Mujer
Experimento contra el olvido
Pujo el verso, la sustancia, para que nazca con esencia.
Me inclino ante los versos de un hombre que marcó mis noches de insomnio, con falta de apetito y mal humor.
(Hace más de 10 años dormía en un cuarto bohemio de una beca y solo tú, Wichy Nogueras, me salvabas).
Me amaste como al cisne, y mis libros fueron devorados con la maldad de una mujer desnuda. Cada amor que llegó, gracias a ti, se fue marchando con mi imposible.
He sido libre, una mujer libre no tiene precio.
He convivido con el abominable dueto de ser mujer y poeta, poeta y mujer.
Pocas veces, he roto el hechizo.
Voy regalando la salida, sin miedo a que sea carcomida de envidia por Neruda,
Una salida lúgubre…
Tantas veces he expuesto mi cabeza, y aunque la siga destiñendo volverá a su habitual zanahoria.
Poe, Mae West.
Perdiz.
Luego, este poema experimental, regresa al segundo verso.
Para nosotros, no has muerto, de todas las maneras, existes.
Las poéticas del cuerpo intervenido (+ fotos y video)
El distanciamiento social y la pandemia no ponen freno a los artistas: no hay claustrofobia, sino nuevas maneras de contar desde las plataformas online que hoy, más que nunca, ofrecen su caudal de posibilidades a creadores y espectadores de las artes visuales. El arte no tiene excusas. Es por eso que estas Romerías de Mayo —la magna fiesta de las juventudes creativas— no asumen ahora el rostro ni el jolgorio de las calles, sino que se viven desde casa, desde la inquietud de quienes imaginan para proteger la epidermis de la creación, esa esencia que habita en la espiritualidad del ser humano.
Es por eso que quiero detenerme en Tiranía de la tradición, exposición fotográfica de Aneli Pupo. Las redes han devenido en el espacio de contemplación que la conectividad nos ofrece, una particular galería para los ojos inquietos que buscan un estímulo y una reflexión sobre la condición humana en estos tiempos donde nada —prácticamente nada— es ajeno.
Muestra virtual Tiranía de la tradición
La artista visual guantanamera Aneli Pupo nos invita a visitar su muestra Tiranía de la Tradición. Disponible en los canales de Youtube de la AHS y de la artista.#RomeríasenCasa#PorqueNoHayMañanasinHoy#ArteJoven_Cuba#Elartellamaatupuerta
Publicada por Asociación Hermanos Saíz Guantánamo en Lunes, 4 de mayo de 2020
Aneli Pupo habla, a través de sus imágenes, del cuerpo femenino intervenido por la realidad y su crudeza. Una realidad que se experimenta día a día, en esas violencias del cotidiano que —ya sean imposiciones, costumbres, códigos o modas— transforman nuestro espacio privado en un espacio colectivo. Once imágenes, once fotografías en blanco y negro que dialogan con el constructo social que hemos denominado “buena mujer”, “buena madre”, la guardiana de la familia y la dadora. Las violencias de nuestras prácticas sociales invaden el lente de la cámara para mostrarnos un mundo en crudo, un mundo que ocurre cuando las puertas de la calle se cierran, un ritual de iniciación en el que las mujeres somos víctimas y victimarias, jueces y parte.
Más que de inequidad de género, las fotografías de Pupo nos muestran el cuerpo intervenido, el cuerpo transformado en objeto, “cosificado”, trasmutado en incubadora o en tabla de planchar, el cuerpo “animalizado” —la mujer ponedora, la erótica gallina que ha devenido también víctima. Pero no es esta una contemplación conformista: la creadora no nos invita a mirar y pasar de largo, como el inevitable chismoso que corre el velo de una realidad o la cortina de una casa para observar el desastre, sino que es un llamado a la acción, a romper el ciclo donde alma y cuerpo se escinden, y donde el símbolo —ese arquetipo inoculado en las venas de muchos y muchas— se rompe, se quiebra.
Estas fotografías son un cuestionamiento. La mujer es vista como hembra —mamífera y ovípara—, las imágenes nos recuerdan un círculo/circo de las violencias. Hablo no solo de la violencia que los otros ejercen contra el cuerpo femenino —como se evidencia en las fotos “Felizmente casada” y “Sin voz ni voto”, quizás las menos logradas de la muestra por la literalidad plana de su mensaje— sino la violencia que nosotras mismas nos imponemos, en búsqueda de transformarnos en el signo, en la representación de la belleza tal y como se ha preconizado en la sociedad de consumo, en el circo del consumo.
Bajo esta mirada se encuentran las fotos “Insensata obsesión”, la cual muestra solo la pesa —esa maldita pesa que determina cuán gordas o flacas somos, cuán deseables, cuán hermosas— y los pies de una mujer. Pies de tobillos hinchados, solo eso: a tal grado ha llegado la despersonalización, la desaparición de la mujer en su propio círculo de cosificación y tortura que se ha convertido en el objeto y en una parte ínfima de sí misma —precisamente aquella parte que carga, que soporta el peso simbólico de las libras y del cansancio. “Leña del árbol caído” hace gala, nuevamente, del recurso de la despersonalización: una cinta métrica mide la cintura de una mujer, nuevamente una usuaria sin rostro, transformada en el objeto y en un fragmento de su cuerpo —ese fragmento que la autora ha decidido enfocar. En contraste con la rigidez de la cinta métrica —y su sentencia— aparece el cuerpo atado, amordazado, rígido bajo el embate de la cinta; cuerpo que, si se observa atentamente, muestra sus estrías, sus marcas, sus imperfecciones.
En “Tierno cilicio” el cuerpo se transforma en objeto al ser intervenido por un símbolo, en este caso, una plancha. La mujer se dobla bajo el peso del signo, asume su rol de protectora del hogar, hasta tal punto que se pierde su esencia: una vez más, la fotógrafa nos niega ver el rostro de la mujer —parece decirnos: “esta soy yo, eres tú, somos todas en un momento de nuestra vida”— y prefiere, en cambio, mostrar el cuerpo en actitud de sometimiento —a gatas—, el organismo devenido tabla de planchar, artilugio doméstico, cosa.
Un punto y aparte merecen las fotografías concentradas en los temas de la maternidad y la sexualidad. Me refiero a “Pudor”, “Maslow es un bebé”, “A flor de piel” y “Vigilia eterna”. En todas, aparece en igual proporción la despersonificación del rostro femenino —que se oculta en uno de los casos; en el resto, se seleccionan partes puntuales del cuerpo relacionadas con el concepto de lo materno, del deseo y el sexo; díganse manos, pubis, muslos, senos—, leitmotiv que ya veníamos apreciando en gran parte de la muestra. De nuevo, es preciso señalar cómo la presencia de un símbolo —en este caso el huevo, a una misma vez sinónimo de nutrición y de maternidad— invade y transforma el cuerpo.
Lo transforma hasta convertirlo en algo obsceno, hermoso y terrible: la mujer ha devenido madre ponedora, gallina que vela el nido, gallina que custodia los embriones que son su carga y bendición. A este concepto, se antepone la idea de una falsa sensualidad que insinúa la genitalia —a modo de zona de fricción— y los pechos —la idea de lo nutricio—, como espacios de sometimiento, espacios de carga, donde los huevos se ordenan con una meticulosidad geométrica, equilibrada y, por ello —hasta cierto punto— también terrible. Es en estas fotografías que la creadora alcanza el cenit de su exposición.
Una vez más, hago hincapié en que estas imágenes no invitan a la contemplación pasiva —como en nuestro andar por lo cotidiano, donde la violencia simbólica y hasta física pasa por nuestro lado sin que movamos un dedo—, sino que son un llamado a visibilizar, a descorrer las cortinas de nuestro mundo interior, a elevarnos por encima de patrones, cánones, violencias exteriores y personales, a humanizar nuestros cuerpos y a desvirtuar estereotipos. El arte es cambio, bien lo sabe Aneli Pupo.
En este momento de aislamiento, cuerpos desconocidos —cuyas identidades, como los rostros en muchas de las fotos de Aneli, permanecerán ocultas— sufren, batallan contra otros y contra sí mismos, en ese limbo de la mente del que, en ocasiones, parece imposible escapar. Es por eso que la imagen se transforma en voz, con la esperanza de que nos alcance y de que pulse alguna cuerda —una necesaria cuerda— en nuestra espiritualidad.
No lo olvides: tú también eres más que un cuerpo.
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Capítulo # 4: Zona de confort
(historia de una piedra que observa y canta)
Un poeta es un ser que suda/escupe/finge/bosteza/canta. Sí, un poeta es una piedra que canta. Así pudiéramos definir a Roberto Fournier, guantanamero radicado en Santiago de Cuba. Pudiera hacer una biografía o ficha técnica sobre él como escritor, a la manera convencional de los textos sobre escritores, pero no. Hoy quisiera encontrarme con esa biografía a partir de sus versos, encontrar los carteles de neón que faltan para el poeta.
Mi primer contacto con su poesía fue en la feria del libro de Santiago de Cuba 2017, allí me firmó su libro. Era entonces La cantidad rosada, cuaderno que salía bajo el sello Editorial La Luz, de Holguín.
Aquel es un cuaderno de una voz propia. Duro. Experimental. Era el llamado de un hombre ante su derrota y sus victorias más personales. Aquel era un cuaderno escrito en dos territorios: “dentro de la jaula” y “fuera de ella”. Aquel es un libro con paisajes de la familia: un primo/el armario que gime/la madre que busca y sabe. Entre sus páginas se pueden encontrar vivencias/fantasías eróticas/cuerpos para deseo/canibalismo. Esas páginas poseen una sinfonía particular: quemadura con saliva.
Hoy, el poeta vuelve a la carga. Su causa no es menor, su espuela huele a salitre y estiércol.
Publicado por la editorial El Mar y la Montaña de su provincia natal, el 2019 nos deja Zona de confort. Este es su segundo libro/bocanada de aire/suicidio. Un tratado sobre la fragilidad personal de un ser que se coloca desnudo ante el lector. Una piedra que canta.
I
El libro hace tres registros vivenciales. El primero busca la definición del poeta. Un poeta terrenal que lidia con entidades que lo superan, imágenes para el rezo. Figuras donde se combinan identidad/fe/memoria/el mar como fuerza y angustia/la huida.
Estas primeras secuencias de poemas responden a un camino que no es llano, que no conduce a su carne sino a la superficie, a un espacio breve donde se escucha gemir. El agua es un elemento para purificar instantes sin una imagen total. Se trata de un ritmo que él necesita, un ritmo para el confort.
No hay ángel que aferre la utopía,
el frágil sino de paseantes y balseros:
Oshún bajo los puentes,
abonando risas, memorias…
demasiado reposo…
No hay carteles de neón
para el poeta…
Los versos anteriores son el telón de boca. Son las palabras para mentar la distancia propuesta. Luego aparecen otros nombres para ejercer su comportamiento. Resulta necesario encontrar al poeta tras sus dominios: una niña ahogada, los embarcaderos, Nelson, Playa Blanca, Yuseff, piedras, ZONA DE CONFORT.
Hay una conexión que nace desde la inconformidad con el agua, con el mar que se lleva personas, con la bahía que aparece ingenua a la vista del sol. Es un peón en cualquier arista y sabe que no quedará íntegro ante su condición de hombre-palabra.
Demasiado intrincadas
demasiados fragmentos
para un altar…
El poeta ha visto demasiado la misma imagen y sabe que ya no es efectiva. Renuncia a la voluntad de la memoria, renuncia a bailar sin complicidad y sin agonía. Suda. Cada palabra es un compromiso con la caída. Suda. Luego vuelve sobre la quietud y nace, es la fuerza que posee.
Formas de la quietud,
la misma fuerza que ejerzo
para nacer…
II
El segundo registro que hace Fournier en el libro de su cuerpo y la memoria lleva un título: Formas de la quietud. Un verso que es utilizado con anterioridad y que ofrece una simbología específica al lector. Si bien en la primera parte encuentra la complicidad con imágenes que huyen de lo cotidiano, sin tanto protagonismo dentro de estas; en la segunda se muestra dentro de la imagen como un observador presente y definitivo. Nos recuerda a la voz más natural que pudiéramos encontrar en las páginas de La cantidad rosada, es un Fournier sin pesos en los hombros.
En este segmento utiliza la prosa poética, diálogos, personajes y locaciones reales. Hace una revista de momentos significativos por su valor textual y asume una postura en la definición del yo-poeta. La voz cambia. Si en la primera parte la lírica definía el matiz y el ritmo pausado/respiracional, aquí hay una intención por mostrarse como la piedra que yace en el parque. Como la piedra que observa y canta.
Dos viejos alemanes pasan en traje de baño. Un manisero ¾frente a dos policías adolecentes¾, apunta al globo azul que estalla sobre la hierba, en los ojos de un “chico de a dólar”.
Como una piedra que suda frente a un muchacho hermoso, la poética de Fournier resbala y produce una transgresión sensible a la mirada. Allí donde todos habitamos, él encuentra voces, rostros, amapolas con olor humano, mierda de pájaros que cae.
Encuentra un apóstol a quien le dan las espaldas los cibernautas. Su realidad es la de un hombre-piedra. Una criatura que observa y no puede cambiar nada, solo contemplar y modificar el significado. Es un muchacho chévere, gentil, ausente, morboso, sincero, mágico. Sus deseos nacen de lo cotidiano, del día a día. Vaga el camino con exactitud y lo resignifica. Tiene el golpe de la POESÍA-SURF.
La palabra no puede sino alegar empacho, inapetencia, disfunción “herejtil”. Una vez articulada, ensanchada la zona pélvica, crece la mano…
En estas páginas el poeta se entrega. Abre el cuerpo y propone el goce, el juego, la acción que en parte lo mueve a ser una piedra humana, una piedra de am-bien-te. Roberto Fournier no solo tiene la necesidad de mostrar imágenes, también necesita el diálogo, necesita incorporar voces que lo construyan desde fuera de la jaula.
El poeta asume su papel en la jungla. No teme. Asume sus experiencias homoeróticas como material sensible. Ama sin censura y aboga por un abrazo.
Si el muchacho se queda una parada antes, la guagua que atraviesa la ciudad es otra.
Sus versos poseen la ternura de un adolescente y la libertad del futuro (donde nada es lo que será). Ser sincero es una condición que no puede evitar, que no podría corregir nunca. Allí te percatas que el poeta no solo es la piedra que observa y canta, también es el parque/los alemanes/los policías/el manisero/o el Apóstol. Entonces manda su carta (cifrada e inconclusa) al editor, al amigo Fraguela. Nada impide que le crea a Roberto, que descubra su biografía sensorial/carnal. Transito páginas sediento de imágenes y aparece una que define al autor frente a sus deseos:
La huida es un tatuaje para saberse puro.
III
La tercera parte del libro se titula Parte sensible. Tomado de un poema que aparece con anterioridad, utilizando así la misma conexión que en la segunda parte del cuaderno. Aquí declara que es un terreno sensible al que se enfrenta el lector, pero el lector ya no podría sorprenderse con los tópicos que lo envuelven. Fournier quiere ser profanado por el lector, revive sus experiencias porque quiere retratar con el poema todo lo que sucede. En este punto su lenguaje armoniza con la figura que se nos ha creado verso tras verso.
Lo que sigue no es La Guantanamera sino
lo que quiera o no mostrar el Decisor.
Se lanza a la aventura. Prueba que lo vivencial es su recorrido más exacto. Lengua/pene/Youtube/un virus. Su zona de confort está en las fórmulas que posee para dominar la experiencia de vida y transformarla en palabras. La ira no existe, todo posee calma, deshielo.
Sin embargo, es perceptible el dolor como una constante ante la violencia. Un travesti perseguido/una mujer degollada/aguacates caros. Su fuerza es humana y eso engrandece sus palabras.
Mañana, la misma cortadura.
Leña, el hombre adoctrinado.
Podemos decir que Roberto Fournier encontró la belleza. Su cuaderno es la resonancia de su imagen corporal y emotiva. Allí está la llave y el cerrojo de la jaula, allí está él sentado, como una piedra que observa y canta para recordar a un muchacho cualquiera en una guagua.
¿Hay oscuridad? Sí, y también hay luz. Su inspiración radica en el retrato de su biografía. Es arrastrado por el sexo, los elementos del mar y la tierra, deidades, amigos, familiares, amantes. Nada escapa a su mano. Nada obstruye el camino al poema. Los carteles de neón que le faltan como poeta ya están implícitos en sus textos; allí descansan al azar las imágenes con las que construye su zona de confort.
La mujer cubana, una revolución dentro de una Revolución
«Esta mujer cubana, tan bella, tan heroica, tan abnegada, flor para amar, estrella para mirar, coraza para resistir.»
José Martí.
Cinco letras dibujan tu nombre, cinco letras que dibujan tu silueta camino perseverante de tu sueño virtuoso y tu fe inquebrantable en la equidad de género, en la utilidad de la virtud. Cinco letras dibujan tu nombre, más que flor, más que madre, más que hijas, más que esposas.
Para departir y escribir de esta criatura hermosa, fecunda como la tierra negra de nuestros campos, que provoca y engendra la maravilla del nacimiento y la vida, tenemos que esbozar en un papel el instinto apasionado lo que es ser mujer y, sobre todo, una mujer cubana. Quizás un poeta navegaría en su mar de poemas buscando el verso perfecto, meritorio, para describir a una medida exacta de pies a cabeza y del alma al corazón el significado eterno de la mujer como un ente social, como compañera, revolucionaria, amante y guía eterna de nuestros tiempos.
Nuestro Comandante en Jefe Fidel Castro Ruz proyectaría con su prosa auténtica de cubanía, de reafirmación amorosa y de igualdad, el valor genuino de la mujer cubana cuando expresara:
«Las mujeres constituyen un verdadero ejército al servicio de la Revolución (…) La mujer es una Revolución dentro de la Revolución (…) Cuando en un pueblo pelean los hombres y pueden pelear las mujeres, estos pueblos son invencibles, y la mujer de este pueblo es invencible.»
La mujer cubana partícipe necesaria de nuestras luchas independentistas arroja una guía eterna por más de 61 años y pone de manifiesto con hechos lo que expresara nuestro Fidel referente a las mujeres cubanas. Demostrado a partir de las luchas de independencia contra la metrópoli española y norteamericana que tenía sometido al archipiélago cubano aún yugo colonial e imperialista.
La bayamesa Rosa Castellanos Castellanos sería unas de las primeras mujeres que demostraría su valor, su entrega, vocación, por un bien común, por la Patria en la contienda independentista de 1868 a 1878. Las mayores virtudes de esta mujer serían expuestas en su humanismo, su buen humor y su sentido de la disciplina, pues existe constancia de que siempre estaba jaraneando con los enfermos, mientras que mandaba, ordenaba e infundía respeto entre todos. Esta mujer negra y esclava que siguió el camino de la independencia de la dignidad y el decoro alcanzó los grados de capitana del Ejército Libertador participando activamente en las cargas al machete.
Mariana Grajales sería otras de las mujeres cubanas que dejaría una huella e impronta en la Historia de Cuba. La madre de los Maceos fue un símbolo del valor y la generosidad de la mujer cubana, aguerrida combatiente que inculcó a todos sus hijos los ideales de independencia y lucha contra el dominio español que le acarreó muchos amigos y admiradores como fue José Martí.
El Apóstol expresó:
«¿Qué había en esta mujer, qué epopeya y misterio había en esa humilde mujer, qué santidad y unción hubo en su seno de madre, qué decoro y grandeza hubo en su sencilla vida, que cuando se escribe de ella como de la raíz del alma con serenidad de hijo, y como de entrañable efecto? Así queda en la historia, sonriendo al acabar su vida, rodeada de los varones que pelearon por su país, criando a sus nietos para que peleen.»
Mariana Grajales demostraría con sus acciones que la mujer puede ser útil en las labores revolucionarias, patrióticas, combativas, sin perder la ternura vocacional de ser madre, esposa y guía de familia. Pero sería Ana Betancourt de Mora quien se adelantaría a su tiempo cuando pediría a los independentistas la emancipación de la mujer en busca de sus derechos. Carlos Manuel de Céspedes expresaría que la historia habría de reconocer el hecho de que una cubana se había anticipado a su siglo pidiendo la emancipación de la mujer.
Emancipación y derechos que no tendrían frutos hasta el Triunfo de la Revolución cubana el 1 de enero de 1959, en el cual fueron partícipes varias mujeres como Melba Hernández, Haydee Santamaría, María Antonia Figueroa, Celia Sánchez Mandule y Vilma Espín, entre otras que forjaron el camino de una Revolución que se construyó para los pobres, los humildes y, en especial, para las mujeres. Las féminas en el mejor de los casos era un objeto decorativo, la sociedad asumía una actitud y un comportamiento de prepotencia y superioridad de los hombres frente a las mujeres, recluidas fundamentalmente en el ámbito doméstico.
El patriarcado se expresaba con igual crudeza de manera visible. A la luz del día se manifestaban insultos, los gritos, las amenazas, las violaciones y el asesinato. En la zona invisible se oprimía a la mujer con el desprecio, el chantaje emocional, el lenguaje sexista, el humor sexista, la publicidad sexista, con mujeres escasas de ropa para incitar el consumo de un producto.
Estas condiciones de desigualdad propiciaron la vocación de justicia y de amor de las mujeres para unirse a la lucha revolucionaria liderada por Fidel contra la dictadura batistiana y defendieron en las lomas y la clandestinidad el proyecto social que promovía el reconocimiento de la dimensión de clases, raza y género.
En 1962 el Comandante en Jefe afirmó que se proponía crear una sociedad distinta, de organizar un mundo mejor para todos los seres humanos; las mujeres tienen intereses muy grandes en ese esfuerzo, porque, entre otras cosas, es un sector que el mundo capitalista en que vivíamos estaba discriminada. Y, en el mundo que estamos construyendo es necesario que desaparezca todo vestigio de discriminación de la mujer.
Palabras que se fueron cumpliendo paulatinamente, con acciones, medidas, leyes, que concibieron una vida de decoro, de dignidad y oportunidades iguales al de los hombres. Entre las medidas que se adoptaron fue la campaña de alfabetización que permitió a las mujeres de los sectores menos favorecidos de la sociedad beneficiarse de este progreso social; otras de las medidas fue la creación de círculos infantiles destinados a las madres para el acceso a la formación, al trabajo y participar en la vida económica del país. La emancipación de la mujer no habría sido posible sin el nacimiento de la Federación de Mujeres Cubanas (FMC) bajo el liderazgo de Vilma Espín, como expresión del tratamiento particular, dentro de lo general, que se le brindó al tema de la mujer.
Sin la FMC habría sido imposible la construcción de la nueva sociedad, la elevación del nivel educacional, cultural y político de las mujeres. Hoy, 60 años después, la mujer cubana integra el 46 por ciento del sector estatal y el 17 del no estatal. De los 612 diputados de la Asamblea Nacional del Poder Popular en su VIII Legislatura, 229 son mujeres para el 49 por ciento.
La Revolución enalteció a las cubanas ante sí mismas y la sociedad. A la Revolución, a Fidel, a Vilma y a la Federación de Mujeres Cubanas, las mujeres deben lo que son, mujeres preparadas dignas, decididas, revolucionarias y guías insoslayables de nuestro tiempo.
Tres mujeres: entre lo real y lo maravilloso
El día 8 de marzo se considera como un día festivo y conmemorativo; sin embargo, hubo acontecimientos históricos que condujeron a que ese día se convirtiera en el Día Internacional de la Mujer. Fue en la Segunda Conferencia de Mujeres Socialistas (Copenhague, 1910) en donde se constataba que las mujeres estaban ocupando un vigoroso lugar en las luchas de la clase obrera, al punto de “convertirse en una fuerza social que no puede ser ignorada en el proceso de la lucha por la igualdad de género”, y donde se votó por este día anual de lucha por la emancipación de la mujer.
Allí se dejó la fecha de realización a cada país. En Cuba, este día ha servido para homenajear y recordar a grandes mujeres que han marcado la historia de la nación. Pero nunca se recuerda a las mujeres que han sido portadoras de las tradiciones y los imaginarios sociales que sostienen culturalmente el archipiélago cubano.
La primera de esas mujeres es Antoñica Izquierdo, famosa espiritista que nació en Pinar del Río en 1899 y que se decía que curaba con agua. Según cuenta la tradición, cuando uno de sus hijos estaba muy enfermo y no había modo de curarlo por la precariedad en la que vivía, la Virgen María se le apareció y le enseñó cómo podía curar con agua.
Antoñica hizo lo mismo que le dijo la Virgen y, milagrosamente, su hijo se sanó. Tiempo después, La Madre de Dios le comunicó que hiciera lo mismo con las demás personas y con la frase «Perro maldito, vete al infierno» libraba a las personas que buscaba su caridad de la enfermedad que padecían. La vida de ella se refleja en la película Los días del agua, del año 1971 del realizador Manuel Octavio Gómez. Como era una figura apolítica le decía a sus seguidores que se abstuviera de participar en cualquier acto político, por eso los decisores de la época la internaron en Mazorra alegando que estaba loca y que sus prácticas no eran más que actos de brujería. En dicho lugar murió en el año 1945. Hoy día, en Viñales, en uno de sus mogotes, se pueden encontrar sus seguidores conocidos como los «Acuáticos».
Otra mujer de igual fama y caridad fue la habanera Leocadia Pérez Herrera, nacida el 9 de diciembre de 1893 en el poblado de Güines. Como era una espiritista que practicaba el llamado “espiritismo cruzado” cuando caía en trance pasaba un ser llamado Hermano José, que según se cuenta, realizaba milagros. Las investigaciones contrarias a lo que cuenta la tradición oral aseguran que Leocadia solo consultaba con perfume, flores y agua, y lograba conectarse con el Hermano José que muchos llamaban Tá José.
Uno de los mitos que acompañan esta leyenda es el retrato del Hermano José; se dice que el espíritu esclavo se le apareció a un pintor ciego y este, guiado por el ente, captó cada trazo de su rostro. Dicho cuadro precedía las consultas espiritistas.
Muchos fueron los hombres y mujeres de fama que Leocadia acogía en su casa, entre los que destacaban artistas y políticos. También fue muy venerada por personas de bajos recursos a la que ayudaba sin recibir retribuciones.
Leocadia Pérez Herrera murió el 3 de junio de 1963 y fue enterrada junto al lienzo del Hermano José, en un féretro de bronce. En la barriada de la Víbora se le construyó un templo, en su honor, en la calle Santa Beatriz No. 52.
En la actualidad, Leocadia Perez Herrera y el Hermano José son venerados por muchas personas, quienes les hacen ofrendas en su tumba que se encuentra en el Cementerio de Colón en La Habana, al tiempo que tocan las argollas piden deseos y colocan los ramos de flores. Se dice que es la segunda tumba más visitada en dicho cementerio, después de la de La Milagrosa. Cada 19 de marzo, día de San José, el lugar se llena de personas que van a escuchar también el violín que le ofrecen, donde es posible escuchar temas como El Ave María y La Bella Cubana.
La última de estas mujeres fue Aurelia Crespo (Ochún Miguá), una santera que nació el 9 de junio de 1909 en Corral Falto, un poblado de Matanzas. La trascendencia de Aurelia radica que fue la primera santera en instaurar la tradición del Violín para Ochún.
Según cuanta la historia, la Venus Lucumí se le apareció en un sueño y le pidió para su celebración una música diferente a los tamboreros que tan comúnmente se escucha en las fiestas a los Orishas (Wemileres). Es así que se le ocurre darle el Violín para Ochún, hecho que ocurrió el 12 de septiembre de 1941 en la calle San Rafael, esquina San Diego del barrio de Pueblo Nuevo de la ciudad de los puentes.
Aurelia Crespo murió el 29 de septiembre de 1977 y es reconocida en el mundo de la santería por este hecho. Parte de los objetos que rituales que utilizaba para la adoración de su Ángel de la Guarda se encuentran en el Castillo de San Severiano y San Carlos de Matanzas, donde las personas pueden conocer sobre la vida y obra de estas mujeres y las tradiciones de matriz africana en esa urbe del occidente del archipiélago cubano.
Como Antoñica, Leocadia y Aurelia a lo largo de la historia han existido diferentes mujeres con estos dones como Titina en las Tunas, Juana Pérez de Camagüey y La Milagrosa de Contramaestre. Por eso sirvan estas palabras para homenajear a todas las mujeres que son portadoras de la cultura popular tradicional cubana, en el día especial de las féminas.
Ovaciones para una mujer que espera…
Con una gran ovación fue aclamado el regreso a la escena vueltabajera de Lienzo de una mujer que espera, escrito, dirigido y actuado por Jorge Luis Lugo. Con esta obra, Teatro Rumbo cierra la jornada de acciones (conferencias y presentaciones teatrales), que desarrolló durante el mes de noviembre y diciembre, con motivo de sus 55 años de existencia creativa.
Premio Caricato de Actuación Masculina (2012), entre otros; Lienzo de una mujer que espera es un monólogo, un soliloquio, como tal vez pueda definírsele, que se estrenó en 2001 con el nombre de Lienzo 5×1, en el marco del pinareño Festival “Espacio Vital”.
Desde entonces, esta obra ha permanecido en el repertorio activo y más reconocido de Teatro Rumbo. Su protagonista, Esperancita, una señora muy singular entrada en años, se busca la vida vendiendo ilegalmente cucuruchos maní y en un desesperado intento, reclama a su esposo Felipe, muerto en una travesía marítima en los 90, un sinnúmero de cosas que van desde la necesidad de compañía hasta un sustento económico que nunca ha llegado. Esperancita clama, padece lo que no tiene, lo que debe luchar amargamente para lograr algo y lo que sabe que nunca tendrá o vendrá. Sin embargo, permanece batallando, y eso es lo que cuenta.
Lienzo…, como resultado creativo, tiene la cualidad de apropiarse de la vertiente vernácula, del gusto hacia el desarrollo de temas y fábulas teatrales marcadas por la comicidad, latentes en imaginario y gran parte de la praxis escénica desplegada por los creadores pinareños; especialmente los del otrora Conjunto Dramático de Pinar del Río, grupo fundado en los primeros años de la Revolución, y que podemos reconocer ahora con el nombre de Teatro Rumbo.
Es una obra en que Jorge Luis Lugo demuestra sabiduría y talento al tejer un material teatral donde, a partir de la sugerencia, el juego con el absurdo, con lo ridículo, con el cliché, la ironía, el doble sentido, la picardía, se desata un intenso y respetuoso debate (en que el subtexto tiene mayor peso que lo que literalmente se expresa) sobre aquellas cuestiones que han marcado en el plano histórico, social, psicológico, económico, al cubano de estos tiempos, fundamentalmente aquellos que vivieron con mayor fervor el “Período Especial” y la migración de la década del 90 y en adelante.
Los hemos visto varias veces Lienzo…, hemos podido comprobar que, aun cuando tiene más de una década de concebido, no deja de ser un espectáculo interesante para el espectador actual. La arquitectura de este representación teatral está concebida de tal manera que tiene la capacidad, como el rabo del camaleón[1], de renovarse, estar siempre abierta a frescos cambios, sumas y supresiones de acciones y texto, en función del momento en que se presenta, los cuales no afectan la salud de este monólogo, su núcleo de debate principal.
Y ello sucede fundamentalmente porque esta puesta en escena está pensada para que sean más significativos los agudos comentarios sobre la realidad social que vive el personaje principal, Esperancita, que para seguir, aunque ello es inevitable, la biografía de esta, su naturaleza psicológica. Provocar la reflexión y la discusión sobre determinados tópicos sociales, es el centro de Lienzo…
Jorge Luis Lugo es un actor talentoso, uno de los pocos que conocemos en Vueltabajo y en una buena parte del país que puede transitar de un género a otro, del drama a la comedia, a la farsa, sin reparos y con virtuosismo.
En este caso, compone una escritura que apuesta por lo esencial en las tablas. Apenas una estatuilla religiosa de un indio, una pequeña mesa con un radio que parece emitir programas en directo, un marco de un cuadro, son elementos con los que va develando poco a poco el universo existencial de Esperancita.
Desde una partitura interpretativa que hace gala de su contención, de un cuidado en la selección de las acciones físicas y gestos (su rostro es una zona muy expresiva en su corporalidad); de una dinámica escénica que no teme explorar la danza, el riesgo de una pantomima deliciosamente expresiva (escena en que su vecina le informa a Esperancita sobre el nuevo tiempo coyuntural); nos develan un trabajo actoral digno de reconocer.
La reposición de Lienzo de una mujer que espera ha sido todo un suceso teatral en Vueltabajo no sólo por la significación de esta obra, del actor que la interpreta o porque, como pocas veces, los espectadores abarrotaron las capacidades del Teatro Milanés, sino porque esta obra, más allá de su madurez como resultado artístico, mantiene su vitalidad, su frescura, su capacidad de polemizar desde la comicidad.
Es un espectáculo serio que, bien defendido en su interpretación, nos deleita al tiempo que nos hace pensar. Esa es la clave del éxito de esta pieza tanto cuando se estrenó, como en este minuto. De ahí que su regreso a cerrar la jornada por el aniversario 55 de labor creativa de Teatro Rumbo, más que una eventualidad atendible, es todo un suceso memorable para el teatro pinareño, un cierre de oro teatral.
[1] Frase que enuncia Esperancita, protagonista de Lienzo de una mujer que espera.
Tiempo de mujeres y creación femenina
La representación artística de la mujer es un tema importante en la Historia del Arte. Bastaría recordar que la obra más famosa de todos los tiempos tiene sonrisa de mujer. Mas, no es de extrañar que la creación femenina sea una asignatura pendiente para esa Historia del Arte que está escrita mayoritariamente por hombres.
Mujer, estereotipos y belleza en la obra de Zúñiga
La muestra Lo esencial es invisible a los ojos fue la manera que halló Marcos Antonio Matos Zúñiga, artista de 18 años para protestar desde el discurso visual contra las prácticas y costumbres que colocan a la mujer como objeto comercial.
En entrevista a Venceremos el novel creador explicó que la exposición que actualmente se encuentra en la Galería Pórtico de la Asociación Hermanos Saíz, agrupa 28 piezas pertenecientes a las series: Nocturnas, Libertinas y Para gusto los Colores; resultantes de las investigaciones para el proyecto tesis de graduado en la Academia de Artes Plásticas de Santiago de Cuba en 2019.
Añadió que al seleccionar el tema de la representación de las féminas en la publicidad, desea inducir a los observadores a la reflexión en torno a la belleza, las imperfecciones del cuerpo, y el valor del ser humano; para ello se vale de la técnica de la serigrafía, la mixta y el dibujo (con carboncillo, lapicero, mezclado con acuarela líquida).
También llama la atención en la exhibición el manejo de los colores y la mixtura de estos; de hecho, en confesiones a la prensa, el grabador señaló que el descubrimiento de la combinación entre el color rojo, negro y blanco fue casi accidental, durante el proceso de gestación de la idea.
La expo logra un gancho de inmediato con la audiencia, quien incluso puede llegar a sentirse reflejada en esas figuras sin rostros, cargadas de optimismo, casi caricaturescas, sarcásticas e, incluso, alejadas de cualquier prejuicio y manipulación.
Marcos ama a cada una de las criaturas que esboza, porque desea que quienes miren la muestra, se aprecien también a sí mismos, tal cual son, ignorando los cánones que intenta imponer la sociedad de consumo.
En la obra de Matos Zúñiga se percibe la influencia de varios estilos y figuras clásicas como Fernando Botero, Andy Warhol (arte pop), Gómez Proenza (dibujo), pero sobre todo el aporte formativo fruto de la colaboración con el Taller Cultural Luis Díaz Oduardo de la Ciudad Héroe, bajo la guía de artistas relevantes santiagueros como Miguel Ángel Lobaina, Vivian Lozano Caballero, Israel Tamayo Zamora y Joaquín Bolívar Thomas.
«Preferí la literatura porque es la más silenciosa»
Las primeras líneas se acomodaron por instinto sobre el papel. Cada palabra encontró su sitio exacto porque hoy reconoce que estuvo dictada por sus más íntimas esencias. Luego aprendió cuál técnica y qué recursos justifican los diferentes instantes de la historia de La alternativa de Hum, un libro que cuenta sobre un niño, un tanto diferente del resto de su grupo etario, y que próximamente podrá hojearse bajo la firma de Rosamary Argüelles García, con el sello editorial Loynaz, de Pinar del Río.
“A medida que avanzaba el proceso de edición, conocí un mundo un tanto alejado de mi formación y al que llegué por necesidad. Este será mi primer texto de narrativa, un género que nunca imaginé que sería capaz de escribir porque comencé por la poesía”, dice. Inspirada por su hijo, hace que Hum, el protagónico del volumen, se redescubra en una sociedad donde las etiquetas a las personas muchas veces marcan el ritmo de sus vidas. Solo otros personajes lo conducirán a insertarse en un espacio complejo y cuestionador a las diferencias.
Pero junto a ese alegrón llegaron otros dos, como confirmación de que no han sido en vano las horas que ha pasado sentada, vertiendo todo su mundo interior, el cual ya en el papel se ha multiplicado para sumar preocupaciones, sentimientos y cuestionamientos de otras personas.
“El texto Esta, mi yo es de poesía para adultos. En él se encuentran las voces de muchas mujeres cubanas, luchadoras eternas contra estereotipos impuestos desde hace siglos.
“Este título vio la luz tras ser aprobado por Ediciones Luminaria con el financiamiento de la Asociación Hermanos Saíz (AHS). De conjunto con la noticia de que La alternativa… saldría, supe que había ganado la beca del Centro de Formación Literaria Onelio Jorge Cardoso, una institución cultural donde aprendí mucho también, y que por eso podrá leerse Adnar y las cosas de la memoria, mi segundo libro de narrativa”, añade.
Precisamente, esta joven santaclareña, aplatanada aquí por un amor, aún no sale de la sorpresa de que su texto de poesía en muy pocos meses ya había sido vendido.
“Ojalá los otros tengan la misma suerte y, aunque muchos amigos me dicen que no me entienden, me gusta más Sancti Spíritus que mi ciudad natal. Mi madre era de Trinidad, así que el retorno a mis raíces ha sido con mucho placer”, acota esta joven que labora en el Centro Provincial del Libro y la Literatura.
¿Por qué volviste al género narrativa, si la primera incursión fue cargada de miedos?
Es cierto. Empecé a escribir poesía porque creía que era lo único que podía hacer, pero conversando con los amigos me decía: “¿Por qué esas mismas ideas que tú tienes en la cabeza y nos las dices para nuestros proyectos literarios no las desarrollas tú?”. Entonces me atreví a crear el texto La alternativa de Hum, y luego Adnar y las cosas de la memoria —así debe titularse—, donde diferentes grupos etarios dialogan sobre cómo es la vida como resultado de las complejas relaciones sociales.
Pero la literatura no es el único camino del arte por el que transitas.
Desde pequeña me sentí motivada por todas las manifestaciones artísticas, aunque al final preferí la literatura porque es la más silenciosa, íntima. En mis años de secundaria me acerqué a la Casa de Cultura de Santa Clara y al mudarme para Sancti Spíritus sentí la necesidad de involucrarme con jóvenes que como yo tuvieran inquietudes. Toqué entonces las puertas de la AHS y comencé a involucrarme directamente con el arte.
¿La música y la investigación te acompañan desde aquellos días en que corrías por el parque Vidal?
Precisamente en una reunión en la AHS, El Duende me propone que le hiciera coro en su grupo porque consideró que con mi tono de voz podría hacerlo. Empecé entonces con Oscarito, un señor que junto a su guitarra me ayudó muchísimo y nos acercamos a la Casa de Cultura Osvaldo Mursulí y luego Lalito me llevó a la radio, más tarde a la televisión y así, poco a poco, llegué a presentarme en los escenarios.
“En lo de la investigación te refieres a mi premio Memoria Nuestra, en el 2016, lauro principal de las Romerías de Mayo. Pero eso fue porque me tocó ser la nieta del cubano que hizo junto a otros colegas, la primera computadora analógica en nuestro país en 1968. Precisamente con mi estudio demostré que fue la primera en el mundo de su tipo con piezas reutilizadas y la segunda analógica en Latinoamérica, solo antecedida por México. Siempre veía la foto de la máquina en la casa de mi abuelo Felipe Ramón Argüelles, quien creó el dispositivo para auxiliar al estudiantado en sus trabajos de grado en la carrera de Ingeniería Eléctrica en la Universidad Central Marta Abreu de Las Villas. Hoy tengo el mal sabor de que nunca supimos qué pasó con el equipo, pues no está en el centro y aún el libro con la investigación no ha visto la luz, una promesa que no pude cumplirle en vida al autor de la innovación”.
¿De esa tradición llega tu título universitario?
Soy licenciada en Educación en la especialidad de Computación, aunque quería estudiar Filología, pero el escalafón no me lo permitió. Entonces dije: si domino el mundo de la informática, pudiera hacer mis propios libros y los diseños de sus cubiertas.
Tales saberes, aunque no los ha puesto en práctica de forma absoluta en la preparación de sus textos, sí le valieron para gestar su exposición de diseño gráfico Entre manos, colgada durante varias semanas en la Casa del Joven Creador de Sancti Spíritus.
¿Qué guardas en el tintero?
Escribo una novela histórica para adultos que tiene como contexto a Sancti Spíritus.
Trébol Teatro: Las Hembras no lloran
Ay, en la Habana y cualquier lugar/
Quien se lleva por las aparencias/
Quien esconde toda la inocencia/
Quien no aprende a respetar.
“Ciudad Hembra”
Trébol Teatro se ha ganado un espacio por derecho propio en el Festival Internacional de Cine de Gibara (FICG). Con la presentación de su éxito “Jacuzzi” (2017) y “Humo” (2018) en colaboración con Teatro Del Sol. Con el lema “Un mar de Artes” y en palabras de Jorge Perugorría, presidente del FICG, la intención del evento es que confluyan todas las artes, en especial al arte joven del Oriente Cubano.
Este año se incluyeron los temas de géneros desde varias manifestaciones artísticas entre las temáticas del Festival, lo que brindaba la doble posibilidad al grupo de teatro holguinero de reincidir nuevamente en esta ocasión con una presentación de estreno: “Hembras”.
Bajo la dirección de Yunior García, esta es la primera obra del grupo donde la temática femenina es la principal trama. Aclaro para nuestros lectores rigurosos que tendré que prescindir de los elementos de la puesta en escena. La ausencia de un teatro en la ciudad (el cual sufre de una reparación capital hace varios años) ha sido un reclamo del Comité Organizador. Es que la presentación fue efectuada en la Casa de la Cultura de Gibara, espacio no tradicional para las artes escénicas, e imposibilitado de varias condiciones técnicas para una función como la iluminación y la escenografía.
Sin embargo el grupo se adaptó a las condiciones semi hostiles para brindar una función a público lleno, con actores de renombres entre sus sillas y varias docenas de jóvenes.
Otra vez un fenómeno meteorológico en la sempiterna y enigmática Habana es el pretexto para un guión, aunque la situación no es novedosa y ha sido reiterada veces en diferentes obras de distintas artes.
Penetrada por el mar en el medio de la depresión (tropical), una casita de alquiler alberga a dos jóvenes Ana y Eva. El uso correcto de la metáfora país-cuerpo-circunstancias brinda la posibilidad de discursar sobre el país en crisis y acosado por el fenómeno meteorológico. Las dudas, miedos, prejuicios e ilusiones en contrapunteo de las dos jóvenes muestran tópicos trabajado por la compañía: el desarraigo, la diáspora, las utopías destrozadas, las realidades marchitas y los avatares de una ciudadanía rodeada por agua.
Resulta acertado el uso preciso de lo tragicómico, la intertextualidad con una realidad vertiginosa y la crítica al uso y abuso de las imperante y tiránicas tecnologías.
La irrupción de Lillith (portadora de un nombre bíblico maldecido y censurado) reclama su espacio como propietaria del alquiler y víctima de una típica agresión masculina, aporta a la trama nuevos discursos sobre los prejuicios y acosos que sufren las mujeres. En este caso Lilith es la muestra obvia de una mujer rehén de la sociedad y sus funcionales prejuicios y opresiones. Las tres mujeres intentan escindir los mitos y desasosiegos que las persiguen, gravitando la ilusión de crear alianzas.
Desde su nombre, Hembra, es la alusión a esa condición de la mujer y la reinterpretación de su lado más animal y biológico aunque no evade los discursos antropológicos. El erotismo con cierta dosis de sicalipsis no falta, aunque no es lo esencial de la obra.
Sin embargo los discursos no son exclusivos y a veces rozan con estereotipos sociales, ni reinventan una compleja realidad de la que es víctima la mujer. La inserción en la banda sonora de la recién estrenada canción “Ciudad Hembra”, de Alex Cuba y Kelvis Ochoa por el aniversario quinientos de la ciudad de la Habana, le da un tono sensual y actualizado. También el diseño alegórico y creativo del cartel de la obra es un algo bien favorable.
En el caso del elenco es una gran fortaleza de la obra. Fue un gran atrevimiento darles protagonismo a dos estudiantes Jennifer Soriano Candedo (Ana) y Aimeé Mojena Aguilar (Eva) recién egresadas en actuación de la Escuela de Arte con sede en Bayamo. La obra prima que sirvió de examen final en una presentación especial de working in pogress en la ciudad de Holguín a finales de mayo demostró la importancia y confianza de Yunior García en los jóvenes talentos.
En el caso de Jennifer Soriano demostró excelente dominio del guión y de los recursos dramáticos mostrando gran profesionalismo. En la actuación de Aimeé Mojena le resulto más difícil acoplarse. Es meritoria la actuación de Heidy Beatriz Torres uno de los principales pétalos de Trébol Teatro que muestra su progresiva madurez escénica y facilidad de desdoblarse.
No creo que Hembra sea una obra feminista netamente. La obra muestra relatos universales sobre la endeble frontera del dolor que diario cruzan las mujeres. Pero su principal logro es la subversión de las lógicas machistas y el rol de la mujer en la sociedad cubana. Por eso su apotegma no puede ser otro que aquel dicho nuevo que reza: “Las mujeres no lloran”.
