símbolos
La nación y los símbolos
En fecha tan temprana como el año 1805, Thomas Jefferson, tercer presidente de los Estados Unidos y uno de los Padres Fundadores de esta nación, ya hacía referencia a la necesidad de ocupar militarmente Cuba, en caso de una guerra con España, como única forma de garantizar la seguridad de la Florida Occidental y la Louisiana.
Ya fuera de la presidencia y en carta a su sucesor y amigo James Madison, volvía a insistir sobre la idea de Cuba y agregaba un elemento: la posibilidad de defender la isla sin una marina de guerra, algo de lo que la Unión carecía en ese momento y que resultaba vital frente a poderes como Inglaterra y Francia, interesados en hacerse con el botín colonial americano que se le escurría a España entre los dedos.
Cuba sería entonces para Jefferson el nec plus ultra de sus aspiraciones territoriales en esa dirección. El límite extremo fijado en el este por las capacidades de la joven nación a principios del siglo XIX.
La expansión al oeste y el consecuente desarrollo industrial determinaron que, para finales del siglo XIX, ya Estados Unidos estuviese en condiciones de arrebatarle a España por la vía militar el fruto que, mediante amenazas, sobornos y hábiles maniobras diplomáticas, habían contribuido a conservar en las manos más débiles. Exhausta, desangrada y sin recursos para sostener un frente en el Caribe y otro en el Pacífico, España acabó cediendo sus últimas posesiones coloniales: Cuba, Puerto Rico, Filipinas e Islas Guam.
Comenzaba entonces una nueva etapa en la expansión del imperialismo norteamericano, en la cual la ocupación militar violenta se va a alternar con la penetración del capital norteamericano y su entrelazamiento con las arterias vitales de cada nación.
Esta expansión de los Estados Unidos incluyó también un firme proceso de influencia ideológica cuyas armas y estrategias se fueron afinando a lo largo de todo el siglo XIX y encontraron su forma más acabada en las industrias culturales del siglo XX.
Este proceso estuvo encaminado a favorecer y determinar el surgimiento de tendencias anexionistas o pronorteamericanas en las regiones o pueblos que progresivamente fueron cayendo bajo su esfera de influencia.
En el caso de Cuba el anexionismo tuvo un despuntar temprano. Ramiro Guerra en su importante obra La expansión territorial de los Estados Unidos (Ciencias Sociales, 2008), de donde se han tomado muchos de los datos que anteceden, apunta como elemento fundamental de este anexionismo temprano la circunstancia social y política creada en Cuba a raíz de la revolución en Haití y el consiguiente aumento de la importanción de mano de obra esclava para aumentar la producción azucarera y ocupar así el lugar de la excolonia francesa en el mercado mundial.
El conflicto entre cubanos liberales y hacendados negreros en torno a la esclavitud llevó a que estos últimos desarrollaran la teoría del “equilibrio de las dos razas”. En esencia esta teoría planteaba que mientras hubiera mayoría de negros en la isla, los criollos tendrían buen cuidado de insurrecionarse por temor a una rebelión de esclavos. Ramiro apunta:
«De este nuevo dilema, principalmente, surgió el movimiento anexionista. Si existían peligros para la independencia, al menos la libertad, la seguridad interior y la paz podían alcanzarse con la anexión a los Estados Unidos. Esta solución poseía una doble ventaja: satisfacía a los hacendados ―que empezaban a temer la abolición de la esclavitud, bajo la presión de Inglaterra― y a los esclavistas de los Estados del sur de la Unión norteamericana. Sin embargo, planteó otra contradicción de trascendencia. La anexión, a la larga, acarrearía la destrucción de la incipiente nacionalidad cubana.»
Las décadas del 40 y el 50 del siglo XIX en Cuba fueron de gran vitalidad para el movimiento anexionista, el cual, a causa de su inicial vinculación con el esclavismo, comenzó a languidecer luego de la derrota de los estados sureños en la Guerra de Secesión norteamericana.
El independentismo ocupó su lugar y escribió con sangre y heroísmo algunas de las páginas más hermosas de la Historia cubana. En esta gran gesta independentista del siglo XIX cuajaron definitivamente las esencias identitarias que durante cuatro siglos se habían cocinado a fuego lento en la isla de Cuba. En 1868 se fracturó definitivamente lo cubano y lo peninsular. La paz del Zanjón fue una precaria sutura destinada a no durar.
En ese convulso proceso que llega hasta la ocupación norteamericana en 1898, se definieron los grandes símbolos de la nación, símbolos independentistas: la bandera, el escudo, el himno, los próceres con José Martí a la cabeza. Podrá alegarse que la bandera fue enarbolada por primera vez por el anexionista Narciso López, pero desde que los mambises la hicieron suya, desde que ondeó por primera vez en un campamento de la Cuba libre, fue símbolo de una nación soberana, dispuesta a pagar con sangre el precio de esa soberanía.
El proyecto anexionista se vigorizó en la República neocolonial, adaptándose desde luego a la nueva forma de dominación. El servilismo político, económico y cultural encontró su digna contraparte en los herederos del espíritu independentista decimonónico. El proyecto de independencia nacional adquirió en la manos de Mella, de Villena, de Guiteras, de Pablo de la Torriente, un marcado carácter antimperialista que no había tenido, con la excepción premonitoria de Martí y algunos pocos, en el siglo anterior.
Ya desde esa etapa se fue configurando la lucha en torno a los símbolos fundamentales de la nación, lucha que, con variantes, llega hasta hoy. La postura que se asuma ante estos habla, en esencia, del proyecto de nación que se suscribe. Así, al Martí revolucionario y vivo de Mella y Villena se opuso el Martí formal asumido por las administraciones de turno o el Martí mancillado por los marines yanquis y sus testaferros locales.
Los recientes ataques contra bustos martianos, contra la bandera, las mofas permanentes que desde las redes sociales se articulan contra símbolos y figuras que son vitales para la nación, forman parte de la misma agenda anexionista que, con variaciones de un siglo a otro, sigue estando al servicio de los mismos intereses. Socavar las bases ideológicas, sustituir un universo de representaciones por otro, ir desplazando el horizonte cultural hacia formas en apariencia inocuas pero tras las cuales se esconde y reproduce la lógica de dominación del capital, son premisas claves para desmontar cualquier proyecto nacional.
Es fundamental esclarecer las esencias detrás cada una de estas provocaciones y ataques, desde los más burdos hasta los más elaborados, pero es vital también aprender a manejarlos. Cada error de apreciación, en épocas de internet y redes sociales, se paga con la magnificación de un individuo cuya relevancia como artista no pasa del escándalo. Convertimos en referentes y centro de debate a quienes no pueden ni deben serlo, por carecer de méritos suficientes.
En el plano de batalla ideológico y cultural, que es hoy uno de los más importantes, se impone defender con inteligencia nuestras verdades, ripostar adecuadamente los ataques y ser capaces de colocar nosotros la propia agenda a debatir.
Idiel García, de la naturaleza del hombre al mito
Como los griegos, Idiel García emprende un viaje desde sus sentimientos más profundos hasta las cimas del mito clásico. Hurga con destreza en este código de saberes metafísicos y cósmicos y convoca imágenes propias. Hace despertar a los dioses del Mediterráneo y los transmuta a su sueño insular caribeño.
Eugenio Hernández, más allá del dramaturgo
Cuba es un país de una gran dicha artística literaria por la gran cantidad creadores que tiene desde el cabo de San Antonio hasta la Punta de Maisí. Uno de esos grandes creadores es Eugenio Hernández Espinosa, graduado del primer Seminario de Dramaturgia del Consejo Nacional de Cultura en la década del 70 del pasado siglo XX. A partir de ese momento comenzó el camino de gloria de este gran dramaturgo cubano. Muchas han sido las obras que Hernández Espinosa nos ha legado al patrimonio de la literatura dramática cubana.
Su obra, María Antonia (1964), se ha convertido en una de los grandes hitos de la escena cubana. Esta obra problematiza sobre el cambio de patrones culturales que estaba viviendo la Cuba de esos primeros años de Revolución.
Nuestros orishas tutelares del panteón yoruba se convierten en los protagonista ocultos que contribuyen al juego del destino de la protagonista. La muerte por la desobediencia es el final porque se tiene que cumplir el refrán yoruba de: «oreja no pasa cabeza». Su obsesión por la cultura popular tradicional de nuestra nación se muestra con sus luces y las sombras que siempre puede proyectar los cultores de estas manifestaciones.
Con Calixta Comité (1969) estremeció la escena cubana al punto de generar pasiones encontradas. Desde este momento un joven dramaturgo y crítico teatral como Antón Arrufat vislumbra la capacidad y la grandeza creativa que contenía Eugenio Hernández.
Calixta Comité es una obra que debía llegar nuevamente a escena. Los sueños y miedos que formaron parte de algunas personas que contribuyeron a la construcción de esa sociedad nueva que se levantaba moldeando «al hombre nuevo» es el interés que refleja en cada parlamento de sus tres actos. La falsa moral y la burocracia es otro tema muy presente en esta obra que algunos decisores de aquel entonces no vieron con buenos ojos.
El teatro de Eugenio Hernández ha trascendido lo efímero de las tablas y ha pasado a la cinematografía nacional. Mi socio Manolo dio lugar al filme La vida inútil de mi socio Manolo, dirigido por Julio García Espinosa (ICAIC, 1989), mientras en la mítica María Antonia teatral se basó el filme homónimo dirigido por Sergio Giral (ICAIC, I990. También fue coguionista de los filmes Patakín (1982), Roble de olor (2003), y del libreto cinematográfico de El Mayor. Esto lo convierte en una de las figuras más trascendentes del mundo del guion cinematográfico porque pocos guionistas que no sean directores de cine tienen tantas obras en el panorama del ICAIC.
Desde su grupo Teatro Caribeño ha sabido infundir esta otra identidad un poco olvidada por los cubanos. El Caribe en Cuba y Cuba en el Caribe es una dualidad presente en esta agrupación teatral, de la cual ha sabido conducir con el rigor de un maestro que siempre tiene su visión en el presente caminando por un puente hacia el futuro. La dramaturgia es el arte de componer con palabras sobre la escena, ideas y sentimientos que se deben canalizar a partir de las interpretaciones que realizan los actores. Porque el dramaturgo antes de ser un hombre de la escena, es de la literatura, esa amiga que solo te acompaña en la soledad de la creación o la lectura. Con esta dedicatoria que realiza la Feria Internacional del Libro reconoce la calidad de su escritura y de todos sus aportes a esta manifestación muchas veces renegada en el panorama literario nacional. Es un acto de justicia cultural y social porque los personajes de Eugenio no eran complacientes, y no creo que los próximos lo sean. Estos personajes son de esos hombres y mujeres traídos desde África y plantados en el nuevo mundo. Por todo esto, en el año 2005 fue acreedor del Premio Nacional de Teatro, la más alta distinción que se le entrega de esa manifestación artística a aquellos que se han entregado en cuerpo y alma al noble oficio de la tradición representada por la comedia y la tragedia.
Esta edición de la Feria Internacional del Libro es un nuevo espacio para acercarse a su obra y disfrutarla con toda la grandeza que él merece. Es un nuevo momento para que muchas instituciones culturales y los más jóvenes nos acerquemos a la eterna sapiencia de los valores de su literatura dramática que festeja lo popular, con una mirada que evade prejuicios y estereotipos, mientras recrea la mitología de origen yoruba con su narrativa, símbolos y deidades. Eugenio Hernández Espinosa es más que un dramaturgo, es un intelectual que se expresa a través de su escritura.
Paradigma o ¡Ay, Shakira!, una puesta para niños reales
Si los niños dijeran todo lo que piensan, valientes cosas nos dirían. Por ejemplo, que se sienten inconformes con el color de su piel y le escriben cartas escondidas a Shakira para que les haga el milagro de un cuerpo curvilíneo y un cabello rubio, con nariz respingada. Al menos, es este el conflicto de Amanda, una niña negra acosada por los paradigmas de la industria cultural, y más específicamente por su compañera de aula.
Alrededor de este argumento gira la trama de Paradigma o ¡Ay, Shakira!, puesta del santaclareño Teatro Sobre el Camino bajo la dirección artística de Rafael Martínez; y que ha sido acogida con ovaciones entre el público infantil y adulto de diferentes escenarios nacionales. Premiada además por un jurado de niños durante el festival Titereando en la ciudad en Guantánamo.
Y es que asistimos a una obra para niños construida desde los cimientos de sus preocupaciones actuales, una tragedia que nos hace reflexionar durante y después de la puesta. A criterio de esta reportera, porque no solo se atreve al abordaje de temas considerados tabúes para el público infantil sino también porque se aleja de tratamientos lastimeros o simplistas; y por nada de este mundo se atreve a subestimar un público tan exigente y exquisito como son los infantes.
Aunque cabe especificar que, según palabras del propio director general, prefieren seguir la línea de hacer teatro para la familia, ya que rara vez los niños pequeños asisten solos a las presentaciones que ofrecen en su sede del Guiñol de Santa Clara, o a las que lleva Teatro Sobre el Camino hasta los parajes del centro de la Isla.
¿Tabúes en el teatro para niños?
Entre los temas que desafían cualquier autocensura y que esta obra toca sin mayores miramientos, se encuentra la muerte. Una vez que la protagónico somete su cuerpo a una cirugía estética para transformarse en la cantante de sus sueños, dueña de una caderas y un rostro y un cabello rubio que ella desea imitar, aunque no sean naturales, porque como dice su amiga “El que no es lindo, que se opere”.
Amanda logra su objetivo, pero muere en la mesa de operaciones. En el segundo acto el alma infantil dialoga con su cuerpo inerte, escucha el llanto de sus familiares y se arrepiente del sacrificio que ha hecho. Pero ya es demasiado tarde.
Pareciera que el paradigma industrial ha ganado a la ideología cuando nos sorprende una escena más de esta tremenda entrega dramática. Se permite una retrospectiva al aula, en donde los niños se preguntan a quién les gustaría parecerse “cuando sean grandes”, y mientras se debaten entre los hermosos ídolos de la moda, el cine o la música, los interrumpe la voz en off de algún jefe de colectivo o destacamento con la tradicional consigna de “Pioneros por el Comunismo…”
“Creo que las niñas y los niños tienen el derecho a que en el teatro abordemos estos temas,” comentó Rafael Martínez, quien escribió este libreto tan necesario como atrevido. “También es responsabilidad de sus padres, maestros y aquellos que de alguna manera intervienen en su educación”, añade.
Otro tema importante al interior de la puesta es la violencia: intrafamiliar y la violencia infantil, específicamente, junto a las conductas patriarcales que atraviesan la sociedad y las familias cubanas. Se trata según Rafael de la forma violenta que tienen algunos adultos de resolver determinadas situaciones y que “van pasando de generación en generación.”
Paradigma o ¡Ay, Shakira! cuenta con un guion preciosista. Los diálogos son manejados con habilidad y la intensidad dramática va increscendo hasta lograr un punto de clímax con la operación de Amanda, y luego anticlímax con el vagar de su alma antes de elevarse definitivamente al mundo espiritual. La escena final ofrece un cierre de lujo, a modo de moraleja de la obra, pero con la apertura conceptual necesaria y el nivel de sugerencia que convierte a Paradigma… en una obra substancial.
de Villa Clara, en el Teatro Eddy Suñol, de la ciudad de Holguín como parte de la oncena edición
del Festival Nacional de Teatro Joven/Foto Carlos Rafael/Archivo del Portal del Arte Joven Cubano
El reparto de Paradigma…
Por su parte los actores manejan los parlamentos con histrionismo y rigor. Además de actuar, interpretan títeres planos, con movimientos en todo su cuerpo. Los títeres en escena carecen de retablo por lo que el espectador también puede incorporar a los titiriteros en el producto final que consume. Ellos: Elizabeth Aguilera Fariñas, Yassier Fabá García y Remberto Clavelo.
Entre camerinos ofreció declaraciones la actriz, en quien muchos santaclareños reconocen esa especie de estrella naciente, cada vez más lúdica y asertiva sobre las tablas.
“Amanda llega a un extremo, y es una niña. Pero también es un títere. Entonces, ¿cómo descubrir todo eso en la figura y que no haya un divorcio entre lo que uno siente y el títere? Es un trabajo de animación muy difícil que exige mucha atención al proceso psicológico que va pasando esta niña con el transcurso de la obra; agredida por su compañera Cecilia, por sus padres cuando intentan aconsejarla y por ella misma cuando cae en este sueño, en este letargo de lo que puede pasar si decide operarse.”
A su vez, Clavelo, quien interpreta al doctor y al maestro de ambos estudiantes, confiesa que en la concepción del cirujano enfatizó “los rasgos alocados del personaje” porque a los niños también “debemos hacerles reír, aunque le estemos tratando temas tan hondos. “
Elementos que ilustran nuestra nacionalidad, como el folclor yoruba, el uniforme escolar, las enseñanzas martianas y la propia formación marxista en las aulas y que son contrapuestos a las tendencias seudoculturales del momento, la expropiación de símbolos, el bullying y la desobediencia de los hijos. Demostrando que de todo esto se nutre hoy día una mentecilla de cinco, siete y hasta 10 o 15 años de edad, aun en crecimiento.
El tema de la discriminación racial se superpone a las diferentes subtramas, como problemática fuerte y de gran inmediatez en la sociedad cubana actual. Puesto que oprime y reduce las posibilidades de superación y, por tanto, de empoderamiento, de las personas afrodescendientes. Al abordar sus consecuencias la muerte de la protagonista adquiere un valor simbólico.
Durante todo el espectáculo se utilizan diferentes recursos sonoros de nuestro folclor, otros elementos asociados a la cubanía como el pilón, la usanza del delantal. Para marcar la negritud como una parte substancial de la cultura nacional, que el racismo puede estar matando sin que nos demos cuenta de ello. Dijo Yassier:
“El mundo se ha encargado de hacer una élite de lo que es bello estéticamente. Y que a un lado lo que demuestra diariamente una persona en su actuar, de conducirse socialmente.”
Considera el director artístico que el bullying en nuestras escuelas y en las del mundo entero siempre ha existido.
“Sus razones pueden ser raciales, económicas, de género e identidad de género. Pero siempre está allí esa persona que se cree más fuerte y abusa de los débiles. La obra alerta sobre este conflicto que en otros países lleva a los niños al suicidio.”
“Es importante que los padres que traen a sus hijos a ver la obra se lleven a casa las inquietudes que plantea. Por ejemplo ––explica Fabá García–– yo soy padre, y algo que aquí te queda claro es que la violencia engendra violencia y debemos alejar a nuestros hijos de esa forma de comportamiento con nuestro propio modelo.”
Por último, el diseño escenográfico se nutre de la fantasía infantil y extrapola esa creatividad para la conformación de un escenario minimalista y conceptual. Explota códigos preestablecidos y que su público conoce como son las señalizaciones del tránsito y los origamis de niños tomados de las manos. Ello refuerza el dialogo entre la pieza teatral y su receptor. “Es una obra muy cubana, y que hace pensar a profundidad nuestro contexto”, resume la actriz Elizabeth Aguilera.
El grupo Teatro Sobre el Camino surgió en diciembre de 2009. Y al decir de la prensa provincial, presentó sus cartas credenciales en la sala Margarita Casallas de Santa Clara con la simpática obra Una cama a domicilio. En los últimos años trascienden presentaciones como Concierto de primavera, con la trovadora Yahily Orozco Gálvez, y Las bebidas son por Pearl.
Paradigma o ¡Ay, Shakira! plantó polémica y expectativas entre los teatristas de Cuba, desde el 2016 cuando participara de una lectura dramatizada en el Festival de Teatro de Camagüey. Se estrenó el año pasado en la ciudad de Santa Clara.
El periódico Vanguardia referencia un artículo de Francisnet Díaz Rondón, titulado “Pasión sobre el camino”, en el cual se describe la agrupación a la vuelta de sus 10 años de la siguiente manera:
“Desde su debut, el espectador encontró una propuesta diferente y atractiva, que otorgó un poco de aire fresco a la escena teatral villaclareña.”
AGNUS DEI: Hoja de Ruta para atravesar la arena
Gusto del teatro que corte mi respiración. Tensa en la butaca hoy es como mejor me encuentro. Sigo las luces, la atmósfera seduce los sentidos, ningún otro pensamiento cruza. Soy parte de la escena. No quiero que termine pero cuando llega el final siento el alivio que trae la conmoción. Intuyo el regreso.
La pieza dramática que por estos días sacude las tablas santiagueras se escribió en 1979 por John Pielmeier y su estreno acaeció en Broadway en 1982. La historia de Agnus Dei es como un viaje que emprenden tres mujeres, y con ellas el público, diría entonces Pielmeier. «Un viaje que ya ha realizado el autor y que como todos los tránsitos importantes es un proceso inquietante y difícil, en sí mismo, un auténtico milagro», apareció en una reseña en El País, tras el estreno oficial en Madrid en septiembre de 1982, montaje dirigido por Ángel García Moreno.
Las tres mujeres que protagonizan la historia, dos monjas y una psiquiatra, representan el enfrentamiento de dos sistemas de pensamiento antagónicos en torno al conflicto que sufre la religiosa más joven, acusada de haber matado a su recién nacido. Agnus Dei plantea la pugna entre racionalismo y religiosidad en clave de intriga policiaca.
La experiencia religiosa, la presencia subyacente de lo sobrenatural en una sociedad tecnológica y laica, son algunos de los motivos que inspiran la obra de Pielmeier, autor que confesara su herencia católica y su obsesión por el tema místico.
Agnes de Dios (Agnes of God, 1985) dio título a un filme estadounidense con la dirección de Norman Jewisony, basado en la pieza teatral homónima. La película tuvo tres candidaturas a los Oscar: a la mejor actriz principal (Anne Bancroft), a la mejor actriz de reparto (Meg Tilly), y a la mejor música.
¿Y qué tengo yo que ver con esto? Indagará el ingenuo. Pareciera un tema anclado en las versiones que nos llegaron vía las radionovelas de la pasada centuria. Nada más ajeno. Todavía aparecen “en-redadas” e impresas noticias en que el instinto animal traiciona lo humano o viceversa. Las contradicciones del ser parecen perpetuarse en un reciclaje de temporalidad. Las tecnologías entre otras cosas, han venido para agilizar nuestros saberes, miedos, vicios e inquietudes.
Tal vez sean éstos y un sinfín de motivos por los que formaciones teatrales geográficamente distantes deciden retomar para la puesta en escena sus versiones del Cordero de Dios.
En marzo de 2019 en Córdoba, España, el teatro El Silo acogió una adaptación de Agnus Dei (La Pasión), interpretada por el grupo teatral Farándula Don Bosco como uno de los actos previos a la Semana Santa de Pozoblanco.
Mientras en Santiago de Cuba, Calibán Teatro apuesta por remover los resortes del pensamiento y la sensibilidad, avezándose en un camino independiente de los “ismos”. Esta agrupación distingue en la escena santiaguera por la articulación de discursos sobre personajes y obras que han marcado hitos en las letras y la dramaturgia. Para la ocasión apelan a un texto –solo en apariencias– poco conocido, que junto a los personajes invita a la escena indagaciones sobre los valores, sentimientos, ética, el cuerpo como recinto y sujeto de acción y diálogo respecto a construcciones de vida, entre un sinfín de inferencias en dependencia a las realizaciones de cada espectador.
La interpretación de temáticas y preocupaciones universales a través de códigos particulares de la agrupación en su comunicación con el público nacional le garantizan una actualización al quehacer teatral, a veces saturado de lugares comunes en el abordaje de las problemáticas locales.
La puesta que por estas semanas toma el escenario del Cabildo Teatral, responde a una versión del texto realizada por Eduardo Eimil, con la dirección artística de Orlando González y la dirección general de Maikel Eduardo. El diseño de escenografía y vestuario responden al estilo de Marta Mosquera. Integra además la exposición personal Agnus Dei. La visión de un estigma, de la artista Tahimí Cugat, quien tuvo a su cargo además el cartel promocional de la obra. Las palabras al programa acogen el sello de la dramaturga Margarita Borges, quien ofrece una suerte de paralelo con las ciencias filosóficas.
Calibán Teatro y su público comparten el drama y sus símbolos a través de la estructura que brinda el teatro de arena. Cualquiera de nosotros puede experimentarse dentro del convento católico donde concurre la experiencia de la hermana Agnes con la asistencia de la Madre Miriam y la contrapartida de la psiquiatra Martha Livingstone, porque proximidad física, sensorial e intelectiva se entrelazan desde el comienzo mismo.
La escenografía es sobria y simbólica, con una decoración minimalista donde el montaje de iluminación y la música enfatizan la acción. La trama acontece en dos espacios escénicos. Por un lado la dirección ha puesto este drama místico en función de la carga actoral de las protagonistas; por otro, destacan los elementos simbólicos en alusión a signos religiosos y la plasticidad que se logra entre las imágenes. Cristo se trasmuta en varias escenas o narraciones bíblicas con apelaciones a momentos cumbres de la historia de las artes visuales. Jesús unas veces desde la cruz, otras desde la performance dialoga con las contradicciones en conflicto.
Pareciera que podemos tocar al hijo de Dios o debatir con la ciencia según sea la postura de cada cual. Los personajes aparecen en su humanidad. La fe y la ciencia coquetean, se abrazan, lanzan a duelo, exhiben sus fortalezas, se lastiman, muestran sus debilidades. Las actuaciones aunque sin excesos, calan hasta la conmoción del espectador. Lo que resulta difícil es quedar al margen, porque si llegas a la arena, si llegas, la atravesarás.
Lo mítico en la niña Medea
Medea en el jardín, de Rafael González Muñoz (Cienfuegos, 1987), se aparta de todas las líneas temáticas de la dramaturgia de teatro para niños en Cuba, para asumir personajes y argumento de la tragedia griega, dando continuidad a una larga tradición en nuestra dramaturgia para adultos, desde que Virgilio Piñera introdujo, el “bacilo” que nos ha contaminado – al menos un poco – como autores, hasta el día de hoy.
Que no sea una moda pasajera
En el año 2013 y bajo las lluvias de mayo nacieron en la sede nacional de la Asociación Hermanos Saíz (AHS) los encuentros de Dialogar Dialogar, un homenaje perenne al eterno Maestro de Juventudes, Alfredo Guevara; quien jamás cesó de insistir en la necesidad de crear una cultura de intercambio dialógico.
La sabrán defender todavía
Tomado de Juventud Rebelde
Más de una vez en mi vida he escuchado el reproche de personas muy cuerdas, demasiado cuerdas: «Está bien, el mundo está muy mal y a tanta gente le va mal, es cierto. Pero, ¿qué proponen ustedes que sea razonable para lograr cambiarlo?». [+]
Nosotros somos hijos de la libertad y de la cultura
En este podcast grabado en el estudio de Habana Radio, Cubadebate tuvo el privilegio de contar con la presencia del Dr. Eusebio Leal para tratar un tema tan importante como el uso de los símbolos nacionales. Una cuestión que el Historiador de la Ciudad ha tratado en recientes declaraciones y textos publicados en nuestra página y otros medios de prensa. También, como no podía ser de otra manera cuando se conversa con hombres de su magnitud, abordamos otros tópicos tan polémicos como necesarios. [+]
La familia en el Canto de cisne
Canto de cisne es la nueva propuesta de la narradora, poeta y dramaturga Elaine Vilar Madruga. El libro de la Editorial Voces de Hoy (Florida, Estados Unidos, 2016) fue presentado en marzo de este año en el espacio ArtSpoken, con la presencia de Josefina Ezpeleta, directora de la editorial. [+]
