exposición


«Hasta en lo m√°s cotidiano y com√ļn hay algo que contar»

Entre las chimeneas humeantes y los camiones Volvo ciclópeos cargados de mineral, más allá de la tierra roja impregnándolo todo y los paisajes lunares. Por encima de los monótonos edificios y el marchar cotidiano de los otros hacia la industria, anda él.

Una vez fue el testigo privilegiado de las noticias y las multiplicó para la teleaudiencia, con destreza y pasión. Pero la vida estaba reservándole otros rumbos. Todavía intenta averiguar cuáles, en tanto, sigue entregando belleza a quien esté dispuesto a mirar, con el corazón.

Alexudis Leyet, desde Moa, cuenta cómo los detalles inadvertidos por otros captan su atención y son congelados por su lente.

fotos cortesía del entrevistado

¬ŅC√≥mo llegaste hasta la fotograf√≠a?

Hace m√°s de cuatro a√Īos me fui del telecentro Moa TV. Anduve alg√ļn tiempo haciendo cualquier trabajo para mantener a mi familia. La pas√© mal en verdad. Estaba decepcionado, pero la idea y la esperanza de estar relacionado con lo que me gusta hacer, la fotograf√≠a, siempre estuvo ah√≠.

Entonces me regalaron una cámara Nikon D3400 y aunque muchos dicen que es una cámara de iniciación, eso ni me preocupa. Hay quienes tienen tecnología de punta y no la saben usar. No obstante, creo que en este mundo todavía me falta bastante, tengo que aprender más.

Generalmente todos miramos, pero pocos vemos y los fot√≥grafos debemos ver y graficar eso que otros no logran. Hasta en lo m√°s cotidiano y com√ļn hay algo que contar.

fotos cortesía del entrevistado

Sin embargo, tu experiencia profesional era como camar√≥grafo de televisi√≥n. ¬ŅPor qu√© no seguir haciendo audiovisuales?

Siempre me gustó la foto fija. Siempre. Me impresionaba cuando estaba en coberturas de prensa y veía a fotorreporteros que parecían francotiradores, esperando el momento para disparar… Es muy fácil transmitir un mensaje a través de un video, no así con la foto fija. Es un reto resumir todo en una captura.

fotos cortesía del entrevistado

¬ŅPor qu√© escoges la naturaleza como tu principal modelo?

Soy de El Cedrito, de Sagua de Tánamo, en el campo. Siempre me gustó la naturaleza y ahora que tengo mi cámara puedo estar más cerca con mi lente 70/300 milímetros.

Me gustan los primeros planos que, en mi opini√≥n, son muy reveladores. Y a√ļn quisiera adentrarme m√°s en este mundo maravilloso, en este modo expresivo.

Facebook se ha convertido en el principal medio para dar a conocer tu obra, ¬Ņen qu√© otros espacios la has socializado?

En la Casa de la Cultura de Moa participé en la exposición Cubanías, con algunas de mis piezas, gracias a un artista plástico que trabaja allí, Fidel Silvente.

fotos cortesía del entrevistado

Hoy en d√≠a la fotograf√≠a para ti es un hobby, pero ¬Ņa qu√© te dedicas profesionalmente?

Hago fotos de quincea√Īeras, etc√©tera, pero comenc√© casi al mismo tiempo que el coronavirus y no he tenido mucha suerte.

¬ŅCon qu√© sue√Īas?

Sue√Īo abrirme paso en este mundo y sus tendencias, participar en exposiciones y eventos y estar en lugares donde salir a tomar fotos no asuste a la gente.

Mientras tanto reflejas tu ciudad y sus peculiaridades m√°s all√° de los esquemas mentales. ¬ŅQu√© tratas de mostrar?

Cuando he hecho fotos donde se ve el mar de Moa, que sabes que no es azul, sino un poco como tierra roja revuelta, la gente me dice, ‚Äúoye, pero pusiste el mar azul‚ÄĚ. Y es que yo espero ver el mar de Moa bien azul y limpio un d√≠a. Me interesa fotografiar cosas buenas del municipio que est√°n ah√≠ y las personas ni las ven.

Hoy todo es tan convulso que ya las personas no se fijan en un p√°jaro o una mariposa y mucho menos en cosas que suceden en fracciones de segundos que, al detenerlas en una foto, se convierten en arte.


Rostros como puertas en la obra de Aníbal De la Torre

Aníbal De la Torre posee una poética reconocible a vuelo de águila en el panorama visual holguinero y de por sí, cubano. Basta con detenerse frente a una de sus piezas para darnos cuenta que si bien cada una es diferente, estos rostros que ha captado exploran idénticos temas y al mismo tiempo dan cuerpo a una singular cosmovisión: el individuo (el creador) que asume la fe en la religión yoruba y que la expresa mediante el arte.

La Espera РAníbal De la Torre

Palpamos ‚Äďcomo si estuvi√©ramos escudri√Īando, buscando algo m√°s all√°‚Äď esta simbiosis (fe/arte) en la muestra Rostros, expuesta en la galer√≠a Fausto Cristo de la sede provincial de la Uneac en Holgu√≠n, donde An√≠bal re√ļne 13 piezas en gran y mediano formato que nos reafirman, en primer lugar, su capacidad como dibujante y retratista, a partir de un trazo conciso, una l√≠nea depurada e impresionista, y adem√°s la intenci√≥n de capturar ese ‚Äúalgo m√°s‚ÄĚ que buscamos y encontramos en la fuerza del rostro.

Sus rostros (literalmente las deidades yorubas, los Orishas, se llaman ‚Äúdue√Īos de la cabeza‚ÄĚ) no son meros retratos. Los rostros de An√≠bal son reflejos del alma; digamos m√°s bien que una especie de puente entre quien nos observa desde el lienzo y quienes, desde este lado del umbral, intentamos comprendernos a nosotros mismos. An√≠bal ha ido consolidando su mirada ‚Äďfragu√°ndola, mir√°ndose a s√≠ y claro, encontr√°ndose en las posibilidades de esta mixtura‚Äď luego de las b√ļsquedas a las que se somete todo artista, y del crecimiento que han resultado sus muestras anteriores (unas quince personales y adem√°s un promedio de 80 colectivas, nacionales y for√°neas).

Las obras de An√≠bal, los rostros que nos observan, reflejan sus estados de √°nimo, atrapan ‚Äďcuesti√≥n dif√≠cil, sin dudas‚Äď la espiritualidad que los asecha: los miedos, alegr√≠as, esperanzas‚Ķ que perviven en cada cual y que dan cuerpo a la cosmovisi√≥n del artista. Para esto An√≠bal De la Torre conjuga elementos propios de la religi√≥n yoruba, como clavos de l√≠nea, garabatos, herraduras, caracoles y girasoles, que se ‚Äúestampan en el fondo plano de colores pastel, y que a la vez contrastan con el cintur√≥n escapular, contenidos en un peque√Īo espacio abstracto con tonos sienas, sepia, negro y blanco, colores que he venido sistematizando en las muestras anteriores‚ÄĚ, comenta el artista, graduado en la Escuela de Instructores de Arte (2004) y en Estudios Socioculturales en 2013.

Trance 2 РAníbal De la Torre

Otra cuesti√≥n evidente en su obra ‚Äďadem√°s de que su peque√Īa hija y su esposa, la tambi√©n creadora visual Annia Leyva Ram√≠rez, curadora de esta muestra, sean modelos en algunas de las piezas, como ‚ÄúMadona con Ir√©‚ÄĚ y ‚ÄúMusa de luz‚ÄĚ‚Äď es la frecuente autorepresentaci√≥n del propio artista, la mirada hacia el propio yo y sus interrogaciones: ‚ÄúCasi siempre estoy as√≠, de manera evidente, como reflejo del individuo que asume la fe en la religi√≥n yoruba‚ÄĚ, asegura quien nos mira desde la portada del cat√°logo (‚ÄúAutorretrato‚ÄĚ) o desde el cartel de la exposici√≥n (‚ÄúRoseado de fe‚ÄĚ).

El culto sincr√©tico no es excusa en estas piezas, es asunci√≥n de fe, marca de po√©tica, simbiosis de rostros/fragmentos de alma con elementos de la cultura yoruba, que An√≠bal dibuja o inserta como complementos (caracoles, fragmentos de yute) en las obras, y que, desde √Āfrica lleg√≥ a Am√©rica en los barcos cargados de esclavos que trajeron una cultura que, en el transcurso del tiempo, se sincretiz√≥ con religiones preexistentes de base africana, con el cristianismo, con la mitolog√≠a amerindia, entre otros.

‚ÄúLos rostros desde el lienzo invocan a penetrar en el misterio m√°s insondable‚ÄĚ, escribi√≥ en las palabras del cat√°logo el escritor Jos√© Conrado Poveda, y a este misterio nos convida An√≠bal con la seguridad de que un rostro no es una ventana, es una puerta abierta, y con el riesgo de que frente a una de estas piezas, nos encontremos nosotros mismos.

 

 


La sencillez impresionante del azul y el gris

Con Azul y Gris, expuesta en la galer√≠a El Zagu√°n, del Fondo Cubano de Bienes Culturales (FCBC) en Holgu√≠n, el joven artista holguinero Ram√≥n de Jes√ļs P√©rez de la Pe√Īa realiz√≥, luego de aparecer en varias muestras colectivas, su primera exposici√≥n personal.

Toda primera muestra personal marca un antes y un despu√©s: es una especie de parteaguas que pone una obra que hasta ese momento ha formado parte de la curadur√≠a de un proyecto colectivo, a ocupar un sitio privilegiado, mostrar un corpus propio. Y toda primera muestra es, por dem√°s, una osad√≠a, una interrogante, una b√ļsqueda, en la que el artista se ‚Äúofrece‚ÄĚ y se expone a la mirada acuciosa de quien mira (o m√°s aun, la mirada de quien observa y escudri√Īa en la propuesta que nos ofrece).

Ram√≥n de Jes√ļs sali√≥ airoso en este primer juego (apuesta) de colores y texturas, ese espacio de confluencias de rostros y formas expresivas que es su primera exposici√≥n. En Azul y Gris (colores psicol√≥gicamente fr√≠os y en el caso del azul, primario) predominan dos l√≠neas, que al mismo tiempo se complementan en una sola po√©tica: por un lado los retratos y por otro la pujante fuerza de sus abstracciones. Sus retratos son rostros mayormente femeninos, como sacados de revistas o sesiones de fotos, como modelos que posan desprejuiciadas frente a √©l, sabiendo que ‚Äúatrapar√°‚ÄĚ la sensualidad de la mirada, el labio insinuante y procaz, la levedad del momento, la fragilidad del cuerpo, la osad√≠a‚Ķ Pero al mismo tiempo, estos rostros femeninos evaden el kitsch de la primera mirada, para cargarse de complementos, de manchas de color, de relieves y mixturas‚Ķ No son rostros abstractos, pero en la figuraci√≥n ‚Äďen esas miradas femeninas como las de Frida Kahlo y Marilyn Monroe, que es excepci√≥n en el rostro del Lennon de ‚ÄúImagine‚ÄĚ‚Äď encontramos la base de la propia abstracci√≥n con que va poblando su pintura; donde, adem√°s de las cualidades f√≠sicas que captura, la expresi√≥n cobra fuerza (es como si la luz del tr√≥pico, siempre subversiva, lo inundara todo).

Por otra parte, lo que m√°s me llama la atenci√≥n de la obra de Ram√≥n de Jes√ļs P√©rez de la Pe√Īa son sus abstracciones cargadas de fuerza y lirismo, influenciadas principalmente por el action painting y el color field painting; im√°genes que desde la no figuraci√≥n que s√≠ encontramos en sus otras piezas, intentan expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones como el movimiento, la velocidad y la energ√≠a (el ‚Äúautomatismo‚ÄĚ de Jackson Pollock, que redujo su gama crom√°tica pr√°cticamente al negro, el blanco y el gris azulado, y los brochazos irreverentes de Franz Kline, por ejemplo, son palpables en piezas como ‚ÄúCronos‚ÄĚ, ‚ÄúEncuentro I y II‚ÄĚ y ‚ÄúSemana‚ÄĚ). Incuso, donde m√°s autonom√≠a alcanza precisamente Ram√≥n de Jes√ļs es en esos ‚Äúpaisajes‚ÄĚ abstractos que pueblan su mirada, como vemos en piezas como ‚ÄúMi primavera‚ÄĚ (mi obra preferida de la muestra), ‚ÄúEl cuarto de Tula‚ÄĚ, ‚ÄúCromos‚ÄĚ y ‚ÄúTu piel‚ÄĚ.

Ram√≥n de Jes√ļs P√©rez de la Pe√Īa, graduado de la Academia Profesional de Artes Pl√°sticas El Alba y con formaci√≥n en los estudios de animaci√≥n Anima de Holgu√≠n, no plasma im√°genes o retratos femeninos en √≥leo sobre lienzo al azar: en sus obras vemos momentos, emociones, acciones, pensamientos, inquietudes, que captura, a veces con la rapidez del trazo o la acci√≥n inmediata, con las influencias de los maestros de la abstracci√≥n, pero sin depender, en su esencia, de ellos. Los colores, que conoce y explota, la esp√°tula, el brochazo, la l√≠nea segura en el dibujo, las gotas y trazos que pueblan la orograf√≠a de su arte, son acaso excusas para mostrarnos las formas que no vemos siempre, pero que rigen nuestros d√≠as con la sencillez impresionante del azul y el gris.


Un artista siempre joven

‚ÄúSi me preguntaran c√≥mo ser√≠a Eduardo dentro de cinco a√Īos, los que me conocen dir√≠an que seguir√≠a siendo el mismo. Un eterno joven que a pesar de sus canas, esas que reflejan el tiempo inexorable pero que tambi√©n traen la experiencia, no perder√≠a nunca la inocencia, la ilusi√≥n y el deseo de seguir dibujando.‚ÄĚ

Esta, sin dudas, es la esencia que une el pasado, el presente y futuro de Eduardo Castillo S√°ez. Un pintor camag√ľeyano que ha encontrado hoy muchas maneras de expresar el arte desde su percepci√≥n del mundo interno del artista; una sinergia inexorable entre sus sue√Īos y la necesidad de crear un discurso pict√≥rico de peque√Īos trazos y l√≠neas que inmersas entre el blanco y el negro trasluce conceptos en relaci√≥n con el mundo femenino que tanto defiende en sus obras.

Proceso creativo de Eduardo Castillo/ foto cortesía del artista

Tras la silueta de una mujer intangible…

¬†‚ÄúComenc√© mirando el espacio que ten√≠a, observando la pasi√≥n de muchos que se adentraban en el mundo del trazado y del pincel. Fue una simple curiosidad de un ni√Īo que quer√≠a dibujar en una libreta de dibujos.

“Creo que es importante tener una aptitud y desarrollarla, buscar un camino y encontrarte en él con las ganas de aprender. En ese sentido las Academias de Arte forman un pensamiento, una filosofía de cómo ser un artista que sin dudas es necesario pero que adolece todavía de la parte técnica y el cómo proyectarse una vez que termina esa etapa estudiantil y cómo emplear el marketing para promocionar y visibilizar tu obra. 

Pintadas realizadas en el Casino Campestre/ foto cortesía del artista

‚ÄúA√ļn as√≠, mi tiempo en la Academia estuvo influenciado notablemente por mi profesor de dibujo Alberto de la Red y por importantes artistas pl√°sticos camag√ľeyanos como Joel Jover, Luis Mart√≠nez Pedro, Nazario Salazar y Fidelio Ponce de Le√≥n, unido al arte expresionista internacional. Mi obra, como yo, es joven; estamos intentando entre los dos llegar a concretar un tema que nos lleve a un pensamiento en com√ļn para dialogar y reflexionar, y no es mi intensi√≥n conformarme sino el de seguir incansablemente en esa b√ļsqueda.‚Ä̬†

Tras graduarse en 2006 en la especialidad de Artes Pl√°sticas en la Academia de Artes ‚ÄúVicentina de la Torre‚ÄĚ, Eduardo Castillo inici√≥ su adiestramiento laboral dedicado a la docencia como conservador de arte en el Museo Provincial ‚ÄúIgnacio Agramonte y Loynaz.

Su tiempo como conservador redise√Ī√≥ sus c√≥digos est√©ticos con marcados rasgos abstraccionistas y figurativos, dise√Īados desde la calidez de un mundo, en ocasiones surrealista, pero que llega con ideas propias introduci√©ndose subjetivamente en ‚Äúla imagen de la mujer como insinuaci√≥n de un universo complejo y por descubrir‚ÄĚ, como expresara el propio artista, quien de una forma singular nos describe la feminidad desde sus concepciones siempre unida a la belleza.

Eduardo Castillo junto a los artistas plásticos Nazario Salazar y Joel Jover./ foto cortesía del artista

La curiosidad por las figuras femeninas y la imagen de sus rostros y siluetas provocadoras y sugerentes llev√≥ a Eduardo Castillo a crear una veintena de piezas que conforman su m√°s reciente muestra personal ‚ÄúEl Camino incierto suyo‚ÄĚ, expuesta en la Galer√≠a Juli√°n Morales de la sede de la Uni√≥n de Artistas y Escritores de Cuba (UNEAC) en el territorio.

Una exposici√≥n que forma parte de las actividades que se realizan en la provincia en el marco de la XIV Feria de J√≥venes Creadores ‚ÄúGolpe a Golpe‚ÄĚ y la cual deja entrever el principio de un cambio en la parte f√≠sica de su obra atadas en un mismo hilo conductor que lo realza como un artista talentoso en una ciudad de artes visuales.

El Camino incierto suyo…

‚ÄúEsta exposici√≥n surge de un proyecto que llevo desarrollando hace varios a√Īos, que utiliza a la mujer como referencia. En √©l hago un estudio de su comportamiento y sus necesidades, su actitud ante la sociedad y su competencia con la misma belleza. En esta muestra hablo del tiempo transcurrido a trav√©s del viaje, un viaje personal, subjetivo, que se matiza con un car√°cter de momentos.

Obra de la serie El Camino Incierto Suyo/ foto cortesía del artista

‚ÄúEs el comienzo de una vida plagada de transparencia y la necesidad de expresar una contumaz postura en relaci√≥n con el dibujo, como la describiera Jorge Santos Caballero, escritor y curador de esta exposici√≥n. En ella uso t√©cnicas de acr√≠lico sobre cartulinas y dos instalaciones, un rejuego con la l√≠nea donde la presencia de la mujer se visualiza en diferentes lugares con un lenguaje simb√≥lico y una imagen m√°s perceptible y atractiva a la vista.‚ÄĚ

‚ÄúCada exposici√≥n creada por m√≠ son como mis hijos, y esta es una m√°s de ellos, cada una con su manera de ser, su momento y peculiaridades. Muchas veces registro todas estas im√°genes y las miro una y otra vez, porque cada una tiene su propia esencia pero siempre bajo un mismo concepto. Para crearlas me debe motivar el ambiente que me conecta con mi trabajo y centra mis motivos de inspiraci√≥n con la disposici√≥n de reforzar mi obra‚ÄĚ.

Entrega del cuadro Destellos al politólogo Ignacio Ramonet, invitado de honor de la XIV Feria de Jóvenes Creadores Golpe a Golpe/ foto cortesía del artista

¬†‚ÄúUn a√Īo activo para las Artes Pl√°sticas y la AHS‚Ķ‚ÄĚ

“Siendo asociado de la AHS me propuse como Jefe de la Sección de Artes Plásticas mostrar el excelente talento profesional de los jóvenes artistas visuales que hoy pertenecen a la organización y que ven en ella la oportunidad para darse a conocer en un medio que de por sí es competitivo y en el cual es necesario la promoción. 

“La AHS te abre ese camino y te permite compartir con aquellas personas que piensan y dialogan de la misma forma; te da la experiencia de participar en eventos y fortalece tu currículum como artista.

Eduardo Castillo con su obra de tesis de grado de la Academia de Artes Visuales Vicentina de la Torre/ foto cortesía del artista

‚ÄúLa Secci√≥n de Artes Pl√°sticas de la filial camag√ľeyana cuenta hoy con 21 asociados, siete de ellos culminan este a√Īo su paso por la asociaci√≥n, cinco residen en otras provincias y uno en el municipio de Florida. En este a√Īo se realiz√≥ la VI edici√≥n del Sal√≥n de Artes Visuales para J√≥venes Creadores ‚ÄúGestos‚ÄĚ, un encuentro nacional dirigido al p√ļblico joven, a los estudiantes, artistas autodidactas, graduados y profesionales, quienes abarcan todos los g√©neros de las artes visuales con una diversidad est√©tica que explora a su vez nuevos modos de hacer.

‚ÄúSe organiz√≥ adem√°s un amplio programa de trabajo donde se impartieron clases magistrales, conferencias de cr√≠ticos, secciones te√≥ricas, exposiciones personales y la reinauguraci√≥n de un estudio-galer√≠a: Leonardo Pablo Art-Studio. Se realizaron dos pintadas, una dedicada a la literatura, expuesta en la Galer√≠a Ateneo, y la otra, por los 34 a√Īos de la AHS y la cual se exhibe en la Galer√≠a Miras. Los artistas crearon 25 cuadros que se donaron al Centro Provincial del Libro y La Literatura para la decoraci√≥n de sus librer√≠as y cinco de ellos se quedaron como obra de valor de la AHS.

‚ÄúA pesar de los requerimientos y el distanciamiento social provocado por la Covid-19, este a√Īo ha sido at√≠pico pero sin embargo muy activo. Los artistas desde sus casas han creado sus obras personales y se han conectado con los proyectos colectivos. La divulgaci√≥n de su trabajo se ha mantenido a trav√©s de las plataformas digitales con la publicaci√≥n de c√°psulas de videos promocionales. Las exposiciones personales de Alejandro Hern√°ndez, Alejandro Rodr√≠guez Leiva, Odalys Ochoa y Chuli Herrera, fueron muestras del quehacer constante de nuestros artistas en tiempos de pandemia.

Exposición Polvos de Carbón/ foto cortesía del artista

‚ÄúLa vinculaci√≥n entre la organizaci√≥n y las distintas instituciones como el Fondo de Bienes Culturales, la Galer√≠a de Arte Universal Alejo Carpentier y el Consejo de Artes Pl√°sticas, entre otras, es lo que ha posibilitado el logro y funcionamiento de un entramado de acciones donde los artistas han logrado mostrar su excelente talento profesional.‚ÄĚ

Inauguración de la Exposición El Camino Incierto suyo/ foto cortesía del artista

Ni√Īos y ni√Īas dibujan el rostro triste de la pandemia

El mundo tal y como lo conoc√≠amos ha cambiado, a causa de la covid -19. Casi desde que arranc√≥ este 2020 nos entristecen las noticias de numerosas p√©rdidas humanas, la preocupaci√≥n por el bienestar de nuestros seres queridos atrapados en alg√ļn lejano paraje, lejos de casa y, entre otras consecuencias de la pandemia, nos agobian los largos per√≠odos de encierro.

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«Matria» en Santiago de Cuba (+Video)

No hay forma m√°s bella de ver a los esp√≠ritus que cuando los cuerpos danzan. Sobre esa premisa lleg√≥ el fot√≥grafo Gabriel D√°valos a Santiago de Cuba, quien despu√©s de un largo per√≠odo de documentaci√≥n fotogr√°fica a diferentes bailarines de agrupaciones como El Ballet Santiago, Danza Teatro del Caribe y el Ballet Folcl√≥rico Kokoy√©, quedaron establecidas las im√°genes mostradas en la exposici√≥n ‚ÄúMatria‚ÄĚ. La misma fue inaugurada en la otrora Plaza de Armas, hoy parque Carlos Manuel de C√©spedes, uno de los lugares de mayor significado de la ciudad.

La exposici√≥n ‚ÄúMatria‚ÄĚ es una muestra itinerante que ha estado presente en diferentes ciudades como Matanzas, Santa Clara, y posteriormente ser√° inaugurada en Camag√ľey y La Habana. Seg√ļn su creador, ‚ÄúMatria‚ÄĚ es la confluencia de un grupo de almas que simboliza ese sentido de Patria hecha mujer y que siempre est√° dialogando con cada uno de nosotros, como esa suerte de camino que recorremos sobre esta existencia. La inauguraci√≥n de la misma ocurri√≥ con una velada cultural con la Banda Provincial de Conciertos y las agrupaciones Ballet Santiago y la Compa√Ī√≠a Folcl√≥rica Kokoy√©.

Gabriel Dávalos es periodista de profesión, con una amplia trayectoria de trabajo como fotorreportero y publicista. Se ha especializado en la fotografía danzaría. La cual le ha ganado un importante reconocimiento en el mundo de la danza por haber captado con su lente a muchas figuras cimeras de esa manifestación artística en Cuba. Donde siempre existe una mirada multidisciplinaria al captar a estos hombres y mujeres que danza en lugares tan inverosímiles o comunes de nuestra realidad. Por esta labor sostenida ha obtenido varios reconocimientos nacionales e internacionales. Donde destaca el premio Anna Pavlova Ballet Photography Contest, uno de los reconocimientos más importantes que se les otorga a los fotógrafos especializados en danza.

‚ÄúMatria‚ÄĚ en Santiago sigue esa misma idea, pero con los paisajes de esta oriental provincia, donde los edificios y lugares del centro hist√≥rico destacan, am√©n de que se puede visualizar otros lugares emblem√°ticos de la urbe santiaguera. Estos paisajes conforman una convergencia precisa con los captados en estas fotograf√≠as. La curadur√≠a y el dise√Īo museogr√°fico estuvieron muy acordes con el espacio escogido, logrando una integraci√≥n con la realidad. Una idea que siempre tiene en cuenta ‚ÄúMatria‚ÄĚ, a opini√≥n de su creador.

Las fotos son variadas y muestran la versatilidad de los hombres y mujeres escogidos que representan las formas en movimiento, tomadas para eternizar la danza como un lenguaje universal de los seres humanos. El gran valor de ‚ÄúMatria‚ÄĚ es c√≥mo ha podido converger la fotograf√≠a y la danza en espacios tan comunes como parques y plazas de gran concurrencia de los principales epicentros culturales de Cuba. Ello posibilita una mayor interacci√≥n con el p√ļblico que asiste com√ļnmente a estos espacios.

Gabriel D√°valos, como creador de esta muestra integrada por 12 piezas, quiso ampliar su lenguaje art√≠stico para hacerlo m√°s inclusivo con respecto a los momentos en que habitamos, donde el coronavirus ha imposibilitado la presencia de un gran c√ļmulo de personas en las galer√≠as convencionales.

Considero que ‚ÄúMatria‚ÄĚ estructura conceptos y lenguajes leg√≠timamente inclusivos y que siempre llaman a la reflexi√≥n personal, ya que concibe el culto a la belleza en las futuras generaciones de cubanos. Es un digno homenaje a la Prima Ballerina Assoluta Alicia Alonso en el a√Īo de su centenario.

Podemos afirmar, entonces, que la exposici√≥n tuvo un gran √©xito en Santiago de Cuba, porque logr√≥ su objetivo de comunicar a un gran p√ļblico la belleza por la fotograf√≠a que enaltece a la danza a trav√©s de los bailarines de diferentes compa√Ī√≠as danzar√≠as de la Ciudad H√©roe de Cuba.


La fotografía y el camino de la felicidad

La fotograf√≠a de Rub√©n Ricardo Ferrero (Hardy) ha tocado un punto muy preciso, dir√≠a que entra√Īable, en mi memoria emotiva como espectadora. La primera vez que hall√© una de sus im√°genes ‚ÄĒgracias al influjo en ocasiones maravilloso de las redes sociales‚ÄĒ, sent√≠ que era Keats quien dec√≠a por m√≠: ‚ÄúLa belleza es verdad‚Ķ‚ÄĚ. Este joven artista, a√ļn desconocido, tiene mucho por ofrecer: m√°s que rostros y cuerpos bellos, su fotograf√≠a bebe de los caudales de la tradici√≥n visual y los moderniza, los dota de nueva vida y de movimiento.

¬ŅCu√°ndo y c√≥mo nace tu inter√©s por la fotograf√≠a?

Autor: Hardy

En el a√Īo 2009 hab√≠a desistido en mis estudios en la Universidad de Oriente y estaba cursando Ciencias de la Computaci√≥n, pero no me encontraba enamorado de mi profesi√≥n: pensaba en el futuro y en la idea de si quer√≠a que eso fuese toda mi vida, y no encontraba satisfacci√≥n en el pensamiento‚Ķ Retorn√© a mi ciudad natal y empec√© a estudiar Estudios Socioculturales en la Universidad de Holgu√≠n, m√°s por la satisfacci√≥n que quer√≠a brindarle a mi madre que por la propia; pero al mismo tiempo comenc√© a editarle fotos de 15 a una fot√≥grafa que viv√≠a en la esquina de mi casa.

As√≠ sucedi√≥ invariablemente hasta culminar la universidad en 2015, y fue entonces cuando comenc√© un estudio peque√Īo junto a Yunier, un profesor de la universidad. Me mantuve desarrollando este trabajo comercial hasta el 2017. Aquel fue un momento de decisi√≥n para m√≠: o continuaba la Maestr√≠a que hab√≠a comenzado en la universidad despu√©s de haber pasado el servicio social, o prosegu√≠a mi camino por la senda de la fotograf√≠a. Realmente no me sent√≠a pleno como profesor universitario, aunque confieso que me gusta mucho la docencia.

Decidí comenzar en la fotografía oficialmente en febrero de 2018. Es cierto que fue un interés que creció lentamente: me gustaba mucho aprender cosas nuevas de fotografía, ya tenía de base la edición y, sintiéndome fuerte en ese aspecto, empecé a preguntarme por qué no hacía yo mis propias fotos, algo más personal, que me llenara, un poco más alejado del trabajo comercial. Así comencé a subir fotos a Facebook que fueran más cercanas a mí y, sin darme cuenta, desarrollé una estética que me fue identificando. Ya para ese entonces la fotografía se había convertido en mi forma de existir.

Autor: Hardy

¬ŅC√≥mo concilias y concibes tu lenguaje est√©tico y la visualidad de tu obra?

Es una de las preguntas m√°s dif√≠ciles de responder. En mi caso, no se trata de que un d√≠a pensara en c√≥mo definir mi lenguaje visual, sino que se asisti√≥ a un c√ļmulo de experiencias, robaba ideas o detalles de cada foto que ve√≠a y que me impactaba, colores, tambi√©n formas, texturas, iluminaci√≥n, y poco a poco fui creando lo m√≠o, hasta conseguir que las personas fueran capaces de reconocer mi estilo.

En un área tan popular como la fotografía, definir una visualidad personal es algo bastante complicado.

Parto del punto más importante: es preciso que a uno mismo le guste lo que se hace y, a partir de eso, ser muy sincero, autocrítico, detallista e inconforme.

¬ŅEres un fot√≥grafo que deja madurar la idea o prefieres concreciones casi inmediatas?

Bueno, aqu√≠ hay sentimientos encontrados: siempre quisiera tener una idea concreta y con todos los elementos que la componen, pero es complicado en nuestro pa√≠s el acceso y la disponibilidad de los recursos fotogr√°ficos. En sentido general siempre tengo m√°s o menos claro lo que deseo hacer, pero la palabra final la tiene el momento en que aprietas el obturador, miras la foto en la c√°mara y te dices: ‚Äúaqu√≠ falta algo‚ÄĚ.

¬ŅDe qu√© manera piensas tu proceso creativo?

Una vez que ya tengo preparado el set de iluminación, pruebo diferentes opciones de una misma idea. Varío ciertos elementos hasta encontrarme satisfecho con lo que veo en cámara.

Autor: Hardy

¬ŅCu√°les son tus principales referentes visuales?

Tengo tantos que no sabría identificar solo algunos… puede ser cualquier autor. Si veo algo que me impacte se me queda como un referente.

Tus fotograf√≠as tienen una amplia carga simb√≥lica, ¬Ņpor qu√©? ¬ŅDe qu√© manera sintetizas, en tu composici√≥n y en los lenguajes f√≠sicos que pertenecen al cuerpo de tus modelos, un concepto art√≠stico?

En un principio me atra√≠a mucho la idea de no hacer retratos convencionales: buscar expresiones genuinas, mucho color, iluminaci√≥n dram√°tica, estaba empe√Īado en salir de lo convencional en la fotograf√≠a de mi provincia. La forma de sintetizar y de componer proviene de la pl√°stica renacentista.

Autor: Hardy

Como me comentabas antes, fue en febrero de 2018 cuando comenzaste en el mundo de la fotograf√≠a. Este hecho, si se ve bajo la lupa del tiempo transcurrido, te ubica en un momento gen√©sico y definitorio de tu est√©tica, ¬Ņcu√°les son los caminos visuales que m√°s te atraen?

Es bueno que te defina una estética visual, pero de nada sirve si no tienes un mensaje que transmitir, una idea que ofrecer. Igual, cuando lo hagas, tienes que reinventarte y seguir ofreciendo nuevas ideas, nuevos patrones. En mi fotografía no estoy del todo definido, al menos no al ciento por ciento. De momento, las luces suaves me seducen.

¬ŅHasta qu√© punto sientes que la iluminaci√≥n es esencial para desarrollar tu lenguaje como artista? ¬ŅQu√© consideras b√°sico o indispensable en este proceso?

Con el tiempo fui cambiando la idea inicial de que, para dramatizar, era necesaria una iluminación complicada (con ángulos y distancias específicas). Luego te das cuenta que sí, que es necesaria, pero no definitoria, se puede dramatizar de muchas formas. Lo que considero básico es tenerle ganas. Es cierto que las grandes marcas hacen la diferencia, pero sin ganas de llevarlo a cabo es imposible que salga algo bueno.

Autor: Hardy

¬ŅEres un artista que divorcia la idea de una imagen comercial de una imagen art√≠stica, o piensas que ambos registros pueden coincidir en un mismo objeto arte?

¬°Excelente pregunta! Siempre estuve convencido de que se pod√≠an llevar a cabo ambas ideas, lo art√≠stico y lo comercial, pero realmente me percat√© que no es tan as√≠. Influyen varios factores, varias cadencias de tiempo y diferentes objetivos: mientras la parte comercial juzga factores de inmediatez, de cantidades y de patrones establecidos, lo art√≠stico juzga la intenci√≥n, las expresiones, busca m√°s una comunicaci√≥n entre t√ļ y la obra. Siempre intento hacer arte en mi fotograf√≠a comercial, pero no siempre se puede.

Autor: Hardy

¬ŅC√≥mo valoras la promoci√≥n del joven talento visual en nuestro pa√≠s?

Siempre hablo de mi campo, de la fotografía en específico. Actualmente marcha mucho mejor, me he dado cuenta que ya hay varios nombres en la fotografía, se comienza a ver una generación joven, con otro concepto, con otra idea, con su estética particular, nada que ver con lo que se hacía en el principio de la década pasada.

¬ŅExisten suficientes oportunidades para el talento joven, m√°s all√° de lo puramente promocional? ¬ŅCu√°les otras oportunidades se necesitar√≠an concebir?

Carecemos de acciones que premien los trabajos de los artistas jóvenes. Costear una exposición, con todo lo que conlleva, no es muy barato que digamos. Se debe llevar a lo físico lo que se ha quedado como digital; no hay mejor evaluación para una obra que el hecho de verla a 10 centímetros de distancia en el plano terrenal.

Autor: Hardy

¬ŅSientes que el camino y los lenguajes visuales de un artista han de ser una din√°mica en constante movimiento?

S√≠, totalmente. El mundo actual devora la visualidad, te exige reinventarte cada par de a√Īos como m√°ximo. Es divertido exigirse a uno mismo y buscar variar en diferentes estilos.

¬ŅCu√°les son tus principales sue√Īos y expectativas? ¬ŅAd√≥nde deseas te conduzca tu camino como fot√≥grafo?

Sue√Īo ser reconocido por mi trabajo, que las personas, con ver una foto m√≠a, digan: ‚Äúesto es de Hardy‚Ķ‚ÄĚ

¬ŅMis expectativas?, seguir siendo inconforme, humilde y tratar de hacer la pr√≥xima foto tan interesante como la anterior (aunque es dif√≠cil lograrlo siempre).

Adonde deseo que me conduzca mi camino en la fotografía es hacia la felicidad. Amo mi trabajo y la calidad de este hace que se convierta en la razón de mi existencia. Los que me conocen dicen que sería buen psicólogo, pero la verdad es que, si no fuera fotógrafo, sentiría que me falta algo.

Autor: Hardy

Autor: Hardy

Autor: Hardy


Objetos de cuarentena: Viaje por un subconsciente ajeno

Témele a un hombre encerrado. Témele a un hombre que se mira por dentro, porque la otredad parece desconcertante, viral. Témele a un hombre cuando comienza a deshilvanar su pensamiento como el hilo de Ariadna para escapar de los laberintos de la soledad y la esterilidad. Témele a Julio César García y a su exposición Objeto de cuarentena, inaugurada en la galería Pedro Esquerré de Matanzas, porque ir tan dentro de un cerebro y sus procesos creativos nos coloca en perspectiva nuestras propias experiencias y maneras de vivir el encierro y no siempre saldremos con un saldo positivo de esta introspección.

La muestra m√°s all√° de volverse un fen√≥meno que inspira la contemplaci√≥n est√°tica de ciertas piezas, fragmentos pulidos de la mente del artista, te invita a presenciar lo evolutivo, lo dialectico del proceso de creaci√≥n. ‚ÄúHe querido alejarme de cualquier prejuicio y hacer lo que he querido en cada momento. Y compartir eso con un posible espectador‚ÄĚ, confiesa Julio. ¬†¬†¬†¬†¬†

Desde que uno entra a la galer√≠a te atan con un nasobuco-camisa de fuerza para darte a conocer el punto de partida la exposici√≥n: el reclusi√≥n f√≠sica que desde hace m√°s de siete meses vive la Isla. Luego te mueves por el local guiado por se√Īalizaciones en el suelo que muestran de manera cronol√≥gica el surgimiento de las piezas. T√ļ, como p√ļblico, no tienes derecho a decidir. T√ļ aceptaste este viaje por un subconsciente ajeno, as√≠ que solo sigue las precintas amarillas en las baldosas.

Primero encuentras una serie de fotografías de objetos de la cotidianidad: cucharas desechables, chancletas, cintos reconceptualizados a través de un título que te conducen a una reinterpretación visual de los mismos al forzarte a un símil, a una metalectura de los mismos; así el primer plano de una plancha se vuelve la cabeza de un lagarto.

‚ÄúPrimero empec√© a tirarle foto a los objetos; algo diferente a lo que hab√≠a hecho hasta el momento, porque trabajaba sin presupuestos est√©ticos y sin tener en cuenta muchas cosas. Me di cuenta que lo que estaba haciendo era documentar objetos que poseen cierta poes√≠a. As√≠ sali√≥ esa primera etapa de trabajo.‚ÄĚ

Después, en otra parte de la muestra, en un cambio de formato, se proyectan en la pared nueve recipientes de comida que se arman de a poco.

‚ÄúEmpiezo a dibujar. Yo llevaba m√°s de siete a√Īos sin tocar un l√°piz. Hago dibujos de frascos de alimento gracias a la interacci√≥n con el p√ļblico, porque esos frascos me lo enviaban las personas con los productos que consum√≠an en la cuarentena. Esas im√°genes las descompon√≠a en 11 fragmentos y luego montaba un video con cada parte, y as√≠ hice nueve deconstrucciones.‚ÄĚ

La mente posee pulsaciones, ansias, oscuros caminos, y en un rejuego sem√°ntico con la muestra de Julio despu√©s de sobrepasar la reinterpretaci√≥n de los artefactos de la cotidianidad, chocamos con el ‚Äúobjeto del deseo‚ÄĚ, expuestos en ‚ÄúEncontrando a la pel√ļa‚ÄĚ, √≥leos que en un gui√Īo al arte pop nos ense√Īa el rostro de una mujer desconocida en diferentes facetas.

Por √ļltimo, encontramos dos fotograf√≠as del creador a tama√Īo real. ‚ÄúUno, como ser social, puedes ser el objeto de algo que te supera a ti mismo, una idea que me llega a trav√©s de lo que veo en las redes sociales, en la televisi√≥n, y ah√≠ aparece el autorretrato, porque yo tambi√©n me veo afectado por la situaci√≥n, yo tambi√©n me noto superado, usado.‚ÄĚ

Existi√≥ la transformaci√≥n del ‚Äúobjeto para s√≠‚ÄĚ a trav√©s de la apropiaci√≥n art√≠stica, as√≠ como su comunicaci√≥n, mediante diferentes formas y formatos, al ‚Äúobjeto en s√≠‚ÄĚ. La comprensi√≥n del hombre y del mismo creador como miembro de la raza humana, como parte de designios y estructuras que lo vuelven un n√ļmero, una cifra, un valor de uso, en este caso, la Covid 19.

Por lo que, si no temes irte de excursión por percepciones foráneas, si no temes sumarle a tu propia interiorización del tiempo de cuarentena la de otro ser, no siempre positiva o feliz, entonces acércate a la Pedro Esquerré en estos días.


Liz Maily Gonz√°lez: ¬°Eureka! (+Fotos)

Lo que m√°s me llama la atenci√≥n de la obra de Liz Maily Gonz√°lez Hern√°ndez es esa especie de ‚Äúinsubordinaci√≥n‚ÄĚ te√≥rico-conceptual con la que pertrecha su trabajo y que acaba siendo, al fin y al cabo, el andamiaje con la que ella levanta sus piezas. La exposici√≥n en cuesti√≥n se titula Eureka y se exhibe en el Centro Provincial de Arte de Holgu√≠n, como resultado de la tesis de graduaci√≥n en la Academia de Artes Pl√°sticas El Alba.

La exposici√≥n re√ļne ejercicios de clases, obras creadas durante los a√Īos de docencia y otras, con el objetivo de integrar el ejercicio final, resumen de ese tiempo, que result√≥ Eureka.

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

Liz Maily ‚Äďcuyo trabajo conoc√≠amos del Sal√≥n de la Ciudad, el Sal√≥n Provincial y otras muestras colectivas en la ciudad, donde recibi√≥ premios y menciones aun siendo estudiante‚Äď interroga al espectador en cada una de las piezas (y se interroga a s√≠ misma como creadora, planteando y replante√°ndose conceptos, intereses y objetivos a la hora de enfrentar su trabajo) y nos coloca en la posici√≥n del ‚Äúartista que busca constantemente un discurso, un tema, algo de que apropiarse, algo que le sea factible o provechoso, para a partir de ah√≠ desplegar su creatividad‚ÄĚ, como leemos en la justificaci√≥n de ‚ÄúLa X marca el concepto‚ÄĚ (documentaci√≥n del happening realizado en 2019).

tomada de facebook del perfil de liz maily gonzalez

Eureka ofrece un discurso conceptual y cr√≠tico hacia la misma obra y el arte ‚Äďincluso hacia la ense√Īanza de esta‚Äď que no es com√ļn en una creadora tan joven, de 20 a√Īos reci√©n cumplidos. A simple vista tenemos una l√≥gica aparentemente sin car√°cter program√°tico, que ronda la indefinici√≥n y el tanteo, la desaparici√≥n del objeto y la aparici√≥n del concepto, propios de la posmodernidad, pero que bien sabe hacia d√≥nde va y que propone. Liz Maily termina exorciz√°ndose de todo esto, como si fuera un juego y lo mejor, nos invita a ser part√≠cipes, c√≥mplices, mientras desgrana ‚Äďsobre la mesa de disecciones, el pizarr√≥n te√≥rico donde escribe y borra, borra y escribe una y otra vez‚Äď los conceptos, ideas, signos, s√≠mbolos, met√°foras y suplementos verbales que deconstruye poco a poco, a partir de la repetici√≥n y la reinterpretaci√≥n, de lo l√ļdico.

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

Ella parte en varias obras de una tradici√≥n (el grabado) que deconstruye, conocida la t√©cnica y sus posibilidades, en su gusto por lo fragmentario, y el retru√©cano, como si armara un puzzle que nos ofrece sobre la mesa: las linograf√≠as de ‚ÄúEl que busca‚ÄĚ, donde ‚Äúdivide‚ÄĚ una pieza (un taller de grabado precisamente) en dis√≠miles posibilidades geom√©tricas que adquieren un car√°cter independiente, de obras en s√≠. O en ‚ÄúPiensa y construye‚ÄĚ, una especie de rompecabezas en forma de instalaci√≥n (o viceversa).

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

Es tanto lo l√ļdico ‚Äďpero no gratis, para nada:¬≠ el arte se nos presenta como objeto y como finalidad en s√≠ mismo, no como veh√≠culo de transmisi√≥n de una realidad cultural circundante, pero tambi√©n como exploraci√≥n y divertimento cuestionador‚Äď que en ‚ÄúTextos despu√©s de pasar dos minutos por la batidora y haber sido reciclados como soporte de una idea‚ÄĚ, Liz Maily convierte en pulpa y luego en papel manufacturado varios libros de docencia o historia del arte (o ambos), para sobre este papel (el conocimiento, la teor√≠a, la tradici√≥n) crear una ‚Äúobra de arte perfecta‚ÄĚ, enmarcando sencillamente la hoja: ‚ÄúCon materiales geniales se construyen obras de arte geniales. Si usted realiza cualquier trabajo utilizando este papel, tendr√° garantizada la calidad de la obra‚ÄĚ.

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

Quiero destacar tres piezas m√°s en Eureka: la instalaci√≥n ‚ÄúReceta para construir una obra de arte‚ÄĚ (2018), compuesta por matrices y partes del proceso de grabado de una ‚Äúreceta art√≠stica‚ÄĚ, donde nos deja bien claro que el cuerpo te√≥rico de la misma ‚Äďpara funcionar en la academia y como si fuera algo casi inalterable si quieres lograrlo‚Äď debe poseer referentes, antecedentes, informaci√≥n visual y te√≥rica, intereses personales e impersonales, y met√°foras, y en su construcci√≥n no puede faltar oficio si lo tiene o lo encarga a otro, y la factura, con los consiguientes dossier, exposici√≥n en galer√≠as, espacios p√ļblicos o alternativos, y la promoci√≥n, todo esto con su modo de elaboraci√≥n.

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

En la instalaci√≥n ‚ÄúLa imagen es la presencia de una ausencia‚ÄĚ intercala cristales (tres secciones de cinco partes cada una) y a partir de referencias iconogr√°ficas nos remite a signos y s√≠mbolos, tanto pol√≠ticos y religiosos (la cruz, la esv√°stica, la medialuna del Islam) como art√≠sticos (la ‚ÄúVenus de Willendorf‚ÄĚ, el ‚ÄúHombre de Vitruvio‚ÄĚ o las ‚ÄúLatas de sopa Campbell‚ÄĚ de Andy Warhol). Finalmente, ‚ÄúObjetos utilizados para iniciaci√≥n de un ritual de creaci√≥n‚ÄĚ (instalaci√≥n, 2020) resulta una especie de summum de su trabajo, Aleph borgeano y metaf√≠sico donde se re√ļnen las obsesiones, mitos y b√ļsquedas, algoritmos y anhelos, sustratos y pastiches, invenciones y residuos de la creaci√≥n.

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

El arte (el artista) tiene el poder de mentirnos y sobrecogernos, de parodiarse a s√≠ misma y redimirnos, y que todo eso resulte una b√ļsqueda de las bases y ra√≠ces de su intr√≠ngulis. En esa aventura ‚Äďcomo me sucede aqu√≠ y con la obra aun temprana pero desde ya pujante y atractiva, como un oasis en el desierto de la pl√°stica holguinera, de Liz Maily Gonz√°lez Hern√°ndez‚Äď tambi√©n buscamos nosotros y, felizmente, lo (nos) encontramos para, como Arqu√≠medes, como la propia Liz Maily, salir a la calle y gritar ¬°Eureka!

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)

Expo Eureka – Liz Maily Gonz√°lez (foto Erian Pe√Īa Pupo)