Música cubana


El Viaje, Zule Guerra

*Tomado de Cubarte

Por segunda ocasión llega a este espacio Zule Guerra, vocalista y jazzista cubana que nos presenta este año su última producción fonográfica y primer CD de estudio: El Viaje, perteneciente a la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales, Egrem. Consecuente con su incursión dentro del llamado Nu jazz, es este un fonograma que se perfila como un fuerte contrincante dentro del género en el próximo Cubadisco 2020.

El talento de Zule Guerra como cantante y vocalista ha sido reconocido con un premio JoJazz de Interpretación en 2013, Gran Premio y Premio de la Popularidad en el Festival Slavianski Bazar 2014 y un Premio de Oro en el Festival de las Artes Baltic Stage, Letonia, 2015. Ya sabe lo que es ganar un Premio Cubadisco en Ópera prima fonográfica y audiovisual con Blues de Habana (Egrem, 2016), además de ser nominada en el 2018 con su EP independiente Sesiones de Vitrola. Su participación ese último año en el Festival Artes de Cuba, organizado por el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas de Washington, fue de las más ovacionadas por el público y la crítica especializada.

A la exquisitez musical e interpretativa de este disco, debe añadirse la autoría de todos los temas a cargo de la propia Zule. El Viaje nos propone eso: el andar por la vida de una artista que devuelve sus vivencias en trascendentes imágenes musicales, que coquetea con una amplia variedad de estilos, desde el palo monte a la canción afrocubana (excepcional sentido del tempo en «Canción para que Luis se duerma», que recuerda por momentos el «Drume negrita» de Bola de Nieve), pasando por el latin jazz y las obvias influencias de la música cubana. Vuelve a poner de manifiesto sus dotes interpretativas, su amplio rango vocal y el poderío técnico y expresivo de su voz; sobre todo, el dominio del ska que tan certeramente utiliza en temas como «Criolla en blues» o «Sweet and big orange hope».

Disco acústico este, donde la improvisación llega en acordes más claros, sobre todo de la mano de la guitarra y el drums. En ese sentido, se deben destacar los arreglos de Jesús Pupo y la producción musical de Ernán López-Nussa. Elenco acompañante de lujo con el propio Pupo en el piano, Héctor Quintana en la guitarra, Samuel Burgos al bajo, Denis Boffil en la percusión, Marcos Morales en la batería , Emir Santa Cruz en el saxofón y Alejandro Delgado en el fliscorno. Con Yoana Grass en la producción general, completan el equipo de realización Alfonso Peña en la grabación y mezcla; Siavash Mozaffari en la masterización;  Arien Chang y René Rodríguez en las fotos; y Marla Cruz en el diseño gráfico.

Para la promoción de este disco en las plataformas digitales, hace unos días se lanzó el EPK que acompaña su presentación. En él su autora explica las interioridades y motivaciones de este viaje:

 

Recuerde: si va a viajar, que sea con buena música.


Noches de JazzNamá: vuelos libres, fusión y Portillazos (+ fotos y videos)

¡¡¡Energía!!! Desde el 21 de febrero el Iris Jazz Club de Santiago de Cuba tiene un ambiente diferente, su interior oscuro, exquisitamente ambientado para hacer fluir la música que se respira y se saborea en una suerte de sinestesia rítmica, invita a permanecer, a no abandonar un sitio que aunque está hecho para el disfrute la mayoría de las veces despide un halo nostálgico. Pero el JazzNamá lo dinamiza, hay una fuerza singular que emana de los jóvenes que ocupan el sitio y se apropian de él.

Publicada por Asociación Hermanos Saíz Santiago de Cuba en Domingo, 23 de febrero de 2020

Esa primera noche el anfitrión del lugar, Camilo y Jazz D´Bess, dan comienzo a un festival que se percibe diferente, más maduro. Sus temas, siempre clásicos, requieren de una concentración mayor; no hay murmullo, la gente escucha y quizás de vez en vez aparece una risa, un comentario desde la planta de arriba, pero nadie le presta atención. La música está bien interpretada, hay mucha sobriedad en la interpretación, es su maraca de estilo, y aun así todos disfrutamos de sus temas provenientes de París o New Orleans.

Festival Jazz Namá en Santiago de Cuba

Como cada año regresa a los escenarios santiagueros el Festival Jazz Namá, propuesta de lujo para los amantes de este género.

Publicada por Asociación Hermanos Saíz en Viernes, 21 de febrero de 2020

Pero la noche no se acaba, parece eterna para el disfrute y cuando esa ejecución llega a su fin, Andy Rubal y José Portillo asaltan el piano, dicen adiós a la sobriedad; están improvisando, están creando. Se mueven en tiempos diferentes pero hay una cadencia rítmica que encanta, tienen toda la atención del público, nadie quiere salir ni a fumar. Hay que ser testigos de momentos únicos, esta es la oportunidad.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

El sábado todo comenzó más temprano en el Patio de la Jutía Conga de la Uneac, tiene un público relativamente amplio; allí estaban los muchachos del Cauce, la agrupación matancera. Percusión menor, un bajo y una guitarra eléctrica, a unos metros una consola y, de pronto, el aire se llena con un sonido nuevo, un sonido que apresura los que siguen llegando.

Tema Portillaso en el JazzNama 2020 Asociación Hermanos Saiz Santiago de Cuba.

Publicada por Asociación Hermanos Saíz Santiago de Cuba en Domingo, 23 de febrero de 2020

Una muchacha me pregunta:

–¿Quiénes son ellos?

Le explico rápido su origen y me callo, no quiero hablar, solo escuchar esta fusión bien hecha. Cuando oyes a estos muchachos no te imaginas que te van a regalar un tema clásico y ellos te decepcionan, sí, en medio de sus improvisaciones te anuncian “Manteca” de Chano Pozo, es su homenaje con sus acordes y su consola, y así van demostrando un dominio escénico desenfadado. Crean coros, piden al público que los acompañen. Creo que estos muchachos ya encontraron su camino, ahora tienen que seguirlo firmemente.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Esa misma noche y la que sigue José Portillo vuelve a hacer las delicias musicales en el Iris Jazz, ahí estaba frente al piano derrochando virtuosismo, decidió hacerse acompañar en dos temas por la cantante santiaguera Giselle. Cantan temas de la trova tradicional cubana y del feelling, ganan aplausos y él la elogia. El domingo también comparten escenario; suenan bien y lo saben.

Publicada por Asociación Hermanos Saíz Santiago de Cuba en Domingo, 23 de febrero de 2020

Pero el domingo tuvo también la presencia de los muchachos del Conservatorio, estos días han sido de lujo para ellos. Es importante encontrarse con músicos consagrados, verlos, preguntarles cosas, pues los muchachos del Conservatorio también ponen su música a consideración del público, de otros músicos, de los consagrados. Los muchachos del Conservatorio están mostrando lo que saben y es bueno escucharlos, es bueno saber que el jazz en esta ciudad tiene futuro.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Y vuelve Portillo, lanza su tema “Portillazo”. Él invita a músicos de varias agrupaciones a tocar con él, revela que fue una petición de Alberto Lescay, lo montaron todo en una tarde pero suena como si llevaran meses ensayando. En medio de la interpretación se dan tiempo, hay varios solos y cada uno arranca aplausos.

El momento es extasiante y allí, cerquita del escenario, los muchachos, como buenos hijos de estos tiempos, hacen un buen uso de la tecnología; están grabando lo que sucede, quieren su registro, su propio registro de ese momento. Quieren ser ellos lo que cuenten, los portadores de la historia. Así son las cosas ahora.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.

Foto tomada del perfil de facebook de la asociación hermanos saíz santiago de cuba.


Los desafíos de Camila Rodhe (+ fotos, video y tuit)

Era algo tímida, le temía al ridículo, pero su pasión por el jazz y la actuación es más fuerte que lo demás. Ahora encanta desde las tablas, encarna personajes con naturalidad y despierta aplausos.

Camila Rodríguez, más conocida como Camila Rodhe, es actriz del grupo El Portazo y cantante del conjunto Mestizaje, en Matanzas, su provincia natal. La obra CCPC La República Light III Temporada fue como una especie de vitrina que le permitió demostrar su fuerza y talento.

Oriunda del municipio de Cárdenas, posee entre sus principales reconocimientos el premio de actuación femenina Adolfo Llauradó (2019), uno de los más importantes entregados a jóvenes en Cuba, miembros o no de la Asociación Hermanos Saíz.

Con naturalidad, narra que cuando conoció la noticia no lo podía creer. Tal vez porque nunca imaginó que con su primer estreno como profesional podía recibir ese tipo de aplauso. “Sentí mucha alegría, sobre todo porque significa que mi trabajo va por buen camino. Cada reconocimiento de la AHS alienta a que el creador continúe con ese deber de aportar a nuestra cultura y cada vez con más ímpetu”.

— ¿Cuánto favorece tu formación actoral estar en El Portazo, un grupo que a pesar de su juventud da pasos importantes a nivel nacional?

— Ser parte de El Portazo ha sido y sigue siendo un placer y una suerte. Incluso, ya estudiando en la Academia, no tenía claro si quería ser actriz. Desde niña he amado el musical, y cuando me gradué no existía ninguna agrupación desarrollando ese género. Llegué a Matanzas y me incorporé a este grupo sin saber qué hacía allí… no tardé en entender. He aprendido el rigor, la belleza, el placer de hacer arte.

“He aprendido el riesgo, a disfrutar el proceso, a entregarme sin miedo en las tablas… Era muy cohibida, le temía al ridículo. En el El Portazo he ido conociéndome como actriz, cuáles son mis lagunas, cómo mejorarlas y cómo sacarle provecho a mis cualidades…, consciente de que la búsqueda y el crecimiento han de continuar. Tanto su director, Pedro Franco, como sus actores (a quienes admiro y respeto mucho) me han ayudado y me guían en esta búsqueda”.

— ¿Qué tipo de personajes prefieres o los asumes todos con el mismo entusiasmo? ¿Por qué?

— Creo que todavía no puedo decidir qué tipos de personajes me gusta hacer, y por eso, me entrego a todos con igual pasión… todos suponen un reto para mí. Desde la escuela me han tocado personajes dramáticos y me gusta… ahora tengo la oportunidad de hacer una comedia. Estoy tan entusiasmada como temerosa, pues nunca me he considerado una persona simpática… Se me da mejor reír que hacer reír. Pero la curiosidad y la oportunidad de descubrir de qué soy capaz son más fuertes que mi miedo, y estoy muy contenta con ello.

— También tienes experiencia como actriz de la emisora Radio 26, en Matanzas. ¿Cómo es el trabajo en ese medio? ¿Cuán enamorada estás de la actuación radial?

— Llegué a la radio gracias al actor y director del dramático de Radio 26, William Quintana, que más que mi director en este medio y mi compañero de escena, es tutor y amigo. Mi primera vez en la radio fue aterradora. Muy buenos actores me acompañaban y no sabía qué hacer (aclaro, que en la academia recibí clases de radio, aunque en ese entonces no las valoré). Pero me acogieron con paciencia y pronto descubrí el deleite.

“Es una escuela por la que todo actor debería pasar. Aprendí agilidad. Es impresionante cuántas cosas se pueden hacer de un personaje solo usando tu voz. Sin dudas es un trabajo muy difícil, pero divertido”.

— El teatro implica muchos retos más allá de la escena. ¿Cómo es en tu caso?

— No creo que sea muy diferente al resto de los actores de mi generación. Yo soy de Cárdenas, pero El Portazo radica en la ciudad de Matanzas, por lo que pronto tuve que buscar alquiler en la capital provincial, lo que supone estar lejos de mi familia y aprender a mantener todo lo que ello conlleva.

“Además de eso, y hablando concretamente del trabajo, siempre es un reto el proceso de investigación y búsqueda al que debemos entregarnos con cada obra. El público ve un resultado, pero el proceso es la parte más divertida e importante. Lleva horas de estudio, y constante búsqueda. La vida social es limitada en esos momentos y a veces tus amigos y familiares no lo entienden y eso afecta un poco tu lado emocional… Fuera de eso, nada del otro mundo”.

— Te gusta mucho el jazz. Sin dudas tu padre, director del conjunto Mestizaje, seguramente tuvo mucha influencia en eso…

— Desde pequeña la música cubana y el jazz era todo lo que oía en casa. Crecí rodeada de discos y músicos ensayando. Pasaba horas escuchando a mi papá practicar en la batería… Siempre pensé que sería músico, pero la vida me llevó por otros caminos.

“De todas formas, nunca he podido separarme del jazz y de la música en general, ni es mi intención dejarla atrás. No fui a una escuela, pero aprendí canto coral (lo suficiente) desde los seis años de edad hasta los 15 con el maestro Reynaldo Montalvo, integrante del Coro de Cámara de Matanzas, que está bajo la dirección de José Antonio Méndez. Con él me cultivé y me enamoré más del arte”.

— Entre 2017 y 2019 tuviste varias presentaciones musicales en Egipto ¿Cómo fue la experiencia?

— Fue increíble e intimidante, porque tenía entonces 19 años, me acababa de graduar y nunca había enfrentado un público que no fuera de escuela (dígase padres y amigos que asistían a los exámenes de actuación). Era la primera vez que me alejaba tanto de mi familia y empezaba a descubrir otros lugares, otra cultura, y daba mis primeros pasos en el mundo profesional, muy importante además porque fue parte de un proceso de búsqueda sobre cuál sería mi camino. ¿Quería ser músico o actriz? Resultó que quiero ser las dos. La música siempre ha estado en mí, y la actuación me llegó por azar, aún no sé por qué, pero estoy contenta de que haya llegado.

— Llama la atención tu versatilidad como artista, a veces la música y el teatro se unen encima del escenario. Ahora mismo preparas la Comedia Musical Todos los hombres son iguales… ¿Cuál será tu papel en esa obra?

— Interpreto a Susana, un personaje algo histérico y burlón, que se deja llevar por sus amigas (Liza, que la interpreta María Laura German, y Marie, a cargo de la actriz Odette Macías), y luego las culpa por haber perdido el control.

— ¿Cuál consideras que ha sido tu principal desafío profesional hasta el momento?

— Precisamente el enfrentamiento con esta comedia musical. Ya había mencionado el hecho de que no se me da muy bien hacer reír y, para más tensión, comparto escena con actores muy simpáticos y ocurrentes. Como dice el buen cubano, he tenido que ponerme las pilas.

 

— ¿Qué sientes encima de las tablas? ¿Cuánto le temes o no a las reacciones del público?

— Lo que siento cuando subo al escenario es difícil de explicar. Son muchas cosas. Pero, sin duda, me siento libre, y sin importar cuál sea el resultado, me siento complacida… Para el público trabajamos y por eso su reacción y opinión es muy importante, eso siempre resulta aterrador, y provoca mucha tensión, pero nunca ha sido un freno para mí. Al contrario, procuro que funcione como motor impulsor. Aprender a escuchar a quienes te observan es algo muy importante.

— Por lo general, se piensa que las actrices son desinhibidas. ¿Cómo te defines como persona?

— Mitad y mitad. La profesión que he elegido me ha ido sacando esos demonios que antes temía mostrar, pero aún siento pudor en varias ocasiones.

— ¿Qué piensas del teatro cubano? ¿Cuáles son sus principales desafíos?

— Siempre se puede hacer más y mejor. Sobre todo porque en pleno siglo XXI competimos con la tecnología, y las personas ya no quieren tomarse la molestia de llegar hasta un teatro. Creo que en Cuba se hace buen teatro, y que muchas agrupaciones ya han comenzado a actualizar sus repertorios y están en la búsqueda de hacerlo más atractivo e interesante.

Pero para que la lucha tenga resultados, el teatro cubano necesita más apoyo, más allá de los festivales que ya lo respaldan. Es más fácil ir a un concierto que a una obra. Y hablo de la isla entera. He conocido personas que, aún hoy, no han visto una obra de teatro. Simplemente no se enteran, y eso es algo triste.

— En tu opinión, ¿cómo deben ser los jóvenes actores y actrices en la Cuba de hoy?

— Más arriesgados. Más estudiosos, más curiosos. El mundo cambia a minutos, y mantenernos actualizados es importante. Creo que también debemos ser conscientes de la importancia de nuestro oficio… no perder la belleza y la pasión.

—¿Qué importancia le concedes a la Asociación Hermanos Saíz como aglutinadora, impulsora de proyectos y defensora de los jóvenes escritores, artistas e investigadores?

— Justo esa. Como jóvenes creadores, contar con una asociación que nos respalde, aliente y oriente en este camino, es muy importante.

—¿Cuáles son tus principales sueños en el mundo creativo?

— Rescatar el musical en Cuba. Creo que es muy importante, sobre todo porque somos una isla muy rítmica, y este es un género de mucho virtuosismo, belleza y grandeza que nunca debió perderse.


Vida a la canción

Los carretones bajan por las lomas y el pregonero anuncia al que de bizcochuelo viene del Caney. Allá, un bolero estremece. En cualquier esquina repiquetea un son. La ciudad de los coros y conciertos también saluda. Los muchachos bailan ritmos que a muchos incomodan. En un escenario diverso, donde su gente hace la música a pie, cuatro cubanas le ponen vida a la canción.

El 8 de abril de 2012 Vocal Vidas propone la unión musical de Ana Josefina Hernández Rosillo, quien en el rol de soprano asume la dirección general del proyecto; mientras que las directivas musicales descansan en la responsabilidad de Maryoris Mena Faez, voz de contralto; Koset Muñoa Columbié cumple la función vocal de mezzosoprano y Annia del Toro Leyva la de contralto. Ellas provienen de su formación como cantoras del Coro Madrigalista y las une la experiencia de cantar juntas a partir del año 2000.

Vocal Vidas/ cortesía de la agrupación

Sus conceptos encuentran raíz en la tradición de los cuartetos femeninos en Cuba, varios de ellos legendarios como Las D´Aida, Hermanas Valdivia, las D´Enriquez, y más reciente en el tiempo, su principal inspiración, Gema 4.

Resulta habitual encontrarlas en el ir y venir de algún ensayo o en los preparativos de sus presentaciones. El resultado se patentiza en sus producciones audiovisuales y fonográficas. Soy Cubana (2016) ha sido un documental premiado en varios festivales estadounidenses. Distinguen en su discografía, Vocal Vidas (producción independiente, 2012) y Canción y Vida (EGREM, 2016). Con este último alcanzaron el Premio CUBADISCO en la categoría de Agrupación Vocal Instrumental. En las notas al fonograma el compositor santiaguero Rodulfo Vaillant expresó: “Escuchar a Vocal Vidas (…) es una de esas experiencias de placer estético de las que uno nunca sale ileso.”

Con los arreglos realizados por Yurka González, la producción musical de Rafael Guédez, la ejecutiva de Rodulfo Vaillant y contemporáneas interpretaciones, las santiagueras exponen un trabajo vocal muy acertado. Quien escuche el fonograma se percatará de las dos líneas que en lo musical distinguen a Vocal Vidas: por una parte un repertorio que apela a la música cubana desde el son, el bolero, la canción, a una zona que se asienta en lo más genuino del cancionero afroamericano, donde sobresalen varios estilos del jazz.

A lo largo de su carrera se han insertado en importantes certámenes del panorama nacional e internacional. Vale destacar su presencia en ediciones del Encuentro de Voces Populares, con la organización de la maestra Argelia Fragosos, en cuyas oportunidades han protagonizado concurridos conciertos como en el espacio del  Museo Nacional de la Música.


«Sin la guitarra me siento desnudo» (+Fotos y video)

Casi siempre anda acompañado por su guitarra o la letra de una de sus canciones en los labios. Este muchacho, aparentemente tímido, de pelo enroscado y hablar pausado, también saca melodías de una pianola hasta tarde en las noches. Gran parte de su vida, gira en torno a la música, una pasión que sorprendió a todos en la familia, porque es el primero en dedicarse al arte.

Carlos Fidel Taboada Petersson, nacido en Matanzas en 1989 e hijo de matemáticos, abandonó su profesión de ingeniero civil para perseguir su anhelo más verdadero, el de ser músico, y así da pasos con esmero, sin afectar su alma de joven sensible y enamorado de las esencias, las mismas a las que les canta desde la sinceridad y la pretensión de eterna belleza.

Con humildad asegura que en su casa nunca ha faltado el bienestar espiritual. “Siempre hemos escuchado a intérpretes como Silvio Rodríguez. La guitarra llegó a mi vida en los primeros años de la década de los 90, tiempos muy difíciles; sin embargo, recuerdo esa etapa con cariño, era pequeño y no percibía el sacrificio de mis padres”.

Durante los largos apagones, su madre sacaba la guitarra del closet (la guardaba en un estuche de tela) y entonaba las canciones que más o menos recordaba de su adolescencia, y otras que entraban armónicamente en los tres o cuatro acordes que se sabía.

“Yo quedé hechizado. Comencé entonces a aprender cuando tenía 12 ó 13 años y nunca más me pude separar del instrumento. Rápidamente fui desarrollando una curiosidad que abarca la génesis misma de la música. Abandoné mi estudio del ajedrez, colgué el título de ingeniero después de dos años de servicio social, y aquí estoy”, expresa quien ha obtenido varios reconocimientos, como el premio Abril para Vivir en España.

— ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Hay alguna relación entre la trova y el ajedrez, deporte que practicaste durante 14 años?

— El ajedrez me enseñó a trabajar con calma, a ser paciente y esperar a que el trabajo dé sus frutos. Lo más importante es la disciplina, sentarse todos los días y estudiar al menos un par de horas. Para mí eso es fundamental. Sé que cada artista desarrolla su propio sistema, no hay recetas ni teoría para eso. En mi caso, cuando paso uno o dos días sin tocar la guitarra (y desde hace algún tiempo el piano) me siento mal, me deprimo porque me dan muchas ganas de tocar. Yo necesito tocar todos los días.

“La composición siempre es un misterio. Cuando termino una canción me quedo vacío, siento que lo he dicho todo, y hasta que no tengo la necesidad de volver a expresarme no compongo más”.

— ¿Cuán difícil es ser trovador en la actualidad, cuando gran parte del público se decide por el reguetón y otros ritmos?

— Hoy la canción cubana se mueve en ámbitos muy pequeños, el público es cada vez más reducido. Las causas, en mi opinión, descansan sobre fenómenos sociales. El reguetón no es un problema en sí mismo, es una consecuencia. El deterioro del sistema de valores de la sociedad cubana es evidente, probablemente es subproducto de un sistema educativo deficiente, que no es capaz de crear en los niños y los jóvenes el culto hacia lo bello.

“El amor por la belleza tiene que nacer en la casa y en la escuela, es fundamental para el ser humano la búsqueda del crecimiento interior, hoy no es así en parte de nuestra sociedad. El reguetón, por ejemplo, tiene una gran pegada porque en su discurso utiliza recursos expresivos extramusicales, este fenómeno (no prefiero llamarlo género) representa el culto por lo material, es la práctica de la filosofía epidérmica del bienestar. El público no “escucha” reguetón, si fuera así pasaría de moda un una semana, pues musicalmente es demasiado básico, la gente más bien “consume” reguetón. Consumen una propuesta sonora, y sobre todo visual, que les habla del placer de la carne, no del espíritu.

”En este contexto es muy difícil ser cantautor, pues no hay igualdad de condiciones en cuanto a espacios con respecto a las propuestas que antes describí. Hay que mostrarle a la gente que lo esencial es el amor”.

— ¿Qué se siente en el escenario, acompañado solamente con tu guitarra y las canciones?

— Es algo mágico, hay una desnudez artística que atrapa al público. Cuando se produce esa conexión misteriosa entre el cantautor y el público surge algo íntimo, un manto de complicidad que cubre todo el lugar. Cuando eso me sucede (que no son muchas veces) tengo la sensación de dejar de existir, hace poco escribí una canción sobre eso. Creo que es lo que persigo cuando estoy ante el público, debo desaparecer, abandonar el ego, echarme a un lado para que pase la música”.

— ¿En Cuba, país con una larga tradición trovadoresca, de la Vieja y la Nueva Trova, de Sindo Garay, Silvio Rodríguez, Teresita Fernández y Pablo Milanés, acaso es posible proponer algo realmente nuevo en ese aspecto o cada autor debe conformarse con adaptaciones y simulaciones creativas?

— Lograr una voz propia dentro del discurso artístico es lo más difícil, es lo que marca la diferencia. Estas personas que mencionas han dejado un legado trascendental para la cultura cubana porque logran trasmitir al público un mensaje útil de una manera muy singular, cada uno con su estética pero con un modo de decir auténtico y particular.

“Nosotros, los músicos que decidimos seguir por los caminos de la canción, debemos buscar una voz propia. Los temas siempre serán los mismos porque la esencia espiritual del ser humano jamás cambiará, el asunto siempre será el cómo. Al menos en mi caso, estos son los fantasmas que me rondan a la hora de componer: ¿cómo le digo a la gente lo que necesita escuchar? y, sobre todo, ¿acaso yo sé lo que necesita la gente escuchar? Estos ´monstruos´ de la canción lo tenían muy claro, pero estoy seguro de que convivieron (y conviven) con los mismos fantasmas”.

Gran parte de mi vida, gira en torno a la música, una pasión que sorprendió a todos en la familia, Carlos Fidel. (Cortesía del autor).

— ¿Cómo tu pasión por la música, a veces “desmedida”, ha afectado o enriquecido tu vida?

— Hay momentos en la vida de cualquier ser humano en que ocurren definiciones, puntos de inflexión. Un momento de esta naturaleza lo tuve después de un concierto. Recuerdo que ahí me planteé que mi vida sería cantar mis canciones, arreglarlas, grabarlas…

“Entonces, no dejé espacio para más nada en mi vida que no fuera la música. Imagínate, eso fue muy bueno para mi formación porque aprendí mucho. Estudié armonía, piano, guitarra clásica, escuché música todo el tiempo, pero acabé perjudicando mi relación con las personas, con la familia, con mi pareja. Por eso suelo decir que la música me ha dado tanto como me ha quitado, es como la vida”.

— Vicente Feliú ha dicho que para ser trovador no basta con dominar la guitarra y cantar, “es un modo de vida”. ¿Qué piensas?

— Vicente Feliú es un artista admirable, es uno de esos imprescindibles. Él sacrificó parte de su carrera para dirigir el Movimiento de la Nueva Trova, además ha dejado canciones que son estandartes de la música cubana. Cualquier cosa que hagamos en nuestra vida con cierto grado de periodicidad y con entrega sincera y absoluta es “un modo de vida.

“Para mí, un trovador o un cantautor es un artista cuya estética no le hace el juego a las corrientes de moda introducidas por un mercado musical cada vez más intrascendente para el espíritu. Es un músico que cultiva un modo de decir singular. Ni siquiera tiene que dominar la guitarra, puede acompañarse de otro instrumento.

”Algo que me molesta a veces es el matiz político oficialista que en Cuba se le da a la trova y a ciertos trovadores. Es verdad que desde los tiempos en que nuestros padres trovadores en el oriente hacían sus canciones, nunca la trova ha estado ajena al contexto político cubano, pero no podemos olvidar que los trovadores estamos comprometidos con nuestra verdad, es algo que nos define, por lo tanto, debemos ser reconocidos y respetados, no solo cuando esa verdad comulgue con otras verdades, sino también cuando las cuestione”.

— ¿Cuánto te ayuda la guitarra para vencer tu timidez? ¿Es tan buena aliada, como muchos piensan, para conquistar chicas?

— Confieso que mientras aprendía a tocar tuve la esperanza de que la guitarra me serviría para conquistar muchachas. Pero, imagínate, las primeras canciones que me aprendí eran de Silvio, de Santigo Feliú, en aquel entonces no sabía que esas canciones no sirven para ligar en una secundaria común, si no tocaba alguna bobería de moda estaba frito, y como no lo hice, siempre estuve pasma’o. Sin embargo, la guitarra sí me ayudó mucho a vencer la timidez, todavía me ayuda, es mi aliada, sin ella me siento completamente desnudo. Yo sería incapaz de pararme en un escenario sin mover los dedos, es una maldición.

— En 2019 ganaste el concurso internacional de cantautores Abril para Vivir, que desde hace 18 años se realiza en España, ¿cómo fue la experiencia?

— El concurso Abril para Vivir es un certamen muy prestigioso en el mundo de la canción de autor en España. Participaron más de 100 cantautores de todo el mundo, por lo que me da mucha alegría que el jurado haya encontrado ciertos valores en mi música, que la hiciera merecedora de un reconocimiento.

“Sin embargo, lo mejor (además de conocer un país extraordinariamente hermoso) fue coincidir con los demás finalistas, hacernos amigos, comprobar que la canción de autor sufre en el mundo entero. Las principales diferencias entre la canción de autor cubana y la española está en las apropiaciones que hacen ambas de elementos autóctonos culturales”.

— ¿Cuán difícil es para un joven músico ascender en su carrera sin tener “padrinos” que lo ayuden en ese sentido?

— No se llega a ningún sitio caminando solo. Nos necesitamos unos a otros para poder marchar, es natural buscar el apoyo, y si es de alguien que conozca las interioridades de la profesión, mejor. Eso no me parece en lo absoluto mal. Lo que pasa es que siempre hay gente astuta que vive por atajos y desarrolla el oficio de caer bien, en vez de hacer el bien. Eso es una mentira, y a la mentira, mientras más lejos, mejor. No importa cuánto brille, en el fondo siempre será una mentira.

— ¿Cómo debe ser un joven creador en la Cuba de la actualidad?

— Debe ser sincero, siempre.

— ¿Qué otros trovadores jóvenes recomiendas?

— La verdad, los recomiendo a todos. La gente debe aprender a escuchar, es fundamental. En las condiciones que estamos, pretender que la gente vaya a un teatro a escuchar a un cantautor es ambicioso, por lo tanto, lo que recomiendo es que apaguen la bocina portátil y salgan a un teatro a ver lo que sea, que le dediquen un tiempo de paz al arte. Cuando toda la sociedad sea capaz de hacer eso, entonces hablaremos de preferencias.

— ¿Momentos de más tristeza y alegría? ¿Sueños en el arte?

— La alegría mayor es ver nacer una canción y la mayor tristeza es sentir que al público no le dice nada. Mi sueño más grande es no cansarme, mientras no me venza el cansancio todo estará bien.


Sonar en Cubano: mis pretextos para comprar espejos

Primer Movimiento (Moderatto)

En Cuba todos “saben” de béisbol, medicina, cocina y música. Los debates en torno a tumbaos, cantantes, sonoridades y disímiles cuestiones del espacio sonoro, acontecen lo mismo en esquinas, centros laborales, fiestas, que en espacios académicos. Incluso en el discurso de presuntas “voces autorizadas”, el término “Música Cubana” suele presentar una condición reduccionista, especie de postal para exportación donde géneros canonizados por la academia o el gusto popular se presentan cual rostro homogéneo de la identidad sonora insular. Nada más falso, puesto que disímiles sonoridades en cada etapa se integran al concierto.

He disfrutado reencontrarme en mi estantería con las entrevistas compiladas en Sonar en Cubano. Músicos en La Gaceta de Cuba, un material donde coinciden varios de los personajes más polémicos de los últimos 40 años en materia musical. Los textos que conforman el volumen aparecieron en la citada publicación en el periodo del 2000 al 2011 aproximadamente.

¿Qué es la música cubana? ¿Para qué sirve contar la música? La compilación realizada por Arturo Arango y Norberto Codina, salida a la luz por la Editorial Oriente en 2012, propone un punto de conciliación entre el lenguaje popular y el académico.

En el arte de abordar la música con-ciencia algunas revistas culturales y las propiamente especializadas en los cursos de las siete notas, llevan la delantera. Si bien una mirada por los anaqueles dedicados al arte musical en cualquier librería del país arroja una diversidad de títulos, creo hallar juicios de actualidad y transdisciplinariedad en los ensayos, artículos y entrevistas circulados en las publicaciones seriadas.

Los entrevistadores se plantean indagar en varios de los ámbitos que inciden en la obra de cada creador en cuestión y el modo en que son devueltas a sus públicos. Ese sentido analítico dota de un carácter imperecedero las conversaciones que el soporte impreso preserva más allá del momento mismo de la publicación.

La Gaceta que a Cuba suena, presenta caminos múltiples para abordar la obra de los creadores que concurren a la cita. Las entrevistas asumen un enfoque sociomusical desde aristas como las identidades músico-culturales, la atención a los consumos culturales, la preocupación por los públicos, el tema de la diáspora, un acercamiento a la temática de género, los nexos entre los músicos, sus producciones musicales y las instituciones culturales, entre otros ejes temáticos que trascienden todo aislamiento cognitivo.

Segundo Movimiento (Alegro  andante)

Como advierte Arango, desde 1992 una de las características de la publicación ha sido sacar a la luz entrevistas que en el seno de la redacción de la revista llaman “de personalidades”, he ahí uno de los vórtices filosos por los cuales transita esta selección, al asumir una categoría quizás demasiado excluyente y cuestionable.  

No dudo que muchos de los que en este volumen se reúnen ostenten todas las cualidades para merecer el calificativo, pero… ¿acaso todos? Yo preferiría defender la idea de que hay artistas cuyo devenir en la cultura musical cubana les merece aparecer en esta u otras páginas sin que necesariamente deban optar por el adjetivo.  

Por otra parte, estoy segura que cada uno de los entrevistados encontrará su lector-escucha ideal; sin embargo, muchos lectores ––entre los que me incluyo–– quedamos a la espera de que, ya sea La Gaceta en proyecto de continuidad o cualquier otro equipo editorial, ofrezcan cabida además de…, a otras voces del país, innecesariamente desapercibidas.

Aun así y a pesar de las ausencias citadas por el prologuista y aquellas que cada lector pueda extrañar, justo es señalar que entre el conjunto de músicos y entrevistadores a estas páginas convocados no aparecen falsos congraciamientos.  La música, como en pocos acercamientos, se despoja del halo mítico, anecdótico, ingenuo, para funcionar como vocero de los diferentes contextos socioculturales que aparecen reflejados.

Tercer Movimiento (Piano Forte)

¿Quién le tiene miedo a la música? Parecería una interrogante absurda de formular. Sin embargo, ausencias, solapamientos, eufemismos para abordar ciertas zonas de la creación musical en Cuba, en la mayor zona de la bibliografía correspondiente pueden contestar.

¿Por qué aún no cuentan con la misma visibilidad los estudios de rock, rap, música electrónica…?  O en el otro extremo, ¿por qué a pesar del amplio reconocimiento social al que se asocia la llamada música de concierto, apenas es reconocida por la bibliografía?

¿Quién le tiene miedo a la música? Es un estribillo que me reitero a diario cuando no encuentro suficientes publicaciones que visibilicen de forma responsable estudios en torno a lo que denomino “Sonidos Incómodos” de la nación. Sonidos que en el argot institucional se han convertido en términos tabú con inadecuadas políticas para el tratamiento de sus cultores y audiencias, así como para una zona considerable del análisis intelectual que opta por el silencio o casi siempre por juicios carentes de seriedad científica, sustituidos por lamentos catárticos.

La música cubana abarca sonidos plurales, de ahí que las entrevistas compiladas en este libro trasciendan las definiciones y acojan exponentes de la música popular, la llamada música de concierto, el jazz, la cancionística y el rap. Las conversaciones aquí contenidas logran la coexistencia responsable de zonas tan aparentemente distantes como la timba de los 90 y 2000, hasta la pianística de concierto, por solo citar algunos ejemplos.

Permítanme presentar someramente a los artistas que por estas páginas, además de virtuosismo musical, muestran capacidad de análisis y conciencia de su arte creativo, y los contextos donde éste transita:

No me sorprende que a las puertas del volumen nos reciban los criterios que Juan Formell  ofreciera a Abel Sierra Madero y Nora Gámez en No veo el Relevo… Uno de los líderes indiscutibles de la popular bailable cubana manifestó su preocupación en cuanto a la revitalización de ésta en las generaciones de músicos más jóvenes. El vanvanero discurrió en torno a disímiles tópicos como el fenómeno de la timba durante y después del denominado periodo especial; el intergénero en relación con el reguetón, asuntos como los espacios para su socialización y públicos; música-músicos, redes de comercialización y medios de difusión. Se avezó en asuntos como bloqueo versus desarrollo de la música cubana, ejes todos que demuestran el alcance social de esta manifestación.

César Pupy Pedroso, se remite a los momentos en que un grupo de músicos muy jóvenes entre los que contaba él mismo, siendo integrantes de la Revé forman los Van Van. Expresa sus criterios respecto a la música cubana en la coyuntura de los 60 y los 70 de la vencida centuria, momentos en que a pesar de las contradicciones, considera que el baile cubano no sufrió crisis como muchas veces se apunta.

En ésta y todas las entrevistas concernientes al universo bajo la etiqueta de lo popular bailable cubano la entidad “Bailador” cobra una connotación sociológica y es abordado como fenómeno de comunicación.

Norberto Codina (izq.), Director de La Gaceta de Cuba y Darsi Fernández, en la presentación de “Sonar en cubano”. Foto: Marianela Dufflar/ Tomada de Cubadebate

No puedo negar que Algunos secretos malditos de José Luis Cortés es una de las entrevistas del libro que más me seduce a la idea de releer una y otra vez sus páginas.

Emir García Meralla había concebido la entrevista para la revista Salsa Cubana como parte de un dossier dedicado a las figuras o hechos polémicos dentro de nuestra escena musical. Era el año 2003 y no fue sólo hasta el 2008 que pudo materializar su idea pero esta vez acogida desde La Gaceta. Bajo el sobrenombre del Tosco, José Luis Cortés desde finales de los 80, y sobre todo durante la década siguiente, fue uno de los representantes de la timba más cuestionado en la Isla.

Por su parte, el compositor y productor musical Joaquín Betancourt ubica su reflexión en la interrogante ¿Música para el bailador o Música para sobrevivir? Disyuntiva agudizada de los 90 en adelante.

Y como Cuba no es sólo baile, aquí aparecen las teclas trocadas en ideas hacia el piano de Mayarí, Frank Fernández. Y es que el propio entrevistador, Emir García Meralla[1], asegura, bien como ejecutante del piano, como profesor, productor discográfico o como espectador.

Una de las disquisiciones más punzantes es aquella que intenta colocar como eternos contrarios el desarrollo de los géneros populares y el de la llamada música de concierto o “culta”.

Sin embargo, el entrevistado opina que: “Hacer bien la música popular es tan difícil como hacer bien la música de concierto, lo fácil es hacer mal cualquiera de las dos. Para eso no hace falta talento”.

Ernán López Nussa, pianista y compositor; músico que se pasea por el jazz, la música de concierto y la pianística popular, es otro de los estilos a los que estas páginas dan voz. De sus opiniones nos llegan momentos que marcaron el desarrollo musical como lo fuera Afrocuba hasta llegar al Ernán de Habana Report en sus varias etapas.

El tercer pianista de esta nómina es Ulises Hernández, defensor del reconocimiento a la formación de pianistas en Cuba desde comienzos del siglo XIX, aunque no se hable propiamente de una escuela cubana de piano.

Otra de las entrevistas que manifiesta el carácter diverso y abarcador de Sonar en Cubano, es la conversación sostenida con el director de orquesta Manuel Duchesne Cuzán, quien destacó como director de importantes orquestas sinfónicas del mundo, y quien frente a la Orquesta Sinfónica Nacional fuera el responsable de la música de casi la totalidad de los dibujos animados cubanos producidos por el ICAIC en décadas pasadas.

La Gaceta también evocó el diálogo que por 1962 sostuviera Octavio Cortázar con Gilberto Valdés y Gonzalo Roig en torno a la versátil y controvertida Rita Montaner. Ambas conversaciones transcurren desde el talento de la artista, a los abruptos giros y excentricidades de su carácter, e incluye anécdotas en disímiles etapas de su trayectoria. Creo que merece la pena esta visita a partir de terceros en tanto quizás Gonzalo Roig tuviera razón cuando sentenció: “Lo que sí le puedo decir es que Cuba no sabe aún quién era Rita”.

Un acorde llamado Cotán nos devela la guitarra popular de Octavio Benedino Sánchez, Banes 1922.

Sus entrevistadores le eternizaron en 1994, dos años antes de su fallecimiento y nos revelan “¿quién era este hombre que invitó a beber a Errol Flynn, que estuvo en la casa que habitó Martí en Tampa, que fue atrapado por el flash junto a Gary Cooper, sembró pinos con Fidel, fue amigo de Ernest Hemingway, conoció a Faustino Oramas cuando todavía no era el Guayabero y a finales de los sesenta se vinculó al quehacer de la primera generación de la Nueva Trova cuando todavía eran vistos como muchachos inquietos ?”

Con la voz que trajo al mundo, Marta Valdés nos presenta más allá de la cantautora y compositora que es, a la periodista y una de las personalidades más comprometidas con el quehacer musical. Y es que como bien la presenta Darsi Fernández, es “pensadora recia y profunda, una persona de imponente cubanía, una mujer con criterios sólidos y atendibles sobre casi todo”.

Considero que la entrevistadora cae en la reiteración cuando de conversar con mujeres músicos y artistas se trata, al formular la pregunta respecto a si la creadora en cuestión fue víctima o no del machismo. Pero también he de confesar que en materia de respuestas, Marta Valdés ofrece un camino diferente:

“La única manifestación de machismo más o menos sutil que me han aplicado a lo largo de mi vida como creadora, la he percibido cuando me miden siempre en relación con otras compositoras, pero jamás de igual a igual con compositores, y eso ha sido una tendencia general a lo largo de más de medio siglo.”

Por la ruta de la canción de autor podremos hallar a Santiago Feliú y Gerardo Alfonso, de manera inevitable no puedo obviar el hipervínculo que estas entrevistas trazan con un libro como Trovadores de la Herejía y La luz, bróder la luz. 

Como para gustos el arcoíris, la melómana que soy se hubiese complacido un poco más si en lo que respecta al universo del rap, más allá del mito Orishas y sin descontar la página que les concierne, La Gaceta por aquellos años se hubiese acercado a otros exponentes (¿acaso también personalidades o al menos variopintos personajes?) que representaron y en algunos casos aun representan este decir de modo más inmediato en la Isla.

Sin embargo, dentro de la llamada escena alternativa o canción cubana contemporánea creo oportuna traer ante lectores y escuchas, a alguien como Yusa, cuyo trabajo es prácticamente desconocido en Cuba, sobre todo en los ámbitos ajenos a la capital.

Descemer Bueno, X Alfonso y Kelvis Ochoa cierran esta entrega desde la llamada escena alternativa. La manera en que ellos observaron para esta entrega el fenómeno musical en relación con los procesos sociales y el tiempo de la creación nos develan interesantes percepciones desde la óptica de tres artistas representativos del escenario musical cubano más o menos reciente.

Si eres de los que considera la historia nacional puede ser contada desde varias perspectivas, incluyendo el devenir musical, te invito a alborotar algún rincón de estante donde todavía y de modo lamentable dormite el título. Sumergirse en Sonar en Cubano implica el debate y, sobre todo, una lectura a la “música como espejo social”.

[1] Este nombre está ligado a gran parte de los acontecimientos y la historia de la música cubana del último medio siglo.


La trova se parece a la libertad

La sinceridad como recurso para engendrar canciones y una sonrisa estampada en el rostro a modo de bandera. Yunier Pérez García, o simplemente GAPE, es una de las voces más desenfadadas del universo trovadoresco actual. Recientemente ganó la Beca de Creación Musical Ignacio Villa y se encuentra en el proceso de grabación de tu primer fonograma Oda al plagio, bajo el auspicio del sello EGREM.

––Estudiaste Historia del Arte en la Universidad de La Habana, no obstante, te dedicas a la creación musical y estás muy vinculado a las artes escénicas, además, escribes canciones, lo cual denota una sensibilidad hacia la palabra. Pareciera que la creación se precipita en ti de cualquier forma y, que es precisamente esta mezcla de impulsos lo que te define como artista. ¿De dónde proviene tu instinto creativo? ¿Alguna influencia familiar?

Ninguna influencia familiar, aunque mucho debo a mis padres y mi hermana menor por haberme servido de horcón para poder dedicarme a pensar en las musarañas. Mi instinto creativo, como lo llamas, supongo que nació conmigo y luego fue creciendo a partir de las diferentes influencias estéticas externas y de la educación que recibí.

CORTESÍA DEL ENTREVISTADO

Entonces creo que sí, la palabra me atrae de un modo poderoso. De siempre preferí la Historia a la Química, el Español a las Matemáticas y definitivamente considero que la palabra tiene un poder precioso. Luego la Licenciatura llegó para hacer coincidir con más exactitud las imágenes de mis fantasías con las que al fin y al cabo materializaban mis creaciones.

––¿Cuándo supiste que este era el camino que querías emprender?

Tal vez esto vaya a sonar poco modesto, pero lo supe desde siempre. Soy un artista y mi razón de ser en este mundo es la de legar a la humanidad algo que un segundo antes no existía y que sólo yo puedo extraer de la nada.

––¿Qué géneros y temáticas abordas en tus composiciones musicales?

Me gusta pensar que lo imaginable es mi temática. Tal vez por eso preferí la trova, una música que asimila orgánicamente todos los ritmos y todos los temas, porque su intención es cantar desde el alma con la mente y el corazón, sin tiempo ni espacio preestablecidos, ni mordazas de mercado. La trova se parece a la libertad y eso me enamora.

––Desde el 2011 perteneces a la Compañía Ópera de la Calle. ¿Cómo ha sido el trabajo con esta compañía que, por mucho, ha logrado cambiar la visión elitista con respecto al género?

Es cierto lo que dices, la Ópera de la Calle fue concebida con el afán de desacralizar y actualizar el género lírico, aprovechando las posibilidades de intertextualidad que provee el lenguaje postmoderno para acercarlo al pueblo. Esta fue una de las razones que me hizo gravitar a ella.

En la Compañía lo único que he hecho es crecer como artista. He aprendido a dominar mejor mi voz y mis movimientos y a interrelacionarme con el público. He tenido mucha suerte de formar parte de esta familia, la verdad.

––¿Qué crees que deben hacer los artistas de estos tiempos para llegar a todo tipo de público, teniendo en cuenta que aquellos que no van a conciertos y teatros, y que por lo general consumen otro tipo de música para muchos considerada escasa de valores, también pueden sentirse sensibilizado por el llamado arte inteligente?

Te confieso, alguna vez soñé con ser tendencia, y llenar estadios y que me hicieran la ola, y ver filas de muchachas hermosas esperando su turno para recibir un autógrafo mío, luego la vida me liberó de ese gran peso y me hizo más feliz.

Creo, amiga mía, que la cuestión no está en llegar a todos los públicos más que en sentirse bien con uno mismo. Nada deben hacer los artistas de estos tiempos al respecto: el artista debe sólo educarse para hacer arte y los públicos educarse para apreciar arte. Alterar este orden produce el riesgo de generar un producto empobrecido. Luego si la consecuencia de ello es un arte popularísimo, bienvenido sea entonces.

CORTESÍA DEL ENTREVISTADO

Por otra parte, habría que definir con qué concepto de inteligencia vamos a tratar. Si por inteligente vamos a entender un arte diverso, original y que expanda el espíritu y el intelecto aun cuando nos haga bailar, pues sí, desafortunadamente no prima en el gusto popular tal arte inteligente, sin embargo, me niego a pensar que es la sociedad la que se ha embrutecido. El gusto se crea.

––Tus inquietudes creativas te han acercado al mundo de la narración oral. Has recibido clases de excelentes profesoras como Mayra Navarro y Elvia Pérez, y formaste parte de la Compañía Teatro de la Palabra, en la cual también obtuviste algunos reconocimientos. ¿En qué medida crees que los músicos deben desarrollar habilidades histriónicas que le ayuden a desenvolverse en la escena?

Al universo de la narración oral entré por embullo de mi novia. Luego me fascinó. Estos que vivimos, opino, son tiempos de extrema humanización donde mucho han tenido que ver las redes sociales. Se evitan los elitismos y se procura la integración, la visualidad, sentir texturas y olores, todo en el menor espacio y tiempo.

La música no ha podido quedar exenta de ello, de ahí la suma importancia de vincular, sin tabúes, todo cuanto pueda tributar a potenciar el mensaje que queremos transmitir como músicos y artistas. No tiene mucho sentido pasar el día horneando un delicioso pastel para que se nos caiga al suelo al momento de darlo a comer.  

––Has participado en varias ocasiones en el festival de la trova cubana Longina canta a Corona, que se celebra todos los años en Villa Clara. ¿Qué importancia le concedes a estos eventos y cómo contribuyen al desarrollo de la carrera de los jóvenes trovadores?

Les concedo una importancia literalmente vital, a partir de que contribuyen a la memoria de la trova cubana. El Longina es para mí uno de los más atractivos y relevantes, pero todos los festivales donde los trovadores podemos estar son determinantes.

A través de estos eventos los que cultivamos la canción trovadoresca no sólo ganamos en promoción, también tenemos la oportunidad de reencontrar y conocer a otros trovadores del país y nuevos modos, de primera mano, de hacer la canción.   

––¿Cómo puedes definir a los trovadores?

Un trovador es alguien que suele valerse de la guitarra para, bellamente, decir cosas. Pero un trovador puede desconstruir todo lo anterior para continuar siendo un excelente trovador, y es que la trova no está ni en la guitarra ni en el cantor; ni siquiera está en la relación entre ambos. Un trovador es también lo siguiente, lo posible.

––¿Qué figuras, experiencias, obras… han marcado tu formación artística?

Mis mayores influencias vienen de la música cubana en primera instancia, de la española, la brasileña, la norteamericana y la francesa. Me fascinan la fuerza armónica y las hermosas imágenes poéticas de la obra de Silvio, la ironía y el humor finísimo de Joan Manuel Serrat y las disonancias de Chico Buarque, además de la delicadeza que consigue en ciertas creaciones.

No obstante, lo que más amo de los tres es su capacidad de desdoble, de reinventarse en cada canción haciendo parecer que han sido compuestas por personas diferentes. Luego hay millones de otras influencias, aunque ya más dispersas.

––¿Para componer, sigues alguna especie de ritual, o la creatividad salta a flor de piel en todo momento?

Antes me condicionaba más a la hora de crear. Necesitaba regular las persianas para que entrara la luz exacta en la habitación, estar completamente desnudo y una gran cantidad de hojas en blanco, puesto que cada vez que hacía una pausa, ya fuera para almorzar o simplemente refrescar un poco, debía volver a reescribir desde cero lo hecho hasta el momento.

Hoy, no sé si por oficio o por la presión de lo cotidiano me conformo con algo de tiempo libre y un poco de paz interior. Luego a la musa ya la bajo yo. Algunas veces sale primero la letra, otras la música, pero lo que más me ocurre es que me vienen ambas juntas.

CORTESÍA DEL ENTREVISTADO

––¿Actualmente cuáles son los principales retos que enfrentan los músicos, en especial los trovadores?

El más importante reto es el de siempre: hacer un arte de calidad, sincero y original. Los demás problemas, que sabemos cuáles son, ya no corresponden tanto a los músicos, menos a los trovadores, son retos de la sociedad toda.

––Recientemente ganaste la Beca de Creación Musical Ignacio Villa, que otorga la Asociación Hermanos Saíz, y comenzaste a grabar tu primer fonograma Oda al plagio, bajo el auspicio del sello EGREM. Háblanos un poco de la propuesta estética que traes con este proyecto.

Oda al plagio es mi benjamín fonográfico, entonces he procurado presentar a GAPE a través de él. Está conformado por 11 canciones en las que rindo un sencillo tributo a las músicas y músicos que admiro.

En el álbum el escucha podrá encontrar una diversidad temática que transita desde la crítica social hasta canciones de amor y desamor. Estoy muy contento con lo que va saliendo hasta ahora.

En estos momentos el disco está siendo masterizado y todavía falta realizar la fotografía y el diseño de portada por parte de los artistas Kike y Katia, y las palabras del disco, que estarán a cargo de Tony Ávila; pero ya tengo muchas esperanzas cifradas en el producto final.

Debo siempre agradecer a la AHS y al sello EGREM por el fundamental apoyo, pero también a los Estudios de grabación Pablo Milanés Records, a la ingeniería de Giraldo García, a la producción de José Víctor Gavilondo, a los arreglos de Yasel Muñoz y al exquisito trabajo de los músicos convocados.

––¿Qué rasgos definen al artista y al ser humano que viven en el GAPE?

Muchas ganas de cambiarlo todo, respetuosidad, nobleza, autoexigencia, amor por la familia, por el arte y por la vida.

––En el espacio creativo, ¿con qué sueñas?

Sueño con poder hacer siempre lo que amo, que es la música, y vivir humildemente de ella.


Más que Bboys, hermanos

Risas, algarabía, acrobacias, retos, aplausos. Movimientos atrevidos. Mezcla de géneros. Un público cada vez más entusiasta y complacido. Competencias de mucha calidad. Bailarines excelentes.

Así se vivieron este fin de semana las jornadas del PinarBoy, evento que en su sexta edición puso a disposición de los participantes interesantes talleres, conferencias y, sobre todo, espacios para el intercambio de saberes y la crítica constructiva.

Y es que durante tres jornadas Bboys de varias provincias tomaron las calles y portales pinareños para inundarlos de arte joven y atractivo.

Tomada del perfilde facebook de la Asociación de Hermanos Saíz Pinar del Río

Para Ray Daniel, por ejemplo, esta fue su primera experiencia en Pinar, “y realmente la disfruté mucho, la gente muy chévere, el público maravilloso; con cada movimiento ellos gritaban y eso me motivaba más y seguía bailando, me encantó la experiencia”, asegura el villaclareño.

También desde esta provincia del centro de Cuba visitó Vueltabajo, Oriet Claro Hernández. Para él, el evento estuvo muy bien organizado y “principalmente hemos tenido un público muy agradecido y respetuoso, para un artista eso es lo más importante”, comenta.

“PinarBoy es el festival que cierra el año, nos encanta venir a hacer nuestro arte aquí porque el público valora mucho lo que hacemos, por eso este es uno de los eventos más esperados por nosotros. Además de que nos gusta mucho la ciudad y su gente”, confiesa Rey González Acosta Bboy de Artemisa con una vasta experiencia, quien ofreció declaraciones al programa radial “Hecho en casa”.

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“Hay que resaltar el apoyo de la Asociación Hermanos Saíz, y agradecerle porque es la única organización que nos sigue a fondo en todo este tema, que nos crea espacios, que nos da acompañamiento y acoge nuestros eventos; y así vamos sumando personas y ganamos en visibilidad”, agrega el también miembro del comité organizador del evento vueltabajero.

“Muchos de los Bboys que participamos en el evento forman parte de compañías, bailan en hoteles, o sea, viven de lo que hacemos. En cambio otros lo hacemos porque nos gusta, inependientemente de nuestros trabajos, pero estos eventos nos encantan”, agrega.

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Y es que, además de la socialización, este tipo de certámenes sirve para consolidar los conocimientos y, esencialmente, la práctica de este estilo que se baila en Cuba desde la década de los 80.

“Con cada movimiento demostramos nuestro arte, nuestros sentimientos y manera de pensar, por eso cada vez queremos mostrar más y más nuestro arte al mundo. De hecho, en Cuba el nivel ha mejorado muchísimo, hoy ya conocemos mejor la terminología, los pasos, hemos creado un estilo más propio, más cubano, que incluso nos hace ser reconocidos en el mundo entero. De hecho, hemos tenido Bboys que nos han representado internacionalmente y dicen que muchos se les acercan y los elogian por su estilo tan particular”, explica el artemiseño.

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“La base es importante mantenerla pero yo creo que hoy en nuestro país ningún Bboy se parece a otro, e incluso quienes nos visitan del extranjero nos comentan que nosotros tenemos nuestra propia salsa, otra descarga a la hora de bailar y, donde llegamos, la gente puede decir, ese es un cubano bailando”, expresa entre risas.

“En el mundo entero cada bailador busca tener su propio estilo, y eso mismo es lo que hacemos nosotros, siempre respetando los movimientos básicos, por supuesto, pero aportándoles nuestro toque”, considera Oriet.

“A mí por lo general me gusta bailar con salsa, algo más latino; me encanta la música cubana y así la combino en mi baile”, expresa Ray Daniel, quien resultó ganador ––junto a su compañero Armando–– en la batalla de dos contra dos.

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Pero estos jóvenes, son más que competidores, ellos se consideran hermanos pues forman una gran familia.

“A pesar de vivir en provincias separadas nos apoyamos mucho, intercambiamos experiencias y nos nutrimos los unos de los otros. En cada lugar que entrenamos lo hacemos en equipo, nos corregimos, y cuando hay que competir, competimos, pero fuera de eso somos como hermanos”, considera el Bboy Rey, uno de los veteranos de estas competiciones.

“En competencia sí hay una rivalidad, ahí tenemos que hacer gestos y y enfrentarnos porque el público lo pide y lo disfruta. Pero al final, abrazos entre todos y seguimos siendo hermanos”, manifiesta el villaclareño Oriet.

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La “sopa” de La Habana

Deben quedar pocos cubanos y extranjeros que no hayan vivido la experiencia de caminar Obispo arriba y abajo y escuchar “sopa”. Sería muy simple hablar de ello como la música que acompaña desayunos, almuerzos y cenas en restaurantes, hoteles y centros turísticos.

Quedaría fuera las jerarquías visibles entre las diferentes agrupaciones; se estaría olvidando que en múltiples momentos esta es la banda sonora de turistas nacionales e internacionales que visitan nuestra Habana. Aunque esta labor constituye un ingreso económico para estos hacedores, su estandarte no debiera ser el crear la música que más vende. Esto es un facilismo, es ceder ante la mercantilización de la cultura.

Me parece que algunos ya nos estamos cansando de Chanchanes, Yolandas y Los cuartos de Tula. Repertorio que se repite hasta la saciedad y cansan a nuestros oídos que saben de la riqueza rítmica y melódica de la música cubana, sus compositores e intérpretes. Puede que con ese tiroteo sonoro no se esté ayudando a la educación musical del habanero y del turista.

No siempre les falta calidad en su interpretación, el fallo generalmente está en la selección del repertorio el cual no explora en la diversidad apabullante de canciones creadas para y en la ciudad; y qué hablar del repertorio internacional que generalmente parece precisar de algún melómano extranjero que lance su petición al aire y en ese momento el ingenio y la destreza hacen que suenen los acordes del tema deseado. Pienso que los cubanos ya no somos, solamente, rumba, mulatas, tabaco y bongó; y por extensión diría que el habanero también es mucho más.

El paisaje sonoro de la ciudad debiera mostrar las sonoridades, timbres, entonaciones y ritmos que identifican nuestra historia musical. La Habana canta en ritmos tan diversos como la trova, el pop, el chachachá o el jazz. ¿Por qué nuestra “sopa” no se condimenta con esos y otros sabores? Sería un proceso necesario el mostrar nuestro ADN, los códigos genético-musicales que identifican a cada habitante o transeúnte de nuestra ciudad. Digamos, “la música que corre por nuestras venas”. ¡Que la sopa suene como La Habana misma!, esa debiera ser la premisa para que música y turismo caminen en la misma dirección por la defensa de la identidad musical de nuestra urbe.