artes visuales
Un Trovándote de homenajes
El Trovándote 2020 pasó lleno de presentaciones musicales con artistas de puntería a la vanguardia. Artistas alternativos que demostraron tener un público en Ciego de Ávila, seguidor de las artes en sus expresiones más tradicionales como en otras totalmente alternas. Menos visibles, pero constantes, se presenciaron durante la jornada otros pintorescos elementos que han contribuido al festival: momentos honoríficos, conversatorios y artes visuales.
Conversatorio: Cantoras Ella y Yo. Mujeres cantoras. Dirigido por Heidi Igualada, fue un destello teórico de lo que acontece en su jornada anual celebrada en La Habana con la invitación a Cecilia Concha, cantautora chilena, primera invitada internacional exclusiva del Trovándote, anteriormente invitada de Ella y Yo. Un desglose de objetivos, aconteceres y producción que se vio argumentado la noche del sábado en el patio de la UNEAC en el homenaje a María Teresa Vera, con las interpretaciones de Motivos Personales, Yeni Turiño, Marta Campos, Cecilia Concha y la misma Heidi Igualada, entre las que sobresale «Para que te recuerdes de mi» en versión de María Teresa Vera.
Entre honores y distinciones fueron galardonados Eduardo Sosa por el Centro Nicolás Guillen de Morón, con el reconocimiento «Cuerda Rota». A la obra de los 25 años de trabajo en la Jornada Nacional de Jóvenes Trovadores se le obsequió a Yoanni Soriano, productora del festival, una pieza artesanal de plata de confección Pauyet y DeDos. De otra forma, con una presentación oficial, fue aplaudida, en público, la presencia de cinco representantes que han ostentado el puesto de presidente en la filial AHS provincial.
El audiovisual fue materia de exposición con el work in progress «Trovadores» de producción conjunta de «Mi nombre es Anlly Sardiñas, cineasta a pepe» (Cámaras, en H2O, de Leonardo Pérez) y Jorgito Kamankola. Un trabajo independiente de dos horas realizado durante la gira autofinanciada, en 2019, del intérprete alternativo antes mencionado. El documental recoge lo más profundo de la trova provincia a provincia, según expresa Sardiñas, y el producto está destinado a un público cinéfilo, con corte más de autor y poco comercial, como lo son quienes se exponen en él.
Sardiñaz: «Yo hice una pequeña investigación, porque estoy viviendo fuera de Cuba y cuando estás lejos empiezas a apreciar cosas que antes no notabas. Y me di cuenta que la trova forma parte fundamental de nuestra cultura, de hecho, la trova llega a Cuba antes de las religiones africanas, los trovadores llegaron en las tres calaveras de Cristóbal Colón, y no resulta nada raro que también haya estado vinculada al proceso independentista cubano.
«La idea surge de Jorgito, quien quería filmar toda una serie de conciertos por todas las AHS de la isla donde se le permitiera cantar. Ahí fue donde se me ocurrió algo más grande y le dije «Compadre, sería bueno no solo tú, sino todos aquellos que permanecen ocultos en su terruño», me dijo, y fueron 17 días intentando intervenir a aquellos que no pertenecen a la palestra comercial y pública». De Ciego de Ávila aparecerán en el producto final Santa Massiel, joven mujer, y Héctor Luis De Posada.
«Mientras más avanzamos, nos dimos cuenta que también queríamos hacer un fonograma con todos estos cantautores, material ya en producción, y mientras seguimos, pues lo único que faltaba era un cancionero, todavía no sabemos quién lo va a hacer, pero va». Con el objetivo final de distribuir el producto como un regalo en todas las sedes de la asociación en el país. «Lo hemos mantenido totalmente independiente, mientras podamos, queremos que el proceso creativo tenga la menor intervención externa posible.»
Artes visuales corrió por la mano de Eric Mario Hernández Figueredo, expositor fotográfico y artista de la imagen, asociado de la AHS de Cienfuegos, alguien que, de seguro notaron quienes presenciaron el evento, de un lado a otro con su cámara o colocando GoPros como campo minado. Su quehacer se centra en la compilación de fotografías de trovadores en la escena, como Rolo Rivera.
En la XV edición de Trovándote fue invitado con el objetivo de realizar para la sede avileña un archivo fotográfico y audiovisual, contribuyendo a la realización del próximo documental a realizar por el organizador y realizador audiovisual Jorge Luis Neyra con presupuesto de la beca de creación El Reino de este Mundo. También tendrá lugar el trabajo fotográfico en una exposición que planificará el artista en su provincia natal.
Santiago Álvarez brilla por su presencia en Santiago de Cuba
Santiago Álvarez, una imprescindible figura del mundo del documental y por ende de la cinematografía cubana, penetra con su impronta en la ciudad de Santiago de Cuba. Esto se debe a la XVIII edición del Festival de Documentales que lleva su nombre, que se realiza desde el día 6 y se extenderá hasta el 12.
Pensar a La Luz, el diseño como arte (+ fotos)
Dedicada al 20 aniversario del Sistema de Ediciones Territoriales (SET), la exposición Pensar a La Luz, organizada por Ediciones La Luz, sello de la AHS en Holguín, se exhibe en el Centro Provincial de Arte con una muestra de carteles, gigantografías, portadas, pendones y otros materiales promocionales creados por la reconocida casa editora.
La muestra incluye parte del material gráfico con que la editorial ha acompañado las diferentes campañas de promoción de la lectura durante los últimos 10 años, como calendarios, marcadores y spots para la televisión, comentó al Portal del Arte Joven Cubano Luis Yuseff, editor jefe de La Luz.
En este espacio se exhiben cubiertas de textos que poseen un diseño fresco y atractivo a la altura de los jóvenes, quienes son el público principal al cual está dirigida la editorial. Las mismas exhiben un cuidado trabajo de jóvenes diseñadores como Taimí Ocampo, Frank Alejandro Cuesta y Robert Ráez, y que parten de la obra de artistas de la plástica y fotógrafos, incluidos en la exposición, contribuyendo a la excelencia del catálogo.
Dedicada también a los 29 años de la Feria del Libro y del Centro Provincial de Arte, anfitrión de la muestra, en Pensar a La Luz confluye la obra, a través de las portadas y otros productos comunicativos, de artistas consagrados como Ernesto García Peña, Zaida del Río, Cirenaica Moreira y Cosme Proenza, así como otros creadores con un trabajo igualmente interesante en el campo visual: Albertho Díaz de León, Alexei Alfonso, Anelí Pupo, Dagoberto Driggs Dumois, Ernesto Herrera, Glenda León, Guadalupe Palacios, Heidi Calderón, Jorge Wellesley, Léster Vila, Lidia Morales, Linet Sánchez, Lino Valcárcel, Lisandra López, Pedro Manuel Herrera, Rafael A. Leyva Herrera, Rubén Ferrero, Yamil Domínguez, Yauri Ginarte, Yunior Fernández y Yuris Nórido.
Estos artistas acompañan con su trabajo la obra literaria de importantes creadores y otros jóvenes que han encontrado en La Luz la manera de publicar sus primeros textos, como Delfín Prats, Virgilio López Lemus, Joaquín Borges Triana, Alberto Garrandés, Liuba María Hevia, Eduardo Galeano, Eduard Encina, Antonio Herrado, Fabián Suárez, Elizabeth Soto, Yunier Serrano (Valerio), Irela Casañas, Evelio Linares y Alexander Jiménez.
Además integran Pensar a la luz varias propuestas audiovisuales, como las grabaciones que componen el audiolibro La joven luz: Entrada de emergencia. Selección de poetas en Holguín, y los spots realizados por Gerardo Perdomo y Robert Ráez, como parte del audiolibro y de la campaña que organiza este año la editorial con el nombre A la luz se lee mejor, que obtuvo el Premio de la Ciudad de Holguín 2020 en Comunicación promocional.
“Con sostenido trabajo de edición y publicación de libros, amparada por su coherente proyección editorial y bien articulada política de promoción literaria, Ediciones La Luz se encuentra entre las primeras dentro del SET”, destacó en las palabras del catálogo de la exposición el reconocido narrador y periodista holguinero Rubén Rodríguez González, quien añadió que este importante sello comprende “la promoción como sistema de acciones encaminado a divulgar y validad el hecho artístico”, “lleva por igual la atractiva concepción de sus portadas, el intencionado diseño de colecciones, la impresionante visualidad de sus campañas y la atinada conceptualización de sus peñas y actividades”.
De esta modo textos como El libro de los abrazos, de Eduardo Galeano; El brillo de la superficie, poesía completa de Delfín Prats y las entrevistas recogidas por Yunier Riquenes en Eduardo Heras León en el aula inmensa de la vida, pueden interactuar con el público más allá de las páginas impresas del libro, gracias al excelente trabajo promocional de Ediciones La Luz recogido en esta muestra que exhibe el Centro de Arte.
Capítulo # 2: El mundo interior de Yuri Seoane
(Notas sobre un cuerpo cimarrón)
El cuerpo busca la luz/el insomnio/la acción.
El cuerpo es un mediador entre el mundo físico y el mundo espiritual.
El cuerpo es un reloj de arena/una consola de música/una pintura incompleta/abstracta.
El cuerpo narra la vida de los ancestros.
El cuerpo no es solo la carne.
El cuerpo es un espacio para hacer coincidir una iglesia/una mina de cobre/una laguna azul-misterio /y una loma donde los esclavos visualizan la rebelión.
El cuerpo es peligroso cuando es solo maquillaje.
El cuerpo muerde.
El cuerpo pinta/crea/rompe/siente.
El cuerpo es una vasija donde la energía se vincula con el mundo exterior.
El cuerpo es la puerta al mundo interior.
El cuerpo en Yuri Seoane es un instrumento para fluir entre las dos aguas que ofrece su obra: “la fabulación de la experiencia inconsciente” y “el mundo oculto a la vista del otro”.
¿Puede el cuerpo resistir/habitar/crear consciente de la realidad que evade?
Con motivo de la celebración del Encuentro de Jóvenes Intérpretes del jazz JazzNamá 2020, la Asociación Hermanos Saíz de Santiago de Cuba y su sección de artes visuales inauguraron la expo Mundo Interior. La muestra ocurrió el jueves 20 de febrero a las 8.00 p.m. en la galería de la Casa del Joven Creador de nuestra ciudad. Yuri Seoane, quien mereció en 2018 la beca de creación del Salón Santiago Artes Visuales Experimentación (SAVE), es el autor de varias propuestas expositivas en la urbe entre las que destacan: Entre el Cielo y la Tierra, en la Galería Sembradores de Cultura en el poblado el Cobre, durante el Festival del Caribe 2019, y Fragmentación y cotidianidad, discurso sobre el surrealismo tropical, en el Centro de Arte de Santiago de Cuba, a propósito de la celebración del SAVE 2019.
Entender la obra del artista visual Yuri Seoane desde una postura pasiva/tradicional puede llevarnos a interpretaciones ásperas y poco acertadas en cuanto al multimundo que ofrece su trabajo. Hijo oriundo de la loma del Cimarrón y la Virgen de la Caridad del Cobre, hace palpable su postura de hombre-obrero y hombre-mina. No se trata de una conexión formal que nos refleje su procedencia; se trata de una conexión simbólica entre los registros que yacen en su cuerpo a partir de lo vivido y su contexto personal, y los materiales externos que sobreviven incluso al inconsciente.
Allí donde muchos ven una galería para mostrar su obra, Seoane ve un cuarto/una mente/un sueño/una acción/colillas de cigarros/monte. No hay una obra que mostrar, hay un mundo que descubrir y habitar. En esta disyuntiva entra el cuerpo como dispositivo escénico/performance/autoficción, y nace como un arte necesario para las artes visuales en Santiago de Cuba.
Las paredes están cubiertas de rústicos parches. Elementos del monte componen la dramaturgia de la experiencia a la que serán sometidos los espectadores: piedras/espinas/madera/comején. Cada pieza nos recuerda su vínculo directo con entidades que residen en la loma. Hay una expresión inconsciente en ellos que desnuda al artista, y nos lo presenta sin parafernalias ni otros clichés tendenciosos del arte. Allí hay una energía real/perceptible/sincera.
Cinta adhesiva sirve para sujetar cartulinas intervenidas con grafito, sin una intención decorativa, ni demostrativa, ni expositiva, sino como registro escénico de un cuerpo que transita por un espacio al que dota de viva. Materiales que explican las complejidades y la fragilidad del sujeto, materiales que pueden hacer doler la vista en medio de tanta fabulación.
La iluminación se torna azul y verde oscuro, el público avanza y entiende que no ha llegado a una exposición, sino que ha entrado en el cuerpo de alguien. La iluminación guía por el espacio hasta el final donde supuestamente debe terminar todo pero es donde comienza. Allí está él. Enajenado de la vista, oculto en su mundo interior, borra la realidad tal como la conocemos. Pinta/crea/rompe/siente. Él sobre una cama improvisada y un televisor que transmite sin parar un video arte que replica su imagen como una proyección otra de su ser, allí se siembra su idea: el hombre es lo que oculta el cuerpo.
Pinta/crea/rompe/siente.
Otros elementos componen aquella infinita habitación sensorial: la madera como pie de apoyo espiritual y las páginas de libros que formulan otros significantes, a la vez que cuestiona “el saber” tal y como lo entendemos.
La composición escénica del espacio tiene instalación plástica, pintura, video arte, instalación sonora y performance. Toda esta mixtura hace un cuerpo que no es la carne del artista. Sino la interpretación corporal de su mundo.
Pinta/crea/rompe/siente.
¿Cómo entender nuestro mundo interior a partir de la obra Yuri Seoane?
Cuando se mira en el espejo de otro, nuestra imagen puede aparecer en silencio. Allí donde el artista recrea un cuarto para no-dormir hay una pieza ejemplar, un espejo, y sobre el espejo una palabra: yo.
El espejo siempre es para reflejar el yo, incluso si estamos dentro de este multimundo, incluso si no reconocemos la imagen. El espejo no miente/no ignora/no teme al maquillaje/solo habla. Entonces nos enfrentamos a nuestros propios miedos y deseos, a las angustias que rigen nuestro comportamiento enmascarado en nuestras vidas como entes sociales.
Algunas imágenes son reconocibles al público santiaguero. El mundo de Yuri es el mundo que sus padres construyeron para él, y que él intenta cambiar. Esas imágenes, algunas explícitas y otras no tanto, nos muestran al territorio santiaguero construido y recreado a partir de una lata de óxido y colillas de cigarros, la Virgen, los espíritus del monte, lo tradicional subvertido por el uso de la tecnología y la redimensión de los significados de los cuales es heredero.
Se trata de un artista que desde su primera exposición a tratado de construir un lenguaje donde los temas de difícil representación toman vida. “Lo onírico” se convierte en espacio real y el cuerpo en un instrumento para evadir la realidad.
Su estética afronta la rigidez de la interpretación santiaguera especializada. Su obra es una irrupción en el mundo artístico de la ciudad, una ciudad anclada a criterios muy válidos y singulares, pero que necesita de otras miradas para abordar la contemporaneidad.
Su obra, aunque es muy personal y conectada con el pueblo donde ha crecido (en el cimarronaje), no posee barreras. Las únicas limitantes visibles radican en la interpretación, y esa, es una cuestión subjetiva por la que debe transitar siempre el arte.
Propuestas como estas deben ser parte del rostro renovador de la AHS. Que sigue apostando por el riesgo y la verdad de los creadores más atrevidos y talentosos. En estas acciones yacen los verdaderos signos de la vanguardia, esos que hoy no sabemos qué significan como valor estético en algunas áreas institucionales. Le toca a Santiago de Cuba no dejar escapar a estos creadores, apostar por ellos y encaminarlos hacia el futuro. La ciudad debería encontrar su cuerpo tal como lo hace Yuri Elias Seoane Serrano a partir de su mundo interior.
Festival A tempo con Caturla: un encuentro entre el folclor y la música de concierto
Al folclor y su influjo creativo en la música de concierto se dedica la edición XXIV del festival A tempo con Caturla, cita que del 4 al 8 de marzo reunirá en Villa Clara a agrupaciones de diferentes formatos y estilos.
Pasaporte al Mundo interior, paraíso para voyeurs consentidos
Yo, me, myself, amor propio, palabras que son como un espejo constantemente refuerzan la noción de diálogo, o mejor, de monólogos y autorreflexión. Son palabras que parecen negadas a los cuerdos, o que por el contrario, los cuerdos se niegan a reconocer porque simulan estar siempre en un territorio insospechado.
Con una propuesta conceptual que no busca conectar expresamente con el público y que por el contrario se basa en el conjunto de aspiraciones, frustraciones y experiencias del autor intenta presentar tal cual las transiciones y los cambios en los estados de ánimo por los que ha pasado el artista y lo hace con crudeza, como la esencia de la vida que le ha tocado vivir.
Mundo Interior no niega el contacto con el espectador invita a compartir el cúmulo de sentimientos que habitan en él. Con el conjunto de 11 piezas creadas por Yuri Seoane se inaugura el festival Jazznamá 2020 en Santiago de Cuba. La galería de la Casa del Joven Creador es el espacio en el que relacionan de manera inusual los dibujos hechos a carboncillo con las instalaciones y el video arte.
Seoane expresa su necesidad de experimentar, de enriquecer los espacios de que sus piezas en esa composición diversa den fe de sus sensaciones; cuando se muestra así mismo encuentra la posibilidad también de mostrar lo que quienes se enfrentan a sus piezas intentan esconder y que él decidió demostrar descarnadamente y sin miedos.
Cada pieza en sí cuenta una historia, una parte de la vida de Seoane, quien no busca cerrar un ciclo, sino recorrer los momentos que han marcado su existencia. Sobre todo, las instalaciones son interesantes en esta exposición. Tienen una fuerza inusitada, una capacidad insospechada para ganarse la atención, para mostrar una espiritualidad que se mueve entre la autodestrucción y la fe.
Por su parte, los dibujos tienen altos contrastes en su composición, con formas sinuosas que rompen cualquier intención figurativa en un afán autorreferencial que ilustra muchas veces zonas desconocidas del yo interior, partes en conflicto que obligan a decidir entre dos opciones opuestas.
El artista afirma que cumple un viejo anhelo al exponer en la sede de la Asociación; es una forma de probarse, de proponer la experimentación que considera una marca distintiva en su obra y de presentarse a sí mismo a un público con ojo agudo, entrenado para un arte que sugiere mirarse contantemente por dentro.
Nuestros cuerpos son como una casa, y el diseño curatorial que guio la muestra –según Frank Lehera O´Callaghan– es precisamente el de una casa en la que las piezas te van mostrando cada vez elementos más íntimos en la medida en que te adentras en ella. Se trata de mostrar las contradicciones entre lo que se tiene y lo que se quiere, siempre contextualizado socialmente. Se intenta que la muestra sea universal que les sirva a todos dentro y fuera de Cuba.
Lahera desde la curaduría pretende convertir a los espectadores en voyeurs consentidos, en personas que tienen la licencia para conocer al artista en su aspecto más personal y menos conocido desde el primer encuentro. Con Mundo Interior en el marco del Jazznamá, las artes plásticas y este género musical se acompañan para dar rienda suelta a la libertad creativa.
Se Inaugura Muestra Joven en Camagüey
Como parte de las actividades colaterales que se realizan en la provincia por el XXX Salón de la Ciudad, evento que reúne lo mejor de las artes plásticas camagüeyanas, se inauguró en la Galería Miras de la filial principeña de la Asociación Hermanos Saíz la exposición colectiva Muestra Joven.
Camagüey, una ciudad que nos habita dentro
Desde hoy la Villa del Puerto del Príncipe celebra el aniversario 506 de su fundación —el 2 de febrero de 1514—, motivo que desde mucho antes generó expectativas, proyectos y acciones para este 2020 que han hecho valedero el propósito de afianzarse como una capital productiva, funcional, culta y bella.
Los cubanos la conocen como la “Ciudad de los tinajones”, por aquellas grandes vasijas de barro creadas entre palmillas, flores y begonias de los típicos patios de las casas de antaño. Este símbolo absoluto de la metrópoli guarda en su frescura humedad de siglos, leyendas de amores prohibidos y conspiraciones; hasta la singular frase amistosa que abraza a todo aquel que la visite: “Quien tome agua de tinajón, se queda en Camagüey”.
Caminar Camagüey es una experiencia inolvidable para turistas y lugareños, gracias a todo cuanto atesora en cada entramado asimétrico, enmarañado y laberíntico de sus estrechas y suntuosas calles. Una ciudad de alma católica, de iglesias, de templos barrocos y altares dorados, donde se entremezclan las diversas corrientes y movimientos de la arquitectura neoclásica e islámica, en combinación con la tradición constructiva cubana.
Una villa andariega que se mantuvo en pie a pesar de los ataques de corsarios y piratas, y que es hoy la cuna de numerosos patriotas que sobresalieron en las guerras independentistas como El Mayor General Ignacio Agramonte y Salvador Cisneros Betancourt.
Su amplio y distinguido muestrario cultural, parte desde la primera obra literaria cubana Espejo de paciencia, escrita en los inicios del siglo XVII por el camagüeyano Silvestre de Balboa y por la vida de la primera novelista romántica hispanoamericana, Gertrudis Gómez de Avellanada, mujer de todos los tiempos y ejemplo de perseverancia, quien con su obra Sab, denunció la segregación racial, la esclavitud y expresó sus deseos de alcanzar los mismos derechos que los hombres.
Aquí también nacieron el eminente científico Carlos Juan Finlay Barres, descubridor del agente transmisor de la fiebre amarilla, y el filósofo Enrique José Varona, impulsor de la psicología cubana.
Sin dudas, muchos son los ritmos, voces, historias y hombres que distinguen a esta “suave comarca de Pastores”, como la llamaría su hijo ilustre el Poeta Nacional Nicolás Guillén. Una ciudad de adoquines que ha resistido el tiempo a lo largo de sus más de cinco siglos de existencia, patrimonio inmaterial que se apodera hoy del presente y de la modernidad, engalanándose para que sus hijos revivan sus tradiciones con la dignidad de sus años y con el orgullo de ser Monumento Nacional de la República de Cuba y Patrimonio Cultural de la Humanidad, declarado por la UNESCO el 10 de julio de 2008.
El hecho de pertenecer desde hace una década a este selecto grupo de las ciudades patrimoniales es un incentivo legítimo para exhibir hoy un entorno citadino rejuvenecido, fruto del esfuerzo y del trabajo cotidiano de sus habitantes, quienes preservan sus atributos históricos, culturales y arquitectónicos como una obra perdurable de la idiosincrasia forjada por sus predecesores.
Este 2 de febrero a las 12:00 AM.. sonarán los tambores y miles de camagüeyanos celebrarán los 506 años de la intensa vida, arraigo e identidad del Camagüey legendario, una ciudad construida en los cimientos de la sangre, la historia y la pasión de su gente.
Las festividades se extenderán hasta el venidero día 7 y estarán dedicadas a los 170 años de la fundación del Teatro Principal, a los 60 del Grupo afrocubano Bonito Patuá, a los 50 años de creación del artista plástico Joel Jover, al aniversario 40 de la Galería de Arte Universal Alejo Carpentier y al equipo de béisbol Los Toros de la Llanura por los resultados obtenidos en la pasada 59 Serie Nacional de Béisbol.
Además, se homenajeará la vida y obra de personalidades relevantes en el quehacer científico, técnico y cultural de la provincia mediante el desarrollo de actividades y eventos colaterales para estimular la labor de creadores e investigadores del territorio.
La filial de la Asociación Hermanos Saíz también se sumará a los festejos con la inauguración el próximo 5 de febrero con la exposición colectiva Salón Joven de la Ciudad en la Galería “Gestos” del Café Literario “La Comarca”, donde se mostrará las obras de los artistas premiados de la séptima edición del Salón de Artes Visuales para Jóvenes Creadores “Gestos”.
De esta forma, los jóvenes camagüeyanos celebrarán el aniversario de una urbe que desde el barro cocido a fuego de tradiciones, sus plazas majestuosas, su espíritu eclesiástico, sus callejones no aptos para despistados, hasta el propio lenguaje de su gente, hacen del Camagüey “no sólo la ciudad que se habita, sino esa que nos habita dentro”.
AGNUS DEI: Hoja de Ruta para atravesar la arena
Gusto del teatro que corte mi respiración. Tensa en la butaca hoy es como mejor me encuentro. Sigo las luces, la atmósfera seduce los sentidos, ningún otro pensamiento cruza. Soy parte de la escena. No quiero que termine pero cuando llega el final siento el alivio que trae la conmoción. Intuyo el regreso.
La pieza dramática que por estos días sacude las tablas santiagueras se escribió en 1979 por John Pielmeier y su estreno acaeció en Broadway en 1982. La historia de Agnus Dei es como un viaje que emprenden tres mujeres, y con ellas el público, diría entonces Pielmeier. «Un viaje que ya ha realizado el autor y que como todos los tránsitos importantes es un proceso inquietante y difícil, en sí mismo, un auténtico milagro», apareció en una reseña en El País, tras el estreno oficial en Madrid en septiembre de 1982, montaje dirigido por Ángel García Moreno.
Las tres mujeres que protagonizan la historia, dos monjas y una psiquiatra, representan el enfrentamiento de dos sistemas de pensamiento antagónicos en torno al conflicto que sufre la religiosa más joven, acusada de haber matado a su recién nacido. Agnus Dei plantea la pugna entre racionalismo y religiosidad en clave de intriga policiaca.
La experiencia religiosa, la presencia subyacente de lo sobrenatural en una sociedad tecnológica y laica, son algunos de los motivos que inspiran la obra de Pielmeier, autor que confesara su herencia católica y su obsesión por el tema místico.
Agnes de Dios (Agnes of God, 1985) dio título a un filme estadounidense con la dirección de Norman Jewisony, basado en la pieza teatral homónima. La película tuvo tres candidaturas a los Oscar: a la mejor actriz principal (Anne Bancroft), a la mejor actriz de reparto (Meg Tilly), y a la mejor música.
¿Y qué tengo yo que ver con esto? Indagará el ingenuo. Pareciera un tema anclado en las versiones que nos llegaron vía las radionovelas de la pasada centuria. Nada más ajeno. Todavía aparecen “en-redadas” e impresas noticias en que el instinto animal traiciona lo humano o viceversa. Las contradicciones del ser parecen perpetuarse en un reciclaje de temporalidad. Las tecnologías entre otras cosas, han venido para agilizar nuestros saberes, miedos, vicios e inquietudes.
Tal vez sean éstos y un sinfín de motivos por los que formaciones teatrales geográficamente distantes deciden retomar para la puesta en escena sus versiones del Cordero de Dios.
En marzo de 2019 en Córdoba, España, el teatro El Silo acogió una adaptación de Agnus Dei (La Pasión), interpretada por el grupo teatral Farándula Don Bosco como uno de los actos previos a la Semana Santa de Pozoblanco.
Mientras en Santiago de Cuba, Calibán Teatro apuesta por remover los resortes del pensamiento y la sensibilidad, avezándose en un camino independiente de los “ismos”. Esta agrupación distingue en la escena santiaguera por la articulación de discursos sobre personajes y obras que han marcado hitos en las letras y la dramaturgia. Para la ocasión apelan a un texto –solo en apariencias– poco conocido, que junto a los personajes invita a la escena indagaciones sobre los valores, sentimientos, ética, el cuerpo como recinto y sujeto de acción y diálogo respecto a construcciones de vida, entre un sinfín de inferencias en dependencia a las realizaciones de cada espectador.
La interpretación de temáticas y preocupaciones universales a través de códigos particulares de la agrupación en su comunicación con el público nacional le garantizan una actualización al quehacer teatral, a veces saturado de lugares comunes en el abordaje de las problemáticas locales.
La puesta que por estas semanas toma el escenario del Cabildo Teatral, responde a una versión del texto realizada por Eduardo Eimil, con la dirección artística de Orlando González y la dirección general de Maikel Eduardo. El diseño de escenografía y vestuario responden al estilo de Marta Mosquera. Integra además la exposición personal Agnus Dei. La visión de un estigma, de la artista Tahimí Cugat, quien tuvo a su cargo además el cartel promocional de la obra. Las palabras al programa acogen el sello de la dramaturga Margarita Borges, quien ofrece una suerte de paralelo con las ciencias filosóficas.
Calibán Teatro y su público comparten el drama y sus símbolos a través de la estructura que brinda el teatro de arena. Cualquiera de nosotros puede experimentarse dentro del convento católico donde concurre la experiencia de la hermana Agnes con la asistencia de la Madre Miriam y la contrapartida de la psiquiatra Martha Livingstone, porque proximidad física, sensorial e intelectiva se entrelazan desde el comienzo mismo.
La escenografía es sobria y simbólica, con una decoración minimalista donde el montaje de iluminación y la música enfatizan la acción. La trama acontece en dos espacios escénicos. Por un lado la dirección ha puesto este drama místico en función de la carga actoral de las protagonistas; por otro, destacan los elementos simbólicos en alusión a signos religiosos y la plasticidad que se logra entre las imágenes. Cristo se trasmuta en varias escenas o narraciones bíblicas con apelaciones a momentos cumbres de la historia de las artes visuales. Jesús unas veces desde la cruz, otras desde la performance dialoga con las contradicciones en conflicto.
Pareciera que podemos tocar al hijo de Dios o debatir con la ciencia según sea la postura de cada cual. Los personajes aparecen en su humanidad. La fe y la ciencia coquetean, se abrazan, lanzan a duelo, exhiben sus fortalezas, se lastiman, muestran sus debilidades. Las actuaciones aunque sin excesos, calan hasta la conmoción del espectador. Lo que resulta difícil es quedar al margen, porque si llegas a la arena, si llegas, la atravesarás.
La fantasía ilustrada
Tuve el placer de dialogar artísticamente con Yasser Curbelo Rego, por primera vez, gracias a la coincidencia que nos ofreció mi libro Dime, bruja que destellas; el cual, en su segunda edición, será publicado en Panamá en fechas cercanas. Fue mío el privilegio: las ilustraciones de Yasser llegaron para acompañar mi viaje literario. A través de diversos emails comencé a (re)conocer más del trabajo de este increíble artista visual, quien conjuga una obra donde arte, fantasía y vida tienen la primera —y última— palabra.
¿Cómo llegas al mundo de la ilustración y qué te parece es lo más atractivo de él?
Llego a ese mundo cuando todavía era estudiante en la Escuela Profesional de Artes Plásticas Carlos Hidalgo Díaz de Pinar del Río, que comprende la etapa del 2003-2006. En un taller de creación, el profesor que impartía la clase en ese momento introdujo un ejercicio, a modo de juego, relacionado con seleccionar un texto al azar de un libro de poemas e ilustrar el fragmento que te tocara. A partir de ahí comencé a dibujar imágenes vinculadas con la literatura y me sentí atraído por ese universo que era totalmente nuevo para mí.
Luego por mediación de un amigo visité la Editorial CAUCE de Pinar del Río y comencé a trabajar con ilustraciones para adultos que posteriormente salieron publicadas en varias ediciones de su revista cultural. Al poco tiempo recibí mi primer texto infantil y comencé a ilustrar para la colección Rehilete y Fililí, también colaboraba para el Suplemento Infantil “Chinchila”, todos propios de CAUCE.
Lo más atractivo de este campo es poder dar vida, mediante las imágenes, a un juego de palabras o de pensamientos que tuvo el escritor(a) en su momento de creación y tratar de acercarme lo más posible a cómo quisieran que se vieran reflejadas sus ideas.
¿Un buen ilustrador tiene que ser, por necesidad, también un buen lector?
Primero tiene que ser un buen dibujante, luego por necesidad debe ser un buen lector. En mi caso particular, debo admitir con sinceridad que no soy un lector excelente. Y no por falta de interés, porque sí he leído; en mi época de Servicio Militar, por ejemplo, me interesaba mucho la literatura rusa y otros libros clásicos de diversos géneros.
Sin embargo, desde niño me sentía mucho más atraído por los dibujos interiores, al punto de pedirle casi llorando a mi mamá que me comprara el libro Amadís de Gaula —aún recuerdo el título— solo por ver las ilustraciones de dragones y caballeros.
Con el tiempo sí he tenido que leer bastantes textos y en mi caso siento la necesidad y el cuidado de ser responsable con lo que voy a ilustrar. Siempre investigo para que las imágenes se correspondan con el contexto de la historia, los lugares, la cultura, trato de llevar una coherencia para que no se desligue una cosa de la otra.
¿Cuáles son los autores y libros que te interesan?
No quiero citar a ningún autor en específico porque el trabajo que hago es por encargo, es decir, la editorial me contacta y me comenta quién va a ser el escritor a ilustrar. En algunos de los casos no conozco su obra; sin embargo, al leerlos me siento identificado y las ilustraciones fluyen con mayor facilidad porque me gusta lo que va surgiendo.
Claro, no siempre me sucede así, no todas las historias suelen cautivarme pero igual debo hacer el trabajo con la calidad que requiere. De manera general me gustan los libros que me hagan saltar la imaginación, que me brinden y me sugieran imágenes interesantes, que sean textos ingeniosos, que me motiven a trabajar en ellos sin llegar al tedio.
El mundo de la fantasía tiene un inmenso valor en tu trayectoria, ¿de qué maneras piensas que lo fantástico es capaz de dialogar con lo real a través de la imagen?
En mi obra siempre ha existido un marcado interés por lo fantástico. Será que en mi mente siempre he vivido una fantasía llena de sueños desde el punto de vista de la creación, pero esa fantasía la he tratado muy apegada a la realidad.
Me caracterizo por ser observador, me fijo mucho en los detalles. Salgo a la calle y las situaciones cotidianas me brindan ideas. A la hora de crear una obra hago mis apuntes y en el proceso de trabajo voy cambiando cosas, voy centralizándolas más en lo que quiero.
Al final, el resultado es una mezcla de elementos fantásticos que se refieren a los personajes que construyo, los cuales aparecen fusionados con fragmentos de una realidad inmediata. Es decir, construyo mis escenas en ámbitos reales, mi obra refleja las cosas que me son cercanas. Todo ese cúmulo de artilugios los pongo en función de sugerir un pensamiento estético transformado en imagen.
¿Hasta qué punto los libros son capaces de promover la obra de los ilustradores?
Las publicaciones son muy importantes tanto para el autor como para el ilustrador. Esos libros llegan a disímiles manos de niños, jóvenes y adultos. Claro, todo depende de la distribución, de la cantidad de ejemplares de impresión —a mayor tirada, más visualización de tus ilustraciones; y esto conlleva a que te conozca mayor cantidad de público y autores que aprecien tu trabajo y te soliciten a la editorial para futuros proyectos—, también influye la magnitud del alcance de esos libros.
¿Quiénes, en el mundo de las artes visuales, constituyen tus principales referentes y por qué?
Pienso que casi todos los artistas que crean dentro del amplio mundo de lo fantástico han tenido que hojear en algún momento de su vida un catálogo de arte surrealista.
Yo lo hice en mis tiempos de estudiante y quedé fascinado con la obra de Salvador Dalí, de René Magritte y, si me remonto hacia el Renacimiento, tengo que mencionar a Pieter Brueghel llamado el Viejo. En mis comienzos tuve mucha influencia del surrealismo, sobre todo cuando realizaba mis dibujos y pinturas.
Con el paso del tiempo fui desarrollando más las artes gráficas y una manera nueva de adoptar la figuración. Sin abandonar los rasgos surrealistas me fui adentrando más en lo grotesco, en lo expresionista, incluso llegué a tocar lo caricaturesco. También me gusta mucho la obra de Francisco de Goya, sobre todo sus grabados sobre metal; me encantan las ilustraciones del ilustrador francés Gustave Doré, considerado en su país el último de los grandes ilustradores.
Admiro la obra de José Luis Posada, conocido como “El Gallego Posada”, pintor y grabador español exiliado en Cuba. Me retroalimenta en gran manera ver la obra de estos grandes dibujantes con los que me identifico desde el punto de vista estilístico; en fin, que soy un amante fiel del dibujo.
¿Con cuáles libros estableces una conexión más hermosa?
La verdad es que establezco una excelente conexión con los libros que no me aburren, con los cuales no paso trabajo para crear un ambiente dentro de la historia que me cuentan. Lo voy a repetir cada vez que tenga oportunidad: es importante la imaginación del escritor, la cual se denota mediante las palabras y provoca una chispa que no se apaga en el proceso de creación de las ilustraciones. Esto me permite disfrutar cada imagen que realizo sin tener que ceñirme solamente a un compromiso editorial.
¿Cuál es el valor de la formación académica? ¿Qué puede ofrecer la formación que el talento no, y viceversa?
La formación académica es de mucho valor para un artista. Es la que te moldea y te da las herramientas de aprendizaje para dar tus propios pasos en el camino que decidiste escoger. Pienso que algunos seres humanos vienen al mundo con habilidades especiales; otros las van adquiriendo, y algunos poseen un talento innato o, como decimos a veces, un don.
Ese talento te permite llevar ventaja desde que comienzas como estudiante: haces cosas de manera natural mientras que otros necesitan de una orientación. El talento, vinculado a la academia, da como resultado la formación de un artista más completo, ya que se adquieren conocimientos que luego se pueden utilizar para un mejor enfoque en la carrera artística.
¿Cuál es la mejor forma de dialogar con un público lector a través de la imagen? ¿Hasta qué punto piensas que una ilustración puede enriquecer o desfavorecer al mundo ya contenido en el libro?
Se dialoga al crear imágenes que no pierdan relación con el contenido de la lectura. He visto libros donde el texto no resulta interesante, simplemente porque no todas las obras que se realizan son geniales, hay unas muy buenas y otras no tanto; pero, al final, las ilustraciones le dan vida a ese libro.
También existen textos con historias muy buenas y una excelente edición; sin embargo, las ilustraciones no están a la altura o existe mala calidad de impresión, fallo que nos golpea en muchas ocasiones.
Yo mismo he tenido mis decepciones cuando he realizado ilustraciones de calidad y el resultado final ha sido malo por este motivo. Sé que a veces las condiciones no son óptimas por la escasez de recursos, también reconozco el esfuerzo de las editoriales, pero creo que hay que velar por lo de uno… me refiero a que debe haber un representante de la editorial en el momento de la impresión y no solo enviar el paquete.
En el campo de la promoción, ¿cuáles son las principales herramientas de un artista visual? ¿Cómo se promociona la obra de un ilustrador, más allá del libro como objeto artístico?
Es muy importante la promoción en las redes sociales, la creación de un sitio web donde puedas mostrar tu trabajo y así compartirlo con los demás. Además, también se puede realizar promoción a través de las instituciones que nos respaldan con sus circuitos galerísticos, como el Fondo Cubano de Bienes Culturales y el Consejo de las Artes Visuales.
Pienso que las editoriales nacionales deberían trazarse nuevas estrategias para la promoción de sus ilustradores porque, en la mayoría de los casos, se quedan en la simple presentación y en la distribución de los libros que, en muchas ocasiones, no llegan a cubrir todos los espacios, se quedan en un circuito reducido; sí, escuchas hablar de ellos pero no tienes la oportunidad de adquirirlos.
En mi experiencia personal, desde que estoy en este medio he tenido muy pocas oportunidades de conocer personalmente al autor del libro que voy a ilustrar y eso no debería suceder: el trabajo fluiría más si el autor y el ilustrador tuvieran un contacto cercano.
No quiero decir que esto es algo que no se hace nunca, pero sí creo que la editorial es la encargada de propiciar esos encuentros y de promocionar con más fuerza la obra de sus ilustradores. Las editoriales no deben conformarse con ver solo una impresión en papel o cumplir con el plan editorial del año; al final, este es un trabajo muy serio al que uno le pone el corazón y le dedica su tiempo.
En cuanto a visualidad, ¿crees que nuestros libros se encuentran actualizados, que sobreviven a una comparación estética con los libros de otras geografías? ¿Qué puede ofrecer la ilustración cubana al mundo?
En nuestra geografía existen excelentes dibujantes e ilustradores, dotados con suficiente talento para trabajar con cualquier editorial. Lo que nos golpea siempre por cuestiones de recursos es la calidad de impresión de los libros.
Muchos ilustradores se quedan insatisfechos porque los filtros que aplicaron no se ven, las imágenes van descargadas de tinta o aparecen ilustraciones quemadas. Los equipos de imprenta ya no dan para más, aunque también debo destacar el esfuerzo de nuestras editoriales para que estos libros salgan a la luz y se muestren a todo tipo de público en nuestras Ferias del Libro cada año.
Todavía en ese sentido no podemos competir con la impresión de editoriales extranjeras. Como ves, no estoy hablando de la calidad de ilustración, pero evidentemente si imprimes una imagen a color en óptimas condiciones materiales, esa ilustración gana mucha visualidad.
Por otro lado, pienso que la ilustración cubana puede ofrecer al mundo rasgos de nuestra cultura que, traducida en imágenes, muestra una manera particular de hacer. Eso sin adoptar completamente las influencias foráneas; es decir, puedes nutrirte de las nuevas tecnologías e informarte de lo que se hace en el mundo en cuestiones de arte digital —que es lo que más se está manejando en el campo de la ilustración actual— pero sin dejar a un lado la estética que nos identifica.
En el amplio campo de la ilustración de la isla, ¿qué piensas puede ofrecer tu obra?
La verdad no sé hasta qué punto sea novedosa. Al menos creo que he aportado un granito más en este mundo de la ilustración del cual sigo aprendiendo, en el que me perfecciono día y día y al cual trato de aportar una obra de calidad, que pueda ser del disfrute del público que la consuma. Sí puedo asegurar que mientras esté trabajando en el campo de la ilustración, lo haré con la entrega que me caracteriza y el amor inseparable que tengo hacia la creación.
