Santiago de Cuba
Marta Valdés y la importancia de sus palabras
Un día de esos cualquiera –que parecía no traerme alguna sorpresa, hasta que mi paso inquietó por la calle Enramada de mi querida ciudad de Santiago de Cuba– me lleva hasta la librería Amado Ramón Sánchez (Ateneo). En la búsqueda encontré el libro Palabras de la autora musical y guitarrista Marta Valdés.
Festival Santiago Álvarez piensa en lo contemporáneo del documental
Santiago de Cuba desde hace mucho tiempo ha sido un baluarte indiscutible de la cinematografía nacional y universal. Acá en estas calles nacieron documentales que hoy son una representación del arte y el oficio de hacer y pensar el cine, protegidos por nuestra cinemateca y constituyendo una salvaguarda de tiempos pasados.
Capítulo # 3 Ladrillos y parcelas (Primera parte: La bitácora Joven)
¿Qué caminos tiene hoy la creación artística-literaria en Santiago de Cuba?
¿Cómo hacen su obra los jóvenes creadores en Santiago de Cuba?
¿Cómo lidiar con las instituciones/el contexto/las musas/las angustias?
¿Cómo renovar un país?
¿Qué valor tiene el quehacer artístico de los más jóvenes en una ciudad tan mística?
¿Hay una vanguardia significativa en la ciudad?
Empiezo con la duda. Empiezo con las preguntas que me hago como creador. Tal vez esa conexión no me permita responder con frialdad cada una de ellas, pero aun así pregunto y respondo.
Vivo en Santiago de Cuba, una ciudad que intento superar. Aquí hay una parte de la isla que no se mueve igual, que no respira igual. Famosa por su cultura, su gente, sus artistas; Santiago ha adquirido una mística heroica/adictiva/musical. Para quienes tratamos de definirnos tras el lenguaje que proyecta desde sus sombras y luces, Santiago es una bitácora y a la ves un paisaje inalcanzable.
Desde aquí se construye un país. En ocasiones no siento que los ladrillos que levanto son iguales que los de mis contemporáneos en otras partes del archipiélago, pero igual los levanto y construyo. Aprender a poner ladrillos es algo que siempre voy agradecer a la ciudad.
Desde algunos años, he visto como el hueco generacional entre los notables creadores del siglo XX y mi generación, ha ahondado a nuestros pies. El éxodo ha roto la cadena y ha facilitado el acomodo de quien no tiene una disputa dialéctica con quien lo sucede. Cuando llegué al arte en la ciudad, las parcelas de la cultura ya estaban repartidas y eran intocables. Así vi como algunos de mis contemporáneos se fueron, no querían profanar ningún espacio, o no pudieron con el contexto.
Miro a mi alrededor y analizo las malditas circunstancias de las parcelas por todas partes, y me pregunto:
¿Tendré que irme también?
¿Si me quedo me convertiré en dueño de una parcela?
¿Quiero una parcela?
Así habito, con la duda. Mientras cada amanecer me impulsa a crear nuevos lenguajes, a subvertir hasta mis propias imágenes, a encontrar fe, a no detenerme ante un “no se puede”.
¿Puede una ciudad como esta ignorar esa lucha?
¿Cuántos levantamos ladrillos días tras días en la misma lucha?
Tengo que admitir que la Asociación Hermanos Saíz ha sido mi único aliado en la hermosa tarea de levantar ladrillos en pos de un país. O al menos, con la dignidad que merecen esos ladrillos.
Tengo que admitir que no solo yo levanto ladrillos con la AHS como único aliado.
El futuro de la creación joven de vanguardia en esta ciudad, depende en gran medida, de la existencia de la AHS. Miro a mi alrededor y mientras pongo ladrillos alguien los quita. Mientras algunos construimos caminos y catedrales otros utilizan nuestros propios argumentos para construir muros. Entonces la ciudad sangra y me siembra la duda, entonces acudo al lenguaje y comunico, entonces vivo.
Poner ante la vista del mundo la fuerza de los ladrillos que hemos logrado colocar con nuestras obras, es una tarea hermosa de la AHS. Pero si a esa divulgación y promoción, se le suma la creación de un proyecto colaborativo, capaz de poner en un mismo camino a estos nobles constructores del arte, entonces el barro se convierte en milagro como nos profetizó el apóstol.
Hoy la ciudad es testigo de un acto de fe. La Asociación Hermanos Saiz ha decidido dar un salto, un salto para superar la programación de las Casas del Joven Creador en todas sus estructuras, el sistema de becas y premios, los programas de radio y televisión liderados por miembros de la organización, así como las jornadas y eventos que se articulan como una red decisiva en la promoción y visualización del arte joven.
Ante la escasez de materiales que aglutinen varias manifestaciones artísticas al unísono (como proyecto integrador) y que al mismo tiempo reflejen la época/las angustias y el pensar de los jóvenes; surge el proyecto LaBitácora Joven. Proyecto que aparece en Santiago de Cuba, impulsado por la AHS y el realizador Carlos Alberto Gómez Ramírez líder de la productora Wajiros Films. Santiago fue seleccionada como la ciudad para hacer el piloto, y probar la iniciativa, decisión que también reconoce el trabajo de la filial de la AHS en la provincia durante este periodo de trabajo, iniciado a partir de las proyecciones que nos dejó el Tercer Congreso de la asociación.
La Bitácora Joven, es un proyecto para crear un registro audiovisual del quehacer del arte que realizan los miembros de la AHS en el país y al mismo tiempo dialogar sobre sus realidades locales, y la proyección e impronta de su obra en esa realidad.
Este proyecto permitirá realizar varios materiales que muestren en 40-45 min, una parte del trabajo realizado por los jóvenes en distintas ciudades de Cuba. Cada obra firmada desde la perspectiva de la creación colectiva, con el fin de mostrar los diferentes tópicos creativos sobre los que se dialogan en la actualidad.
Los beneficios en función de los jóvenes creadores y para la AHS en su cometido de promocionar a estos, serán muchos. Al finalizar este material, se tendrá un EPK de música con 6 temas, 7 audiovisuales, y con las entrevistas un gran reportaje sobre el arte en Santiago. Todo el material será filmado en 4K Ultra HD, el estándar para poderlo insertar en cualquier televisora o plataforma streaming del planeta. El EPK servirá para subirlo en los canales de cada artista y los propios de la AHS, además de las plataformas Spotify, ¡Vox, o ¡Tunes. Aunque tal vez lo más importante es, que en el territorio quedará la experiencia y el conocimiento de trabajar con altas tecnologías audiovisuales y nuevas formas para la producción.
Lo antes expuesto es una luz ante la cotidianidad y la insolencia. Allí donde las propias instituciones locales no han visto los ladrillos por estar cuidando parcelas (ya no productivas), la AHS ha visto un sentido/lenguaje/renovación/un país. Hay que encontrar la manera de no llenar de vacíos las palabras y sus significados. El discurso no sirve si no parte de la acción.
¿Por qué nuestras instituciones no son capaces de generar estos proyectos?
¿No debería ser tarea diaria de las instituciones programar/promocionar/y visualizar lo más notable de la creación joven?
¿Cuántos ladrillos equivalen a una parcela?
Habrá que encontrar las fórmulas para que puedan gestarse desde la institución en los territorios proyectos como Tocadiscos o La Bitácora Joven. Habrá que encontrar las fórmulas para que las instituciones funcionen según su misión. Mientras no nos queda más que aprovechar/agradecer/y crecer junto a proyectos como estos que se gestan en la AHS.
Lo demás son los ladrillos, los caminos y las catedrales.
Lo demás son las parcelas.
Lo demás es lenguaje y la innegociable voluntad de creer y crear.
El tresero, Matamoros y yo: juez y parte
A Santiago de Cuba le son inherentes la trova y el son, y no porque quiera presentarles una postal de sol y playa, tabaco y ron, sino porque en verdad ambos modos trascienden los elementos musicales para anclarse en las diversas maneras que encuentra la identidad cultural para expresarse. Y no se trata solo de hallar la trova y el son en sus formas auténticas o primigenias, porque ello significaría la negación de la vida misma.
Las trovas y sones llegan a hibridarse con las corrientes musicales contemporáneas más inusitadas, ya en el joven trovador de la guitarra, que en formatos como tríos, septetos y agrupaciones de la llamada música tradicional y popular, que en la música realizada por los coros profesionales, la Orquesta Sinfónica y agrupaciones de cámara en el territorio y hasta en los códigos absorbidos en recreaciones por los sonidos de ordenador.
A las anteriores se unen las lamentables interpretaciones que en algunas instituciones del turismo y la cultura artística se realizan en ocasiones a piezas sublimes de nuestra cultura musical, las que convierten en lugares comunes y transportaciones despelucadas importantes composiciones.
Sin pretensiones de añorar un pretérito presuntamente mejor, de lo que sí no tengo dudas es de la incidencia de ese pasado en nuestra actualidad musical, a sapiencia o no –y hasta negaciones– de creadores, instituciones y públicos.
Por eso y a propósito que se acercan días de celebraciones trovasoneras por estos lares, se me antoja hablar de rostros y figuras simbólicas inmortalizados por las artes monumentales citadinas, en la intención de que sean entre nosotros actores de siempre.
Monumento al Tres
En el parque Aguilera, con ubicación en la calle Reloj entre Enramadas y Aguilera, y justo frente a la Sala de Conciertos Dolores –institución que enlaza importantes zonas de la creación musical en la urbe– se halla el emplazamiento del monumento al Tres, instrumento declarado Patrimonio Cultural de la Nación.
En el entorno que lo circunda se observa un predominio de construcciones eclécticas, art decó, racionalistas, apareciendo también algunas cuyos orígenes se remontan a la etapa colonial, edificios de balconajes, de corredor y algunos que sobrepasan los dos niveles de altura, conviviendo unos junto a otros en estrecha simbiosis.
La escultura en bronce se dedica a inmortalizar la impronta del Tres en la identidad musical cubana. Su emplazamiento en la ciudad santiaguera responde a la consideración de esta como reserva musical de la nación y asentamiento de la génesis de varias expresiones musicales de la Isla. Tal como expresara en algún momento el maestro Félix Valera Miranda sobre el de las seis cuerdas, se trata de un “instrumento idóneo para hacer el son, porque a pesar de ser melódico, es rítmico y sirve para acentuar lo sonero, además de ser una de las primeras raíces instrumentales de éste y otros géneros.”
La pieza representa a un tresero en la interpretación del cordófono. El ejecutante anónimo, a tamaño natural, hace uso del instrumento como síntesis de los treseros de Cuba. Con realización en los talleres de la Fundación Caguayo, obra del destacado exponente de la escultura monumentaria y las artes visuales, el santiaguero Alberto Lescay Merencio, la representación se caracteriza por líneas circundantes y ascendencia expresionista, que remedan los sonidos intimistas que el instrumento sugieren a su autor.
Alberto Lescay además de su actividad creadora en la plástica, es un propulsor de los valores musicales en el terruño. En otros momentos realicé mención a su labor y empeño para la creación del Iris Jazz Club en Santiago de Cuba. Ha unido su expresión artística en varias oportunidades a las interpretaciones musicales de Albertico Lescay, y otros músicos durante las varias celebraciones de dicha expresión musical en la provincia. En torno a sí se nuclean diferentes exponentes de las artes visuales que suman sus decires al concierto cultural.
La edición del Jazz Plaza 2019 contó con una obra de su autoría que ilustró el cartel de la cita y otros elementos promocionales. El Patio de la Fundación Caguayo en Vista Alegre es sede permanente de conciertos y presentaciones que abogan por lo más representativo y valioso del ámbito sonoro en diferentes vertientes.
Este tresero, creación del artista, fue develado el 19 de mayo del 2011 como una de las actividades incluidas en la XV Feria Cubadisco, con celebración en la oriental plaza, para rendir tributo al primer instrumento de la música cubana que cuenta con la alta distinción ya enunciada. Para la ocasión se dieron cita en el enclave, Pancho Amat junto a jóvenes figuras en un gran concierto; descarga que fue de disfrute del pueblo. Aquella edición celebró además un concurso para noveles instrumentistas del que resultó laureado René Avich.
La colocación del monumento tuvo como pretensiones además de integrarse al ambiente urbanístico, atraer a músicos y seguidores de este instrumento emblemático de la música cubana a realizar presentaciones en sus alrededores, hecho que hasta donde recuerdo no se ha repetido. El maestro Pancho Amat sí cuenta con participaciones en posteriores ocasiones en eventos de la música en la ciudad y ha impartido clases magistrales para estudiantes de la Vocacional de Arte y el Conservatorio. Mientras estos momentos aguardan por la “eventualidad”, el tresero permanece en silencio. Ni siquiera atrapa la atención de los caminantes y sus redes sociales, como su colega de faenas musicales, situado a unas tres cuadras de distancia.
El hombre y su guitarra, un sombrero y nuestro amor
Este año se cumplirán 95 mayos de la creación del Trío Matamoros, acaso la formación musical más referencial de cuanta maravilla fundó el singular apellido. No voy a referirme a los aportes del emperador Miguel a la música cubana, hoy quiero compartir esta especie de retrato hablado.
No lo sé explicar pero un fuerte nexo me une a Miguel Matamoros. Casi siempre lo tiro a broma y la verdad es que su estela permanece en mí. Aun no afirmaba bien los pasos en mi mundo profesional cuando fui sorprendida por las primeras coordinaciones para erigirle un monumento. Es cierto que yo sentía que aquella era una encomienda inmensa y solo transcurridos varios meses desapareció el vértigo estomacal. Aquello se transformó en mi razón de ser en los siguientes dos años. Yo, como la mayoría, estaba acostumbrada a cohabitar con las manifestaciones del arte en el entorno urbano como la cosa más natural del mundo, pero hasta ahí. Otra bien distinta era que, dado mi desempeño por entonces como especialista del programa de salvaguarda y promoción del patrimonio musical, fuera convocada a encauzar las intenciones de la descendencia Matamorina en una primera redacción de Martha Matamoros.
Fue el artista y presidente del CODEMA Julio Carmenate quien sugirió valorar la obra del escultor Rolando Montero para acometer la presente. Después vino mucho tiempo de indagación, trabajo con la literatura especializada que nos guiara hacia un acercamiento a los rasgos fisonómicos y la personalidad del creador musical. Las ramificaciones familiares establecidas en Santiago y La Habana aportaron valiosas informaciones. La asesoría de Lino Betancourt resultó como siempre, imprescindible.
Y es que santiagueros, cubanos y foráneos hace tiempo reclamaban una obra que perpetuara la imagen del sonero-trovador, pues a pesar de ser una figura icónica del pentagrama, la mayoría de las personas desconocían su fisonomía.
El monumento se definió como una estatua de tipo participativa a tamaño natural (1.70 metros de alto) realizada en bronce, ubicada en la esquina del Callejón del Carmen y San Bartolomé. Se develó el 18 de mayo del 2011 durante la XV Feria Internacional CUBADISCO, un día antes del monumento al Tres.
En la intersección de las calles mencionadas recibe a los transeúntes como uno más. Con el pie izquierdo se apoya sobre una válvula de agua para la extinción de incendios a la usanza de las primeras décadas del XX. La guitarra descansa sobre el muslo izquierdo y a su vez el brazo de este hemisferio, sobre la guitarra. Con el sombrero en su mano derecha saluda en dirección al Callejón del Carmen, estableciendo así, un diálogo constante con los caminantes que entran y salen en una y otra dirección.
Meses después a la inauguración, por esas ocurrencias de la intervención popular que veraces o no aquí no faltan, la vox populi dio el grito “¡le robaron el sombrero a Matamoros!” A mí regresó el vértigo estomacal. La gente tejió sus tramas policiales, luego un señor que trabajaba en una oficina contigua a la consagración del Matamoros contó una versión más noble. Lo cierto es que a los pocos días el sombrero estaba en la Oficina del Conservador de la Ciudad y ahí retornaron las carreras por devolverlo al gesto del noble trovero-sonero de Cuba.
Mientras se realizaba el estudio fisonómico, el resto del equipo evaluaba el sitio de enclave donde realmente la imagen de Matamoros estuviese en relación con el entorno trovadoresco de ayer y hoy, y además se aviniera a las características urbanísticas, arquitectónicas y monumentales del espacio.
Entre otras propuestas se decidió por el entonces novedoso proyecto que acometía la Oficina del Conservador de la Ciudad, el bulevar del Callejón del Carmen. Su ubicación se halla paralela a la principal arteria cultural de la ciudad, la calle Enramadas –desde el 2015 corredor patrimonial Las Enramadas–, por donde transitan la mayoría de los santiagueros y visitantes. En este trayecto que identifica la ciudad, la música, el teatro de relaciones, los acordes del Órgano París, las actividades organizadas por el INDER, la actividad de instituciones de referencia, los performances y excentricidades protagonizados por personajes populares resultan acontecimiento común.
El Callejón toma su nombre porque colinda en la calle Santo Tomás # 505 con la Iglesia Católica Nuestra Señora del Carmen, sitio donde se encuentran los restos del compositor y maestro de capilla Esteban Salas. Con una extensión de cuatro tramos, el sistema viario se proyectó para que deviniera eje cultural y artesanal, aparejado a actividades económicas y comerciales. Dada su cercanía con el corredor de Las Enramadas, el del Carmen está llamado a complementar un espacio público de importancia, donde a la prioridad del peatón se sumen el comercio de las artesanías y otras caracterizaciones culturales.
Sin embargo, a mi juicio el proyecto urbanístico no ha fructificado como se esperaba. Junto a la obra de laboriosos artesanos que ofrecen un decoro en la realización de productos como calzados, accesorios, bisutería, carteles y otros, convive la seudocultura del catre que “por una izquierda” harto evidente comercializa una red de “amores prohibidos” pero legitimados al uso. La proliferación de establecimientos privados asociados a la telefonía móvil y las tecnologías ha desarrollado una fauna social paralela en sus cercanías que deteriora el principio y el fin de la concepción de la arteria. Otros sitios como el bar “Sindo Garay” en nada hacen honor al emblemático nombre.
Durante un tiempo ello trató de palearse por un grupo de escritores, trovadores y artistas de la plástica, en su mayoría miembros de la AHS aupados en el proyecto Con Filtro, Lectura de Callejones, del Centro Provincial del Libro y la Literatura, en la conducción de la poeta Erika Abad. La realización acontecía muy cerca del monumento a Matamoros y llegó a crear un público afín y atrapó la curiosidad de varios paseantes. No obstante, el empeño pereció a dos años de su existencia.
Otras acciones esporádicas como presentaciones de agrupaciones soneras en este entorno, o algunas del ya extinto taller Ñico Saquito tampoco logran dinamizar el espacio al tratarse de momentos aislados, incongruentes con el entorno en el que devino el Callejón.
Miguel Matamoros se erige atractivo para quienes por aquí transitan. Muchos son los que se detienen a tomar fotografías en las más ocurrentes formas. Pero en su inmortalidad reclama ser observado y aún más, escucharse en un entorno acorde con su legado.
Una plaza para el jazz en Santiago de Cuba
Ya se escuchan los sonidos del Festival Internacional Jazz Plaza que por cuarta ocasión tiene como sede a la ciudad de Santiago de Cuba, la ciudad musical por excelencia de Cuba. Muchas son las agrupaciones noveles y consagradas que se encuentran en cada concierto o presentación en espacios públicos de la urbe. Entre las tantas agrupaciones que se dedican al cultivo del género sobresalen los jóvenes estudiantes y graduados del Conservatorio “Esteban Salas”, materia prima fundamental del jazz en la Ciudad Héroe.
Si hacemos un poco de historia podemos comprender que sin el empuje de muchos jóvenes que ya son importantes músicos de Cuba y del mundo no existiría el panorama del jazz que muestra la ciudad. Desde David Virelles, que fue uno de los primeros en ganar el concurso de jóvenes jazzista conocido como el Jojazz hasta el cuarteto de saxofones “Confluencias”, los ganadores del primer premio en pequeño formato en la más reciente edición. Por esta lista también hay que mencionar agrupaciones como Influencia y Okan Jazz, de la cual muchos de los integrantes de esta última fueron los ganadores de Santiago y Guantánamo del concurso televisivo La Gran Banda.
Publicada por Yasel Toledo Garnache en Miércoles, 15 de enero de 2020
La impronta de los jóvenes en el jazz es tan grande que el II Evento Teórico de Jazz “Leonardo Acosta in memoriam», celebrado en esta provincia oriental, en su segundo día de sección estuvo dedicado a este grupo, donde los ganadores y participantes del Jojazz darán sus impresiones sobre la importancia de este evento para su desarrollo profesional. Encuentros que estará acompañado con la conferencia de la investigadora musical Yorisel Andino sobre la cronología de los participantes santiagueros en el Jojazz y las presentación de Nelo González, vicepresidente de la AHS, acerca de la promoción del género que hace esta organización para los jóvenes y el público en general.
Una de las sorpresas del Jazz Plaza en Santiago ha sido poder escuchar a la agrupación Dejazzvi, conformada por jóvenes músicos estudiantes del Conservatorio “Esteban Salas”. Todos estos muchachos dirigidos por el saxofonista David Gómez conforman un elenco de primera línea. La entrega en el escenario y el virtuosismo de los músicos es una impronta que marca su presentación, en la primera noche, el emblemático Iris Jazz Club. Otra cuestión de está agrupación es que está integrada por tuneros y guantanameros, lo que posibilita una mirada más amplia y disfunción del jazz en otras regiones del oriente cubano.
Otra alegría de esta 35 edición del Jazz Plaza, es la presencia de la Jazz Bad del Conservatorio “Esteban Salas”, siendo la tercera agrupación de este tipo que existe en el país además de la que dirige el maestro y Premio Nacional de la Música Joaquín Betancourt, en La Habana, y la del joven director de orquesta Edel Almeida, en Holguín. La peculiaridad de la jazz Bad de Santiago es que está dirigida por Marcos Padres, un estudiante de tercer año de saxofón y que en la pasada edición del Jojazz cosechó sus primeros frutos obtenidos una mención en agrupación de gran formato.
Por todo esto no se puede hablar sobre el desarrollo reciente del jazz en Santiago de Cuba sin tener en cuenta a los jóvenes y sus grandes aportes al desarrollo del género en esta parte del país. Ellos son la fuente de agua viva que siempre cubren espacios como este Festival u otros como el Jazznama de la Asociación Hermanos Saíz y el Encuentro Amigos del Jazz que realiza la sección de música de la Unión de Escritores y Artistas. Y es por esta razón que el futuro del jazz está asegurado, para seguir alimentando en las futuras generaciones el buen gusto por la música donde el género también tiene un espacio ganado en el alma musical de Santiago de Cuba.
¡Ya estamos Desconectados a 969!
El Festival de Teatro Experimental Desconectados a 969 comenzó en Santiago de Cuba, dedicado en esta ocasión a la directora teatral Nelda Castillo y a su grupo Ciervo Encantado.
¡Reine usted, Señor Bolero!
¿Quién dijo que el sentimiento/ no tenía forma humana?/
¿Quién se asoma a la ventana/ y con un cristal de aumento/
dimensiona su instrumento/ con voz de imposible altura?/
Joel derriba la oscura/ pared que esconde el delirio/
y haciendo brotar un lirio/ encandila la locura.
(“Homenaje a Joel Leyva” – José Orpí Galí)
La cancionística cubana, diversa y universal, es motivo de disfrute para varias generaciones de cubanos y oyentes internacionales. El bolero es uno de los embajadores culturales de los aquí nacidos. No es de extrañar que los intérpretes se apropien de piezas antológicas y otras que aunque menos conocidas, son asumidas por quienes desde el canto las hacen suyas, y también por aquellos que desde la escucha le otorgan vida.
Los puentes encontrados de Yunier Riquenes
Las distancias pueden recortarse muchas veces cuando intervienen la imaginación y el talento. Nació en Jiguaní, provincia Granma, pero Santiago de Cuba lo enamoró hasta las venas y al parecer ese amor se extenderá por muchos años. Escribe, diseña, hace radio, promociona libros y uno se pregunta en qué tiempo logra enfrentarse al papel en blanco. Sin embargo, lo hace con oficio y no pocos premios aderezan sus vitrinas. Cuando supe que Yunier Riquenes obtuvo mención en la edición 17 del Concurso Iberoamericano de Cuentos Julio Cortázar, entendí que el amor por la literatura es esa parte de nosotros que no claudica.
¿Qué significa alcanzar esta mención? ¿Consideras que aun puedes aspirar a más?
Estoy muy feliz de obtener este reconocimiento. Es un concurso que siempre he soñado con ganar. De hecho, todavía siento que no he cumplido con el sueño, espero que pueda ser posible en algún momento. Pero sí me llena de mucha alegría que el cuento se haya reconocido.
Se titula Los niños diferentes y cuenta la historia de un niño que vive en un lugar intrincado de cualquier parte del mundo, o que puede ser de Cuba, llamado Matacaballos. Es una obra que habla sobre todo de la discriminación.
En este caso, al niño lo discriman no solo porque viva en un lugar intrincado que no aparece en los mapas. Hay otros niños alrededor de él que lo discriminan, algunos por ser negro, otros por ser blanco, otros por ser pobre, otros por ser rico, en fin, que en la vida todos somos discriminados.
Pero más allá de contar la propia historia de este niño, lo importante es cómo uno supera ese tema de la discriminación, cómo tu creces, cómo echas a volar en la vida y de eso va el cuento.
Me gustaría en otro momento seguir esa historia y hacer una novela para jóvenes, como siempre he soñado. Fue un cuento con el que tuve buenas intuiciones y que sabía que algo positivo iba a suceder con esa historia. Y así fue, terminé el cuento, se lo envié a mi amigo Álvaro Castillo que es librero y escritor colombiano, y me sugirió quitarle algunas partes. De ahí lo mandé al Cortázar y cogió mención.
¿Seguidamente estuviste en la delegación que participó en la Feria del Libro de China? ¿Cuánto eso contribuyó a cambiar tu visión del libro como producto que se comercializa?
Creo que ha sido una de las experiencias más grandes que he tenido como escritor. Encontrarse con esa cultura milenaria, descubrir la forma de proponer el libro, de negociar el libro en un país como China es muy interesante. Independientemente de que el libro entra en el soporte espiritual de las personas, también creo que el libro debe entrar al mercado y hay grandes retos, el libro cubano tiene grandes retos.
Saber cómo lo producimos, cómo lo promovemos, dónde lo comercializamos, respetar los derechos de autor de los escritores cubanos. Y China me deja muchas interrogantes, sobre todo saber que con Claustrofobias no estamos tan mal.
Llegar a una gran librería en China y descubrir que lo que tenemos como práctica en esta pequeña librería cubana es lo que se hace allí, o sea, el sistema de economía, el sistema de búsqueda; y cuando ves eso, te llena de alegría.
Las librerías se han transformado y han ampliado su concepto. Ya no es solo para buscar un libro sino que va más allá. Y Cuba debe insertarse en ese mecanismo porque es un fenómeno mundial. Están cambiando las formas de leer, de comunicarse, de relacionarnos, de pensar, y las librerías forman parte de ese entramado.
¿Cómo se alimenta Claustrofobias Promociones Literarias con esas experiencias que bebiste del país asiático?
Noches enteras casi sin dormir revisando materiales y sitios acerca de las prácticas chinas de cómo se desarrollan las editoriales. Me dio la posibilidad de ver cuánto se puede hacer para que los escritores y las obras tengan más visibilidad. Ahora mismo estamos proyectando la televisión desde aquí, la radio online, y son nuevos periodos de trabajo. A nosotros lo que más nos interesa es que los lectores vean a sus autores.
Recientemente fuiste jurado en el V Encuentro Hispanoamericano de Escritores en Villa Clara. ¿Hasta qué punto es pertinente para la literatura en nuestro país?
Yo vi nacer ese evento. Cuando Idiel García llegó con la propuesta yo formaba parte de la dirección nacional de la AHS. Al principio había quienes no creían que debía llamarse hispanoamericano y hacerse en Villa Clara. Y se ha demostrado que sí vale la pena con el apoyo de muchas instituciones y entre ellas la Dirección Provincial de Cultura.
Recalco que la calidad de los invitados es muy buena. Este año se dedicó a la literatura infantil, pero el anterior se centró en las nuevas tecnologías. De hecho, estuvo el destacado comunicador de las plataformas de izquierda tanto en Latinoamérica y en el mundo, Miguel Pérez Pirela, y ha agrupado a personalidades de la cultura.
Ahora, en la quinta edición estuvo Gonzalo Moure, uno de los bueno escritores de Iberoamérica, Mónica Rodríguez, Premio Cervantes Chico, y varios grupos editoriales de la región.
En el concurso fui jurado de cuento para adultos y la calidad fue bastante buena. Solo recibimos las obras de los cinco finalistas. Creo que el hecho de que el concurso le permita entrar a más de 15 escritores de la AHS me parece excelente, porque posibilita que reconozcan su obra. Además, participan, intercambian, leen, presentan libros, y eso también es muy bueno.
¿En qué proyectos trabajas en estos momentos?
Ahora mismo estoy con mucho trabajo. Participo en el taller de nuevas narrativas con la Casa de las Américas y es un curso que exige mucho. Hay que leer, prepararse, terminar un proyecto. Uno aprende bastante, a ver el periodismo de otra manera. Sigo haciendo radio, hay que seguir con Claustrofobias Promociones Literarias a deshora y, en lo personal, sigo trabajando en una novela que se llama La Orquesta, así como otras cosas para niños en el poco tiempo que me queda.
Así transcurre la vida de Yunier Riquenes, entre libros y el afán siempre de crear. Cada disciplina que realiza abre puentes, líneas emotivas que se encuentran en el juego de las letras y el pensamiento.
Bailar con los orishas
Ha sido todo un éxito la presentación los días 5, 6 y 7 de setiembre del Ballet Folclórico de Oriente en Pinar del Río.
Lo primero que observamos y nos complace en el programa que subió al Teatro Milanés, es un amplio muestrario de obras de diferentes vertientes dentro de la danza folclórica, que evidenció la efectividad de la investigación y el rescate de estas, llevado a cabo en todo lo más naciente del país (Tunas, Yateras, Santiago de Cuba, Guantánamo) por el Ballet Folclórico de Oriente.
Cada día, en el coliseo pinareño predominó una práctica danzaria folclórica determinada: el jueves 5, danzas franco-haitianas, viernes 6, selección yoruba, y el 7, repertorio popular (carnaval fundamentalmente) que han sido hitos en la nómina creativa histórica de la agrupación santiaguera.
En los llamados Frescos[1], “Bembé”, “Biche”, “Petró”,“Los Oggunes”, “Tempo Nagó”, “Ivo y Congo”, “Maní”, “Estampa del carnaval” y las obras de mayor formato, El nacimiento de Oggún Balenyó, de Ernesto Armiñán; Yemayá y el pescador y Oda al tambor, coreografías de Antonio Pérez, apreciamos y nos cautiva fundamentalmente la intensidad, el dinamismo, la belleza en la composición escénica, la simpleza pero la precisión del movimiento coreográfico y los cuerpos danzantes que derrochan energía, y que nos devuelven viva la herencia danzaria folclórica del oriente, con sus particularidades a la hora de concebir la movimentalidad en el caso de los bailes de los orishas.
Particularmente en Yemayá y el pescador, la más definida y lograda como relato escénico entre las piezas que presenciamos, vale mucho el gesto del coreógrafo que hace coexistir, híbrida la danza folclórica, la herencia yoruba, con el legado de la danza moderna cubana, (que es una apropiación muy particular de la Técnica Graham), para ofrecernos un resultado nuevo, rico en sus matices (nuevos pasos), que no traiciona el legado tradicional, sino que lo actualiza (una gran virtud de la que necesita contaminarse nuestra creación folclórico danzaria nacional).
La obra se mueve entre momentos verdaderamente extasiantes por su intensidad, fuego santiaguero, graficado perfectamente en el solo que ejecuta Yemayá, o por su lirismo en el caso del dúo del pescador y el personaje que asumimos como hija de la orisha.
Como coreografía, como espectáculo danzario, tiene la cualidad, Yemayá…, como las demás obras que vimos y que tienen más de 20 años en repertorio de la compañía santiaguera, de mostrarse activa, como que surge ahora mismo para el espectador, porque no renuncia a la esencia de la tradición, a la posibilidad de expandirse por la sala y dialogar con él.
No menos se espera del acompañamiento musical que complementa cada una de las obras que muestra El Ballet Folclórico de Oriente. En ese sentido, hay que reconocer la alta calidad de los músicos instrumentistas y los cantantes, que sin temor alguno se puede decir que como estos hay pocos en el país. Porque más allá de su calidad probada como músicos, se siente realmente que estos no acompañan, estos danzan, con sus voces y toques, junto a los bailarines.
La danza –ha quedado demostrado– puede tener autonomía de la música, pero en este caso, en las obras del Ballet Folclórico de Oriente, prescindir de ella, es descompletar, descolocar cada una de las piezas, pues entre músicos/coreografía/ bailarines existe una rara relación de hermandad, complementariedad, que los hace un todo lustroso.
El Ballet Folclórico de Oriente ha cumplido 60 años de labor ininterrumpida, sin embargo, su cuerpo (obras, bailarines, músicos, maestros) permanece tan activo y juvenil, tal vez como el primer día en que se presentó un 14 de junio de 1959.
Pinar del Río agradece inmensamente su visita no solo por la calidad artística de las propuestas que llevaron a escena, sino porque movilizaron, como nunca antes, al público, e hizo repensar seriamente la necesidad de sostener espectáculos folclóricos en Vueltabajo, de invitar artistas, de dinamitar la quietad, de crear en serio para el pueblo. Todo eso, en solo tres días, lo logró la agrupación. Sea entonces ovacionada su visita.
[1] Que son llamados “frescos”, los cuales no son más que un muestrario de danzas de diversas proyecciones folclóricas, franco- haitianas, yoruba, populares.
BarrAbierta: nueve años al compás de la tradición
La fusión de distintos géneros musicales como la balada, el reggae, el blues, el funk, el rock & roll, la electrónica, el rap y la novísima trova con nuestros ritmos autóctonos y latinoamericanos, forman parte del espectro musical del grupo BarrAbierta.
Desde su creación, el 8 de septiembre de 2010, la agrupación ha tratado de fusionar una variedad de sonoridades que pueden ser consumidas por cualquier tipo de público; siempre enfocados en mantener un clima musical diverso.
BarrAbierta apuesta por la música alternativa. Sus canciones hablan acerca de las necesidades existenciales de la juventud actual guantanamera y cubana.
Sus integrantes –en su mayoría miembros de la Asociación Hermanos Saíz de esta oriental provincia– se gratifican porque, en nueve años, por sus filas han pasado varios exponentes de la novísima trova, entre ellos Audis Vargas, Yoyi Barret, Annalie López, Lainier Verdecia, Manuel Alejandro Carracedo y Pedrito Sánchez, quienes han realizado su aporte a la madurez musical del grupo.
Estos jóvenes, que se definen como músicos progresistas, tienen como propósito llegar al público mezclando el lenguaje común y el poético a través de la palabra trovadoresca, concentrándose en llevar una propuesta atractiva e inteligente al escenario, con sonoridades y letras alegres, hechas para bailar, pensar, reflexionar y cautivar al oyente.
“Las mejores tradiciones musicales de nuestro país hay que preservarlas. El son, la rumba y el propio changüí forman parte de nuestras herencias culturales y hay que defenderlas, por eso los incluimos en nuestro repertorio”, aseguró Jasiel (Jacho) Mesa Pelegrín, vocalista y director.
“La mayoría del público actual se ha adaptado a la canción fácil y a los textos banales. Hacemos música con contenido, así surgimos y nos hemos mantenido”; agregó Jacho, autor de varios de los temas del grupo, aunque reconoce que la creación colectiva junto a Randy Borges y Alioski Ramírez, miembros actuales y fundadores, los identifica como colectivo musical.
La consolidación como agrupación durante el transcurso de estos años ha logrado que BarrAbierta participe en la programación de los principales eventos culturales del territorio guantanamero, así como en los diversos encuentros de música que organiza la AHS en todo el país como la Jornada de la Canción Política, las Romerías de Mayo, en Holguín; Leche Kortada, en Baracoa; Orígenes, en Contramaestre; El Festival Longina, en Santa Clara; Trova Viva, en Moa; Pepe Sánchez, en Santiago de Cuba; Canción al Padre, en Bayamo, y en conciertos en el Pabellón Cuba.
Estos jóvenes fueron ganadores de la Beca de Creación El Reino de este mundo, logrando así la filmación del video clip Contracorriente, sencillo de su primera maqueta musical (demo) Yerba Buena, producción independiente que cuenta entre sus pistas con temas como Voy buscándote, Son de nosotros, Secretos y el propio Contracorriente, aclamados por el público seguidor de BarrAbierta.
Con numerosos premios y reconocimientos en los distintos festivales y eventos en los que han participado, los BarrAbierta sienten que aún les falta mucho por hacer como agrupación musical.
Conservando el anhelo de una producción discográfica y pertenecer al sector profesional de la música, lo cierto es que las aspiraciones de BarrAbierta crecen cada día y, por suerte, se aferran al ejercicio de la música sin caer en la banalidad y el facilismo.
