Teatro


Un teatro convertido en refugio

He de admitir que escribir sobre El diario de Ana Frank/Apnea del tiempo supone para m√≠ un verdadero reto. Es tan grande la genialidad con la que ha sido concebida y tan trascendental la historia narrada, que temo no llegar a formular un discurso lo suficientemente abarcador acerca de la obra. Cuatro veces he disfrutado de su puesta en escena y a√ļn no consigo elaborar una sola frase que resuma con lucidez mis impresiones.

A mis o√≠dos ha llegado la noticia de que estoy muy lejos de ser la √ļnica decidida a repetir una y otra vez el espect√°culo. Se trata de una necesidad colectiva, de una obsesi√≥n general. La peque√Īa salita del teatro no deja de inundarse con cada presentaci√≥n. El equipo l√ļdico ciertamente tiene un objetivo claro: permitir que la mayor cantidad de personas posibles pueda disfrutar de la obra, con o sin entradas.

En ocasiones me pregunto por qué ese garaje diminuto situado en la calle I y no otro lugar más espacioso; sin embargo, luego de hallarme frente a las luces del escenario y sentir cómo la mirada de alguna actriz me cala los huesos, soy consciente del efecto que produce en nosotros, los espectadores, contemplar la acción dramática a tan pocos metros de distancia.

Es evidente que la peque√Īa Ana Frank se ha convertido en uno de los nombres m√°s evocados y simb√≥licos al abordar los tr√°gicos sucesos del Holocausto. No es necesaria una profundizaci√≥n minuciosa en la historia para recordar a Ana Frank como v√≠ctima de la masacre contra miles de jud√≠os perpetrada por la Alemania Nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Su diario, editado y publicado por su padre, Otto Frank, en 1947, contiene escritos de Ana que comienzan el 12 de junio de 1942 y concluyen el 1 de agosto de 1944. A trav√©s de estas anotaciones, que en total conforman tres cuadernos, la autora describe sus vivencias durante los dos a√Īos que se oculta junto a su familia y otros cuatro acompa√Īantes en √Āmsterdam, en la parte trasera de una empresa que es propiedad de su padre.

La obra que nace del espl√©ndido trabajo de la dramaturga Agniezka Hern√°ndez D√≠az y del director Miguel Abreu tiene a sus espaldas la reconocida adaptaci√≥n de Frances Goodrich y Albert Hackett estrenada en Broadway en 1955, y llevada posteriormente al cine en 1959, bajo la direcci√≥n de George Stevens. Sin embargo, El diario de Ana Frank/Apnea del tiempo va m√°s all√° de la historia que ha sido narrada por una adolescente alemana; a pesar de mantener como eje tem√°tico central ¬ęla di√°spora del jud√≠o errante¬Ľ, esta obra se consolida como el discurso universal de los oprimidos, de los emigrantes y de los que nacen sentenciados a la perpetua b√ļsqueda de un verdadero hogar.

Es necesario reconocer en la obra de Agniezka la eliminación o renuncia a la participación de algunos personajes presentes en El diario de Ana Frank y analizar la manera en la que esta transformación incide en la historia narrada. En concreto, resulta relevante cómo la dramaturga decide prescindir de la participación activa de Otto Frank y cómo este elemento provoca un cambio en la forma de contemplar a la madre de Ana, la cual se presenta entonces como madre soltera y cabeza de familia. Las decisiones, que antes recaían en la figura paterna, se desplazan hacia el sujeto femenino y hacen del personaje un constante productor de conflictos.

A este personaje, interpretado por la talentosísima Arianna Delgado, lo traspasa una angustia constante; sumergido entre el silencio y el grito, entre la esperanza y el pesimismo, intenta sacar fuerzas por su hija y sufre la pena de no poderle ofrecer un mejor presente que el vivido a escondidas. Además, la incomunicación entre ambas y la falta de entendimiento se muestran como fuerzas que atentan contra la estabilidad de la madre y la pasividad de la joven.

Ana, por su parte, se presenta como el personaje más sensible al cambio, en el que se vislumbran con mayor claridad las consecuencias de la represión y de las críticas condiciones en las que miles de judíos fueron obligados a subsistir. Tiene mucho que ver con esto el hecho de tratarse de una adolescente en pleno proceso de autodescubrimiento y autoevaluación; ella comienza a analizar su cuerpo y a identificar sus necesidades, necesidades que se ven dilatadas en el encierro. Es consciente, además, de que una parte de ella parece poseer cierta independencia de acción y la lleva a comportarse de manera inapropiada. En este reconocimiento del problema hay todo un despliegue de los conflictos internos que atraviesan al personaje, favoreciendo su evidente metamorfosis y dotándolo de un fuerte dinamismo dramático.

Esa Ana peque√Īa, sonriente, inocente y so√Īadora que inicia la obra teatral no ser√° la misma que la concluir√°. La Ana que contemplaremos en los √ļltimos minutos ser√° una Ana cubierta de l√°grimas, despojada de sue√Īos y de ropa, imponente, una Ana que levantar√° la voz y colocar√° todas las cartas sobre la mesa. La culpa es de los adultos, afirma ella, los adultos han construido un pa√≠s fracturado, descompuesto, y le han arrebatado la posibilidad de crecer, de tomar sus propias decisiones, le han robado la libertad y los lazos que la unen con su tierra natal. En un tono fuerte expresa: ¬ęNo es culpa nuestra que el mundo sea un desastre. No est√°bamos aqu√≠ cuando esto comenz√≥¬Ľ.

Por otra parte, la inserción de un personaje tan hiperbólico como el Carnicero de Praga dota a la obra de un nuevo símbolo visualmente llamativo que, a través de la ironía y de un humor bastante mordaz, refleja lo más irracional, despótico y aberrante del poder tiránico. Basado en Reinhard Heydrich,[1] e interpretado por la imponente actriz Claudia Alonso, el Carnicero de Praga puede considerarse una representación paródica del dictador, la que no solo se ha personificado en un cuerpo femenino, sino que además este cuerpo femenino está marcado por la provocación y la exuberancia, va vestido de un rojo intenso y mantiene por lo general una conducta lasciva, cargada de comportamientos con alta connotación sexual. Se trata, sin dudas, de un atentado a la virilidad y al patriarcado.

Fotógrafo: Yasser Expósito

Desde la sinopsis de esta pieza teatral, es presentada la analog√≠a que establece un v√≠nculo entre el ocultamiento de los jud√≠os y el aislamiento obligatorio que trajo consigo la COVID-19. Esta y otras problem√°ticas pol√≠ticas, econ√≥micas y sociales, a pesar de encontrarse enmarcadas en una historia situada en la primera mitad del siglo XX, no se distancian demasiado de las vivencias del espectador cubano del siglo XXI. La incorporaci√≥n de elementos de la modernidad, como es el caso del tel√©fono m√≥vil, forma parte de las novedades de esta recontextualizaci√≥n de la obra y acent√ļan incluso m√°s la cercan√≠a entre el p√ļblico y la historia representada.

Es necesario admitir que la magia que envuelve a El diario de Ana Frank/Apnea del tiempo tiene mucho que ver con la elección de la banda sonora. En un escenario desnudo, sobre el que las actrices no se valen más que de sus vestuarios y del juego con las luces, las canciones, compuestas por Lilena Barrientos, concentran en sí gran parte de la tensión dramática al tiempo que transitan a través de las emociones más diversas. La riqueza rítmica producida por la representación de disímiles géneros musicales le ofrece al espectador, a través de los sonidos, un acercamiento tanto al judaísmo como a lo afrocubano. El suelo del teatro vibra cada vez que las actrices marcan con sus pies el tempo de alguna canción, y la melodía de sus voces llega a nuestros oídos de un modo embriagante.

La experiencia que durante meses nos ha ofrecido Miguel Abreu al dirigir El diario de Ana Frank/Apnea del tiempo no es m√°s que el resultado de un admirable trabajo por parte de un equipo excepcional, y los resultados revelan, sobre todo, la poderos√≠sima arma de intervenci√≥n social que constituye la obra teatral de Agniezka Hern√°ndez. Las l√°grimas que no pocos han derramado durante su puesta en escena son la confirmaci√≥n de que, m√°s all√° de reconocerse como los relatos narrados por una adolescente jud√≠a, la historia de Ana Frank se ha convertido en la historia de la humanidad, una humanidad que luego de casi un siglo contin√ļa comprendiendo e identificando analog√≠as entre su propia vida y la de viejos oprimidos.

Nota:

[1] Oficial nazi reconocido por su intervención en la Segunda Guerra Mundial y por su colaboración en el proceso organizativo del terrible Holocausto.


Culmina Cruzada Teatral Guant√°namo-Baracoa 2024

Con el retorno a la ciudad del Guaso de los artistas que durante 35 días llevaron su creaciones escénicas por más de un centenar de comunidades serranas de esta oriental provincia cubana, concluyó la trigésimo cuarta edición de la Cruzada Teatral Guantánamo-Baracoa en el céntrico parque José Martí, donde recibieron el abrazo de sus familiares, colegas y del gremio cultural, como ya es tradición.

El homenaje al Apóstol José Martí, con el depósito de una ofrenda floral frente a la escultura en recordación al Héroe Nacional, ubicada en el parque que lleva su nombre, y el reconocimiento del Comité Provincial del Partido a la Cruzada, por su significación artística e impacto comunitario, caracterizaron el encuentro de recibimiento, que contó también con la presencia de las principales autoridades culturales y sindicales del territorio.

Culmina trigésimo cuarta edición de la Cruzada Teatral Guantánamo-Baracoa

Durante esta jornada, la Direcci√≥n Provincial de Cultura en Guant√°namo confiri√≥ su distinci√≥n m√°s importante, Hermandad, al consagrado creador originario de este oriental territorio, y l√≠der del grupo Teatro Andante de Granma, Juan Gonz√°lez Fiffe; en tanto el Consejo de las Artes Esc√©nicas entreg√≥ el s√≠mbolo de la Cruzada, El Quijote de madera, por su participaci√≥n por vez primera en este periplo, al conjunto esc√©nico villaclare√Īo Teatro Adentro, as√≠ como a la actriz colombiana Griselda Ortiz y a la doctorante brasile√Īa Beatriz G√≥mes.

Culmina trigésimo cuarta edición de la Cruzada Teatral Guantánamo-Baracoa

De igual modo, merecieron este reconocimiento el Ballet Folkl√≥rico Babul, la filial provincial de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z (AHS), los¬† Peri√≥dicos: Venceremos y Granma, el Estudio Multimedial La Guantanamera, y el alumno de la nueva formaci√≥n de instructores de arte en la especialidad de teatro: Yoil√°n Acosta, por su acompa√Īamiento como protagonistas de este periplo de esencias martianas y por los aportes en su dimensi√≥n comunicacional.

El joven cantautor Claudio Casal y bailarinas del elenco del Ballet Folklórico Babul amenizaron con sus interpretaciones musicales y coreográficas la acogida a los cruzados, y las palabras de recibimiento estuvieron a cargo del periodista Dairon Martínez Tejeda, presidente de la Asociación Hermanos Saíz (AHS) en Guantánamo.

Culmina trigésimo cuarta edición de la Cruzada Teatral Guantánamo-Baracoa

Este 2024 la Cruzada Teatral Guantánamo-Baracoa tuvo entre sus novedades el acápite audiovisual Cruzando el Lente, desarrollado en el Cine Sabanalamar del municipio de San Antonio del Sur, donde se proyectó un compendio de documentales alusivos a este recorrido artístico en varias de sus ediciones, además de incluir un taller para socializar prácticas creativas de realización en este ámbito, desde dispositivos móviles y  pensadas para las plataformas digitales.

La trig√©sima edici√≥n de la Cruzada Teatral Guant√°namo-Baracoa se dedic√≥ en esta ocasi√≥n a los 171 a√Īos del natalicio del Ap√≥stol Jos√© Mart√≠, a las tres d√©cadas de devenir profesional del actor, pedagogo, director y titiritero Emilio Vizca√≠no √Āvila, as√≠ como al¬† 65 aniversario de la Primera Ley de Reforma Agraria, y a la Rep√ļblica de Colombia.


Teatro Joven: XIII a√Īos de Holgu√≠n a Cuba (Dosier)

Un ‚ÄúNo‚ÄĚ lleno de muchas aceptaciones

Presenciar¬†No, del grupo Alas Teatro, es llenar una hora de risas y sonrisas con un espect√°culo donde el arte de los t√≠teres alcanza un m√°ximo virtuosismo t√©cnico en la conjugaci√≥n mu√Īeco‚Äďactor y mu√Īeca-actriz, t√≠teres que se conjugan no solo con manos sino tambi√©n con piernas y, consistentemente con todo el cuerpo, para ser mucho m√°s que ‚Äút√≠teres de manos‚ÄĚ o ‚Äúmu√Īecos cargados‚ÄĚ.

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Monólogo de la soledad

 

‚ÄúSimplicidad‚ÄĚ y ‚Äúhondura‚ÄĚ son dos t√©rminos claves para¬†Mon√≥logo de la soledad, del grupo teatral El Juglar del Cisne, con la direcci√≥n general de Yudian Padr√≥n P√©rez. ‚ÄúSimplicidad formal‚ÄĚ y de realizaci√≥n general, nunca en el sentido de vac√≠o, banal o primitivo, sino en el de oposici√≥n a lo complejo, o mejor en este caso, oposici√≥n a lo vana y chillonamente complejo. Puede venir la tentaci√≥n del t√©rmino ‚Äúminimalismo‚ÄĚ, pero este acarrea otras significaciones de estilo diversas al tipo de ‚Äúnaturalidad‚ÄĚ que caracteriza a este mon√≥logo.

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De querer estamos llenos… y vacíos

 

Tal vez, o mejor, casi seguramente, el que no sea yo un asiduo al teatro ‚Äďpor razones holguineras que no vienen al caso explicar‚Äď me provoque cierto desconcierto asistir y valorar una obra como¬†I want, presentada fuera de Matanzas por segunda vez (antes fue en La Habana), y como su din√°mica lo exige, en un espacio de peque√Īas dimensiones ‚Äďtodo es relativo‚Äď en el siempre acogedor sitio que es la ¬Ņcafeter√≠a? Las Tres Luc√≠as.

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El títere es mi salvación teatral

 

Amelia sue√Īa mariposas, puesta en escena de Arneldy Cejas y Erduyn Maza para Teatro La Proa, reconocido grupo de teatro para ni√Īos y de t√≠teres de La Habana, llega al Festival de Teatro Joven. Al autor del texto, el dramaturgo, actor y titiritero Erduyn Maza le conozco del/desde el ISA, donde fuimos compa√Īeros de aula en el seminario de Dramaturgia y de quien conservo la imagen de ‚Äďcomo refiriera alguna vez Rub√©n Dar√≠o Salazar en una conversaci√≥n‚Äď un ‚Äúescribidor nato‚ÄĚ, alguien que piensa en la escena, trabaja y escribe todo el tiempo para, sobre y por ella. Decid√≠ conocer un poco del Erduyn dramaturgo y sobre el proceso de escritura de sus piezas teatrales, el c√≥mo y el por qu√©.

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El perfecto ‚Äúdesastre‚ÄĚ

 

Asesinato en la Mansión Haversham es una comedia hilarante donde las cosas van de mal a peor y terminan en un completo desastre. Cuenta el día del estreno de una obra de misterio, en el que se investiga un homicidio perpetrado por alguno de los personajes que desfilan sobre el escenario, todos vinculados, de alguna manera, con la víctima y varios de ellos relacionados también entre sí. 

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En sordina

Fotos Robert Rodríguez

Seg√ļn Abel Gonz√°lez Melo los protagonistas de sus obras han tenido su edad al momento de su escritura, y en cada texto se vuelven mayores, pues crecen junto a √©l. ‚ÄúHe querido llenarlos de mis dudas, mis afectos, mis dolores. Son la imagen sublimada de m√≠ mismo en medio del mundo en que he crecido: la Cuba de entresiglos‚Ķ‚ÄĚ, confiesa en una entrevista concedida a la pedagoga Bridgette W. Gunnels para la revista acad√©mica estadounidense¬†Southern Spaces¬†(Espacios del Sur).

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Monólogo de la soledad

‚ÄúSimplicidad‚ÄĚ y ‚Äúhondura‚ÄĚ son dos t√©rminos claves para Mon√≥logo de la soledad, del grupo teatral El Juglar del Cisne, con la direcci√≥n general de Yudian Padr√≥n P√©rez. ‚ÄúSimplicidad formal‚ÄĚ y de realizaci√≥n general, nunca en el sentido de vac√≠o, banal o primitivo, sino en el de oposici√≥n a lo complejo, o mejor en este caso, oposici√≥n a lo vana y chillonamente complejo. Puede venir la tentaci√≥n del t√©rmino ‚Äúminimalismo‚ÄĚ, pero este acarrea otras significaciones de estilo diversas al tipo de ‚Äúnaturalidad‚ÄĚ que caracteriza a este mon√≥logo.

Pensar en un monólogo casi siempre conduce al estereotipo de obras con la temática humanista, de género, intimistas o de carácter social en gen general, dichas por un actor o actriz que representa a un personaje específico como puede serlo una abuela solitaria.

Fotos Robert Rodríguez

Pero, en primera instancia, aqu√≠ se nos ofrece un mon√≥logo en cierta medida ‚Äúdesdoblado‚ÄĚ mediante un actor que dice el mon√≥logo y una mu√Īeca que sustituye (visualmente) a la correspondiente actriz. Un segundo actor apoyar√° acciones, situaciones y manejo de objetos esc√©nicos, sin afectar en ning√ļn sentido el car√°cter e intensidad de la obra como mon√≥logo.

Tal desdoblamiento o conjunci√≥n de actor y mu√Īeca para el personaje que monologa es realmente eficaz para los efectos audiovisuales y esc√©nicos generales de la obra y, adem√°s, hace a esta m√°s atractiva para p√ļblicos de menores edades (a quienes ha de interesar precisamente lo dicho en el mon√≥logo), sin que deje de serlo, quiz√° todo lo contrario en muchos espectadores, para los de m√°s edades.

Pero ello, lejos de implicar complejidades mayores ni parafernalias innecesarias, se desenvuelve ante nosotros con una real sencillez de recursos y acciones en la construcci√≥n del personaje, una anciana que vive sola con su gato y a√Īora la compa√Ī√≠a familiar (o, en general, humana).

Fotos Robert Rodríguez

El mon√≥logo, magistralmente dicho por Juan Miguel Plan√© Serrano, es acompa√Īado con igual maestr√≠a por su propia manipulaci√≥n de la mu√Īeca que permanece siempre debidamente como punto focal de nuestra atenci√≥n y logra hac√©rsenos sentir como aut√©ntico ‚Äúpersonaje‚ÄĚ, aut√©ntica abuela solitaria.

La sencillez de recursos, formas e imágenes generales no solo ha bastado sino incluso se ha hecho óptima para el deseado llamado sentimental y humanista. Simplicidad formal (en el mejor sentido aclarado) y hondura de sentimientos y conceptos se conjugan, así, perfectamente.

Fotos Robert Rodríguez

La labor del sonidista Dayam González se aviene en la justa medida con dichas cualidades del discurso oral y audiovisual, con una musicalización melodiosa y sonidos igualmente simples a la vez que emotivos y agradables.

Simplicidad formal audiovisualmente tan expresiva como agradable y hondura de propuestas sentimentales, conceptuales y, tambi√©n, est√©ticas queden reiteradas como cualidades medulares del ‚Äúmon√≥logo de la soledad‚ÄĚ.


En Holgu√≠n se re√ļne el Teatro Joven

El Festival Nacional de Teatro Joven, evento organizado por la AHS en Holguín, regresa del 21 al 24 de septiembre en su XIII edición, con un programa que incluye la confluencia de diversas poéticas en la escena, un encuentro teórico y presentaciones literarias.

Est√°n invitados en esta edici√≥n, dedicada a la direcci√≥n y producci√≥n teatral los colectivos: Teatro La Proa (La Habana) con Amelia sue√Īa mariposas, texto de Erduyn Maza Morgado con direcci√≥n art√≠stica del propio Maza Morgado y Arneldy Cejas Herrera; Oficio de Isla (La Habana) con Asesinato en la Mansi√≥n Havershan, dirigida por Ledier Alonso; Alas Teatro (Pinar del R√≠o) con No, en cuya direcci√≥n se encuentra Doris M√©ndez Lanza y Arasay Suarez Padr√≥n; y El juglar del cisne (Pinar del R√≠o), con la obra Mon√≥logo de la soledad, dirigida por Yadian Padr√≥n P√©rez. Se incluyen en el programa de presentaciones esc√©nicas: I Want Teatro (Matanzas), proyecto de Mar√≠a Laura Germ√°n con la obra I Want; y Teatro Alas D¬īCuba (Granma) con Por gusto de Abel Gonz√°lez Melo, con direcci√≥n art√≠stica de Juan Alberto Ante Ram√≠rez y general de Fernando Mu√Īoz. ¬†

‚ÄúEl Festival se realizar√° durante tres d√≠as y fuera de marzo, la fecha habitual desde su fundaci√≥n‚ÄĚ, coment√≥ Yasser Vel√°zquez, miembro del Comit√© organizador, en conferencia de prensa realizada en la AHS. Sin embargo, ‚Äúresulta una proeza mantenerlo con este empuje y su concreci√≥n responde, en buena medida, al apoyo institucional del Consejo Provincial de las Artes Esc√©nicas (CPAE) y la Direcci√≥n Provincial de Cultura‚ÄĚ, a√Īadi√≥ Yasser.

A las habituales salas Alberto D√°valos y Ra√ļl Camayd, del Complejo Cultural Teatro Eddy Su√Īol, se suman el Caf√© Tres Luc√≠a, sitio para la presentaci√≥n los d√≠as 22 y 23 de I Want, y la Casa del Joven Creador-AHS, con las puestas de El juglar del cisne y Alas Teatro.

‚ÄúEl p√ļblico podr√° disfrutar de po√©ticas diversas, entre ellas las siempre esperadas funciones infantiles‚ÄĚ, explic√≥ Vel√°zquez. A las puestas en escena se potencia un espacio te√≥rico, con el t√≠tulo ‚ÄúXIII a√Īos de Teatro Joven, de Holgu√≠n a Cuba‚ÄĚ y la participaci√≥n de los directores y productores de las compa√Ī√≠as invitadas, quienes abordar√°n los desaf√≠os de estas especialidades en el contexto cubano contempor√°neo. Tambi√©n en la Casa del Joven Creador se presentar√° parte del cat√°logo de teatro de Ediciones La Luz, con Outsiders de Alessandra Santiesteban y Ludoteca, de Leonardo Vel√°zquez, por Adalberto Santos.

Palco 13, boletín de crítica teatral que ha caracterizado el Festival, mantendrá su circulación, digital e impreso, durante esos días, con firmas reconocidas y varios jóvenes autores.

La inauguraci√≥n oficial del XIII Festival Nacional de Teatro Joven, este 21 de septiembre, en la Ra√ļl Camayd del Teatro Eddy Su√Īol, estar√° a cargo del Grupo Humor√≠stico Etc√©tera con su espect√°culo DesTintos y DifeR√≠entes, que cuenta con direcci√≥n art√≠stica y general de Eider Luis P√©rez Mart√≠nez. Aunque, a manera de jornada pre-Festival, Etc√©tera y Yuri Rojas (Zoila) se presentan en este escenario desde el lunes 18.


¬ęNo importa¬Ľ, un pa√≠s en una obra (dosier)

No Importa: Un teatro en tr√°nsito

Por: Isabel Cristina López Hamze

Las puestas en escena van cambiando, como todo en la vida. Cuando uno ve un espect√°culo varias veces en lugares distintos, y rodeado de p√ļblicos diferentes, no est√° asistiendo a la misma obra aunque los actores sigan las mismas pautas. Eso me ha sucedido con No Importa, puesta en escena de El Mejunje, sobre textos del libro de cr√≥nicas ¬ŅQui√©n le pone el cascabel al l√°tigo? de Rodolfo Romero Reyes. Es una obra nacida en pandemia, en medio del enclaustramiento y el miedo. Un proceso que comenz√≥ a gestarse a hurtadillas en Santa Clara, cuando no se pod√≠a salir a la calle y los actores se reun√≠an para ensayar desafiando al virus y a las autoridades sanitarias. As√≠ naci√≥ esta puesta, de la desobediencia y la necesidad profunda del reencuentro, de las ganas de comprender esta Isla a trav√©s del teatro. ¬†

Dirigida por el novel Adrián Hernández, la puesta en escena tiene su origen en la lectura comprometida de un libro de crónicas, un género bastante preterido por las editoriales, pero que, históricamente, ha sido del amplio gusto popular. Con el pretexto de una reunión de amigos se va perfilando un espacio para el diálogo, la diversión, los cruces sentimentales e ideológicos de una generación que hoy se encuentra ante la disyuntiva de irse o quedarse. Tres de los amigos, que pasaron juntos su adolescencia y primera juventud, se fueron a otros países y uno se quedó en Cuba. Se encuentran en una fiesta privada y recuerdan momentos de sus vidas que se corresponden con algunas de las crónicas del libro. Cada cuadro se concibe con una estructura interna propia, que posee un inicio, un desarrollo y un cierre y la situación dramática de base, que sería la fiesta de los amigos, va hilvanando toda la acción de la obra.      

No importa surge como una suerte de premonici√≥n, pues en el momento en el que se estrena, a finales de 2021, a√ļn no se hab√≠a desatado en su mayor intensidad la oleada migratoria que estamos viviendo. Es una obra que se adelanta a los acontecimientos. A pesar de su tono de inmediatez y la velocidad de esta √©poca, la puesta sigue estando a la par de la realidad cubana m√°s actual. Esa conexi√≥n directa con el momento est√° determinada, en gran medida, por el car√°cter evocativo del espect√°culo y sus transiciones al aqu√≠ y ahora. Los personajes recuerdan episodios de sus vidas y como estrategia esc√©nica se representa esa memoria tray√©ndola al presente.

El juego del teatro dentro del teatro que se advierte en la estructuración de los diferentes cuadros es el recurso que soporta la teatralidad de la obra. También se advierte un ligero matiz de metateatralidad sugerido a partir de las reflexiones sobre el propio hecho teatral. Esta dimensión se hace muy evidente en el prólogo que recuerda un estilo de obras específicas en las que se le explica al espectador lo que va a ver. Lo interesante es que este rasgo didáctico no se vuelve tedioso, sino que adelanta eficazmente el tono y el color del espectáculo.

Foto: Daniel √Ālvarez Fern√°ndez. / Cortes√≠a de El Mejunje. / Puesta en escena de la obra No importa.

No importa es para m√≠ como un Work-in-Progress. Desde que vi la puesta por primera vez me llev√© esa impresi√≥n. Me reafirman esa idea la estructura sencilla y la conformaci√≥n del relato esc√©nico a partir de unos pocos elementos; el recurso de la pizarra sobre la que se van colgando los objetos como residuos de esa historia compartida y el car√°cter vivo, espont√°neo, sujeto a variaciones que tiene el espect√°culo. Por eso prefiero las primeras dos funciones a las que asist√≠: una en la Casa del Alba en agosto, y la otra en el Caf√© Teatro Bertolt Brecht en septiembre de 2022. En aquellas ocasiones los actores vest√≠an con ropa negra similar a las de entrenamiento y sobre ese vestuario neutro que da la impresi√≥n de visualidad inacabada, se iban incorporando elementos que caracterizaban a los personajes. Esa propuesta de vestuario ten√≠a mucho que ver con la noci√≥n de trabajo en proceso, de b√ļsqueda, de experiencia teatral en tr√°nsito. Con el paso del tiempo los actores incorporaron vestuarios m√°s apegados a lo realista y decoraron las maletas de madera con motivos pict√≥ricos. Esta segunda propuesta, a mi juicio, es menos atractiva que la anterior, desde el punto de vista conceptual, aunque no le resta fortaleza, ni emotividad a la puesta, dos de sus mayores virtudes.¬† ¬†

Los actores logran algo tan dif√≠cil como estar en una misma cuerda, mantener un mismo registro a pesar de tener diferentes condiciones f√≠sicas y un nivel distinto de organicidad. Uno de los valores de la interpretaci√≥n es el juego que se establece entre el actor, el personaje del presente y el personaje que se recuerda. Los cuatro actores consiguen un equilibrio perfecto y son partes de una especie de personaje grupal en el que muchos del p√ļblico se ven representados como grupo generacional. Al mismo tiempo, cada personaje mantiene su identidad propia y juega un rol diferente en el espect√°culo.

El tema de la emigraci√≥n est√° abordado de manera seria, aunque se trate de una comedia. El problema que tanto afecta a la familia cubana y que tiene tantas aristas se trata sin romanticismos y sin medias tintas, aunque el acento final est√° puesto sobre el que se queda en Cuba y la felicidad que ha alcanzado aqu√≠. En el largo proceso de la obra que ha implicado su montaje, funciones y cambios en su interior y en el pa√≠s, han visto partir a amigos, colegas y familiares. Como un ejemplo de iron√≠a dram√°tica el actor que interpretaba al personaje que es el √ļnico que se qued√≥ en Cuba, se fue ¬ęen la vida real¬Ľ. Ese dato no tan escondido redimensiona el personaje que ahora es interpretado por otro actor.

Quiz√°s uno de los momentos m√°s ins√≥litos de la puesta es el intermedio en el que los actores hacen video-llamadas con amigos que viven fuera y de una forma muy motiva los incluyen en la funci√≥n. Esa mezcla de la realidad y la ficci√≥n est√° presente en todo el espect√°culo y es uno de los ganchos m√°s fuertes para el p√ļblico. Me resulta muy significativo que el material sobre el que parte la obra, no es un texto teatral, ni siquiera de literatura de ficci√≥n, sino un libro de cr√≥nicas. La g√©nesis de la puesta est√° en una fuente que parte de lo real y de experiencias narradas en primera persona. Ese esp√≠ritu se conserva en escena y es muy atractivo para los espectadores quienes tienen una participaci√≥n activa en toda la representaci√≥n aunque no tengan que hablar, o subir al escenario en ning√ļn momento. ¬†¬†¬†¬†

Cuando la obra est√° por comenzar, los actores saludan a la gente del p√ļblico, conversan y abrazan a alg√ļn santaclare√Īo ausente, mientras la m√ļsica nos hace sentir en un lugar c√≥modo e informal. No est√°n concentr√°ndose tras la pata, no terminan de ajustarse el vestuario, no repasan el texto en su cabeza, sino que fluyen como si se tratara de una fiesta √≠ntima que es en realidad el escenario ficcional del espect√°culo.

El ambiente de fiesta que la obra genera y del que enseguida el espectador se hace parte, permite esa condici√≥n a la que los griegos llamaron parres√≠a, que significa ‚Äúdecir todo‚ÄĚ. Como los comedi√≥grafos antiguos, los j√≥venes de No importa asumen el concepto de parres√≠a y lanzan las verdades m√°s duras, otro gesto pol√≠tico y genuino que el p√ļblico de estos tiempos agradece hasta las l√°grimas.

Buscando las repercusiones del espect√°culo a casi dos a√Īos de su estreno, noto un escaso inter√©s de la cr√≠tica especializada en esta puesta. Asumo que, lo que a m√≠ me resulta valioso, que es precisamente esa precariedad de la escena, lo inacabado de la puesta, la asimilaci√≥n de una est√©tica convencional estructurada en cuadros, a otros les parece un fallo de la direcci√≥n o quiz√°s una pobre proyecci√≥n esc√©nica. Considero que no hay por qu√© temerle a lo sencillo cuando existe una hondura en lo que se quiere compartir. Aunque cada persona y especialista tiene su propio criterio, lo que nadie puede negar es que la puesta ha sido un suceso de p√ļblico y eso es digno de analizar. El p√ļblico r√≠e, llora, canta, regresa una y otra vez.

Foto: Daniel √Ālvarez Fern√°ndez. / Cortes√≠a de El Mejunje. / Puesta en escena de la obra No importa.

No Importa es coherente y genuina, eficaz en sus proposiciones esc√©nicas. Siento que seguir√° mutando con el tiempo y se har√°n nuevos hallazgos. Es otra de las tantas obras cubanas que abordan el tema de la emigraci√≥n. La maleta vuelve a ser el s√≠mbolo del viaje, del regreso, del escape, de la vida misma del que naci√≥ en una Isla. Esta vez, no es un malet√≠n de rueditas ‚Äúp√° que no te pese‚ÄĚ, sino cuatro maletas de madera, como las que llev√°bamos a la escuela al campo. Una maleta pesada, inc√≥moda de cargar, fea, tosca, pero resistente e irrompible.

Yo volver√≠a a ver No importa tres veces m√°s y s√© que cada vez ser√° distinta, porque le hablar√° a un pa√≠s distinto, a una yo distinta. No se puede augurar la esperanza de vida de una obra que est√° tan pegada a la realidad y en eso tambi√©n radica su honestidad. Gracias a Lisandra Mart√≠n, Duviel Guti√©rrez, Leisy Dom√≠nguez, Yuniesky Berm√ļdez y Adri√°n Hern√°ndez por aventurarse a dar su propio testimonio del pa√≠s que somos. Gracias siempre al gran Silverio por acompa√Īar a los j√≥venes y saber dialogar con ellos desde su altura. Los aplausos de esta puesta son tambi√©n para √©l, un l√≠der que ha sabido cobijar muchas maneras de pensar, de ser, de entender esta Isla bella que nos duele, nos alegra, nos oprime, nos libera, pero sobre todas las cosas: nos necesita a todos. ¬†¬†¬†

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El Mejunje Teatral: Reinventarse por todo lo que importa

Por Claudia Amanda Betancourt Torres

Entrevista a Adri√°n Hern√°ndez Hern√°ndez, director de la obra No importa

No importa es la obra m√°s reciente de la compa√Ī√≠a teatral Mejunje de Santa Clara, bajo la direcci√≥n general de Ram√≥n Silverio. Una obra que ha tenido una repercusi√≥n significativa en los p√ļblicos de la Cuba de hoy y m√°s a√ļn en los j√≥venes. Trata temas como la migraci√≥n, el respeto hacia la diversidad, la amistad.

La puesta en escena fue ganadora de la Beca El Reino de este Mundo (2020), que otorga la Asociaci√≥n Hermano Sa√≠z. Han tenido la oportunidad de presentarse en diferentes festivales, sedes y eventos esc√©nicos del oriente, centro y occidente del pa√≠s. En La Habana ha estado en varias ocasiones con el apoyo de la AHS, de la Articulaci√≥n Juvenil del Centro Oscar Arnulfo Romero (OAR), del proyecto de cooperaci√≥n internacional ‚ÄúJuntarte: la cadena creativa que hace la escena inclusiva‚ÄĚ, la revista Alma M√°ter de la Universidad de La Habana (UH) y de Casa de Las Am√©ricas.

Con cincuenta funciones realizadas hasta el momento, No importa cuenta la relaci√≥n de cuatro amigos que se re√ļnen en un hotel despu√©s de un tiempo sin verse, tres de ellos no residen en Cuba, todos tienen puntos de vista diferentes sobre la realidad social que viven, sobre los sentimientos humanos, la pol√≠tica de nuestro pa√≠s y de los recuerdos que forjaron esa amistad inseparable entre ellos. Una puesta en escena que surge a partir del libro ¬ŅQui√©n le pone el cascabel al l√°tigo?, de Rodolfo Romero Reyes, que cuenta con cuarenta y cinco cr√≥nicas sobre la realidad cubana de las √ļltimas d√©cadas.

¬ŅC√≥mo surge la idea de llevar a la escena algunas de estas cr√≥nicas de Qui√©n le pone el cascabel al l√°tigo?

La idea del montaje de No importa surge en medio de la pandemia. Nosotros regres√°bamos de un festival en Matanzas, se empezaba a anunciar que se iba a cerrar todo el pa√≠s y comenz√≥ el confinamiento. Nosotros ten√≠amos la necesidad de trabajar, de seguir haciendo cosas porque salimos muy embullados de aquel festival y ya hab√≠amos colegiado la idea de trabajar juntos un grupo de actores. Creamos un grupo de WhatsApp, que llamamos ‚ÄúLa Mejunjancia‚ÄĚ y empezamos a cocinar la idea de que deb√≠amos ponernos a trabajar en funci√≥n de alg√ļn espect√°culo. Silverio nos convoca y nos orienta que cada cual desde sus casas fuera escribiendo, fuera proponiendo alg√ļn montaje para cuando existiera la posibilidad empezar a trabajar, pensando que toda esa situaci√≥n pasar√≠a r√°pido y no fue as√≠.

Cuando yo era vendedor en la plaza de artesan√≠as Plaza Apolo de Santa Clara, hab√≠a comprado en una feria del libro ¬ŅQui√©n le pone el cascabel al l√°tigo? porque muchos j√≥venes que pasaban por el quiosco donde trabajaba hablaban sobre el libro y me llam√≥ la atenci√≥n. Lo compr√© en la ma√Īana y en la tarde cuando recog√≠ el quiosco, me hab√≠a le√≠do el libro casi completo y me gustaron mucho las cr√≥nicas porque me vi reflejado en muchas de ellas, fue lo que yo viv√≠ en mi etapa del preuniversitario, del servicio militar, de la universidad. Me pareci√≥ interesante lo que se contaba en este libro y llev√© la propuesta a nuestro grupo. Con todos los reencuentros que se relatan en el libro, pens√© que la idea para la puesta en escena pod√≠a ir por ah√≠, sobre un reencuentro.

Cuando tuvimos la oportunidad de vernos, de manera indisciplinada, escapándonos de nuestras casas y cuando Silverio nos permitiera alguna vez utilizar el espacio de El Mejunje, tomando todas las medidas de seguridad, seguimos trabajando para que resultara el espectáculo y también aliviar ese mal rato de confinamiento en las casas. Los muchachos se leyeron el libro y también les gustó mucho. Empezamos hacer un trabajo de mesa con la idea central de un reencuentro de cuatro amigos, de los cuales tres no vivían ya en Cuba. De hecho, la idea inicial era de cinco amigos, lo que hubo uno que nunca pudo llegar a ese reencuentro por razones diversas y no pudo estar. En el trabajo de mesa, éramos pegados al teléfono móvil como medio principal en esos días de pandemia para comunicarnos y me surgió una preocupación. Entre nuestros propios círculos de amigos se desataban discusiones, había desacuerdos sobre algunas de las cosas que estaban sucediendo en el país en cuanto a leyes y política. Era algo que me molestaba mucho y fuimos incorporándolo en la obra.

¬ŅPor qu√© el nombre de la obra es No importa?

En un principio la obra no ten√≠a el nombre final, se iba a llamar igual que el libro. Seleccionamos los cuentos, aunque por m√≠ hubiesen estado todos los del libro, pero los muchachos y Lisandra, que fue mi asesora, me hicieron entender que hab√≠a que ajustar todo al lenguaje teatral. Trabajamos el plano de los movimientos, el dise√Īo escenogr√°fico y todos los dem√°s elementos de la puesta. Ah√≠ fue donde me di cuenta que este trabajo pod√≠a tener otro objetivo, acercar a un p√ļblico joven a la sala de teatro de nosotros en la ciudad de Santa Clara, provincia Villa Clara.

La sala de nosotros es peque√Īa, pero estaba perdiendo a ese p√ļblico joven, ya el p√ļblico que asist√≠a a la sala y al festival que hacemos ac√°, era un p√ļblico asiduo m√°s adulto, sin embargo, el p√ļblico joven no conoc√≠a la sala de teatro ni nuestra compa√Ī√≠a dentro del Mejunje y eso fue otro de los objetivos que nos planteamos de rescatar ese p√ļblico joven. Como actores tambi√©n ten√≠amos la necesidad de experimentar incluir en la puesta otros modos o expresiones, buscar un texto para reflexionar, hacer re√≠r, bailar, cantar. Luego contact√© a Rodolfo el autor del libro por Facebook y le coment√© que nuestra compa√Ī√≠a iba a llevar a escena su texto. √Čl nunca se lo crey√≥ hasta que estuvo con nosotros el d√≠a del estreno y realmente aport√≥ muchas ideas, tambi√©n hizo las notas al programa sin que empez√°ramos a ensayar, sin ver alg√ļn fragmento de la puesta y as√≠ reflej√≥ lo que nosotros realmente quer√≠amos que el p√ļblico se llevara de la propuesta. Ha sido una qu√≠mica perfecta entre los cinco que iniciamos el montaje, incluyendo a Rodolfo, los seis.

El nombre final surgi√≥ consultando a Freddys N√ļ√Īez Estenoz como referente para nosotros y nos dijo que el nombre original del texto estaba muy largo, ya era el nombre del libro y nos incit√≥ a que busc√°ramos otro m√°s reducido. Un proceso de una ma√Īana y media en la que a Lisandra se le ocurri√≥ el nombrar la obra: No importa, y todos estuvimos de acuerdo. En el dise√Īo del cartel tambi√©n se refleja porque es parte del cubano pensar ‚Äúno importa‚ÄĚ, si esto est√° malo seguimos, si pasa esto o aquello, hacia adelante‚Ķ Como una forma de tomar las cosas y de c√≥mo hemos vivido nosotros. Con el tiempo nos hemos dado cuenta que este t√≠tulo parece algo ir√≥nico, pero realmente es bien serio.

Foto: Daniel √Ālvarez Fern√°ndez. / Cortes√≠a de El Mejunje. / Puesta en escena de la obra No importa.

¬ŅC√≥mo fue el desarrollo del proceso de montaje de la puesta en escena?

Fue un proceso muy divertido, lo disfrutamos muchísimo. Se comenzó a trabajar en pandemia y se estrenó en pandemia, fue realmente un proceso muy bonito. Los cinco que nos involucramos habíamos trabajado juntos, pero no con la química que logramos en este proceso de montaje. En esa idea central de reencuentro, se planteaba que no hubiera diferencias si no aceptar a cada cual como era y como pensara, defendiendo que lo que tenía que prevalecer era la amistad. Esa fue la premisa que quería llevar a escena y a partir de ahí empezamos a construir los personajes, que no están en las crónicas, sino que fuimos poco a poco colocando las crónicas en las vidas de estos personajes y así fuimos creando al amigo que se queda en Cuba y tomamos como referente al mismo Rodolfo que se quedó aquí trabajando, haciendo lo que le gusta, escribir. Así buscamos puntos de contacto con muchas de las personas que viven en el país con otros que ya no viven aquí. Aquel que se fue sin querer irse, el que se fue en busca de un futuro mejor arriesgando mucho y sigue vagando por el mundo dejando atrás a su tierra y a su familia, etc.

Esas historias que nos rodean y se ven reflejadas en algunas de las cr√≥nicas. Tuvimos claro hacerlo por bloques. Una primera parte del reencuentro, la segunda parte que cuenta todo lo que pas√≥ en el preuniversitario, en el servicio militar y universidad y el desenlace final de la obra que es cuando cada cual cuenta c√≥mo le va en el presente despu√©s de tanto tiempo y c√≥mo piensa en la actualidad. Son muchas cr√≥nicas y las fuimos descartando, tomando solo aquellas relacionadas a la idea central para llevarla a escena en frases, adaptando la historia en un proceso de improvisaci√≥n. Ten√≠amos claro el personaje de la actriz Lisandra Mart√≠n iba a ser ese personaje reaccionario, sin miedo nada, que lo iba a criticar todo, algo radical. Tambi√©n la historia del muchacho que se fue del pa√≠s por una de las cr√≥nicas que se llama ‚ÄúAmante por cuenta propia‚ÄĚ que cuenta la historia de c√≥mo se junta con una extranjera, una historia de prostituci√≥n por la que muchos j√≥venes han pasado en la realidad para salir de Cuba. No ten√≠amos clara la historia de Leysi y buscamos en las cr√≥nicas algunos elementos, como la enfermedad de c√°ncer que tanto golpea nuestra sociedad actual, un tema sensible en nuestro pa√≠s para seguir luchando por la vida a pesar de sufrir esta enfermedad mortal, aunque no lo utiliz√°ramos como gancho.

Cuando hicimos los primeros ensayos con p√ļblico y le presentamos la obra a Silverio no le gust√≥ para nada, fue un choque tremendo, pero nos replanteamos muchas de las notas de Silverio y analizar su punto de vista nos sirvi√≥ para desde su punto de vista a utilizar en la obra en frases como ‚Äúesto se parece a‚ÄĚ, ‚Äúesto es igual a‚ÄĚ, ‚Äúy si esto es m√°s de lo mismo‚ÄĚ, frases de Silverio que utilizamos para la puesta.

La obra tambi√©n fue la graduaci√≥n de Lisandra como actriz en la Universidad de las Artes (ISA), creo que la √ļnica estudiante de actuaci√≥n que pudo presentarse presencialmente en su a√Īo para graduarse. Hubo una peque√Īa apertura en esa etapa pand√©mica, comienza un √©xodo masivo en el pa√≠s. Ah√≠ nos dimos cuenta que la obra hab√≠a tocado otra zona de nuestra realidad, algo que ven√≠amos rondando desde el trabajo de mesa, pero no la ten√≠amos como fuerte de la obra y era el tema de la migraci√≥n. Irse y volverse a encontrar, irse y ver qu√© pasa con esa ida o asumir quedarse. Muchas personas que asistieron a los ensayos y presentaciones en ese momento nos dec√≠an despu√©s que ve√≠an la obra: ‚Äúma√Īana me voy y si yo pudiera romp√≠a el pasaporte y no me iba‚ÄĚ. Nos dimos cuenta que la obra estaba tocando una fibra que estaba sucediendo dentro de la sociedad pospandemia y en la juventud cubanas.

La migraci√≥n en un inicio no era el tema central de la obra, sino c√≥mo los amigos se disgustaban y peleaban por temas pol√≠ticos y a veces por temas sin relevancia. Nunca tuvimos claro de que No importa reflejara la migraci√≥n en la Cuba actual, ni que destacara el respeto hacia la diferencia de pensamiento. De cuestionarse si somos felices aqu√≠ o fuera del pa√≠s, si lo tenemos todo o no, si hay cosas que realmente deben cambiar. Las formas de pensamiento deben abrirse, pensar en los que se quedan, tambi√©n en los que se van y quieres seguir apoyando o ayudando a los de aqu√≠. Muchas personas cuando ven No importa tienen otras formas de ver la vida al salir de la sala. Muchas fueron a ver con esta obra, teatro por primera vez en su vida. La obra ha ayudado a trav√©s de los temas que trata, con el trabajo de los actores y de la puesta en escena, a que un p√ļblico que desconocedor de teatro sienta curiosidad e inter√©s por acercarse al teatro. No s√© si ser√° una obra que quede como referente por sus caracter√≠sticas, pero hemos tenido experiencias m√ļltiples como presentar la obra en la escuela nacional del PCC a un proyecto del Centro Martin Luther King, para que los all√≠ presentes entendieran la realidad actual y c√≥mo respetar los pensamientos diferentes, convivir con las diferencias y escuchar todo tipo de pensamiento. Fuimos tambi√©n la obra invitada a un evento en la Casa de las Am√©ricas sobre la migraci√≥n. Y todo esto ha sido muy bueno. Ha llevado a que las personas reflexionen sobre la diversidad de colores, de pensamiento y c√≥mo esa diversidad hace el desarrollo. Yo creo que No importa ha ayudado a cambiar vidas, a unir familias, a entender estos temas de la separaci√≥n, de los reencuentros. Tambi√©n ha sido un reto tocar y profundizar en estos temas, el c√≥mo reacciona el p√ļblico y c√≥mo nos ha cambiado a nosotros tambi√©n todo este proceso.

Foto: Daniel √Ālvarez Fern√°ndez. / Cortes√≠a de El Mejunje. / Puesta en escena de la obra No importa.

¬ŅC√≥mo se plantearon el dise√Īo escenogr√°fico y toda la visualidad de la puesta?

La escenografía de la obra siempre pensé que fuera minimalista. Cuatro maletas bien teatrales, que se pudieran mover, que se pudieran crear imágenes con ellas porque me gusta mucho el teatro de imagen, pues una imagen a veces dice más que mil palabras. Me gusta también el teatro de corografía, la limpieza de las escenas y eso se fue trabajando poco a poco con las canciones, coreografías, construyendo las historias de los personajes.

Nos basamos en una gama de colores b√°sicos para la visualidad del espect√°culo y nos fuimos dando cuenta de que cada color ten√≠a sin querer su significado respecto al personaje que usaba ese color. As√≠ hemos tenido muchas experiencias, los espectadores han pensado que los colores fueron a prop√≥sito por la historia de Harry Potter, o porque el color define a tal personaje por su rebeld√≠a o porque el otro personaje es m√°s pac√≠fico y eso tambi√©n lo fuimos incorporando al montaje. La banda sonora es de la generaci√≥n de nosotros los actores, la √ļnica m√ļsica original de nosotros es el √ļltimo tema que es la canci√≥n de los amigos que sali√≥ el mismo d√≠a del estreno oficial de la obra. Se compuso una semana antes del estreno, el mismo d√≠a de este en la ma√Īana se grab√≥ y en la tarde se puso para la funci√≥n. Muchos amigos nos ayudaron en todo el proceso de montaje dando sus ideas, opinando en los ensayos y presentaciones.

¬ŅQu√© fue lo m√°s complejo del montaje?

Que fue durante pandemia. Algo que ayud√≥, pero tambi√©n nos limit√≥ de algunas cosas que tuvimos que acelerar cuando ocurri√≥ la apertura. Tambi√©n lograr que los actores involucrados en el montaje se respetaran y entendieran que cada cual piensa diferente, que hab√≠a que respetar eso. Que cada idea que se propusiera y discutiera, hab√≠a que llevarla a un consenso entre todos. Lo otro es que como la obra toca temas complejos, actuales y sensibles, podr√≠a traerme alg√ļn problema a m√≠ como director art√≠stico, pero realmente lo que defiende la obra es la diversidad de pensamiento y la amistad principalmente. Con respecto a la escenograf√≠a, vestuario y dise√Īos no fue tan complejo porque logramos ganarnos la beca de El Reino de este Mundo que otorga la AHS y nos aliviamos un poco con respecto a los gastos de producci√≥n y todo fue saliendo, fluy√≥ bien.

Seg√ļn tu experiencia durante las presentaciones, ¬Ņc√≥mo ha sido la recepci√≥n del p√ļblico?

Si No importa ha llegado hasta donde hemos podido llegar y ha logrado gran aceptaci√≥n, ha sido por el p√ļblico. Para nosotros ha sido ‚Äúel fen√≥meno No importa‚ÄĚ. Siempre nos planteamos que fuera una obra que gustara y atrapara al p√ļblico joven pero no pens√°bamos que fuera a esta magnitud. Hay personas que han visto la obra m√°s de cuarenta veces de las cincuenta que se ha realizado la funci√≥n, se mueven con nosotros a ver la obra. Ha habido p√ļblico que se ha movido de una provincia a otra a ver la obra.

Un muchacho fue en tren de Ciego de √Āvila a Santa Clara para grabar la obra y poder mand√°rsela a la novia que se hab√≠a ido d√≠as antes del pa√≠s y no pudo ver la obra con √©l cuando la presentamos en su provincia. Hemos tenido muchas m√°s experiencias. La recepci√≥n del p√ļblico ha sido muy buena, hay gente que han ido a despedirse yendo a ver la obra. Hemos tenido en el p√ļblico familias completas, familias incompletas, personas que han llamado por videollamada a sus hijos para que a trav√©s del celular vean la obra. Hemos tenido que marcar tres filas en el suelo para que las personas alcancen a entrar y ver la obra. La gente te abraza, llora, se sienten identificados por vivencias personales similares a las que se muestran en la puesta. Esos intercambios con el p√ļblico te demuestran que est√°s haciendo un trabajo que realmente ese p√ļblico necesitaba. Tambi√©n tenemos experiencia con cr√≠ticas favorables que han marcado un antes y un despu√©s para la compa√Ī√≠a. Hemos tenido quienes est√°n en contra de No importa porque les ha molestado el discurso y han salido furiosos de la sala y a veces hasta reconociendo los valores de la obra por su vigencia. Esa diversidad de p√ļblicos ha hecho que la recepci√≥n sea buena en este a√Īo y pico de funciones, porque cuando se cuestiona o se piensa censurar algo, llama a√ļn m√°s la atenci√≥n de todos.

¬ŅC√≥mo se han sentido ustedes como protagonistas del proceso creativo de No importa?

Nosotros podemos estar cansados como en un viaje que fuimos a La Habana para presentarnos en el Bertolt Brecht donde llegamos a las 4:00 p.m. y a las 7:00 p.m. era la funci√≥n. Pero cuando estamos en la sala, hacemos ese calentamiento extra√Īo de nosotros de re√≠rnos haciendo chistes, mirarnos, conversar de cualquier otra cosa, un ritual que tenemos de abrazarnos para empezar a actuar y all√≠ se olvida todo el cansancio, todo lo que puede haber pasado antes de que empiece la m√ļsica de ‚ÄúIsla Bella‚ÄĚ.

Realmente nos hemos sentido muy bien, hemos tenido funciones maravillosas, donde hemos experimentado muchas cosas, siempre he tratado de sorprenderlos en cada funci√≥n. En el momento de las video-llamada, a veces contactaba con un amigo allegado de nosotros mismos, alguien conocido que se hab√≠a ido del pa√≠s. El d√≠a de la graduaci√≥n de Lisandra, por ejemplo, a Freddys N√ļ√Īez fue quien hicimos la video-llamada. Cuando se me fue uno de los actores en medio del montaje y a los quince d√≠as tuvimos la funci√≥n, la llamada fue con √©l. Ese proceso que sucede cuando el que ve la obra `duda si somos nosotros mismos o los personajes los que est√°n en escena, no es nada improvisado, sino que es parte del montaje. Disfrutamos cada funci√≥n, porque siempre sale algo nuevo, un texto nuevo, una imagen nueva, cada funci√≥n se disfruta como la primera. Cada vez que tenemos funci√≥n es un reto nuevo, primero porque hay que tomarse una botella de Havana Club completa durante la obra, pues es la marca que nos ha patrocinado y no pod√≠a ser otra porque es el ron cubano m√°s reconocido internacionalmente. Cualquier cubano que se tome un sorbo de Havana Club aunque no viva aqu√≠, enseguida le viene recuerdos de su vida en Cuba y as√≠ hemos participado tambi√©n en la campa√Īa de promoci√≥n de la bebida. Es una hora y veinte minutos donde no se para, solo para cambiarnos de ropa, algo que logramos por el entrenamiento y la preparaci√≥n de tantos d√≠as de trabajo, pero que disfrutamos a plenitud.


Ser el arte

Leyssy O¬īFarrill Nicholas es una joven artista multidisciplinaria. Su talento la ha hecho recorrer no pocos escenarios y probarse en creaciones tan diversas como el arte visual, la fotograf√≠a, la m√ļsica, la actuaci√≥n, por solo mencionar algunas. Conoc√≠ de ella gracias a ‚ÄúPadre Nuestro‚ÄĚ, obra escrita y dirigida por Agnieska Hern√°ndez: en ella, el cuerpo femenino es puesto bajo la lupa de las violencias cotidianas (tantas veces invisibilizadas bajo la manta de d√≠a a d√≠a). En este espect√°culo, Leyssy O¬īFarrill Nicholas nos permite entrever su disciplina y rigor art√≠sticos.

cortesía de la entrevistada

Eres una mujer del mundo del arte. Artista visual, realizadora audiovisual, m√ļsico, teatrista, fot√≥grafa. ¬ŅSe elige el arte o el arte te elige a ti?

Pienso que el arte no se elige, ni él te elige. Simplemente, se nace artista… se es el arte.

¬ŅPor qu√© apostar por la creaci√≥n en tiempos tan dif√≠ciles como los que atraviesa Cuba y el mundo? ¬ŅPor qu√© el teatro?

Comenc√© en el arte a los cuatro a√Īos, ahora tengo treinta y dos; o sea, toda mi vida he estado imbricada en este mundo. El teatro es una manera otra de expresi√≥n y como artista y ente social voy de eso, de expresarme todo el tiempo.

A la hora de subir a escena, ¬Ņc√≥mo preparas tu proceso?, ¬Ņqu√© llevas contigo?

Concentraci√≥n, una fuerte presencia del aqu√≠ y el ahora; el compromiso y sentido de pertenencia que tienes con la obra y el proyecto en el que est√°s. Creo que la disciplina y el estudio individual es lo √ļnico que te salva.

Al ser una artista multidisciplinaria, ¬Ņtienes una idea del arte como fen√≥meno que suma a todos estos procesos, o ves cada manifestaci√≥n como un mundo aparte, con sus leyes y paradigmas?

Todo es lo mismo, solo var√≠a el lenguaje. No se puede establecer separaciones arbitrarias entre las manifestaciones creativas, aunque (en mi caso particular) unas te permiten expresarte m√°s que otras; quiero decir, unas son menos abstractas que otras. Cada una tiene sus leyes, pero cuando confluyen, dialogan, se brindan bondades y seg√ļn una entra en el contexto de la otra se aportan, se enriquecen y evolucionan.

cortesía de la entrevistada

¬ŅCu√°les son tus principales referentes?

En la m√ļsica: Orlando S√°nchez, Herbie Hancock, Yoko Ono, Grace Jones, Michael Brecker, 2Pac, Wu-Tang Clan, B. B. King, Aretha Franklin, J. Hendrix, Erykah Badu, Lauryn Hill, Led Zeppelin, J. S. Bach, Ludwig van Beethoven, Erik Satie, Claude Debussy, entre otros. En el teatro: Grotowski, Artaud, Fernando Arrabal, Teatro Noh, Teatro Butoh, Jodorowsky. En las artes visuales: Vasili Kandinski, Joan Mir√≥, Caravaggio, Edvard Much, Jean-Michel Basquiat, Antonia Eiriz, Belkis Ay√≥n, Paul Klee, Marc Chagall, Gustav Klimt, Alfredo Sosabravo, Olaz√°bal, Miguel √Āngel, Kazimir Mal√©vich, Yayoi Kusama. En el cine: Kim Ki-duk, Orson Welles, Emir Kusturica, Andrzej Wajda, Maciej Cuske, Chen Kaige, Aki Kaurism√§ki, Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi. Otras muchas voces han sido importantes para m√≠.

H√°blame de tu trabajo con La Franja Teatral y especialmente sobre el espect√°culo ‚ÄúPadre Nuestro‚ÄĚ, escrito y dirigido por Agnieska Hern√°ndez.

Con La Franja vengo trabajando desde el 2016: antes hac√≠a asesor√≠a musical, en escena entro con la puesta anterior, ‚ÄúLos P√°jaros Negros de 2020‚ÄĚ. La obra de Agnieska Hern√°ndez se caracteriza por ser cr√≠tica, oportuna, necesaria, por lo que ‚ÄúPadre Nuestro‚ÄĚ no est√° exenta de todos estos valores.

¬ŅQu√© puede esperar el p√ļblico de esta puesta en escena?

No me gusta hablar por los dem√°s, no podr√≠a decirte qu√© va a esperar el p√ļblico. No obstante, s√≠ s√© que ‚ÄúPadre Nuestro‚ÄĚ invita a reflexionar; es una de esas tantas obras que nos quita el cartelito de ser los perfectos, intachables y mejores del mundo‚Ķ

cortesía de la entrevistada

¬ŅCrees que ‚ÄúPadre Nuestro‚ÄĚ es un espect√°culo necesario para la realidad global que enfrentan las mujeres hoy d√≠a?

Realmente esta realidad no es de hoy d√≠a, siempre ha existido. La √ļnica diferencia es que ‚Äúahora‚ÄĚ (desde 1969) hay Internet y esa es una herramienta que permite visibilizar. Siempre va a ser necesaria este tipo de denuncia, y el aporte de ‚ÄúPadre Nuestro‚ÄĚ consiste precisamente en ser una voz que se suma a otras tantas voces en el mundo.

¬ŅCu√°les son las b√ļsquedas del cuerpo afrodescendiente en escena y sus luchas en la Cuba contempor√°nea, incluso en el mundo del arte?

El cuerpo negro en escena‚Ķ Cuba es un pa√≠s racista, muy racista, es algo con lo que tenemos que convivir, cohabitar todo el tiempo, dir√≠a que desde hace eones, ya que el racismo ni es una cosa de Cuba ni es un problema solo de color. En mi caso, mi b√ļsqueda y lucha no es desde el ser negra, sino desde el SER‚Ķ

No obstante, como negra nunca he tenido problemas u obst√°culos para dentro del arte hacer todo lo que he querido y transitar por mir√≠ada de escenarios. Siempre se han impuesto mis m√ļltiples talentos, mi disciplina y sobre todo mi calidad humana; me he ganado el respeto siempre de mis compa√Īeros de estudio y trabajo, por tanto, dig√°moslo vulgarmente, han tenido que comerme con papas. (Risas).

La escena es un lugar de privilegio para transmitir mensajes: ¬Ņqu√© buscas comunicar al otro?

Mi objetivo es ofrecer a los espectadores una mirada cr√≠tica desde todas las manifestaciones que utilizo como herramienta de comunicaci√≥n, no solo para sensibilizarlos, sino como una forma de comprometerlos con la b√ļsqueda de soluciones a los problemas sociales, a partir de la reivindicaci√≥n del sujeto y su papel activo en la vivencia, construcci√≥n y preservaci√≥n de su propia cultura.

M√°s all√° del arte, ¬Ņqui√©n es Leyssy?

Leyssy es Leyssy.


Da Vinci y el teatro

Cada 15 de abril se conmemora otro aniversario del nacimiento en 1452 de Leonardo Da Vinci, aquel que ha sido considerado el arquetipo del ‚Äúser renacentista‚ÄĚ debido a que lleg√≥ a manifestar su virtuosismo en dis√≠miles esferas.

Desde su infancia y juventud temprana Da Vinci revel√≥ su talento creativo, primero como aprendiz de Verrocchio y luego como pintor independiente. En 1482 se traslada de Florencia a Mil√°n y con la recomendaci√≥n de Lorenzo de M√©dici, ofrece sus servicios en la corte del duque Ludovico Sforza ‚ÄĒconocido como El Moro‚ÄĒ. Entre 1489 y 1499 trabaja como ingeniero ducal y pintor de c√°mara de los Sforza. En esa etapa intenta llevar adelante la realizaci√≥n de un monumento al padre del duque, constituido por un caballo de dimensiones tit√°nicas, a ser fundido en bronce. Tristemente a pesar de que Leonardo trabaj√≥ arduamente en el dise√Īo de la estatua y de que lleg√≥ a realizar un modelo de arcilla de √©sta, no consigue culminarla a causa de que el bronce destinado a su fundici√≥n fue enviado al Duque de Ferrara para la creaci√≥n de varios ca√Īones.

Contratado para una gran obra en la que se enfrasca por una d√©cada y que nunca llega a concretar, Leonardo asume diversas labores en la corte, quiz√°s para preservarse la gracia ducal… Desarrolla sus habilidades en esferas otras. Manifiesta por primera vez su capacidad de organizador de espect√°culos, o como podr√≠a decirse usando la terminolog√≠a moderna, de director de escena. Organiza as√≠ la Fiesta del para√≠so con motivo de festejar el matrimonio de Juan Galeazzo Sforza con Isabel de Arag√≥n, princesa de N√°poles. En esta surg√≠a el carro del sol tirado por caballos humeantes, en medio de un cielo estrellado en el que pod√≠an verse siete planetas. Tambi√©n realiz√≥ Da Vinci la Justa para las bodas de Ludovico el Moro con Isabel del Este y las de Ana Sforza y Alfonso I, ‚ÄĒcelebradas a la par en enero de 1491‚ÄĒ. En la Justa aparec√≠a un fabuloso animal con cuerpo de caballo escamado en oro, cabeza de carnero y cola de serpiente.

Tales espect√°culos cortesanos acontec√≠an en medio de m√ļsica y canciones. Para ellos Da Vinci dise√Īaba tanto los vestuarios como los mecanismos de tramoya que permit√≠an los cambios de decorados y la aparici√≥n de efectos espectaculares. Lograba el c√©lebre artista combinar su sentido pl√°stico con su inventiva y capacidades como ingeniero para crear obras de naturaleza esc√©nica. Es de notar que dominaba a cabalidad la t√©cnica para la creaci√≥n de aut√≥matas, que si bien surgir√≠a en la antig√ľedad llegar√≠a en el renacimiento a alcanzar gran perfecci√≥n. Los caballos de una y otra representaci√≥n eran justamente m√°quinas de uso titeril, en tanto eran figuras que aparec√≠an en funci√≥n dram√°tica, en medio de la magia espectacular, ante un p√ļblico.

En la corte de Ludovico el Moro, llegar√≠a a manifestar tambi√©n dotes de histri√≥n-trovador, capaz de ta√Īer instrumentos y entretener a un auditorio. Describe Giorgio Vasari (1511-1574) en su libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos que el pintor de la Gioconda se presenta a Ludovico llevando una suerte de lira confeccionada en plata por √©l mismo con forma de calavera de caballo ‚ÄĒdise√Īada de tal modo con el fin de lograr una mayor armon√≠a‚ÄĒ y que llega a superar a todos los int√©rpretes que se hab√≠an citado ante el duque, al combinar su virtuosismo como m√ļsico con su capacidad para improvisar rimas.

En algunas de las obras pl√°sticas del per√≠odo que Leonardo pasa en la corte de Ludovico es posible apreciar una dimensi√≥n espectacular. Entre 1495 y 1498 pinta Da Vinci el famoso mural de La √ļltima cena para el cen√°culo de la pared del refrectorio del convento de Santa Mar√≠a delle Grazie, una de su obras m√°s teatrales desde el punto de vista estil√≠stico. Leonardo utiliza como motivo de su obra el dilema humano desatado por las palabras de Jes√ļs, ‚Äúuno de vosotros me ha de entregar‚ÄĚ. Los personajes participantes en la cena muestran distintas reacciones a la frase y esto confiere gran vida a la pintura. El elemento conflictual motiva el drama en esta pieza pl√°stica al modo en que puede ocurrir en una obra de naturaleza esc√©nica.

Da Vinci no abandona su pasión por el teatro cuando se separa de la corte de Ludovico. A partir de 1516 vive en la corte del rey Francisco I en Amboise. Allí concibe otro gran espectáculo para agradar al monarca y para propiciar las conversaciones de paz entre este y el Papa León X. Concibe, a partir de la técnica del autómata un león mecánico, que era capaz de trasladarse rugiendo y que al pronunciarse el nombre del soberano se abría el pecho con las garras para dejar salir un torrente de lirios.

El ingenio de Leonardo en materia teatral lo llevar√≠a a dise√Īar un teatro con una concepci√≥n arquitect√≥nica de tipo circular que respond√≠a a sus intereses como director de escena y donde manifestaba adem√°s sus conocimientos de ingenier√≠a. En pleno siglo XX se encontrar√≠a el esbozo de este teatro en los c√≥dices de Madrid I y II integrados por dos gruesos manuscritos con dibujos y textos de Da Vinci que fueran descubiertos en la Biblioteca de Madrid, tras considerarse perdidos. Seg√ļn el dise√Īo de Leonardo, al momento de abrirse el teatro, tendr√≠a la forma de dos semic√≠rculos unidos entre s√≠, de modo que semejaran una ‚ÄúX‚ÄĚ con brazos curvos. Tras la entrada del p√ļblico un sistema de cadenas se pondr√≠a en marcha hasta lograr unir los bordes exteriores en un c√≠rculo. La idea del teatro circular le fue inspirada a Leonardo al consultar la historia natural de Plinio donde aparece mencionado un espacio esc√©nico de tal naturaleza aunque no se describe c√≥mo funciona.

Las creaciones esc√©nicas de Da Vinci son tan dignas de ser tenidas en cuenta como su pintura o sus invenciones en materia de ingenier√≠a. En ellas es posible vislumbrar su complejidad como creador. Ya fuera que realizara un trabajo en el campo que podr√≠a considerarse meramente art√≠stico, de la escena, Leonardo lograba hacer confluir todos los conocimientos que pose√≠a en diversas materias y √°reas de saber. Como artista creador hac√≠a ciencia, y como cient√≠fico creaba. Era un perenne investigador en busca de la f√≥rmula precisa que le permitiera llevar adelante sus planes y era tambi√©n un constante inventor ‚ÄĒno debe olvidarse que su ingenio extremo lo llev√≥ alguna vez por caminos no siempre fruct√≠feros; La √ļltima cena comenz√≥ su deterioro nada m√°s terminarse debido a su novedosa t√©cnica de ejecuci√≥n‚ÄĒ. Lo interesante de todo lo creado por Leonardo es que parte de un mismo principio de energ√≠a vital y tambi√©n propende hacia un mismo fin: la manifestaci√≥n del ser en su esencia inventiva.


Intimidad

Sobre cuestiones √≠ntimas y p√ļblicas a la¬†vez versa una nueva puesta en escena inspirada¬†en la obra¬†La llamada de Lauren, de la dramaturga¬†espa√Īola Paloma Pedrero:

¬ŅQu√© pasa entre una pareja en la intimidad de¬†una habitaci√≥n?¬†¬ŅPueden los estereotipos, los¬†prejuicios y el machismo colarse en una cama?¬†¬ŅEs posible deconstruirse, cambiar, transformarse¬†y crecer?

Sobre estas cuestiones √≠ntimas y p√ļblicas a la¬†vez versa una nueva puesta en escena del binomio¬†Liliana Lam y Alberto Corona, inspirada¬†en la obra¬†La llamada de Lauren,¬†de la dramaturga¬†espa√Īola Paloma Pedrero, estrenada en¬†Madrid en 1985.

‚ÄúDe ah√≠ partimos con los personajes de Pedro y¬†Rosa hacia esta contemporaneidad,¬†poni√©ndolos¬†en el contexto de la Cuba de hoy y tambi√©n¬†llev√°ndolos a desmontar estereotipos de g√©nero,¬†una tem√°tica que tanto nos interesa‚ÄĚ, respondi√≥¬†Liliana Lam.

La idea le surgi√≥ tras participar en talleres del¬†proyecto Juntarte, codirigido por la Asociaci√≥n¬†Hermanos Sa√≠z y la Asociaci√≥n Italiana de Cooperaci√≥n¬†para el Desarrollo de los Pa√≠ses Emergentes,¬†financiado por la Uni√≥n Europea y con¬†acompa√Īamiento del Centro Oscar Arnulfo Romero,¬†la fundaci√≥n italiana Fabbrica Europa, el
Consejo Nacional de las Artes Escénicas y el Ministerio de Cultura de Cuba, y cuyo objetivo es hacer la escena cubana más inclusiva.

Para Lam, en el camino a la comprensi√≥n de¬†c√≥mo el patriarcado ha marcado las maneras¬†en que deben construirse socialmente mujeres¬†y hombres, ‚Äúse han logrado avances, pero creo¬†que es importante insistir en esa libertad que debemos¬†tener todos los seres humanos lejos de¬†etiquetas, de c√°nones impuestos por el poder¬†patriarcal‚ÄĚ.

Los principales mensajes de Intimidad son ‚Äúla importancia¬†de la comunicaci√≥n en una pareja, luego,¬†la de romper con esos c√°nones impuestos,¬†si no nos hacen felices, la comprensi√≥n, la tolerancia,¬†el saber escuchar a la persona que tienes¬†al lado‚ÄĚ.

Tiene ‚Äúun mensaje de lucha contra el machismo¬†y la desigualdad de los g√©neros‚ÄĚ y ‚Äútransmitirle al¬†p√ļblico la magnitud de estas ataduras, que muchas¬†veces no vemos, pero que desde nuestra intimidad¬†y hasta en lo social, lo extendemos y expresamos,¬†muchas veces sin darnos cuenta‚ÄĚ.

Para la actriz, el teatro sigue siendo una gran¬†herramienta para generar el cambio social.¬†‚ÄúEs algo que hay que seguir haciendo, seguir¬†luchando por llevar estos mensajes y otros¬†que nos ayudan a ser una mejor sociedad, un¬†mejor pa√≠s, con m√°s justicia social, con mayor¬†equidad y sobre todo, a ser mejores seres humanos‚ÄĚ,¬†destac√≥ la joven.


¡Ya estamos en Romerías!

Con un desfile desde el estadio Mayor General Calixto Garc√≠a √ć√Īiguez hasta el Museo Provincial La Periquera, artistas, promotores, fundadores y participantes de varias latitudes volvieron hoy a la calles de Holgu√≠n para inaugurar las 30 Romer√≠as de Mayo, el Festival Mundial de Juventudes Art√≠sticas que reune varios eventos de diferentes manifestaciones hasta el pr√≥ximo 8.

Acompa√Īaron a los j√≥venes creadores, en esta remembranza de la modernidad a las tradiciones, varios artistas de los participantes, entre ellos estudiantes de la Escuela Elemental de Arte Ra√ļl G√≥mez Garc√≠a, la Banda Provincial de Conciertos, Mor√≥n Teatro, la Colonia China, el Teatro Gui√Īol de Holgu√≠n, Teatro Tuyo y la Compa√Ī√≠a Folcl√≥rica La Campana, quienes demostraron la multiculturalidad de los pueblos y la unidad que los define en cada expresi√≥n del arte, con la convicci√≥n de mantener la pluralidad y dinamismo con que inici√≥ el evento en 1994.

El pasacalle dio paso a la gala inaugural, dirigida por V√≠ctor Osorio, que destac√≥ las tradiciones de los 30 a√Īos de Romer√≠as de Mayo, que define cada a√Īo a Holgu√≠n como capital del arte joven. En esta ocasi√≥n se presentaron solistas del Teatro L√≠rico Rodrigo Prats, la Compa√Ī√≠a de Danza Contempor√°nea Codanza, el colectivo esc√©nico Palabras al Viento, el Mariachi Holgu√≠n, los cantautores Eduardo Sosa y David Blanco, y Axennar, la primera mujer DJ de la provincia.

Rodolfo Su√°rez Ochando, vicepresidente de la Asamblea Municipal del Poder Popular, destac√≥ en sus palabras de bienvenida la relevancia de esta cita cultural que ha trascendido las fronteras de la provincia para alcanzar dimensiones internacionales. Mientras que Yasel Toledo Garnache, vicepresidente de la AHS, resalt√≥ la esencia de esta cita multicultural, parte de la memoria hist√≥rica y espiritual de la naci√≥n, al refrendar el arte como salvaguarda de vida y esperanza. Llenemos esta ciudad, una vez m√°s, de colores y anhelos, una urbe que enamora a quienes llegan cada mayo a sus plazas y parques, y que no deja de so√Īar con el futuro, agreg√≥ Yasel.

Con el impulso de los nuevos tiempos una multitud de jóvenes elevó el Hacha de Holguín, símbolo de la ciudad, hasta la cima de la Loma de la Cruz, dejando oficialmente inaugurada esta edición.

La fiesta aglutina a creadores de casi todo el pa√≠s y otras partes del mundo con m√°s de 16 eventos en diferentes plazas, parques, centros y comunidades, y un amplio programa que incluye conciertos, eventos te√≥ricos, espacios de artes pl√°sticas y esc√©nicas, presentaciones de libros y homenajes. El Festival Mundial de Juventudes Art√≠sticas es organizado por la AHS y se dedica este a√Īo al aniversario 170 del natalicio de Jos√© Mart√≠, al IV Congreso de esta organizaci√≥n, y al pueblo y la cultura de M√©xico, manteniendo vivo el esp√≠ritu de que no hay hoy sin ayer.