y cubana.

 

Por un lado, reconocemos en su obra los retratos y la autorepresentaci√≥n ‚Äďcomo un an√°lisis de las ‚Äúpreocupaciones, cuestionamientos, interrogantes, estados an√≠micos y un modo de representar el yo interior‚ÄĚ‚Äď; y por otro, la representaci√≥n de la cultura y el pante√≥n afrocubano, espec√≠ficamente el yoruba y sus s√≠mbolos, como ‚Äúel resultado de algunas interrogantes sobre la fe en las personas, su influencia sobre ellas‚ÄĚ, y como un ‚Äúcamino de conexi√≥n entre lo terrenal y lo espiritual, una manera de caracterizar una idea, un concepto‚ÄĚ. Su obra, insiste, es un retrato de su vida. Un reflejo del mundo interno que siempre lo acompa√Īa. Ra√≠ces, creencias e identidad podr√≠an resumirla, pero dejemos que sea el propio Anibal De la Torre quien nos cuente sobre las formas en las que el mundo se le transfigura en arte.

Vayamos a los primeros pasos‚Ķ De ni√Īos casi todos dibujamos y casi todos queremos ser artistas‚Ķ Pero, ¬Ņc√≥mo te inclinas a las artes pl√°sticas ya m√°s seriamente? ¬ŅAlg√ļn antecedente familiar, o en tu caso sucedi√≥ eso que muchos llaman, sencillamente, vocaci√≥n?

Mi inclinaci√≥n por las artes pl√°sticas comenz√≥ desde muy temprana edad. Desde peque√Īo mi familia y amigos de mis padres que frecuentaban la casa, dec√≠an que ten√≠a vocaci√≥n para la pintura. Recuerdo que en la primaria mis compa√Īeros me hac√≠an cola para que les dibujara personajes de dibujos animados que daban en la televisi√≥n; mis favoritos a dibujar eran las tortugas ninja y los gatos samur√°i. Cada vez se hac√≠a m√°s fuerte la necesidad de dibujar y pintar.

Me presentaba a concursos de pl√°stica infantil que se convocaban en la escuela, de los que fui premiado en diferentes niveles. En esa √©poca la Academia de Artes Pl√°sticas abri√≥ un curso para ni√Īos (estaba en 6to grado) y me present√©. All√≠ estuve recibiendo clases de dibujo tres o cuatro meses y aprend√≠ mucho gracias a mi primer profesor y amigo en la actualidad Ernesto Sancipri√°n.

Luego de concluido este curso, conoc√≠ a otro artista que me acoger√≠a en su casa para continuar ofreci√©ndome conocimientos de las artes pl√°sticas, las gracias a Octavio Torres. En mi familia tengo la suerte de tener antecedentes en el mundo de las artes pl√°sticas: mi abuelo, que ya no nos acompa√Īa, recibi√≥ estudios de pintura en su juventud y su hijo, mi t√≠o, se gradu√≥ de escultura en la Escuela Profesional de Artes Pl√°sticas de Holgu√≠n. Como dicen por ah√≠, eso va en la sangre. Mi abuelo fue la principal persona que me apoy√≥ y me inculc√≥ desde peque√Īo mi amor por las artes pl√°sticas. Siempre me llam√≥ la atenci√≥n un cuadro suyo, unas palomas en su palomar en tonos ocres y sienas, creo que ese cuadro fue el detonante de mi pasi√≥n por la pintura.

Te grad√ļas de la Escuela de Instructores de Arte en Holgu√≠n en su primera graduaci√≥n ‚Äďluego haces la Licenciatura en Estudios Socioculturales en la Universidad de Holgu√≠n‚Äď, y al poco tiempo comienzas a participar en muestras colectivas y realizas tus primeras exposiciones personales. Ha sido un camino largo hasta hoy y al mismo tiempo de crecimiento‚Ķ Com√ļnmente la docencia en Instructores de Arte est√° m√°s enfocada a la ense√Īanza art√≠stica y sus metodolog√≠as, y no son muchos los j√≥venes instructores que, a la par de trabajar en esto, han sostenido una obra personal s√≥lida. ¬ŅCu√°nto crees que influy√≥ en tu trabajo, y en tu formaci√≥n como joven creador, estos a√Īos cursados en Instructores de Arte?

Entrar a la Escuela de Instructores de Arte fue un paso para perfeccionar mis conocimientos sobre las artes pl√°sticas. Mis cuatro a√Īos en la escuela marcaron una etapa de mucho estudio y dedicaci√≥n. Debo agradecer much√≠simo a mis profesores Luis Santiago, Julio C√©sar Rodr√≠guez, Michel Cruz, Carlos C√©spedes, Eduardo Padilla, Bertha Beltr√°n, entre otros. Excelentes artistas que les debo los conocimientos que me inculcaron y lo que he logrado hasta ahora.

Creo y no quisiera ser absoluto, pero mi a√Īo tuvo la dicha y la suerte de tener a estos excelentes artistas como profesores. Me gradu√© en 2004, en la primera promoci√≥n de esta escuela creada por Fidel Castro. Me incorpor√© en una escuela primaria para cumplir con mi servicio social de cinco a√Īos. Durante este tiempo llev√© al un√≠sono la pedagog√≠a y mi carrera como artista. Trat√© de superarme cada d√≠a m√°s, investigando mucho y present√°ndome a los diferentes cert√°menes que se convocan en la provincia. Fue una etapa en la que comenc√© a despuntar y a proponerme metas a alcanzar. As√≠ apareci√≥ mi primera muestra personal, aquella que romper√≠a el hielo, en 2007 en la Galer√≠a Holgu√≠n. Fue un reto que trajo cr√≠ticas constructivas, pero marcaba el inicio de lo que realmente quer√≠a en mi vida, pintar, y lo primero que me sal√≠a era elementos distintivos de Holgu√≠n, como la Loma de la Cruz, el reloj del Cine Mart√≠, mezclados con palmas, helechos, girasoles, en una paleta de tonos ocres y sienas.

Identidad – Anibal De la Torre – 2012

¬ŅCu√°nto sigue influyendo la experiencia docente en el Anibal artista? Com√©ntame un poco sobre tu participaci√≥n, en dos ocasiones, en la misi√≥n ‚ÄúCultura Coraz√≥n Adentro‚ÄĚ en Venezuela.

Venezuela lleg√≥ de manera sorpresiva. No me imaginaba ir a un pa√≠s con una cultura totalmente diferente a la nuestra; fue un pelda√Īo nuevo que subir en mi vida. A penas ten√≠a 24 a√Īos, muy joven, para asumir una responsabilidad pedag√≥gica con personas de diferentes grupos etarios; realmente fue una tarea que me exig√≠a superarme cada d√≠a m√°s. Llegar a un cerro, realizar un diagn√≥stico profundo de su poblaci√≥n para emprender una labor docente art√≠stica fue un reto dif√≠cil, pero gracias a cultores venezolanos del √°rea, el trabajo se facilit√≥ un poco.

Es v√°lido destacar que esta hermosa experiencia aport√≥ mucho para mis conocimientos y como persona. Fue una etapa en mi vida que aprovech√© mucho, pues visit√© galer√≠as y museos donde disfrut√© originales de grandes artistas de talla internacional, con solo mencionar a Duchamp, Warhol, Christo, Kandinsky, Botero, Carlos Cruz-Diez, Jes√ļs Soto, Mondrian, Picasso, entre otros. Tambi√©n compart√≠ con artistas destacados del pa√≠s, y aprend√≠ mucho de sus experiencias. Tuve la suerte de realizar una exposici√≥n bipersonal de fotograf√≠a junto a mi esposa en la Galer√≠a Elsa Morales, de la Casa del Artista de Caracas. Esa fue mi primera experiencia internacional, que disfrut√© mucho, y tuvo muy buena acogida por el p√ļblico venezolano.

Habl√°bamos de un crecimiento, una evoluci√≥n‚Ķ Al revisar tu obra notamos que, sin importar las diferentes etapas por las que ella ha ido transitando, desde las palmas, relojes, los s√≠mbolos arquitect√≥nicos de la ciudad de Holgu√≠n, de tus primeras series, hasta los recientes Rostros, se reconoce la po√©tica de Anibal De la Torre. ¬ŅQu√© rasgos crees que han identificado tu pintura; no ahora, sino en esa especie de recorrido pl√°stico con el sello de tu trabajo?

Mi recorrido, desde mi primera exposici√≥n personal, es un retrato de mi vida. De d√≥nde vengo, mis ra√≠ces, mis creencias, mi identidad. Este recorrido yo lo ver√≠a como un diario en el que cada exposici√≥n es una nueva etapa, donde plasmo sentimientos e interrogantes que son constantes en el d√≠a a d√≠a. Trato de analizar el mundo que me rodea y c√≥mo influye en el paso de mi vida. La obra de Anibal ha sido eso, un reflejo de ese mundo interno que lo acompa√Īa siempre.

Protección РAnibal De la Torre Р2013

¬ŅQu√© es la identidad para ti?

La identidad es el conjunto de elementos que hacemos propios, como la forma de hablar, caminar, vestir, pintar; el sello que caracteriza a cada persona. Una persona sin identidad es un alma errante caminando sin presente y futuro. Las personas deben tener bien claro esto para saber de dónde venimos y hacia dónde vamos.

Hablemos de dos cosas: la autorepresentaci√≥n (el autorretrato, que sabemos es uno de los ejercicios de an√°lisis m√°s complejos para un artista) y la representaci√≥n de la cultura y el pante√≥n afrocubano, espec√≠ficamente el yoruba y sus s√≠mbolos (caracoles, herraduras, girasoles, clavos, helechos, incluso en el uso de elementos no convencionales como el saco de yute y los caracoles) en tu cosmovisi√≥n. ¬ŅPor qu√© te interesa el retrato y espec√≠ficamente el autorretrato, incluso en las fotograf√≠as de la muestra ‚ÄúSilencio roto‚ÄĚ? ¬ŅPodr√≠amos hablar de asumir la fe tambi√©n desde las posibilidades de la creaci√≥n pl√°stica? ¬ŅY acaso tambi√©n de una cr√≠tica de la religi√≥n con fines mercantilistas, a mucha doble moralidad que abunda hoy?

Desde mi tercera exposici√≥n personal, Revelaciones, comenc√© a representarme a m√≠ mismo en las obras. M√°s bien ha sido un an√°lisis de etapas de mi vida: preocupaciones, cuestionamientos, interrogantes, estados an√≠micos y un modo de representar el yo interior. En la historia del arte el autorretrato ha sido una herramienta para representar estados y etapas de su vida. Es una herramienta que contin√ļo aplicando, todav√≠a queda mucho por expresar.

La muestra fotográfica Silencio roto, fue el resultado de algunas interrogantes sobre la fe en las personas, su influencia sobre ellas y como ha llegado a la doble moralidad y por qué no, de llevar este ritual sagrado a fines mercantilistas. La utilización de diferentes elementos como clavos, las herraduras, los propios caracoles (Diloggun), entre otros, han sido un camino de conexión entre lo terrenal y lo espiritual, una manera de caracterizar una idea, un concepto.

Hablemos un poco de los maestros. Cubanos y extranjeros, creadores conocidos o no. Artistas a los que admiras y sigues. ¬ŅQui√©nes, de una manera y otra, te han influido como artista?

Desde que comenc√© mis estudios en la Escuela de Instructores de Arte, no par√© de buscar, leer e investigar sobre las artes pl√°sticas en el devenir de la historia. A cada artista siempre lo marca alguna tendencia o un pintor en espec√≠fico; en mi carrera he tenido muchas influencias de varios artistas, siempre experimentando, tratando de buscar un sello propio, o m√°s bien algo que te identifique y que cuando vean tu trabajo, digan: ese es un Anibal. Creo que ese es el anhelo que todo artista desea. Admiro mucho la obra de los artistas cubanos Roberto Diago, Jos√© Bedia, Mendive, Ernesto Ranca√Īo, Kcho, los holguineros Yovani Caises, Jos√© Emilio Leyva, Ernesto Sancipri√°n, Jorge Hidalgo Pimentel y Miguel √Āngel Salv√≥, de cuya creaci√≥n art√≠stica he bebido.

La exposici√≥n Persistencia del uso (2014) se caracteriz√≥ por la ‚Äúacogida de la oscuridad, un tratamiento escabroso, poco colorido, abrupto‚Ķ‚ÄĚ. Com√©ntame, Anibal, un poco sobre esta muestra.

Esta fue una exposici√≥n diferente a las dem√°s, en cuanto a la tonalidad. Trat√© de representarla en general con los negros y sienas. Plasm√© de manera simple, o sea, sin mucho tratamiento pict√≥rico, ciertas pr√°cticas de la religi√≥n yoruba, por ejemplo, el empleo de hierbas, velas, cascarillas, miel, ron y condimentos colocados dentro de un estante con tapa de cristal, simulando un botiqu√≠n m√©dico, estableciendo la funci√≥n paralela de √ļtiles para la curaci√≥n. Esta obra fue instalativa y en las dem√°s planim√©tricas us√© fondo negro y por lo general de manera lineal, simbolic√© los caracoles y ojos como estrellas en la noche o como lluvia en el mar.

Incorpor√© a las obras el t√≠tulo como parte de la composici√≥n. Me gust√≥ mucho ‚ÄúYo, t√ļ, √©l, nosotros, ustedes, ellos‚ÄĚ, donde expongo la silueta de la due√Īa del mundo y de los mares, que guarda bajo su falda el √°nfora; que guarda secretos m√≠sticos, empleando los colores negro, azul y gris.

M√°s de 15 exposiciones personales y 80 colectivas‚Ķ Obras tuyas en portadas de libros. Trabajo con diferentes t√©cnicas, materiales‚Ķ Incursiones tambi√©n en la fotograf√≠a. Veo ahora que el dise√Īo escenogr√°fico y de vestuario de una obra de teatro, que es totalmente diferente a lo anterior. M√°s tu trabajo en el Centro Provincial de Casas de Cultura. Creo que siempre est√°s haciendo algo, inmenso en alg√ļn proyecto‚Ķ ¬ŅDime c√≥mo lo haces? Y adem√°s, en esta etapa de claustro por la Covid-19 ‚Äďmomento en que inauguraste Rostros en la sede de la Uneac de Holgu√≠n‚Äď, ¬Ņc√≥mo ha sido el trabajo y la creaci√≥n art√≠stica para Anibal De la Torre?

Nunca estoy tranquilo, o sea, me mantengo creando e incursionando en otras ramas dentro de las artes visuales. Gracias a la tecnolog√≠a me he enamorado del dise√Īo gr√°fico. He realizado varios carteles para cortometrajes de trabajos de tesis de estudiantes del ISA; as√≠ como dise√Īos escenogr√°ficos para una obra de Rosa Mar√≠a Rodr√≠guez, ganadora de una beca de creaci√≥n de la AHS. He incursionado en la fotograf√≠a, que es un soporte con el que me gusta experimentar.

Miradas en composicion fragmentada – Anibal De la Torre – 2021

Durante la etapa de cuarentena, al aparecer la Covid-19, fue un momento que casi todos los artistas se dieron a la tarea de desempolvar proyectos. Yo no estaba exento de eso; fue el momento preciso para poner manos a la obra de la serie Rostros, donde uso como modelos a los amigos que tengo a la mano, mis compa√Īeros de trabajo y mi familia. De ellos capto expresiones faciales en diferentes estados de √°nimo dando mayor tratamiento al rostro y representando con trazos abstractos el cintur√≥n escapular, mientras que el fondo es plano con tonalidades pastel en la gama de los rosas y ocres, estamp√°ndoles elementos recurrentes en mi obra, como los herraduras, caracoles, girasoles, clavos y garabatos.

Creo que hasta yo mismo me sorprendo que en tan poco tiempo haya logrado esto. Mi esposa, Annia Leyva, también artista de la plástica, dice que soy una máquina pintando, que salto de un cuadro hacia otro y de una cosa a la otra, que siempre estoy haciendo algo. Es el resultado de siempre estar creando, ser perseverante y tener fe en uno mismo. Eso es lo fundamental, nunca cansarse y seguir batallando, en un camino que puede tener espinas y pétalos.

Hablemos de la familia, ese eslab√≥n b√°sico para la creaci√≥n. De tu esposa Ania Leyva (y del trabajo juntos) y de los ni√Īos‚Ķ ¬ŅC√≥mo trabajas? Alguna rutina, alg√ļn m√©todo, algo en particular‚Ķ

Me siento una persona afortunada por compartir mi vida junto a mi esposa Annia y de tener a mis dos hijos, Kevin, de 14 a√Īos, y la peque√Īa Anabella, de cuatro a√Īitos. La vida me ha regalado lo m√°s grande que pueda tener un ser humano, los hijos. Ellos son mi inspiraci√≥n cada d√≠a. Soy de los que digo que detr√°s de un hombre hay una gran mujer. Trato de llevarlo todo a la par: trabajo, casa, creaci√≥n art√≠stica, ser un buen padre y esposo. Nuestra casa es peque√Īa, lo mismo pinto en la cocina que en el cuarto, y cuando las obras son muy grandes, las hago en mi trabajo. He acompa√Īado a Annia en varias exposiciones de fotograf√≠a; ella es una excelente artista a la que admiro mucho. Tengo mucho que aprender de ella. Me siento bendecido.

Jugando con el nombre de una exposici√≥n tuya, Anibal, ¬Ņc√≥mo es llevar la isla dentro?

La patria, o sea este pedacito de tierra en el que vivimos, es lo más grande que pueda tener un cubano, donde confluye tu identidad, tus raíces, tu forma de ser. Anibal De la Torre se siente orgulloso de llevar siempre esa Isla dentro.


Línea de Kármán

La exposici√≥n colectiva online L√≠nea de K√°rm√°n, inaugurada recientemente en Telegram, re√ļne la obra de catorce j√≥venes artistas visuales estudiantes del Instituto Superior de Arte (ISA), y deviene sugestivo muestrario de lenguajes, g√©neros y miradas de la creaci√≥n joven en Cuba.

La ma√Īana despu√©s (Aisladas) – Daniela √Āguila/ Fotos tomadas de la exposici√≥n

‚ÄúLos senderos del arte se abren paso. Escrutan la sabidur√≠a, declarada en basamento conceptual desde su propia denominaci√≥n. El impulso creador, en pos de la necesidad de expresi√≥n y di√°logo con el espectador, atisbado desde las diferentes plataformas digitales‚ÄĚ, escribe en las palabras del cat√°logo Mar√≠a de Lourdes Santana Arcos, y a√Īade que aqu√≠ ‚Äúse entretejen l√≠neas, blindadas por cierta visi√≥n de historia en la que el artista no puede sobreexistir al margen del entorno‚ÄĚ, por lo que la muestra, ‚Äúresulta, sin dudas, una propuesta fertilizada por la vivencia personal desde una dimensi√≥n colectiva y una complementaci√≥n de lenguajes, donde dibujo, grabado, instalaci√≥n, calado, fotograf√≠a, performance, y videoarte, devienen en traza del l√≠mite entre una atm√≥sfera subjetiva y el espacio p√ļblico-exterior‚ÄĚ, a√Īade.

De esta manera encontramos ‚Äďen esta exposici√≥n que toma el t√≠tulo del l√≠mite entre la atm√≥sfera y el espacio exterior, a efectos de aviaci√≥n y astron√°utica, conocido como la l√≠nea de K√°rm√°n‚Äď el trabajo de Daniela √Āguila, Daniel Ant√≥n, Jany Batista, Roxana Bello, Rosa Cabrera, Mar√≠a Fernanda Chac√≥n, Liz Maily Gonz√°lez, Yasiely Gonz√°lez, Liz Melisa Jim√©nez, Jhonatan Mario Gonz√°lez, Osmany Reyes, Juan Jos√© Ricardo, Mar√≠a de Lourdes Santana y Aldo Soler.

Liz Maily Gonz√°lez, en ‚ÄúCreaci√≥n de un v√≠nculo. Homenaje a Margaret Mead‚ÄĚ (dibujo sobre imagen impresa) aborda ‚Äúun proceso de sanaci√≥n, la creaci√≥n de un ambiente favorable y un pacto ante el dolor‚ÄĚ, que ‚Äúpermiti√≥ el mejoramiento para el hombre y nuestro paso para convertirnos en seres verdaderamente humanos‚ÄĚ (la sanaci√≥n de un hueso fracturado resulta evidencia del cuidado y la evoluci√≥n humana, como mostraron los estudios de esta antrop√≥loga estadounidense). Mientras que Juan Jos√© Ricardo Pe√Īa, en ‚ÄúSer libre para ser culto‚ÄĚ (grafito y acuarela sobre la pared, intervenci√≥n a manera de cenefas sobre la pared de una casa), ‚Äúrefleja varios cuestionamientos sobre el valor que le damos al arte y como este valor es caracter√≠stica en determinado espacio social. Hago uso del kitsch, el cual es un fen√≥meno con el que vivo a diario para establecer con el espectador un di√°logo desde lo auto-referencial‚ÄĚ.

Bisar РActo 1 (Detalle) РAldo Soler/Fotos tomadas de la exposición

En ‚ÄúLa l√≠nea de la vida o composici√≥n # 1 en honor al silencio‚ÄĚ, performance de tres minutos de duraci√≥n (pieza de hierro fundido perteneciente a un piano familiar Jhon L. Stowers de 1952 de 11 libras), Mar√≠a de Lourdes Santana ‚Äúrepresenta el medio id√≥neo para llevar a cabo una propuesta donde el dolor deviene en traza, y la traza en representaci√≥n de un gesto ef√≠mero‚ÄĚ.

En otra de las obras que integra L√≠nea de K√°rm√°n, la videoinstalaci√≥n ‚ÄúBisar (acto 1)‚ÄĚ, Aldo Soler representa ‚Äúdos videos que inician a la vez, perfectamente sincronizados. Con el paso del tiempo, ambos videos en bucle van perdiendo sincronizaci√≥n, hasta tal punto de que sea muy marcada y los audios se escuchen desincronizados, haciendo inentendibles su contenido. La pieza termina cuando estos videos pasan por todo el ciclo y se vuelven a sincronizar‚ÄĚ, explica.

Mientras que Mar√≠a Fernanda Chac√≥n, en ‚ÄúCabos sueltos‚ÄĚ (instalaci√≥n papel y calado con l√°ser) ‚Äúprofundiza en la idea del paso del tiempo y el deterioro, aludiendo a la representaci√≥n de patrones de alicatado, como emblema de la arquitectura cubana. Son fragmentos de un pasado pr√≥ximo, trozos de la memoria colectiva cubana, s√≠mbolo del pasado republicano del pa√≠s‚ÄĚ.

Interesantes ‚Äďcomo el resto de las piezas y la muestra en s√≠‚Äď resulta la instalaci√≥n ‚ÄúPaisaje emocional‚ÄĚ, a partir de fragmentos de losas, tierra fertilizada y plantas medicinales, de Yasiely Gonz√°lez, y ‚ÄúLa ma√Īana despu√©s‚ÄĚ, serigraf√≠a sobre cartulina de la serie ‚ÄúAisladas‚ÄĚ de Daniela √Āguila. Sin dudas una oportunidad que no debemos desaprovechar para interactuar desde las plataformas digitales con una atractiva muestra del presente (y futuro) de las artes visuales cubanas.