artes visuales


Buscar una pizca de oscuridad en la belleza

Si digo su nombre completo, Silvia Mar√≠a Becerril Guillermo, quiz√°s no tengas ninguna referencia que te permita saber de qui√©n hablo. Pero si vas a las redes sociales, fundamentalmente Instagram, y buscas a @draw_my_journal, te aseguro que quedar√°s extasiado ante la belleza, las sombras y luces de la obra de Silvia. Ella es una joven artista visual cubana y una fabulosa ilustradora que vale la pena conocer. ¬ŅMe acompa√Īas en este viaje?

¬ŅHasta qu√© punto han influido en tu concepci√≥n de hacer arte el uso de las redes sociales? ¬ŅCu√°n √ļtiles pueden resultar para un creador?

Las redes sociales brindan posibilidades que están al alcance de la imaginación de un artista. En mi caso constituyen una herramienta fundamental de inspiración, interacción y difusión de mi arte. Me considero una persona introvertida, que hasta cierto punto le cuesta establecer una relación interpersonal de la manera tradicional y, en ese sentido, la pantalla de mi móvil me facilita esa comunicación. Por otra parte, las redes permiten que se establezcan relaciones con otros ilustradores y que se gestionen ofertas de trabajo. Sin embargo, tienen en mi opinión un lado oscuro, pues muchos llegan a desanimarse si no llegan a conseguir suficiente apoyo o seguidores. Por esta razón es importante estar centrado e ir creando una propia comunidad que se identifique con nuestra obra, saber hacia dónde nos dirigimos y ser constantes.

¬ŅCu√°les son tus principales influencias creativas?

Me inspira casi todo lo que me lleve a mi infancia, a las memorias y los sue√Īos que ten√≠a en la etapa m√°s inocente de todo ser humano. Entre los artistas de la animaci√≥n que m√°s tomo como referente puedo destacar a Don Bluth, Tom Moore, Satoshi Kon, Tim Burton y las producciones del Estudio Ghibli. Recuerdo los primeros libros ilustrados que mis padres me le√≠an y por los que sent√≠a gran fascinaci√≥n, los cuentos folcl√≥ricos y con referencias a sirenas y otras criaturas formaron mi identidad como creadora. Por aquel entonces tambi√©n llegaba mucha mercanc√≠a a Cuba proveniente de Rusia, incluso a nivel audiovisual, por lo que las ilustraciones a acuarela de Nika Goltz u otros ilustradores sovi√©ticos influyeron en mi estilo. Pero sin lugar a duda fueron los cuentos de Andersen y de Oscar Wilde los que claramente me llegaron al alma: esa pizca de oscuridad en la belleza o ese destello de luz en la sombra forman parte de la identidad que he logrado crear como ilustradora.

Soledad. Draw my journal/ cortesía de la entrevistada

¬ŅC√≥mo definir√≠as tu estilo?

Nostálgico, narrativo y onírico. En los comienzos me enfocaba en realizar ilustraciones estéticas, en tomar muchas referencias de otros artistas o tendencias del momento, creo que con el fin de aprender nuevas técnicas digitales e ir ganando popularidad. Afortunadamente siempre existía una esencia en la mayoría de mis primeros trabajos como ilustradora que fueron imponiéndose a todo y lograron fusionarse en un estilo más propio. Formas anatómicas muy sencillas, el énfasis en la iluminación y en el uso del color son de suma importancia en la conformación de mi estilo de ilustrar. Con el tiempo he creado una paleta de colores propia que toma como referencia los contrastes y destellos sutiles de la ilustración tradicional al óleo y que se focaliza en los detalles de la iluminación presente en la naturaleza. La presencia femenina es casi una constante en mi obra.

¬ŅC√≥mo transcurre tu proceso creativo?

Me siento ante la computadora o el papel con un caf√© y m√ļsica, esta √ļltima casi siempre expresa mis estados de √°nimo. Intento pensar en qu√© quiero transmitir y voy bosquejando infinitamente hasta que llego a un resultado que, aunque para mi sea un garabato, lo visualice como una imagen. Luego pienso en el aura crom√°tica y comienzo a dibujar sobre ello y a dar detalles directamente, pues soy un poco impaciente y ca√≥tica y me gusta ver resultados inmediatos en algunas de las partes, es un proceso que hago de manera desenfadada.

Como dibujante e ilustradora tienes una formaci√≥n autodidacta, ¬Ņsientes que existen iguales oportunidades para los creadores formados en academias que para aquellos que llegan al mundo del arte por sus propios medios de aprendizaje?

En nuestro contexto nacional creo que no, y esto precisamente est√° propuesto por el tipo de sociedad que tenemos. Como autodidacta me ha resultado muy complicado darme a conocer, y cuando lo he logrado, en ocasiones confunden mi formaci√≥n con la del Instituto Superior de Dise√Īo o piensan que mis m√©ritos los tengo porque me form√© en alguna academia; simplemente lo asumen. Igualmente, el acceso a medios de trabajo o exposiciones personales, incluso al mundo audiovisual o editorial es juzgado por la procedencia del artista o por sus contactos, en mi opini√≥n, muchas veces sin valorar la calidad del trabajo. Aun as√≠, nada de esto me detiene.

¬ŅPor qu√© has encauzado tu vida creativa hacia el dibujo y la ilustraci√≥n? ¬ŅC√≥mo descubriste que este ser√≠a tu camino como artista?

Desde peque√Īa naci√≥ esa admiraci√≥n por todo lo visual, inspirada por los dibujos animados y tambi√©n por el h√°bito de la lectura, cosa que agradezco a mis padres. Ellos sin saberlo fueron de cierta manera mis primeros referentes, aunque sus profesiones nada tienen que ver con el arte (mi madre es microbi√≥loga y mi padre ingeniero el√©ctrico), ambos tienen habilidades para el dibujo y muy pronto se percataron de las m√≠as y las incentivaron. Desde que logro recordar, fui creciendo como una persona que plantea sus ideas y pensamiento a partir de las im√°genes. Como suele suceder en muchos casos, las personas cercanas a m√≠ lo ve√≠an como un simple pasatiempo, la idea de no ser pr√°ctico o no tener una formaci√≥n universitaria, la presi√≥n del exterior, me hizo poco a poco tomar ese pensamiento. Estudi√© inform√°tica en el preuniversitario y luego comenc√© la carrera de arquitectura, en la que ten√≠a espacios donde pod√≠a seguir refugi√°ndome dentro de la creaci√≥n, pero no era suficiente.¬†

Entre el momento en que el artista descubre el llamado de la vocaci√≥n y ese otro momento en el que el artista sigue sin frenos su llamado puede transcurrir un buen tiempo. ¬ŅSucedi√≥ as√≠ en tu caso?

Efectivamente. Luego de mi graduaci√≥n como arquitecta estuve un buen tiempo desarrollando mi labor como profesora en la disciplina de dise√Īo. Inspirar los primeros a√Īos de los estudiantes, que en mi opini√≥n es la etapa m√°s importante de cualquier profesi√≥n, me hizo descubrir que faltaba esa chispa en mi vida. Una serie de trabajos t√©cnicos y de situaciones complejas a nivel personal sucedieron en los siguientes a√Īos, tiempo en el que pr√°cticamente cualquier bosquejo que sal√≠a de mi mano era para fundamentar un trabajo, hasta llegar a un momento de reflexi√≥n, de ser impulsiva.

Volver al dibujo fue casi un acto de auto aceptación y una lección crucial sobre la importancia de ser honesto con uno mismo en el arte. Un amigo me prestó mi primera tableta digital hasta que pude comprar la mía propia y así recomenzar algo que nunca debía haber terminado. Convertir la ilustración en una carrera de tiempo completo requiere aprender a personalizar nuestro enfoque creativo.

cortesía de la entrevistada

¬ŅQu√© tipo de colaboraciones con otros artistas te interesar√≠an en tu vida creativa?

Me encantar√≠a tener la oportunidad de colaborar con cineastas y escritores. El mundo de la animaci√≥n requiere de una etapa de dise√Īo conceptual que se adecua a mi estilo, que es m√°s desenfadado. Tambi√©n me gustar√≠a trabajar ilustraciones para el ballet.

¬ŅHas pensado en la ilustraci√≥n de libros?

Realmente mis deseos radican en esta interrogante. Crec√≠ en un mundo lleno de historias, le√≠ much√≠simo en mi adolescencia y aunque actualmente lo hago menos, porque el dibujo ocupa gran parte de mi tiempo, siempre me doy una escapada y al menos busco alg√ļn escrito que me motive. En muchos de mis trabajos pueden verse algunas frases que los inspiran o acompa√Īan la ilustraci√≥n, lo cual para m√≠ es el comienzo de todo, como lo son esas im√°genes que hice para el #folktaleweek2020. Ilustrar libros y crear mis propios √°lbumes ilustrados es mi sue√Īo futuro, transmitir esa sensaci√≥n que me hizo enamorarme de este universo art√≠stico.

El mundo de lo fant√°stico y lo on√≠rico forma parte indiscutible de tu trabajo como dibujante, ¬Ņpor qu√© sucede as√≠? ¬ŅQu√© es lo que m√°s te atrae de esa mirada a lo extracotidiano y a lo extraordinario?

Al principio de mi incursi√≥n en la ilustraci√≥n digital trat√© en vano de ser m√°s comercial, entonces quiz√°s mi trabajo llegaba o gustaba m√°s al p√ļblico, pero yo quedaba rara vez satisfecha con el resultado. Las escenas cotidianas, los autorretratos son im√°genes que est√°n presentes en mi vida, pero que no me definen como persona. Como dicen mis amigos, estoy siempre en la luna. Fue asimilar este concepto y comenzar a dibujarlo lo que realmente me hizo desbloquear ese mundo de sue√Īos. Cuando dibujo soy yo y al mismo tiempo soy quien quiera ser, me refugio en mi mundo de historias y personajes, viajo a todas partes desde mi silla de escritorio.

El mundo de Instagram ha sido una plataforma donde expones, a modo de nuevo tipo de galer√≠a, tu trabajo como dibujante. ¬ŅSon las redes sociales nuevos espacios de exhibici√≥n del arte?

Lo son. ¬ŅQu√© mejor manera de mostrar tu trabajo que cuando puede ser accesible a todos? Aun as√≠, desgraciadamente encontramos personas que en ocasiones quieren adue√Īarse de tu arte y no tienen reparo en hacerlo, por eso es importante establecer l√≠mites y con el tiempo poder crear nuestra propia plataforma independiente donde podamos hacer valer nuestro derecho de autor.

M√°s all√° del dibujo, ¬Ņqui√©n es Silvia?

Silvia es una mujer so√Īadora que intenta vivir el presente sin descuidar sus prop√≥sitos futuros. Hija, hermana y sobre todo amiga. Ilustradora comprometida con su trabajo y en ocasiones artesana. Amante de los simples placeres cotidianos como la lectura, el caf√© y el t√©, los animales, la cocina y los audiovisuales. Caminante urbana empedernida. Curiosa incansable de nuevos desaf√≠os.


Tatuarte, un proyecto que gana p√ļblico desde Holgu√≠n

La Casa del Joven Creador de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z de la ciudad de Holgu√≠n reabri√≥ sus puertas al p√ļblico el pasado 18 de junio con Tatuarte, proyecto pensado para la difusi√≥n del arte del tatuaje en Cuba.

Desde su primera edici√≥n, Tatuarte persigue reivindicar al tatuaje como una manifestaci√≥n art√≠stica dentro de las artes visuales, empe√Īo de su fundador y organizador del evento Gilberto Gonz√°lez Carcac√©s (Yiki), quien ha logrado sumar a representantes de toda Cuba.

Tatuarte 2021

‚ÄúLos tatuadores encuentran a trav√©s del evento un espacio para visibilizar su obra y expandir sus inquietudes art√≠sticas; siempre les he exigido que traigan sus propios dise√Īos, y dise√Īos que no sean convencionales. En Holgu√≠n tenemos la suerte que las instituciones apoyen este tipo de proyectos‚ÄĚ, destaca Yiki.

Tatuarte 2021

Debido a la aun amenazante condici√≥n epidemiol√≥gica del pa√≠s, la V edici√≥n ha resultado at√≠pica imposibilit√°ndose la interacci√≥n con creadores de otras provincias. En esta ocasi√≥n se ha enmarcado en el aspecto de buscar una interrelaci√≥n entre las obras que se exponen en la Galer√≠a de la AHS y las muestras que se realizan en vivo para el p√ļblico (propuesta perform√°tica atractiva donde se descontextualiza a el t√≠pico entorno de trabajo del tatuador hacia un espacio de taller-escenario, donde el tatuaje como producto visual es tambi√©n objeto de observaci√≥n para el espectador).

En la cita se cont√≥ con la participaci√≥n de cuatro tatuadores del patio: Denier Sellez D√≠az, Darwin Mario Puig Rodr√≠guez, Yiki, y el veterano Arquel Baganet Calzadilla, tambi√©n fundador del proyecto y ‚Äúpadre‚ÄĚ del tatuaje en Holgu√≠n.

Tatuarte 2021

Seg√ļn Javier Rodr√≠guez Calder√≠n, voz autorizada dentro del estudio de la pl√°stica, ‚Äúen la exposici√≥n se reunieron cuatro visualidades diferentes, y esto guarda relaci√≥n con el tatuaje que el visitante se pueda ejecutar. Se pueden encontrar en estas piezas algunas que est√°n m√°s combinadas a un sentido humor√≠stico y m√°s actual, desde la caricatura o lo naif, la intertextualidad de tatuajes referentes a la tradici√≥n asi√°tica, el abstraccionismo con ciertos niveles de manchas. Por eso la exposici√≥n se llama en esta ocasi√≥n ¬ę4 C de P a P¬Ľ: Cuatros creadores con caminos diferentes de la perded a la piel‚ÄĚ.

Manteni√©ndose la tradici√≥n del proyecto vinculado a otras manifestaciones del arte, durante la clausura del evento se pudo disfrutar de las bandas Complot, Dazehorn y Claim, de gran aceptaci√≥n por el p√ļblico joven.


Asomo de un Salón

Algo predispuesto con los Salones, uno asiste a sus inauguraciones sabiendo que encontrar√°, cuando menos, una selecci√≥n ‚Äďrepresentativa o no‚Äď del quehacer actual de un grupo de artistas pertenecientes a un determinado contexto social o geogr√°fico, pero conociendo que esa muestra no tiene que ser necesariamente el estado del arte en ese momento. Uno asiste a los Salones con la certeza que encontrar√° piezas que ha visto en otras muestras, personales o colectivas… Uno asiste a ellos ‚Äďpesimistas que somos‚Äď aun sabiendo que los m√°s reconocidos artistas no siempre estar√°n presentes y que ‚Äďy esto es algo bueno‚Äď los j√≥venes van ocupando el lugar legitimador que la instituci√≥n ha creado como catapulta visibilizadora de su trabajo (sabiendo incluso que muchas veces han fallado las estrategias de promoci√≥n y legitimaci√≥n). Aun as√≠ uno los visita, insiste en recorrerlos, incluso despu√©s de haber le√≠do varias cr√≠ticas donde se subraya el car√°cter epid√©rmico, mon√≥tono, tradicionalista, r√≠gido‚Ķ que en los √ļltimos a√Īos asolan los salones en varias ciudades del pa√≠s. No todos, est√° de m√°s decirlo; y aqu√≠ es donde la museograf√≠a y el ejercicio curatorial, principalmente, han venido a distinguir algunos salones en el panorama insular.

Uno asiste al XXIX Sal√≥n Provincial de Artes Visuales de Holgu√≠n, abierto al p√ļblico en el Centro Provincial de Artes (CPA) con un t√≠tulo, Asomo de un Sal√≥n, que nos reafirma la ‚Äúgradual retracci√≥n, en detrimento de la deseada pero pocas veces alcanzada representatividad de los procesos art√≠sticos locales‚ÄĚ, que en esta edici√≥n el certamen ‚Äďel principal de su tipo en la provincia‚Äď ha mostrado, como asegura su curadora Bertha Beltr√°n, pero con el deseo de que la tan deseada representatividad d√© paso a la necesaria calidad del mismo (Un t√≠tulo que, incluso, recurre inteligentemente a la iron√≠a, a lo l√ļdico, a aprovechar y sacar partido de las debilidades de la edici√≥n, como alternativa necesaria, l√≥gica y perspicaz).

Cada a√Īo el joven equipo del CPA, que celebra su 30 aniversario este a√Īo, liderado por Yuricel Moreno Zald√≠var, ha buscado alternativas y potenciado dis√≠miles ejercicios curatoriales para revitalizar los salones locales ‚Äďtanto en el Provincial, cada dos a√Īos, como cada enero el Sal√≥n de la Ciudad‚Äď, y desde una mirada cr√≠tica y cuestionadora, incluso del hecho art√≠stico, del mercado del arte, la institucionalizaci√≥n y circulaci√≥n del mismo, y de la propia articulaci√≥n de los salones como entes legitimadores, visibilizar la producci√≥n pl√°stica holguinera, pues ‚Äúcomo evento es un sujeto vivo, d√ļctil, susceptible a cambios y, sobre todo, es un riguroso ejercicio de pensamiento, para no correr el riesgo de quedar obsoleto en el tiempo‚ÄĚ, a√Īade Berta en el cat√°logo, pues el Sal√≥n Provincial no est√° ausente de varias de estas cuestiones: la falta de reconocidas firmas, la poca participaci√≥n de los artistas locales, que ha hecho menguar el nivel de convocatoria y el inter√©s, la calidad de las obras en concurso‚Ķ (Todo esto, de alguna manera, pod√≠a reflejar el estado de las artes visuales en Holgu√≠n).

Este riesgo lo ha evitado siempre el Sal√≥n, pues ha sido un espacio ‚Äúcon amplia tradici√≥n dentro de la vida cultural holguinera‚ÄĚ, y que ‚Äúse ha caracterizado por mostrar el quehacer de la provincia y a lo largo de estos a√Īos, premiado el √≠mpetu de varias generaciones de artistas‚ÄĚ.

Esta 29 edici√≥n reuni√≥ a 18 creadores y 25 obras en concurso, lo que subraya que ‚Äúqueda mucho por desear, hacer y mostrar‚ÄĚ, pues ‚Äúasistimos al nacimiento de tiempos que imponen nuevos y dif√≠ciles retos‚ÄĚ. ‚ÄúPartiendo de un eje curatorial con un pensamiento cr√≠tico que vincule a un creador motivado y comprometido, para un p√ļblico √°vido del disfrute est√©tico, el Centro de Arte en el a√Īo 30 de su aniversario tiene como reto futuro rebasar todas las expectativas posibles‚ÄĚ. Sin dudas sobrepasar este ‚Äúasomo‚ÄĚ de lo que ha sido el Sal√≥n Provincial, a partir del an√°lisis y superaci√≥n de esta experiencia, matizada por los efectos sociales de la Covid-19 y las alternativas para sobreponerse, personal e institucionalmente, constituye una vara alta que la instituci√≥n holguinera sobrepasar√° con √©xito.

Repasemos los premios de esta edici√≥n del Sal√≥n. El jurado, integrado por Leticia Leyva Azze, Ernesto Ceballos Hern√°ndez y V√≠ctor Manuel Vel√°zquez Mirabal, decidi√≥ entregar un Premio √ļnico ‚Äúpor trascender la visi√≥n meramente est√©tica o formal, por plantearse una met√°fora acerca del vac√≠o y del espacio existencial con la depurada carga minimalista y por el sentimiento de libertad que aportan‚ÄĚ, al proyecto escult√≥rico ‚ÄúLa libertad de la tierra‚ÄĚ, fotograf√≠a digital de Luis Alberto Santiesteban G√≥ngora (en mi opini√≥n, una de las obras m√°s interesantes de una muestra peque√Īa y variopinta). Mientras que las menciones recayeron en Juan Carlos Dom√≠nguez Diez, por el video ‚ÄúPiel de Burd√©gano‚ÄĚ, y Cristian Escalona Herrera, por la obra de la serie fotogr√°fica digital ‚ÄúSobre como las palabras construyen im√°genes‚ÄĚ.

Por su parte, la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z premi√≥ ‚Äú¬°Cierra las piernas!‚ÄĚ (monotipia/cartulina) de Cecilia Patricia Vaca Rodr√≠guez; la Filial del Fondo Cubano de Bienes Culturales a Raymundo Sosa Tamayo con ‚ÄúLa caravana‚ÄĚ (√≥leo/lienzo); y la Uneac sum√≥ su reconocimiento al Premio entregado por el jurado a Luis Alberto Santiesteban G√≥ngora.

Adem√°s de los premios otras obras destacan en la propuesta: ‚ÄúGrafemas para un pol√≠glota‚ÄĚ, fotograf√≠a digital de An√≠bal de la Torre; ‚ÄúLa familia insurrecta‚ÄĚ y ‚ÄúObertura cubana‚ÄĚ, mixtas/lienzo de Dayam√≠ Pupo; las obras de la serie ‚ÄúDe avispa‚ÄĚ y otras piezas de Cecilia Patricia Vaca Rodr√≠guez; las obras de la serie ‚ÄúFashion On‚ÄĚ de Dayam√≠ Rodr√≠guez; ‚ÄúAntojos‚ÄĚ (acr√≠lico/lienzo) de Hennyer Delgado Chac√≥n, y ‚ÄúMezcla homog√©nea‚ÄĚ, de Mariannis Mirabal Ripoll.

M√°s all√° del hecho curatorial, me parece que lo m√°s significativo de este Sal√≥n ‚Äďcomo en otros salones recientes‚Äď ha sido la convergencia de diferentes po√©ticas con un discurso ideoest√©tico propio dentro del quehacer regional y nacional, incluso an√°logo en cuanto a intenciones e interrogantes creativas y sociales. As√≠ la galer√≠a se convierte en ese espacio donde todo es posible: v√≥rtice abierto a m√ļltiples posibilidades que terminan confluyendo sem√°nticamente y mostrando una parte, aunque no sea representativa, aunque no sea la deseada, del cuerpo pl√°stico holguinero. Un Sal√≥n que, en pr√≥ximas ediciones, estoy seguro de ello, sabr√° superarse y crecer. Mientras bien vale la pena ‚Äúasomarnos‚ÄĚ un poco para ver mejor.


Vocación por el arte

Su pasi√≥n por el universo de la pintura lo condujo desde peque√Īo hacia el arte. Sus padres estimularon ese anhelo y Josvel V√°zquez Prat encontr√≥ en la Escuela de Instructores de Arte de Holgu√≠n un espacio para aprender, en el Centro de Artes Pl√°sticas un sitio para desarrollarse, y en la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z un motivo para crecer y compartir sus conocimientos.

Hice las pruebas de ingreso cuando la Escuela ten√≠a apenas dos a√Īos de abierta en Holgu√≠n y tuve la dicha de que el claustro de profesores estuviera compuesto por importantes artistas como Miguel √Āngel Salv√≥ en dibujo y pintura, Julio Alarc√≥n en grabado, entre otros. Ellos nos hablaban del fuerte movimiento art√≠stico de la ciudad y eso aviv√≥ mi pasi√≥n por el arte. El objetivo fundamental de un instructor es encontrar talentos en las escuelas e incentivarlos, pero siempre quise ir m√°s all√°.

cortesía del entrevistado

De instructor a curador…

Cuando me gradu√© comenc√© a trabajar en la Casa de Cultura ‚ÄúManuel Dositeo Aguilera‚ÄĚ y despu√©s de un tiempo escuch√© que exist√≠a una plaza vacante como curador en el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas. No ten√≠a una idea exacta de lo que iba a hacer, pero ten√≠a inquietudes sobre esta profesi√≥n, y en el a√Īo 2014 la directora de la instituci√≥n, Yuricel Moreno, me dio la oportunidad. Ella estaba formando un nuevo equipo para cambiar la din√°mica de trabajo y junto a un grupo de j√≥venes egresados de la carrera de Historia del Arte comenc√© a hacer los proyectos curatoriales y a convocar a los artistas.

En ese mismo a√Īo realic√© el Tercer Sal√≥n de la AHS que se llam√≥ Entre col y col y as√≠ poco a poco me fui integrando a la Asociaci√≥n, hasta que me seleccionaron como jefe de la secci√≥n de Artes Visuales, un puesto en el que llevo ya tres a√Īos.

¬ŅHa sido un reto para ti?

En parte s√≠, porque me ha obligado a superarme cada d√≠a y a prepararme mejor. Tambi√©n me ha brindado la posibilidad de trabajar en la confecci√≥n del cat√°logo monogr√°fico sobre la pintora, escultora y muralista mexicana Electa Arenal Huerta, y en la curadur√≠a de diversas exposiciones como ‚ÄúVariaciones sobre temas de Matisse‚ÄĚ, del reconocido pintor holguinero Cosme Proenza; la colectiva ‚ÄúPensar a La Luz‚ÄĚ, auspiciada por el sello de la AHS en Holgu√≠n, Ediciones La Luz, y el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas; y ‚ÄúEn L√≠nea‚ÄĚ, que reuni√≥ a j√≥venes artistas de la pl√°stica local y se exhibi√≥ en la Casa del Joven Creador de la AHS, entre otras.

cortesía del entrevistado

Curar en tiempos de pandemia…

La necesidad de estar aislados nos ha obligado a redise√Īar los espacios tradicionales y a buscar una visualidad en las plataformas digitales con proyectos que incluso contienen obras modeladas en tercera dimensi√≥n. Sin duda alguna las redes sociales han sido fundamentales durante esta crisis sanitaria para la promoci√≥n de las obras. As√≠ tuvimos que hacerlo durante la Fiesta de la Cultura Iberoamericana del a√Īo 2020 con la muestra de artes visuales ‚ÄúM√°s all√° del tiempo y el espacio‚ÄĚ, y en Babel, evento de las Romer√≠as de Mayo que promueve lo mejor de las Artes Pl√°sticas.

Para lograr que las exposiciones sean más atractivas en el escenario virtual hemos tenido que superarnos profesionalmente y, aun cuando ha sido una variante paliativa a esta situación, creo que la virtualidad llegó para quedarse y en el futuro debe coexistir con las muestras físicas.

cortesía del entrevistado

Babel, Haute Couture y las redes sociales…

Es bastante exigente organizar cada a√Īo el evento Babel en el Festival Mundial del Arte Joven y en esta edici√≥n, a pesar de la Covid-19, nos pusimos el reto de realizar una exposici√≥n colectiva virtual bastante ambiciosa. Para ello convocamos a los miembros de la Asociaci√≥n de todo el pa√≠s y tuvimos una respuesta muy satisfactoria, logrando reunir en Haute Couture (Alta costura) a j√≥venes creadores de casi todas las provincias y el municipio especial Isla de la Juventud, como Jorge Pedro Mart√≠n, Luis Alberto Salda√Īa, Ram√≥n Jes√ļs, Leandro Emilio Mompi√©, Eduardo de la Cruz Guerra, Hennyer Delgado y Julio C√©sar Cisneros Fuentes, entre otros.

¬ŅEst√° garantizado el relevo generacional en Holgu√≠n?

Holguín fue, es y seguirá siendo una importante plaza de las artes plásticas a nivel nacional, porque aquí hay mucho talento y prestigiosas escuelas formadoras como la Academia Regional de Artes Plásticas El Alba, que cuenta con un claustro conformado por destacados artistas en activo y miembros de las principales organizaciones que aglutinan a los creadores de esta manifestación. En esa institución holguinera se forma cada día una parte del futuro cultural de Cuba.

Insatisfacciones y proyectos…

Como jefe de sección creo que nos falta por lograr una mayor promoción de las artes visuales en el mercado internacional y posicionar a los artistas en otros circuitos del arte, además de fundar proyectos y espacios expositivos fuera de los eventos.

En mi caso personal, trabajo ahora mismo en la maquetaci√≥n de un libro dedicado a los 30 a√Īos del Centro Provincial de Arte junto a Ramiro Ricardo, primer director del centro y fundador de la AHS. Asimismo, cuando pase la pandemia, quiero organizar una gran exposici√≥n f√≠sica con los miembros de la AHS de toda Cuba por sus 35 a√Īos de fundada, y trabajar en la curadur√≠a de otros proyectos innovadores que le gusten a la gente y movilicen su pensamiento, eso es lo fundamental.

cortesía del entrevistado

Anibal De la Torre, orgulloso de llevar la isla dentro

Anibal De la Torre Cruz (1985) es uno de los m√°s persistentes artistas visuales holguineros. A fuerza de trabajo y talento ‚Äďnunca est√° tranquilo, sino en la b√ļsqueda constante, asegura‚Äď, su firma aparece en la mayor√≠a de las exposiciones colectivas realizadas en Holgu√≠n en los √ļltimos a√Īos. Estas, junto a las personales que ha inaugurado, como la reciente Rostros en la sede provincial de la Uneac, nos reafirman que la po√©tica de Anibal, la cosmovisi√≥n que permea sus cuadros, mezcla de elementos identitarios locales y nacionales, con otros de la tradici√≥n yoruba, es reconocible a simple vista. Ha logrado con ello lo que muchos artistas buscan: un sello de identidad, una marca visible ‚Äďque ha evolucionado, pero ha mantenido, como un v√≠a crucis, los mismos sentidos, b√ļsquedas, dudas y preocupaciones, sue√Īos y signos a los que aferrarse como se√Īales de la vida‚Äď en el panorama de la pl√°stica holguinera y cubana.

 

Por un lado, reconocemos en su obra los retratos y la autorepresentaci√≥n ‚Äďcomo un an√°lisis de las ‚Äúpreocupaciones, cuestionamientos, interrogantes, estados an√≠micos y un modo de representar el yo interior‚ÄĚ‚Äď; y por otro, la representaci√≥n de la cultura y el pante√≥n afrocubano, espec√≠ficamente el yoruba y sus s√≠mbolos, como ‚Äúel resultado de algunas interrogantes sobre la fe en las personas, su influencia sobre ellas‚ÄĚ, y como un ‚Äúcamino de conexi√≥n entre lo terrenal y lo espiritual, una manera de caracterizar una idea, un concepto‚ÄĚ. Su obra, insiste, es un retrato de su vida. Un reflejo del mundo interno que siempre lo acompa√Īa. Ra√≠ces, creencias e identidad podr√≠an resumirla, pero dejemos que sea el propio Anibal De la Torre quien nos cuente sobre las formas en las que el mundo se le transfigura en arte.

Vayamos a los primeros pasos‚Ķ De ni√Īos casi todos dibujamos y casi todos queremos ser artistas‚Ķ Pero, ¬Ņc√≥mo te inclinas a las artes pl√°sticas ya m√°s seriamente? ¬ŅAlg√ļn antecedente familiar, o en tu caso sucedi√≥ eso que muchos llaman, sencillamente, vocaci√≥n?

Mi inclinaci√≥n por las artes pl√°sticas comenz√≥ desde muy temprana edad. Desde peque√Īo mi familia y amigos de mis padres que frecuentaban la casa, dec√≠an que ten√≠a vocaci√≥n para la pintura. Recuerdo que en la primaria mis compa√Īeros me hac√≠an cola para que les dibujara personajes de dibujos animados que daban en la televisi√≥n; mis favoritos a dibujar eran las tortugas ninja y los gatos samur√°i. Cada vez se hac√≠a m√°s fuerte la necesidad de dibujar y pintar.

Me presentaba a concursos de pl√°stica infantil que se convocaban en la escuela, de los que fui premiado en diferentes niveles. En esa √©poca la Academia de Artes Pl√°sticas abri√≥ un curso para ni√Īos (estaba en 6to grado) y me present√©. All√≠ estuve recibiendo clases de dibujo tres o cuatro meses y aprend√≠ mucho gracias a mi primer profesor y amigo en la actualidad Ernesto Sancipri√°n.

Luego de concluido este curso, conoc√≠ a otro artista que me acoger√≠a en su casa para continuar ofreci√©ndome conocimientos de las artes pl√°sticas, las gracias a Octavio Torres. En mi familia tengo la suerte de tener antecedentes en el mundo de las artes pl√°sticas: mi abuelo, que ya no nos acompa√Īa, recibi√≥ estudios de pintura en su juventud y su hijo, mi t√≠o, se gradu√≥ de escultura en la Escuela Profesional de Artes Pl√°sticas de Holgu√≠n. Como dicen por ah√≠, eso va en la sangre. Mi abuelo fue la principal persona que me apoy√≥ y me inculc√≥ desde peque√Īo mi amor por las artes pl√°sticas. Siempre me llam√≥ la atenci√≥n un cuadro suyo, unas palomas en su palomar en tonos ocres y sienas, creo que ese cuadro fue el detonante de mi pasi√≥n por la pintura.

Te grad√ļas de la Escuela de Instructores de Arte en Holgu√≠n en su primera graduaci√≥n ‚Äďluego haces la Licenciatura en Estudios Socioculturales en la Universidad de Holgu√≠n‚Äď, y al poco tiempo comienzas a participar en muestras colectivas y realizas tus primeras exposiciones personales. Ha sido un camino largo hasta hoy y al mismo tiempo de crecimiento‚Ķ Com√ļnmente la docencia en Instructores de Arte est√° m√°s enfocada a la ense√Īanza art√≠stica y sus metodolog√≠as, y no son muchos los j√≥venes instructores que, a la par de trabajar en esto, han sostenido una obra personal s√≥lida. ¬ŅCu√°nto crees que influy√≥ en tu trabajo, y en tu formaci√≥n como joven creador, estos a√Īos cursados en Instructores de Arte?

Entrar a la Escuela de Instructores de Arte fue un paso para perfeccionar mis conocimientos sobre las artes pl√°sticas. Mis cuatro a√Īos en la escuela marcaron una etapa de mucho estudio y dedicaci√≥n. Debo agradecer much√≠simo a mis profesores Luis Santiago, Julio C√©sar Rodr√≠guez, Michel Cruz, Carlos C√©spedes, Eduardo Padilla, Bertha Beltr√°n, entre otros. Excelentes artistas que les debo los conocimientos que me inculcaron y lo que he logrado hasta ahora.

Creo y no quisiera ser absoluto, pero mi a√Īo tuvo la dicha y la suerte de tener a estos excelentes artistas como profesores. Me gradu√© en 2004, en la primera promoci√≥n de esta escuela creada por Fidel Castro. Me incorpor√© en una escuela primaria para cumplir con mi servicio social de cinco a√Īos. Durante este tiempo llev√© al un√≠sono la pedagog√≠a y mi carrera como artista. Trat√© de superarme cada d√≠a m√°s, investigando mucho y present√°ndome a los diferentes cert√°menes que se convocan en la provincia. Fue una etapa en la que comenc√© a despuntar y a proponerme metas a alcanzar. As√≠ apareci√≥ mi primera muestra personal, aquella que romper√≠a el hielo, en 2007 en la Galer√≠a Holgu√≠n. Fue un reto que trajo cr√≠ticas constructivas, pero marcaba el inicio de lo que realmente quer√≠a en mi vida, pintar, y lo primero que me sal√≠a era elementos distintivos de Holgu√≠n, como la Loma de la Cruz, el reloj del Cine Mart√≠, mezclados con palmas, helechos, girasoles, en una paleta de tonos ocres y sienas.

Identidad – Anibal De la Torre – 2012

¬ŅCu√°nto sigue influyendo la experiencia docente en el Anibal artista? Com√©ntame un poco sobre tu participaci√≥n, en dos ocasiones, en la misi√≥n ‚ÄúCultura Coraz√≥n Adentro‚ÄĚ en Venezuela.

Venezuela lleg√≥ de manera sorpresiva. No me imaginaba ir a un pa√≠s con una cultura totalmente diferente a la nuestra; fue un pelda√Īo nuevo que subir en mi vida. A penas ten√≠a 24 a√Īos, muy joven, para asumir una responsabilidad pedag√≥gica con personas de diferentes grupos etarios; realmente fue una tarea que me exig√≠a superarme cada d√≠a m√°s. Llegar a un cerro, realizar un diagn√≥stico profundo de su poblaci√≥n para emprender una labor docente art√≠stica fue un reto dif√≠cil, pero gracias a cultores venezolanos del √°rea, el trabajo se facilit√≥ un poco.

Es v√°lido destacar que esta hermosa experiencia aport√≥ mucho para mis conocimientos y como persona. Fue una etapa en mi vida que aprovech√© mucho, pues visit√© galer√≠as y museos donde disfrut√© originales de grandes artistas de talla internacional, con solo mencionar a Duchamp, Warhol, Christo, Kandinsky, Botero, Carlos Cruz-Diez, Jes√ļs Soto, Mondrian, Picasso, entre otros. Tambi√©n compart√≠ con artistas destacados del pa√≠s, y aprend√≠ mucho de sus experiencias. Tuve la suerte de realizar una exposici√≥n bipersonal de fotograf√≠a junto a mi esposa en la Galer√≠a Elsa Morales, de la Casa del Artista de Caracas. Esa fue mi primera experiencia internacional, que disfrut√© mucho, y tuvo muy buena acogida por el p√ļblico venezolano.

Habl√°bamos de un crecimiento, una evoluci√≥n‚Ķ Al revisar tu obra notamos que, sin importar las diferentes etapas por las que ella ha ido transitando, desde las palmas, relojes, los s√≠mbolos arquitect√≥nicos de la ciudad de Holgu√≠n, de tus primeras series, hasta los recientes Rostros, se reconoce la po√©tica de Anibal De la Torre. ¬ŅQu√© rasgos crees que han identificado tu pintura; no ahora, sino en esa especie de recorrido pl√°stico con el sello de tu trabajo?

Mi recorrido, desde mi primera exposici√≥n personal, es un retrato de mi vida. De d√≥nde vengo, mis ra√≠ces, mis creencias, mi identidad. Este recorrido yo lo ver√≠a como un diario en el que cada exposici√≥n es una nueva etapa, donde plasmo sentimientos e interrogantes que son constantes en el d√≠a a d√≠a. Trato de analizar el mundo que me rodea y c√≥mo influye en el paso de mi vida. La obra de Anibal ha sido eso, un reflejo de ese mundo interno que lo acompa√Īa siempre.

Protección РAnibal De la Torre Р2013

¬ŅQu√© es la identidad para ti?

La identidad es el conjunto de elementos que hacemos propios, como la forma de hablar, caminar, vestir, pintar; el sello que caracteriza a cada persona. Una persona sin identidad es un alma errante caminando sin presente y futuro. Las personas deben tener bien claro esto para saber de dónde venimos y hacia dónde vamos.

Hablemos de dos cosas: la autorepresentaci√≥n (el autorretrato, que sabemos es uno de los ejercicios de an√°lisis m√°s complejos para un artista) y la representaci√≥n de la cultura y el pante√≥n afrocubano, espec√≠ficamente el yoruba y sus s√≠mbolos (caracoles, herraduras, girasoles, clavos, helechos, incluso en el uso de elementos no convencionales como el saco de yute y los caracoles) en tu cosmovisi√≥n. ¬ŅPor qu√© te interesa el retrato y espec√≠ficamente el autorretrato, incluso en las fotograf√≠as de la muestra ‚ÄúSilencio roto‚ÄĚ? ¬ŅPodr√≠amos hablar de asumir la fe tambi√©n desde las posibilidades de la creaci√≥n pl√°stica? ¬ŅY acaso tambi√©n de una cr√≠tica de la religi√≥n con fines mercantilistas, a mucha doble moralidad que abunda hoy?

Desde mi tercera exposici√≥n personal, Revelaciones, comenc√© a representarme a m√≠ mismo en las obras. M√°s bien ha sido un an√°lisis de etapas de mi vida: preocupaciones, cuestionamientos, interrogantes, estados an√≠micos y un modo de representar el yo interior. En la historia del arte el autorretrato ha sido una herramienta para representar estados y etapas de su vida. Es una herramienta que contin√ļo aplicando, todav√≠a queda mucho por expresar.

La muestra fotográfica Silencio roto, fue el resultado de algunas interrogantes sobre la fe en las personas, su influencia sobre ellas y como ha llegado a la doble moralidad y por qué no, de llevar este ritual sagrado a fines mercantilistas. La utilización de diferentes elementos como clavos, las herraduras, los propios caracoles (Diloggun), entre otros, han sido un camino de conexión entre lo terrenal y lo espiritual, una manera de caracterizar una idea, un concepto.

Hablemos un poco de los maestros. Cubanos y extranjeros, creadores conocidos o no. Artistas a los que admiras y sigues. ¬ŅQui√©nes, de una manera y otra, te han influido como artista?

Desde que comenc√© mis estudios en la Escuela de Instructores de Arte, no par√© de buscar, leer e investigar sobre las artes pl√°sticas en el devenir de la historia. A cada artista siempre lo marca alguna tendencia o un pintor en espec√≠fico; en mi carrera he tenido muchas influencias de varios artistas, siempre experimentando, tratando de buscar un sello propio, o m√°s bien algo que te identifique y que cuando vean tu trabajo, digan: ese es un Anibal. Creo que ese es el anhelo que todo artista desea. Admiro mucho la obra de los artistas cubanos Roberto Diago, Jos√© Bedia, Mendive, Ernesto Ranca√Īo, Kcho, los holguineros Yovani Caises, Jos√© Emilio Leyva, Ernesto Sancipri√°n, Jorge Hidalgo Pimentel y Miguel √Āngel Salv√≥, de cuya creaci√≥n art√≠stica he bebido.

La exposici√≥n Persistencia del uso (2014) se caracteriz√≥ por la ‚Äúacogida de la oscuridad, un tratamiento escabroso, poco colorido, abrupto‚Ķ‚ÄĚ. Com√©ntame, Anibal, un poco sobre esta muestra.

Esta fue una exposici√≥n diferente a las dem√°s, en cuanto a la tonalidad. Trat√© de representarla en general con los negros y sienas. Plasm√© de manera simple, o sea, sin mucho tratamiento pict√≥rico, ciertas pr√°cticas de la religi√≥n yoruba, por ejemplo, el empleo de hierbas, velas, cascarillas, miel, ron y condimentos colocados dentro de un estante con tapa de cristal, simulando un botiqu√≠n m√©dico, estableciendo la funci√≥n paralela de √ļtiles para la curaci√≥n. Esta obra fue instalativa y en las dem√°s planim√©tricas us√© fondo negro y por lo general de manera lineal, simbolic√© los caracoles y ojos como estrellas en la noche o como lluvia en el mar.

Incorpor√© a las obras el t√≠tulo como parte de la composici√≥n. Me gust√≥ mucho ‚ÄúYo, t√ļ, √©l, nosotros, ustedes, ellos‚ÄĚ, donde expongo la silueta de la due√Īa del mundo y de los mares, que guarda bajo su falda el √°nfora; que guarda secretos m√≠sticos, empleando los colores negro, azul y gris.

M√°s de 15 exposiciones personales y 80 colectivas‚Ķ Obras tuyas en portadas de libros. Trabajo con diferentes t√©cnicas, materiales‚Ķ Incursiones tambi√©n en la fotograf√≠a. Veo ahora que el dise√Īo escenogr√°fico y de vestuario de una obra de teatro, que es totalmente diferente a lo anterior. M√°s tu trabajo en el Centro Provincial de Casas de Cultura. Creo que siempre est√°s haciendo algo, inmenso en alg√ļn proyecto‚Ķ ¬ŅDime c√≥mo lo haces? Y adem√°s, en esta etapa de claustro por la Covid-19 ‚Äďmomento en que inauguraste Rostros en la sede de la Uneac de Holgu√≠n‚Äď, ¬Ņc√≥mo ha sido el trabajo y la creaci√≥n art√≠stica para Anibal De la Torre?

Nunca estoy tranquilo, o sea, me mantengo creando e incursionando en otras ramas dentro de las artes visuales. Gracias a la tecnolog√≠a me he enamorado del dise√Īo gr√°fico. He realizado varios carteles para cortometrajes de trabajos de tesis de estudiantes del ISA; as√≠ como dise√Īos escenogr√°ficos para una obra de Rosa Mar√≠a Rodr√≠guez, ganadora de una beca de creaci√≥n de la AHS. He incursionado en la fotograf√≠a, que es un soporte con el que me gusta experimentar.

Miradas en composicion fragmentada – Anibal De la Torre – 2021

Durante la etapa de cuarentena, al aparecer la Covid-19, fue un momento que casi todos los artistas se dieron a la tarea de desempolvar proyectos. Yo no estaba exento de eso; fue el momento preciso para poner manos a la obra de la serie Rostros, donde uso como modelos a los amigos que tengo a la mano, mis compa√Īeros de trabajo y mi familia. De ellos capto expresiones faciales en diferentes estados de √°nimo dando mayor tratamiento al rostro y representando con trazos abstractos el cintur√≥n escapular, mientras que el fondo es plano con tonalidades pastel en la gama de los rosas y ocres, estamp√°ndoles elementos recurrentes en mi obra, como los herraduras, caracoles, girasoles, clavos y garabatos.

Creo que hasta yo mismo me sorprendo que en tan poco tiempo haya logrado esto. Mi esposa, Annia Leyva, también artista de la plástica, dice que soy una máquina pintando, que salto de un cuadro hacia otro y de una cosa a la otra, que siempre estoy haciendo algo. Es el resultado de siempre estar creando, ser perseverante y tener fe en uno mismo. Eso es lo fundamental, nunca cansarse y seguir batallando, en un camino que puede tener espinas y pétalos.

Hablemos de la familia, ese eslab√≥n b√°sico para la creaci√≥n. De tu esposa Ania Leyva (y del trabajo juntos) y de los ni√Īos‚Ķ ¬ŅC√≥mo trabajas? Alguna rutina, alg√ļn m√©todo, algo en particular‚Ķ

Me siento una persona afortunada por compartir mi vida junto a mi esposa Annia y de tener a mis dos hijos, Kevin, de 14 a√Īos, y la peque√Īa Anabella, de cuatro a√Īitos. La vida me ha regalado lo m√°s grande que pueda tener un ser humano, los hijos. Ellos son mi inspiraci√≥n cada d√≠a. Soy de los que digo que detr√°s de un hombre hay una gran mujer. Trato de llevarlo todo a la par: trabajo, casa, creaci√≥n art√≠stica, ser un buen padre y esposo. Nuestra casa es peque√Īa, lo mismo pinto en la cocina que en el cuarto, y cuando las obras son muy grandes, las hago en mi trabajo. He acompa√Īado a Annia en varias exposiciones de fotograf√≠a; ella es una excelente artista a la que admiro mucho. Tengo mucho que aprender de ella. Me siento bendecido.

Jugando con el nombre de una exposici√≥n tuya, Anibal, ¬Ņc√≥mo es llevar la isla dentro?

La patria, o sea este pedacito de tierra en el que vivimos, es lo más grande que pueda tener un cubano, donde confluye tu identidad, tus raíces, tu forma de ser. Anibal De la Torre se siente orgulloso de llevar siempre esa Isla dentro.


Línea de Kármán

La exposici√≥n colectiva online L√≠nea de K√°rm√°n, inaugurada recientemente en Telegram, re√ļne la obra de catorce j√≥venes artistas visuales estudiantes del Instituto Superior de Arte (ISA), y deviene sugestivo muestrario de lenguajes, g√©neros y miradas de la creaci√≥n joven en Cuba.

La ma√Īana despu√©s (Aisladas) – Daniela √Āguila/ Fotos tomadas de la exposici√≥n

‚ÄúLos senderos del arte se abren paso. Escrutan la sabidur√≠a, declarada en basamento conceptual desde su propia denominaci√≥n. El impulso creador, en pos de la necesidad de expresi√≥n y di√°logo con el espectador, atisbado desde las diferentes plataformas digitales‚ÄĚ, escribe en las palabras del cat√°logo Mar√≠a de Lourdes Santana Arcos, y a√Īade que aqu√≠ ‚Äúse entretejen l√≠neas, blindadas por cierta visi√≥n de historia en la que el artista no puede sobreexistir al margen del entorno‚ÄĚ, por lo que la muestra, ‚Äúresulta, sin dudas, una propuesta fertilizada por la vivencia personal desde una dimensi√≥n colectiva y una complementaci√≥n de lenguajes, donde dibujo, grabado, instalaci√≥n, calado, fotograf√≠a, performance, y videoarte, devienen en traza del l√≠mite entre una atm√≥sfera subjetiva y el espacio p√ļblico-exterior‚ÄĚ, a√Īade.

De esta manera encontramos ‚Äďen esta exposici√≥n que toma el t√≠tulo del l√≠mite entre la atm√≥sfera y el espacio exterior, a efectos de aviaci√≥n y astron√°utica, conocido como la l√≠nea de K√°rm√°n‚Äď el trabajo de Daniela √Āguila, Daniel Ant√≥n, Jany Batista, Roxana Bello, Rosa Cabrera, Mar√≠a Fernanda Chac√≥n, Liz Maily Gonz√°lez, Yasiely Gonz√°lez, Liz Melisa Jim√©nez, Jhonatan Mario Gonz√°lez, Osmany Reyes, Juan Jos√© Ricardo, Mar√≠a de Lourdes Santana y Aldo Soler.

Liz Maily Gonz√°lez, en ‚ÄúCreaci√≥n de un v√≠nculo. Homenaje a Margaret Mead‚ÄĚ (dibujo sobre imagen impresa) aborda ‚Äúun proceso de sanaci√≥n, la creaci√≥n de un ambiente favorable y un pacto ante el dolor‚ÄĚ, que ‚Äúpermiti√≥ el mejoramiento para el hombre y nuestro paso para convertirnos en seres verdaderamente humanos‚ÄĚ (la sanaci√≥n de un hueso fracturado resulta evidencia del cuidado y la evoluci√≥n humana, como mostraron los estudios de esta antrop√≥loga estadounidense). Mientras que Juan Jos√© Ricardo Pe√Īa, en ‚ÄúSer libre para ser culto‚ÄĚ (grafito y acuarela sobre la pared, intervenci√≥n a manera de cenefas sobre la pared de una casa), ‚Äúrefleja varios cuestionamientos sobre el valor que le damos al arte y como este valor es caracter√≠stica en determinado espacio social. Hago uso del kitsch, el cual es un fen√≥meno con el que vivo a diario para establecer con el espectador un di√°logo desde lo auto-referencial‚ÄĚ.

Bisar РActo 1 (Detalle) РAldo Soler/Fotos tomadas de la exposición

En ‚ÄúLa l√≠nea de la vida o composici√≥n # 1 en honor al silencio‚ÄĚ, performance de tres minutos de duraci√≥n (pieza de hierro fundido perteneciente a un piano familiar Jhon L. Stowers de 1952 de 11 libras), Mar√≠a de Lourdes Santana ‚Äúrepresenta el medio id√≥neo para llevar a cabo una propuesta donde el dolor deviene en traza, y la traza en representaci√≥n de un gesto ef√≠mero‚ÄĚ.

En otra de las obras que integra L√≠nea de K√°rm√°n, la videoinstalaci√≥n ‚ÄúBisar (acto 1)‚ÄĚ, Aldo Soler representa ‚Äúdos videos que inician a la vez, perfectamente sincronizados. Con el paso del tiempo, ambos videos en bucle van perdiendo sincronizaci√≥n, hasta tal punto de que sea muy marcada y los audios se escuchen desincronizados, haciendo inentendibles su contenido. La pieza termina cuando estos videos pasan por todo el ciclo y se vuelven a sincronizar‚ÄĚ, explica.

Mientras que Mar√≠a Fernanda Chac√≥n, en ‚ÄúCabos sueltos‚ÄĚ (instalaci√≥n papel y calado con l√°ser) ‚Äúprofundiza en la idea del paso del tiempo y el deterioro, aludiendo a la representaci√≥n de patrones de alicatado, como emblema de la arquitectura cubana. Son fragmentos de un pasado pr√≥ximo, trozos de la memoria colectiva cubana, s√≠mbolo del pasado republicano del pa√≠s‚ÄĚ.

Interesantes ‚Äďcomo el resto de las piezas y la muestra en s√≠‚Äď resulta la instalaci√≥n ‚ÄúPaisaje emocional‚ÄĚ, a partir de fragmentos de losas, tierra fertilizada y plantas medicinales, de Yasiely Gonz√°lez, y ‚ÄúLa ma√Īana despu√©s‚ÄĚ, serigraf√≠a sobre cartulina de la serie ‚ÄúAisladas‚ÄĚ de Daniela √Āguila. Sin dudas una oportunidad que no debemos desaprovechar para interactuar desde las plataformas digitales con una atractiva muestra del presente (y futuro) de las artes visuales cubanas.


Viaje por los dise√Īos esc√©nicos de Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez

Entre candilejas. Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez y las artes esc√©nicas se titula la exposici√≥n que, en sus redes sociales, comparte el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas de Holgu√≠n a partir de una selecci√≥n de dise√Īos que visualiza el trabajo de este artista como creador para la escena cubana.

Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

‚ÄúPor lo regular, cuando se hace referencia a Andr√©s, siempre se recuerda su labor como portadista de Carteles. Es comprensible que as√≠ sea, pues las portadas dise√Īadas por √©l para una de las revistas m√°s populares de la etapa republicana en Cuba son, indudablemente, un patrimonio del arte nacional‚ÄĚ, asegura el investigador Mart√≠n Garrido, curador de la misma y quien ha dedicado parte importante de su trabajo al rescate y estudio de la obra de este necesario art√≠fice pl√°stico holguinero, y a√Īade Mart√≠n que iniciada en los a√Īos 40, su labor para esta esfera de la creaci√≥n, el dise√Īo esc√©nico, se ampl√≠a y enriquece en las d√©cadas del 50 y 60.

La muestra, expuesta en el perfil de Facebook ‚ÄúArtistas holguineros‚ÄĚ ante la imposibilidad de su apertura f√≠sica por la propagaci√≥n de la Covid-19 en la provincia, hace p√ļblica ‚Äúuna parcela de la obra profesional de Andr√©s relativamente poco estudiada y algo menos conocida‚ÄĚ, a√Īade.

Adem√°s del teatro, Andr√©s (1916-1981) realiz√≥ incursiones, ‚Äúsiempre brillantes‚ÄĚ, en el dise√Īo de vestuario y escenograf√≠a para presentaciones de ballet, √≥pera, zarzuela, danza moderna y cabaret, cada uno con las caracter√≠sticas propias de la manifestaci√≥n y que le permitieron mostrar su ‚Äútalento multifac√©tico‚ÄĚ, ‚Äúsu maestr√≠a como dibujante, su versatilidad como creador, su conocimiento profuso de la historia del traje y de la historia del arte en general‚ÄĚ, dice.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

Destaca, adem√°s, que ‚Äúsu profesionalidad en la esfera del dise√Īo destinado a las artes esc√©nicas se advierte en todas y en cada una de las piezas que ahora mostramos, demostrando por qu√© cr√≠ticos tan exigentes como Rine Leal o Luis Amado Blanco solo tuvieran para √©l los m√°s encendidos elogios‚ÄĚ al rese√Īar obras donde el creador dej√≥ la impronta de su firma.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

Las obras expuestas en esta muestra ‚Äďque celebra el aniversario 105 de su natalicio y los 40 a√Īos de su muerte; adem√°s, el vig√©simo aniversario de la realizaci√≥n en Holgu√≠n de la primera exposici√≥n que, tanto en Cuba como en otras partes, se dedic√≥ a vindicar el trabajo del notable artista‚Äď pertenecieron a las colecciones particulares de dos destacados artistas cubanos: el maestro Ramiro Guerra, pionero de la danza moderna en Cuba; y el dise√Īador esc√©nico Eduardo Arrocha, ‚Äú√ļnico disc√≠pulo de Andr√©s, a quien debe su consagraci√≥n a estas disciplinas‚ÄĚ.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

‚ÄúFundidas en un todo, ambas colecciones se conservan hoy en Holgu√≠n por voluntad expresa de Arrocha. Las piezas que las integran son como peque√Īas obras maestras de esta disciplina, que por su calidad no desmerecen dentro del conjunto total de la obra de Andr√©s‚ÄĚ, a√Īade, y que nos reafirman a Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez como uno de los grandes dise√Īadores esc√©nicos de todos los tiempos en nuestro pa√≠s, y una de las figuras que engrandece nuestro patrimonio visual.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

Ernos Naveda: ¬ęHablo desde los instintos m√°s s√≥rdidos¬Ľ

Conoc√≠ la obra de Ernos Naveda gracias al narrador, poeta y dramaturgo Roberto Vi√Īas. Luego supe que otros muchos elementos en com√ļn ‚ÄĒpersonas, intereses y espacios simb√≥licos‚ÄĒ nos un√≠an. Desde nuestro encuentro inicial y para nada fortuito, la relaci√≥n de trabajo con Ernos me ha puesto en contacto no solo con los lenguajes visuales de su obra, sino tambi√©n con su voluntad y talento creativo. Esta entrevista es una invitaci√≥n a conocerle.

cortesía del entrevistado

¬ŅCu√°les son tus principales b√ļsquedas e inquietudes creativas?

Mis amigos se ríen cuando digo que estoy en mi período esponja. Absorbo todo lo que la realidad me brinda, me condiciona. Absorbo, y cuando las inquietudes me exprimen, voy soltando en chorros dispersos lo que la creación demande. Es difícil para mí, en mi corta experiencia como creador, poder definir o conceptualizar mi trabajo. Tanteo mucho, eso sí, y creo que ya voy decantando lo que me interesa y lo que no, aunque a pasos lentos.

Antes de comenzar a estudiar Artes Visuales, fui actor de teatro callejero. Me encaramaba en zancos de casi dos metros de altura. Envuelto en unos trajes de colores y a esa distancia del suelo podía observar la realidad de una manera distinta. En esa perspectiva eduqué a mis ojos a mirar donde los otros no se detienen. Si hubiese tenido una cámara en ese entonces habría captado instantáneas que podían mostrar las ciudades vistas desde otras ópticas, desde otros enfoques. Hubiese sido valioso mostrarle a la gente lo diferente que se ven sus espacios desde esa altura. Quizás sirviera para modificar algo en sus vidas, para inyectar dosis de esperanza en sus realidades. Desde esa altura descubrí la idea de que se puede transformar la realidad si se mira desde otro ángulo, quizás más alto.

¬ŅC√≥mo definir√≠as el lenguaje de tu creaci√≥n?

Ahora mismo me interesa lo √≠ntimo, lo humano, como las peque√Īas cosas de Serrat. He desarrollado buena parte de mi obra creativa desde el confinamiento, y eso inevitablemente coarta la manera de ver el mundo y traducirlo desde las im√°genes, desde las palabras. Pero no soy absoluto, me permito no serlo. Tal vez ma√Īana, cuando volvamos al mundo fuera de nuestras casas, fuera de nuestro aislamiento social, me interese lo abierto, los grandes espacios, las multitudes, etc. Pero ahora estoy aqu√≠, hablando desde las esencias m√°s √≠ntimas de los humanos, sacando a la luz del flash sus diferencias y sus peque√Īos universos independientes. Y eso me fascina.¬†

¬ŅQu√© discursos visuales te interesa proponer con tu obra?

cortesía del entrevistado

Yo nací casi con el siglo y la concepción sintetizada, la agilidad que se le da a las palabras, la interdisciplinaridad, lo intertextual, la cita, la exposición de los referentes en la creación, sin máscaras, son cosas que vienen en un chip generacional. Me gusta proyectar imágenes o sensaciones sobre el espectador de manera descarnada, fuerte, de golpe frente a él. Prefiero que mis mensajes sean así, digamos, agresivos, violentos, carnales. He estudiado la obra de Robert Mapplethorpe y de Patti Smith, me siento muy identificado con sus visiones, con sus discursos.

Hablo desde la carne, desde los instintos más sórdidos, desde ese lado en que el recato no importa, donde uno abre a la verdad y la sensualidad de los cuerpos, las relaciones, etc. No me gusta abordar la belleza desde los cánones más establecidos de ella, por eso trato de reinventarla, de mostrar una belleza que diste de aquella ya expuesta y comercializada. No puedo evitarlo, no puedo luchar contra mi tiempo.

El arte visual en el XXI tiene grandes retos para los artistas porque hay mucha competencia. Este es el siglo de las imágenes, gracias al auge de las tecnologías, de las cuatro o cinco cámaras en los teléfonos, de las marcas, de los megapíxeles, de los espacios, del Facebook, del Instagram, de Pinterest. Es como un gran tobogán donde se encuentra mucha calidad visual. La gente lo hace todo el tiempo. Para los artistas es muy difícil establecer sus discursos, por eso trato de llamar la atención desde esos presupuestos estéticos que te mencionaba. Hay que hacerse notar, alzar los brazos y gritar en medio de ese tobogán de imágenes. Es muy divertido.

¬ŅC√≥mo transcurre tu proceso creativo?

En una euforia permanente, en una convulsión de cosas, en una agitación y un desvelo delicioso. Siempre estoy en algo, y ese algo se llena de caos. Si pinto, lo embarro todo. Si hago unas fotos, todo en la casa se vuelve un set, todo se mueve de su sitio, y luego se recompone de una manera distinta. Me gusta que todo se mueva, que todo gire. No soporto la quietud. Y eso hace un cortocircuito en la obra. Hay imágenes que trasmiten cierta quietud, en los cuerpos y los objetos, digamos. Cuando las edito o reviso, me digo, es increíble que mientras esto nacía, todo a su alrededor estaba en completo caos y movimiento. Tal vez si creara desde la calma, el resultado sería todo lo contrario.

Est√°s en estrecho contacto con la escena gracias a tu relaci√≥n con el grupo Teatro Rumbo. ¬ŅEn cu√°nto influye el teatro en tu concepci√≥n de una idea visual que buscas concretar en otro lenguaje art√≠stico que no sea el de las tablas?

Comenc√© en el teatro desde ni√Īo. Fui integrante de las compa√Ī√≠as de teatro infantil. En la adolescencia me integr√© a un grupo de teatro callejero y all√≠ pude viajar a festivales donde tuve la dicha de ver por d√≥nde iban los tiros del teatro en Cuba. Un d√≠a se me dio la oportunidad de trabajar como actor en un proyecto de teatro de sala que dirig√≠a Ir√°n Capote. Era una puesta con un texto de Abel Gonz√°les Melo y trabaj√© junto a actores con mucha experiencia. All√≠ conoc√≠ a Ir√°n.

Poder trabajar con ambas experiencias, la del teatro callejero y la del teatro de sala, me fue abriendo el horizonte escénico. Ya no solo me limitaba a imágenes callejeras, ahora tenía la experiencia de la síntesis del espacio, de los tiempos, de las acciones. Es desde el teatro donde descubro el mundo de la imagen, la composición, la luz, etc.

Una vez que comienzo a trabajar la performance y la fotografía, esa influencia del teatro, de la escenificación de la imagen que sugiere cierta tensión dramática, de la existencia de una síntesis visual para captar una historia, no se quedó a un lado. Estaba ahí, en mi obra. Y la dejé estar.

Posiblemente yo sea el espectador m√°s fiel de Teatro Rumbo en estos √ļltimos 10 a√Īos. He estado muy cerca de sus procesos. S√© c√≥mo se gestan, c√≥mo se producen, c√≥mo se vive el teatro desde adentro. Es un mundo muy fascinante. Por eso no me cuesta trabajar con ellos, usarlos como modelos, sugerir elementos para la escenograf√≠a, dise√Īar im√°genes en sus puestas. Digamos que, de alguna manera, nuestros trabajos est√°n complement√°ndose todo el tiempo.¬†

cortesía del entrevistado

¬ŅPiensas que toda obra de arte es, per se, esencialmente teatral?

S√≠, lo creo. El teatro est√° en todo, en la manera en que se estructuran las dem√°s manifestaciones, incluso a la hora de montar una exposici√≥n pict√≥rica en una galer√≠a, en la manera en que dise√Īamos una ficci√≥n o cuando buscamos cierta reacci√≥n en el espectador-lector-consumidor-oyente-receptor, en todo est√° en teatro. Creo que se puede aprender mucho desde el teatro.

Desde que la pandemia forma parte de nuestras vidas como artistas, ¬Ņcu√°nto han cambiado, evolucionado o se han modificado tus h√°bitos creativos, tus jornadas de trabajo y tus maneras de concebir un proyecto?

El aislamiento social ha hecho que cambie todo, nuestras rutinas, nuestros ritmos, nuestros horarios. Hemos tenido mucho tiempo para pensar, para reestructurarnos, redirigirnos. Y tambi√©n para crear. En mi caso particular, he cambiado todo. El hecho de trabajar desde casa ha variado mi espacio de privacidad a tal punto que mi hogar se ha convertido en un taller. Cada rinc√≥n tiene ese esp√≠ritu. Y puedo crear a cualquier hora. Por otro lado, est√° la finalidad de esos trabajos: antes uno pensaba en una galer√≠a, en un performance p√ļblico, etc. Ahora solo se trabaja para exponer desde las redes sociales de Internet. A eso ya le he cogido el punto.

Hemos tenido la oportunidad de colaborar contigo gracias a los proyectos de videopoemas online ‚ÄúDramatis Personae‚ÄĚ y ‚ÄúEncrucijada: di√°logo y creaci√≥n‚ÄĚ. ¬ŅSientes que tus videos dialogan con tu realidad como creador y a la par con la realidad de los artistas que participan en su realizaci√≥n?

Trato de establecer ese puente creativo. Me dejo arrastrar por sus voces, por sus palabras, y busco los resortes que producen en mi creación. Intento poner la escena para su universo. Es un reto y una oportunidad que agradeceré siempre.

cortesía del entrevistado

¬ŅQu√© sinergias se han cruzado en tus proyectos?

Estoy conociendo mucha gente inteligente e interesante. Eso es lo mejor cuando uno siempre espera nutrirse de otras experiencias, de otros discursos creativos, de otras maneras de ver y representar el mundo desde el arte. Si he le√≠do buena literatura en estos √ļltimos tiempos, si he visto buenas pel√≠culas o he revisado cat√°logos de artistas y fot√≥grafos que no conoc√≠a, se debe ante todo a eso, a las voces que voy conociendo, a las pistas que me dejan sobre otros autores, otras historias, etc. Es muy gratificante.

Has colaborado como director de arte en varios audiovisuales. ¬ŅEstas experiencias han ayudado a construir y cimentar tu mirada art√≠stica sobre lo real y simb√≥lico?

Lo simbólico lo entiendo desde la síntesis, desde la traducción de discursos mediante elementos que los resuman. Trabajar como director de arte en audiovisuales tiene una buena carga de eso. Hay que reducir en pocas cosas físicas y a nivel visual lo que el discurso literario de ese guion expone. Es arte puro.

¬ŅQu√© tal resulta tu experiencia al dialogar con un equipo creativo? ¬ŅBuscas complacer o te aferras a una postura creativa inamovible? ¬ŅCrees en el di√°logo, en las m√ļltiples influencias y confluencias?

Lo consenso todo. Busco un punto intermedio donde se complazca sin que pierda el sello personal, sin que pierda tu huella, tu marca. Cuando uno trabaja en equipo es porque los integrantes de ese equipo se han acercado por ciertos criterios est√©ticos en com√ļn. Por eso vale, ante todo, detectar esos intereses y trabajar en base a ellos.

¬ŅHasta qu√© punto tu identidad como cubano ha marcado tus horizontes creativos, los ha condicionado o reducido?

La cubanidad es algo que se impone aunque uno piense que sus referentes art√≠sticos o sus motivaciones son de otra parte. Nuestras vivencias aqu√≠ hacen que todo pase por el filtro de la cotidianidad, de lo que somos hist√≥ricamente. Y ese elemento cotidiano estar√° siempre. El receptor tambi√©n lo configura as√≠ desde sus m√ļltiples lecturas, incluido el receptor extranjero que pensar√° tu obra desde tu proceder. Nacer, vivir y trabajar desde Cuba ha de marcarnos para siempre.

¬ŅCrees en la autocensura? ¬ŅTe ha afectado alguna vez?

Al principio me autocensuraba mucho. Es un fenómeno terrible porque uno piensa demasiado en si esto me sale bien o no. Puede que hasta se abrume leyendo teorías y comparando su trabajo con fulano y mengano, sin percatarse que el tiempo avanza y uno lo pierde al dejarse llevar por ese miedo. Hasta que me di cuenta de que, aunque todo está dicho, uno también tiene su voz y a alguien le está haciendo falta escuchar lo que tienes para decirle.

M√°s all√° de la creaci√≥n, ¬Ņqui√©n es Ernos Naveda?

Una playa.