Daniel Toledo Guillén: La música no tiene explicación tangible

*Transcripción del programa El Agua que Bebemos

Hay una imagen quizás manida de películas, literatura, etc. de un compositor… una imagen quizás melancólica, del compositor en el piano sufriendo y buscando los acordes o las notas correctas y demás. Que se una imagen en general irreal. Quizás bastante romántica, bastante decimonónica, ¿no? Porque en realidad componer, como cualquier oficio, requiere una técnica y requiere un trabajo continuo, sostenido, que no es de estar esperando que venga esa inspiración y que nos ilumine, pues no es un hecho tan místico. Sí, hay un momento inicial que no tiene una explicación tangible, ¿no?, que es ese momento donde empieza la primera idea, la idea que hace germinar una obra, que bueno, ese sí viene de la imaginación, de… no tiene un sentido racional. Pero, ¿qué hace un compositor?, bueno, ¿qué diferencia a un compositor profesional de uno que no lo es? Bueno, qué hace con esa idea.

La música orquestada se necesita entenderla. Esta música no se puede llegar ahí y solo disfrutarla y ya, sino hay que ponerse en un estado de: “Voy a ir a escuchar una música que me va a hacer reflexionar de alguna manera”. Y, a veces, desgraciadamente, la música queda como un arte de background y queda puesta siempre en segundo plano, en simple disfrute, más allá de cualquier reflexión. Y esta música, en mi opinión, implica siempre algún tipo de reflexión y a veces la gente no quiere pensar, quiere solo disfrutar.

¿El ISA? Bueno, Universidad de las Artes, coma, ISA. Para mí, hasta ahora, es el momento, vaya los años míos que yo recuerdo con más cariño. En todos los sentidos, personal y profesional. Fue un momento de aprendizaje, fue un momento también de relacionarme con otras personas, con otros artistas. Eso es muy interesante en el ISA, que en la cafetería ahí del ISA se mezcla el dramaturgo con el artista visual con el músico, con el diseñador, con el bailarín, vaya esta una cosa ahí casi caótica, pero en el buen sentido.

Lo conocemos como Piñera, los estudiantes, personas como colegas de él le dicen también Juanito, pero para nosotros siempre es Piñera. Es como este hombre sabio que guía a los jóvenes, más allá de la composición, en cualquier cosa, puedes ponerte a hablar con el de cualquier cosa, porque además tiene una cultura grandísima.  Toda gira en torno a él, no desde un punto de vista egocéntrico hacia él sino de toda estas energías que el emana hacia los estudiantes y tiene una relación con los jóvenes impresionante. Vaya, deberíamos aprender de él para dialogar con los jóvenes porque él es un líder nato de jóvenes.

En el caso específico de la beca “Conmutaciones” que es uno de los premios que convoca anualmente la AHS, es de los poquísimos espacios que hay en Cuba dedicados a darte un premio para los compositores jóvenes de música clásica. Se resume en producir un disco. O sea, producir un disco para un músico, para un compositor es ya como… es otra cosa.

Acerca del disco “Abismo”, que es el disco, ya ése es el nombre, y el disco este            que grabé a raíz de la beca “Conmutaciones”. Sería un disco como para que te sientes y lo escuches y, si lo hice bien, que reflexiones, ¿no?, que reflexiones sobre ti mismo, sobre tu relación con el mundo. Quizás un poco ambiciosa mi idea, ¿no?, pero bueno, es lo que yo quisiera.

Sobre “Superficie”, más allá que esa impresión, ¿no?, yo ni diría narración, porque entraría en un tema programático, que no me interesa… pero bueno, esa impresión de la superficie, esa impresión de jugar hacia arriba, el tema de que es una pieza para flauta sola, que su registro es generalmente medio-agudo y sobre todo agudo. Ese estar hacia arriba siempre.

¿Qué fue lo que yo quise hacer? Que fuera desde la melodía más elaborada al principio hasta el final que es casi un grito de la flauta y se va segmentando y deportando y deportando y deportando.

Niurka González es una flautista excelente, si no la mejor que tenemos aquí, una de las mejores, vaya, para no ser absoluto.  Hay que verla a ella trabajando con sus alumnas y alumnos en el ISA, que son casi como hijos de ella. Y bueno, eso yo lo note y entonces yo pensé… Y la he visto tocando… y pensé: “Bueno, quizás quiera participar en el disco”. Yo llegue así con mucha timidez: “Mire, Maestra, que yo quisiera…” y me dijo un sí rotundo, así, sin ya más nada que eso. Es un orgullo tremendo que Niurka González haya participado en mi disco.


Una propuesta que no se puede perder de vista (+ video)

Hace cerca de dos años unieron sus carreras artísticas el Dj Reitt y la cantante Shanara, dos representantes de la música electrónica en la Mayor de las Antillas a la cual han bautizado como Cuban House.

Reinier Torres Thondike (Reitt), integrante de la Asociación Hermanos Saíz (AHS), es un activo promotor cultural y ha organizado eventos como la fiesta Habana Play o el Festival Habana Ciudad Electrónica, en saludo al aniversario 500 de la fundación de la Villa de San Cristóbal, con el propósito de visibilizar el desarrollo de un movimiento que ha encontrado un enclave propicio en la Casa del Joven Creador “La Madriguera”, sede de la organización juvenil en la capital.

Para el DJ productor ha sido muy importante la labor de la AHS en los últimos años al haber contribuido a potenciar los géneros menos favorecidos como la trova, el rock, el jazz y el hip hop, a través del sistema de premios y becas de creación, así como a la realización de eventos de carácter nacional, la grabación de DVDs y la realización de videos clips.

Un buen día el Dj conoció a Shanara, egresada del sistema de enseñanza artística, bajista e ingeniera de sonido. Juntos se propusieron revolucionar la escena musical a través del concepto del Live Act o la interacción de Dj, Voz y Sax, con otros músicos en calidad de invitados.

Con el videoclip de su primer single, titulado Babalú Ayé, recibieron una nominación a los premios Lucas y en la edición número 17 del Festival de Música Alternativa Cuerda Viva 2019 se alzaron con el premio en la categoría Pop Electrónico y Electrónica, gracias a lo cual tuvieron la posibilidad de grabar un disco con el auspicio del Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME).

Así vio la luz su primer CD Deja la bobería, que recuerda el legado del maestro Juan Formell y tuvo su presentación oficial en la XIV edición del Festival Internacional de Música Electroacústica y Electrónica “Primavera en La Habana”, celebrado en el mes de marzo en homenaje al centenario del natalicio del maestro Juan Blanco, pionero de la música electroacústica en Cuba.

«Es un disco que rinde tributo a los grandes compositores e intérpretes de la música cubana. Abarca un amplio diapasón, desde el changüí, la rumba, el bolero, la cancionística religiosa yoruba. Tratamos de acercarnos a ese público, a veces, un poco reacio a la música electrónica. Por eso introdujimos sonoridades actuales sin perder la esencia de lo tradicional».

«Creímos que era necesario crear un punto de diálogo entre esas generaciones divorciadas: las más jóvenes y las más viejas. Pretendemos llegar a la familia cubana para que lo escuche, baile con el disco y lo goce», dijo Shanara.

La cantante recordó que Formell fue un gran revolucionario de la música cubana y pionero en insertar los sonidos electrónicos en la música popular bailable. Para ella el tema Deja la bobería es un ejemplo de esa intención que tuvo el líder de los Van Van, agrupación emblemática de la Isla.

El dúo de Reitt y Shanara recibió este año una nominación en el Festival Cuerda Viva 2020 cuya gala de premiación no se pudo celebrar en el Teatro Nacional de Cuba debido a la pandemia de la COVID-19. Por suerte, en este tiempo de aislamiento social sus seguidores disfrutaron de su propuesta en uno de los conciertos Online que, como resultado de las alianzas establecidas entre el Ministerio de Cultura y el Instituto Cubano de Radio y Televisión, son transmitidos cada jornada por el Canal Clave, a través de las ondas de la emisora Radio Progreso, los canales de YouTube del Instituto Cubano de la Música, así como vía streaming por un centenar de páginas de Facebook.

Seguramente el Dj productor y la cantante estarán cocinando algún nuevo proyecto para cuando termine la crisis sanitaria volver a los escenarios con la fusión de varios estilos, tendencias y géneros musicales.


Cantautora Sandra Ivette Berriel: «La música es una forma de vida» (+Fotos y videos)

Sandra Ivette Berriel Jaquinet

La música es una forma de vida, definitivamente para mí, que empecé a practicar, por decirlo de alguna forma, desde los siete años, y se ha incorporado a mi quehacer diario. La música no es solamente los sonidos que se organizan, como habíamos dicho en algún momento de nuestros estudios, ¿no?, para tener un sentido armónico y melódico, sino también todo lo que te rodea. Cuando lo asumes como una forma de vida estás pendiente de todo lo que suena a tu alrededor.

La viola sigue siendo uno de mis instrumentos favoritos. De hecho, es lo que estudié en todos los niveles de enseñanza artística, de lo que me gradué del ISA, y además, ejerzo tocando en un cuarteto de cuerdas.

Las cualidades tímbricas, Las cualidades sonoras de cada uno de los instrumentos me dan diferentes herramientas incluso a la hora de cantar. A la hora de tener que empastar con cada uno de los instrumentos que después van a acompañarme, tengo que tener en cuenta también el timbre del instrumento. El hecho de haber tocado varios de ellos, me enriquece.

Yo creo que el bajo, dentro del trabajo que yo hago, tiene un espacio especial y definitorio. Por la misma tímbrica, por la peculiaridad de que se hagan canciones acompañadas de bajo solamente en algunos casos, que también algunas de las canciones las hago solamente con el bajo y yo creo que eso le agrega cierta peculiaridad a la música que ya de hecho compongo, ¿no?

La Universidad de las Artes es como la mitad del camino recorrido, ¿no? Y hay muchas cosas que yo pude desarrollar dentro de la Universidad gracias a los conocimientos que había adquirido en los niveles precedentes. A mí la Universidad lo que más me dio fue el contacto real con los músicos de mi generación, que son…que hay muchísimos extraordinarios, la posibilidad de que esos mismo músicos estuvieran en contacto con mi música y la enriquecieran con sus solas interpretaciones y además, la posibilidad de ver  un mundo mucho más amplio, sobre todo porque la Universidad de las Artes está en La Habana y yo vengo de Matanzas, que es una ciudad donde hay un movimiento cultural importante, pero no con la magnitud, por supuesto, de la capital.

Yo no sé si diría una matancera aferrada a mi ciudad, pero enamorada de ella si estoy, pero grandemente.

Yo he tenido muchas alegrías, pero “El Comienzo” es una bien grande. Primero, por tener la oportunidad de recoger en un disco todo lo que yo había hecho durante los dos años anteriores, que fue cuando decidí tomar en serio todo el tema de componer y de yo misma defender mis canciones. Y, además, marca, yo creo, el inicio de una responsabilidad mayor. Pero dentro del disco tratamos de pasar por varios géneros de la música tradicional cubana mostrando también que hay muchas formas de renovar la tradición y de que, como mismo la heredamos, somos dueños de ella, de transformarla y de crear una tradición para quien venga detrás de nosotros.

 La AHS fue, desde Matanzas, uno de los primeros escenarios donde yo tuve contacto con la generación de trovadores que ahora tendrán treinta y tantos años, amigos muy cercanos  además, y fue donde primero empecé a escuchar trova contemporánea así, de mi tiempo y donde empecé a tocar con todos esos autores y además me dio la oportunidad de tener mi primer disco a través de la beca “El reino de este mundo” y de participar en muchísimos conciertos y de conocer a una generación de compositores, de creadores.

Poder ser comerciales es una opción, pero para sobrevivir en la selva de la industria musical actualmente, es necesario tener en cuenta parámetros de esa comercialización. Puede determinar algunos parámetros, pero no debe influir en la honestidad de la obra, para nada, de la obra de arte.

No se si te encontré

Pues me he perdido

Tratando inútilmente de alcanzarte

Tu amor, como un río

Hirió mi paisaje

Marta Valdéz es una cosa tan grande y es tan ella, su música suena tan a ella, tan particular, que su lugar dentro de la música cubana es muy alto. Para mí, de los más altos que pueda haber, ahí esta Marta Valdéz. Si de sinceridad estábamos hablando dentro de la obra de arte, no hay un lugar mejor donde encontrarla, si de autenticidad armónica, en cuanto a poesía, porque sus letras son pura poesía, aunque pueden ser coloquiales, pero no deja de sorprender a cada segundo, hay que remitirse a ella, hay que remitirse a su obra porque además es  parte de la tradición que heredamos y que como generación de artistas tenemos las responsabilidad de continuar, o de crear elementos nuevos de esa tradición, pero para eso hay que conocerla. Y creo que Marta es una de las cosas que definitivamente hay que conocer.

Yo creo que la tristeza es como la contraposición de lo que yo soy siempre, ¿no?, porque yo ando siempre como que muy feliz y sonriendo y además de eso es lo que más me conmueve.

“Cuelga” es una canción que escribí muy rápido y sobre todo la letra, pero la música me la pensé detalladamente. En “Cuelga” yo canto mi inseguridad, a no ser escuchada.

 

Transcripción del programa televisvo Del agua que bebemos.


«Soy un arquitecto de mi propio infierno o paraíso»

Rolando (Roly) Ávalos Díaz recibió la herencia familiar, el don del arte, y lo transformó en su propia materia de expresión, en su tuétano creativo. La ciudad de su poesía forma ya parte del amnios que le regala nuevas preguntas al mundo. Y son esas preguntas (y sus respuestas) las que hoy el poeta nos ofrece.

Hablemos primero de la tradición poética que es parte de tu ADN, que constituye una particular herencia simbólica. ¿Hasta qué punto sientes que tu necesidad de entender la poesía parte de este legado?

Crédito Rodrigo Valero González/ cortesía del entrevistado

En efecto, existe una tradición poética en la familia, el arte del repentismo, que viene de mi abuelo materno fallecido, Jesús Díaz Martínez; primero, la heredaron algunos de sus hijos (mis tíos y mi madre), y después la hemos practicado varios primos. Esta vertiente de la oralidad, más que una tradición poética, la veo como un ritual entrañable y ocurre cuando coincidimos todos o casi todos en reuniones familiares, como los cumpleaños.

Desde niño escucho décimas, desde adolescente las improviso. También a partir de los 11 años, aproximadamente, empecé a escribir, y entonces me pareció natural ser como Alexis Díaz-Pimienta (uno de mis tíos por parte de madre), escribir e improvisar, y llevar esas dos carreras al unísono. En muchas ocasiones, por la admiración que le tengo, me he sentido influido por la obra de mi tío, me he descubierto tics en mis procederes que homenajean pasajes de su obra, maneras de construir semejantes, y luego he advertido el peligro. Ha sido una relación muy cercana también, de familiaridad, de trabajo, de lector, de espectador.

He debido desligarme a propósito para crecer, para hallar mi camino, y en ello ando todavía. Pero creo que uno al final le pone su voz y su sello; con sus propias lecturas se va perfilando y adquiere una personalidad, construye otro itinerario poético, aun cuando no se lo proponga, y aunque se haya heredado de alguna manera una determinada tradición gracias a parentescos familiares.

En algunos de tus libros, la anatomía de la ciudad es un tema recurrente que distingue y define al sujeto poético. ¿Este mapeo lo entiendes como una geografía espiritual de la ciudad que el poeta refleja, o que al menos intenta reflejar en su trabajo?

Crédito Estudio fotográfico Cuba Alternativa/ cortesía del entrevistado

Sí, me atrae reflejar el accidente de nacer en una ciudad, de criarse en un barrio y no en otro, la gitanería de las mudanzas por municipios periféricos, la mitología de la urbe y cómo esta produce metáforas, cómo genera lenguajes, cómo acoge con hospitalidad o desampara al emigrante o al habitante, dejándolo en brazos de la orfandad más terrible, quiénes fueron sus personajes históricos, quiénes sus celebridades. Como dijera un personaje de Celebrity, la película de Woody Allen, y cito de memoria: “A una ciudad se le conoce por sus celebridades”.

Me interesa el modo en que nombramos una piedra inanimada que nos ve crecer, enamorarnos y morir mientras continúa viva, bajo la lluvia de la erosión de los siglos; el afecto particular que le tenemos a un árbol, a una esquina, a un monumento, al segundo piso de un edificio en un reparto llamado El Roble, en Guanabacoa, al banco roto de un parque, a los baches de la cuadra de una barriada marginal o a los ruidos nocturnos de una bronca.

¿Qué es el hábitat urbano, cuánto condiciona o define en quienes la padecemos y vivimos, qué significa, quiénes son mis coterráneos, mis vecinos, en qué consisten sus vidas, sus sueños, sus realidades? Igualmente son bienvenidos los arquetipos, estereotipos o ciencias sociales, así como los vocablos identidad, idiosincrasia, y cada elemento que me sirva para dar con los contornos del mapa de esa geografía espiritual.

¿De qué manera congenias el ejercicio más mediato del repentismo y la improvisación con el hecho de concebir la dramaturgia particular de un libro de poesía?

Son hogares a los que uno entra por puertas distintas. Cuando improviso no hago literatura escrita, y cuando escribo un libro de poesía no me apuro en acabar una décima, ni tengo delante un público esperando, ni un laúd y una guitarra secundando mi proceso creativo y presionándome para que en pocos segundos responda a mi adversario repentista. Incluso, cuando escribo, no solo escribo décimas, sino sonetos o poemas en verso libre.

tomada del perfil de facebook de roly Ávalos díaz

Son procesos diferentes que responden a circunstancias creativas específicas, pero tampoco es que sean demasiado opuestos. Por ejemplo, la narrativa, la poesía, y aun la dramaturgia pura, dotan a la mente del improvisador de códigos y elementos que enriquecen su vocabulario, su alcance, su imaginario, su proyección; y al escritor, ante el Word o ante el papel, le ofrece cierto ritmo de hallazgos para dar con las palabras exactas y construir, a modo de guion, la escaleta de su libro y el campo semántico de su poemario. Son ejercicios que no se repelen, te aseguro que se alimentan, aunque se busquen otros resultados y sea otro el receptor.

En el proceso creativo, ¿a qué paso le confieres mayor importancia?

Les doy importancia a todos los pasos, me parece. Soy feliz cuando consigo respetarlos, cuando la fase de corrección no interrumpe al germen, al balbuceo de las ideas iniciales ni al brote de las primeras oraciones. Pienso que tampoco es recomendable detener abruptamente la investigación porque nos morimos de ansiedad por escribir el capítulo de una novela. Casa paso posee un encanto y nos prepara para el siguiente.

Desde luego que cada cual tiene su propia metodología y todos los libros no se escriben del mismo modo ni en un periodo más o menos comprobable; a veces se abandonan proyectos durante meses o años, parece que van a morir y sin embargo resurgen con más bríos, o resulta que sí, que somos más maduros y así lo mostramos a la hora de abordarlos, tenemos una mayor perspectiva. Aunque, ojo, esto también puede funcionar como autoengaño o pretexto para la procrastinación o miedo a enfrentar el momento decisivo de concretar la obra.  

tomada del perfil de facebook de roly Ávalos díaz

¿Entiendes la poesía como un acto divino o mundano, o una mezcla de ambos registros?

Como es arriba, es abajo. Lo divino está conectado con lo mundano, son el anverso y el reverso, la cara y la cruz de una misma moneda que lanzamos al aire. Aunque estamos hechos más de mundo que de divinidad y lo que escribimos tiene la última palabra. Me parece que los autores, salvo los políticos o los religiosos, no estamos para dar lecciones de moralidad o de civilidad, no en primera instancia, sino para plasmar inquietudes más humanas y veraces.

¿El poeta tiene un papel definido en el mundo, más allá de la esfera del arte?

Si tiene algún papel o algún compromiso social, si algo nos define, es el propio acto creativo, es el de hacer lo más poéticamente posible nuestro trabajo, para lo cual no nos alcanzará la vida entera. Llevar y traer palabras, metáforas, sinestesias, símiles… y el solo hecho de hacernos querer y entender gracias a lo que enunciamos o callamos, puede ser una carga terrible o un argumento tan legítimo que se debe valorar en su justa medida, y no debe ser puesto en las manos de cualquiera.

Puede pensarse que el trabajo de un poeta consiste en sacudir, como un relámpago, las conciencias de sus lectores, más allá de la transmisión lírica/empática de sentimientos, reflexiones y emociones. Esa es una posible forma de entenderlo. Pero otra puede ser la de emplear con sabiduría y responsabilidad el poder de las palabras. Un poeta nombra y le regala nuevas preguntas al mundo. Estamos hechos de preguntas. El arte de gozar estéticamente, tratando de responderlas, es uno de los juegos más serios que existen.

tomada del perfil de facebook de roly Ávalos díaz

¿Cómo manejas el mundo de la autorreferencialidad a la hora de escribir? ¿Es la poesía, por necesidad, un ejercicio de autorreferencia?

Antes, muy en los inicios, creía que a la hora de escribir, si utilizaba escenas de mi propia vida estaba siendo, sin duda, autorreferencial; pero luego he comprendido que desde el mismo momento en que uno escribe, sea narrando o poetizando, ya es otro, un personaje o un sujeto lírico… aunque hable de su propia biografía, que de algún modo casi siempre está.

En mis libros la autorreferencia, cuando la hay, es un añadido, un recurso, uno de sus colores, una de mis herramientas creativas. En mi primer libro, Mundo pañuelo, la mayoría de los poemas aluden a experiencias o visiones propias acerca de la existencia, no hay pretendidos enmascaramientos o la gestación de heterónimos; da la impresión, tras una lectura rápida, y parafraseando a Ortega y Gasset, de que soy yo mismo hablando de mí mismo y de mis circunstancias aunque, claro, esto puede leerse como una verdad o una mentira a medias. En mi segundo libro, Boca de lobo, en parte también, pero no siempre.

Por tanto, no creo que la poesía sea necesariamente un ejercicio autorreferencial, entre otras cosas porque mirar a los ojos a un sujeto lírico es dar con un espejismo, o con un juego de espejos que se repite hasta el infinito. Además, no sé quién soy cuando escribo (muchas veces quienes pregonan autoconocimiento promueven su arrogancia), escribo para descubrirme. Y no solo porque pongo pensamientos por escrito, sino incluso para averiguar cuánto me desconozco o qué podría estar pensando, o cuántas personas soy.  

¿Crees que los propios escritores tienen un conocimiento verdadero de la literatura que se gesta más allá del contexto regional limitado en el que viven? ¿Cómo romper esos moldes preconcebidos? ¿Cómo hacer que la literatura cubana eclosione y rompa finalmente el cascarón de su zona de confort?

cortesía del autor

En general creo que es algo superficial el conocimiento que tenemos los propios escritores acerca de otras literaturas allende los mares, y las razones pueden ser varias, aunque se ha ido reduciendo poco a poco la falta de acceso o contacto —al menos electrónicamente— con libros y autores que se han editado o reeditado poco o nunca por acá, por ejemplo.

Existen maravillosas bibliotecas virtuales que se abastecen gracias a las donaciones que hacen los usuarios con títulos digitalizados que antes compraron en formatos Word, Epub o PDF, y deciden compartirlo. También hay títulos de autores cubanos, por cierto. Tarde o temprano, de alguna manera, siempre nos encontramos con lo que más vale y brilla universalmente en materia de arte y literatura, ya sea a través de publicaciones nacionales (revistas, tabloides, suplementos en periódicos, blogs, etc.) que nos enteran (también es su deber) sobre cuán ancho y ajeno es el mundo de las letras fuera de Cuba; igual mediante el catálogo de Arte y Literatura, que con cierta regularidad reimprime clásicos; o directamente a través de enlaces en las redes sociales, las verdaderas ladronas del show en lo que va de siglo XXI.

¿Cómo romper estos moldes y dejar de, solamente, leernos los unos a los otros con riesgos de acabar en la endogamia creativa? Supongo que estando atentos a la lectura o relectura de obras maestras que han vencido al tiempo, en vez de fijar la atención solo en la mesa de novedades. No conozco reglas únicas ni los criterios que manejan o el verdadero poder que tienen quienes dirigen las políticas editoriales y deciden qué se distribuye y se vende o no. Por otro lado, cada cual arma su propia brújula lectora y su canon individual. Opino que deben potenciarse más los intercambios en eventos internacionales.

Eres uno de los uno de los directores del grupo poético-teatral-musical RolleX, ¿cómo entender el acto performativo cuando se tiene a la comunicación de la poesía como el primer escaño de sentido?

Cuando el acto poético se enfrenta al espectador, ¿qué resortes se disparan en ti?

cortesía del autor

Ya hace más de dos años que existe RolleX. Alex Díaz Jr., mi primo, y yo, lo dirigimos y todo el tiempo expandimos, a través de los medios a nuestro alcance (espectáculos, talleres, redes sociales, etc.) el concepto de neorrepentismo, un término que acuñara hace años Alexis Díaz-Pimienta en ese ensayo investigativo para eternas consultas que es Teoría de la improvisación poética.

En este libro se definen las proyecciones de una nueva generación de improvisadores formados gracias los Talleres Especializados de Repentismo en todo el país a partir de la década del 2000 y que, por otra parte, aparecen en su total dimensión gracias a puestas en escena que, ya de por sí, engloban las otras manifestaciones artísticas; el repentismo en medio de un diálogo interdisciplinario. Debo decirte que un espectador amante de la poesía, cuando tiene la oportunidad de disfrutar de cerca un arte tan antiquísimo de la oralidad como es la improvisación poética, devuelve enseguida, con sus reacciones a flor de piel, con sus gestos, con su risa, en los casos favorables, una adrenalina muy agradecida, muy generosa, que los escritores —después del acto solitario de la escritura— desconocemos de una manera tan tangible.

Hay más gente que ama la poesía de la que suponemos. Por supuesto, habrá algunos que disfruten más la llamada poesía culta y otros la llamada poesía popular, ambas expresiones legítimas de la cultura. Si a nuestros espectáculos, con fines poéticos que oscilan de un lado a otro, les agregamos dosis de acompañamiento musical (con músicos, instrumentación y géneros variopintos), dosis de teatro y algo de performance, además de la proyección de un corto audiovisual en torno al desarrollo de una acción poética, entonces el favor del público es mayor, la buena vibra y la energía que recibimos de vuelta superan las expectativas.

Pocos momentos, por no decir ninguno, son tan gratos (tan gratos y tan arriesgados) para un hacedor de versos, para un repentista, en suma, que ese acto creativo de protagonizar un espectáculo cuya trama suceda en versos, tanto desde la declamación (que es lo típico) como desde la improvisación.

Tu libro Mundo pañuelo fue publicado en 2016 por el sello español Guantanamera, y en 2018 fue traducido al idioma inglés bajo el título Small World. ¿Cómo ha resultado la experiencia de apreciar tu poesía en una lengua para la cual no fue originalmente concebida? ¿Sientes que la poesía trasciende la experiencia limitada de un idioma?

Lo he recibido con alegría y extrañeza, consciente de que definitivamente la poesía es políglota y al mismo tiempo tiene muchas capas intraducibles, o que habría que traducir en bloque y no literalmente. Se precisa un rigor, una sensibilidad y un conocimiento de la lengua que merece muchísimo respeto. Los lectores que desconocemos otros idiomas y queremos leer a Flaubert, Dostoievski, Brecht o Cesare Pavese, los amantes de esas grandes cimas de la literatura, dependemos de los grandes traductores del francés, del ruso, del alemán o del italiano.

Small world, según me han explicado algunos conocedores del inglés, no significa precisamente “mundo pañuelo”, ni siquiera como una interpretación de la idea global del poemario. Es una aproximación y, diría, una traducción quizás más en serie que en serio. De cualquier modo lo agradezco y me siento honrado de haber visto, antes de lo que suponía, mi primer libro traducido, ¡vaya honor!, ¿no?, con unas luces y sombras todavía intraducibles para mí.  

tomada del perfil de facebook de roly Ávalos díaz

¿Cómo construyes, desde lo emocional, lo espiritual y lo racional, tu propio ejercicio creativo?

De tantas maneras, querida Elaine. Trabajo mucho con la nostalgia, los sueños, las pesadillas, los recuerdos que obsesionan y atormentan, inmediatos o lejanos, las supersticiones, los miedos, los símbolos, secuencias cinematográficas y bandas sonoras, la violencia del paso del tiempo, los textos y las vidas de los otros. Trabajo con el dolor, los destellos y los espejismos. Así, con esa masa informe y aparentemente intangible, construyo mis universos, soy un dios por un rato cada día, arquitecto de mi propio infierno o paraíso. Emocional y espiritualmente me involucro y, sobre todo, incubo, bendita fiebre, la materia incognoscible con la que me conecto de forma subterránea, así escriba sobre mi vecina de enfrente o en torno a cualquier asunto trivial o vida ajena íntima.

Me apoyo de la buena o la mala memoria, esa que modifica las reminiscencias. El subconsciente es un pozo bastante hondo. Suelo anotar ideas, pasajes descriptivos, frases u oraciones que escucho o me llaman la atención y alimentan la obra que ande pariendo. Los canales de inspiración me atacan por la espalda, se me insinúan de sinuosas maneras o se me desnudan nítidamente. Después tengo que sentarme a trabajar con ello, sudar esa orfebrería y conseguir un arte final publicable.


«Lo que nos interesa es llevar un mensaje, sin recetas» (+ video)

En el centro de Cuba, específicamente en la cosmopolita y siempre animada ciudad de Santa Clara, la canción de autor es asidero para novedosas sonoridades. Cada viernes en la tarde noche, el dúo Círculo de Tiza se da cita en la casona sede de la Asociación Hermanos Saíz en Villa Clara para compartir con su público el gusto por la música rural de Norteamérica.

Víctor Daniel Évora Mendoza y Yasmany López Cuella (El Baby) se conocieron en agosto de 2004 mientras planeaban el acto del primer egreso del Programa Especial de Instructores de Arte en el país. Emergieron intereses profesionales y el gusto por arquetipos como Santiago Feliú, Carlos Varela y Polito Ibáñez. También por el rock and roll y el country.  

En septiembre de 2007, poco después de graduados como instructores de arte, fundaron el dúo a guitarra y dos voces Círculo de Tiza, que les ha hecho crecer como músicos hasta convertirse a profesionales. Y es que Víctor y Yasmany coinciden hasta en la fecha de nacimiento: 10 de mayo de 1985. Quizá por eso en su repertorio es difícil determinar la autoría de una y otra pieza.

—¿Componen a cuatro manos?

—Víctor: Solo un tema, Pacto de humo, que se estrenó hace 11 años. Él tiene sus composiciones y yo tengo las mías — responde mientras fuma un cigarrillo.   

“Yasmany abarca temas diversos, resaltando más lo existencial, y yo tengo una inquietud más acentuada hacia las canciones sociales. En el plano personal compuse mi primera canción a los 14 años, pero realmente comencé a sentir que surgía algo nuevo dentro de mí cuando llevábamos un año con el dúo, que montamos mis primeras composiciones y pude sentirme cantautor”.

En su repertorio en general, estos músicos recrean el panorama musical de los pueblos periféricos (o sea, del campesinado) de Estados Unidos y Canadá, sustentado en géneros como el folk country, el blues, el funk y el rock-pop, aunque según hacen constar ellos mismos; «con reminiscencias de lo que aportó para el Movimiento de la Nueva Trova en Cuba, los elementos del llamado rock nacional, en Argentina y el reggae en Jamaica». 

cortesía de los entrevistados

Te hablo, por ejemplo, del swamp rock, este rock and roll que resalta la guitarra y la voz. Además, trabajamos el blues, el reggae de Jamaica nos llama mucho la atención y recurrimos también al funk conocido en los años 70 en Cuba como pastilla”, explica Yasmany y Víctor argumenta: “Es una línea que desde la canción de autor trabaja elementos de esos géneros, pero últimamente estamos centrados en explorar diversas variantes del country; por ejemplo, la balada country y el bluegrass. Actualmente vamos por el camino de la experimentación alternativa, por ejemplo, te puedes encontrar el reggae, con rock alternativo, con el country.  

Y aunque esta se ajusta al formato de banda (bajo, guitarra, guitarra eléctrica y teclado fundamentalmente), Círculo de Tiza hoy día está integrado solo por sus dos fundadores, Víctor y Yasmany, quienes protagonizan junto a otros trovadores el espacio Cañasanta a la Hora de los Mameyes en la Casa del Joven Creador de la ciudad santaclareña. Allí ofrecen desde hace siete años esta línea de composición rara frente a un público mayoritariamente de miembros la joven vanguardia artística del país.

 —Defienden esta música de habla inglesa preferiblemente, ¿pero cantan todos sus temas en español?

—Sí, casi todos, excepto algunos cover —contestan casi a dúo y se ríen.

Entonces presumo que no soy la primera en acotar la paradoja. “A mucha gente, sobre todo extranjeros que nos escuchan a dos cubanos sin banda y cantando country en español, creo que “no les da la lista con el billete” explica Yasmany sin dejar de reír. Luego se ponen serios, pues lo que hacen constituye “un reto”, sostiene Víctor.

Pienso también en el hecho de cantar country en una plaza frente a otras sonoridades como la timba, la guaracha, el punto; y otro folclor, digamos, caribeño, latino, afrocubano.

—¿Han pensado en la experimentación con mezclas cubanas que les permitan acercarse más al público hispanohablante?

—Yasmany: En ese sentido, específicamente nosotros hemos tenido que lidiar con los cuestionamientos de cerca de por qué no componemos música cubana, y siempre explicamos que defendemos la música cubana en todas las instancias que haya que hacerlo, pero nuestra línea de trabajo es otra, sin que esto constituya una camisa de fuerza para la experimentación futura con los ritmos predominantes o representativos en nuestro país.

—Víctor: En nuestras canciones hay mucho rejuego de palabras, doble sentido, frases que escuchamos en la calle. Son guiños a la cultura cubana más popular. También en la sonoridad nos hemos acercado a nuestras raíces campesinas.

tomada del perfil de facebook círculo de tiza

“Por ejemplo, tenemos un country bluegrass, Pieles de corderos, que es una chota, una descarga a los cornudos, ya que trata sobre prejuicios hacia los hombres que consienten el adulterio femenino; y al final incorporamos unos compases del punto cubano. Es un homenaje que quisimos hacer a nuestro folclor; pero también representan las dos orillas: lo cubano y lo extranjero desde su ruralidad”.

“Observamos la realidad, la gente, sus expresiones y todo eso lo incorporamos a nuestro repertorio,” explica Yasmany, con aire evocador. “Nosotros nacimos en el campo, en pequeños pueblos alejados de la ciudad cuya ruralidad está impregnada de un folclor muy hermoso tanto en el habla como en la forma sana de ver la vida. Subyace la poética del lugar de donde venimos en nuestros temas, que a veces contienen dicharachos propios del campesinado nuestro”.  

—Me comentaban que no les interesa el verso fácil y que les gusta mucho abordar contenidos sociales ¿Cómo se ven dentro del movimiento de la canción política actual?

Lo que nos interesa es llevar un mensaje, sin recetas”, me contesta Víctor con rapidez, y su amigo lo apoya casi sacándole las palabras: “Sencillamente planteamos un punto de vista y la gente lo digiere como mejor entienda. Y las etiquetas no nos interesan mucho.  

“El ser humano trata de etiquetar, de engavetar o encuadernar las cosas; pero tratamos, en la medida de lo posible, de estar por encima de eso y crear sencillamente”.

tomada del perfil de facebook círculo de tiza

—Entre los temas que abordan está presente también la religiosidad…

—Víctor: Abordamos temas reflexivos, las preguntas existenciales que se hace el ser humano, y dentro de esto la relación con Dios, como un referente; tanto si las personas creen que existe como si no.

—¿Cuáles son los desafíos actuales de Círculo de Tiza?

—Yasmany: No hemos abandonado el sueño de tener una banda —responde con los ojos chispeantes—. De hecho, las grabaciones del disco que estamos haciendo ahora van acompañadas por instrumentos reales, gracias a la ayuda desinteresada de algunos amigos músicos.  

—Por último, lo primero: ¿por qué Círculo de Tiza?

tomada del perfil de facebook círculo de tiza

—Víctor: Es una obra de teatro de Bertolt Brecht que se llama El Círculo de Tiza Caucasiano, inspirado en el cuento chino El círculo de tiza; y a su vez da nombre a una canción de Carlos Varela. Todo esto se mezcla con la mitología escandinava, que refiere aquel círculo de sal que protege a las personas de buena voluntad de las malas acechanzas.

Yasmany: También tiene que ver con la lectura que nosotros le damos a esa frase. Un Círculo de Tiza puede ser efímero. Es como el círculo de la vida, que también es frágil. Como mismo se puede borrar de un plumazo un trazo de tiza, se puede borrar la vida de un ser humano.

Víctor: Y estamos empeñados en que dentro de ese círculo solo entren los buenos seres humanos, la gente de buen querer, la buena voluntad. La paz, la esperanza y el amor. Sobre todo, esas tres cosas.  

Así el repertorio de ambos —de Círculo de Tiza, al fin y al cabo— aboga por temáticas de valor universal; el amor, la libertad, la patria, la nostalgia y la crítica social. Estas pasan por la subjetividad de los creadores, cosmovisiones y sensibilidad artística que tributan a la construcción de un discurso de lo cotidiano que se funde en sentimientos y proposiciones más generales.


Giordano Guerra Cabrera y su Piedra Lunar

Siento un olor conocido

único en la espacialidad

ando con frío en los pies

me he perdido otra vez

llevo una piedra lunar en el cuello.

(Piedra lunar)

cortesía del entrevistado

Cuando escuché la canción “Piedra Lunar”, en el minuto 16 del capítulo 40 de El rostro de los días, la novela cubana, entendí que estaba ante una verdadera joyita.

 Quise saber de quién era y esperé a los créditos. Allí no aparecía detalladamente, por título ni autores. Al principio, pensé que se trataba de Polito Ibañez. Tuve que hacer una búsqueda en YouTube con esos nombres e ir descartando a los que no me “sonaban”. Porque no era Polito.

Le pregunté a varios amigos como a Santa Masiel Rueda, Rey Montalvo, y otros. Pregunté a los comentaristas de YouTube, en el Twitter y hasta el Facebook. Nadie sabía. Esa canción tan genial no la había escrito Ariel Barreiros, Leonardo García, Inti Santana, ni Silvio Rodríguez.

Hasta que di con un video de la Casona del Bola y un grupo de jóvenes en un destartalado, pero feliz cuarto, que tarareaban las canciones de un joven barbudo. El audio de la grabación era pésimo. Pero casi pude distinguir al demiurgo de la “Piedra Lunar”, la canción.

Entonces me di a buscar su nombre en Facebook y hallé su perfil. Le envié una solicitud de amistad.

VMP: Mis saludos. No nos conocemos, pero me come la curiosidad por saber si en la novela cubana en transmisión hay un tema tuyo, en el cap. 40. Es que pensaba que era de Polito Ibañez.

GGC: Si es mío. Muchas gracias por mencionarlo. Se llama Piedra Lunar y sí, a veces me han confundido con Polito y la verdad que es un honor. Aunque tenemos voces casi con la misma textura, se pueden notar las diferencias. jeje.

 t.me/recalogiordanoguerra este es mi canal de Telegram por si quieres descargar el tema. Saludos.

VMP: ah qué bien

Ha sido un placer encontrarte. He tenido que hacer una búsqueda desde que escuché ese gran tema. Muy lindo y con maestría.Ya lo bajo para disfrutarlo. Podrás contar con mi amistad para lo que sea. Desde Ciego de Ávila, un saludo.

GGC: No sabes el ánimo que me dan tus palabras. Es un placer ser un artista y tener regalos como estos. Saludos de vuelta. Si le interesa estaré publicando más temas por el canal de Telegram. Otro saludo.

Estaba más que feliz. Al fin no solo había hallado al autor de una excelente canción, sino, también, empezaba a una amistad “virtual” con él y, de paso, ya tenía a mano más de tres canciones que había descargado de su canal de Telegram.

Las sensaciones satisfactorias fueron en aumento cuando escuché estos temas. Profundicé en la afirmación de que estaba ante un trovador sublime. Un joven de 30 años, casi desconocido, que quería romper el celofán del invisible, pero le costaba trabajo.

cortesía del entrevistado

En uno de los chat le pregunto si era miembro de la AHS o de la Uneac, y al recibir la respuesta negativa, me quedé más que sorprendido. Pertenecer a alguna de estas organizaciones te lanza al “nuevo mundo” y te abre algunas puertas. Pero Giordano Guerra Cabrera es un trovador más intimista, de espacios reducidos.

Precisamente eso fue lo que marcó mi inicio como cantautor. Los pequeños espacios donde iba y me presentaba. Comencé con la peña fija del grupo G.lo, son un dúo que hacen música trova. No son muy conocidos, pero en su peña van siempre de invitados Ireno Garcia, Mario Arias, repentistas, poetas y todo el que vaya siempre tiene un espacio para participar, en la Casa de los Artistas de San Lázaro. Ellos me invitaron y a cada rato cantaba una canción propia. Recuerdo charlas con ellos e Ireno García, aprendí muchísimo. El otro lugar fue La Casona del Bola en Guanabacoa, uno de los espacios donde el arte fluía libremente.

Esta canción no tiene historia

no tiene destino

esta canción no tiene dueño

se adentra en tus sueños

y salen flores negras de tus manos. (Canción para viajar)

Quise conocer más sobre su vida. Por internet era complicado pues no existía una página con su currículo. Y Facebook tampoco es fecundo en dar informaciones verdaderamente serias sobre alguien.

¿El arte de hacer canciones llegó a ti o tú a él? ¿Cómo fue?

Empecé mis estudios en la Escuela Vocacional de Arte Leonardo Luberta, en la Isla de la Juventud a los siete años. Llegué a terminar los estudios de música en la Enseñanza Elemental. Sin embargo, la canción como género llega por escuchar a mi madre. Ella siempre canta. Paralelo a los estudios, yo tocaba el piano en una iglesia. Un año antes de entrar al Servicio Militar compuse mi primera canción.

He escuchado que dominas el piano y la guitarra, ¿con cuál compones?

Mi instrumento es el piano. Con la guitarra solo puedo acompañar mis temas, no me considero muy diestro en ella. En el piano, a pesar de no ser muy virtuoso, puedo desarrollar mis habilidades musicales mucho mejor. Al componer, lo hago con los dos instrumentos. Cada uno tiene su vibración particular a la hora de crear.

El arte visual, ¿qué le aporta a tu vida musical?

Estudié el Nivel Medio en Artes Plásticas también en la Isla de la Juventud y no sólo dibujo, hago varias manifestaciones dentro de las Artes Visuales y todo eso aporta muchísimo a la música que hago. Uno de mis planes futuro es poder unir de manera coherente Música y Artes Visuales en algún proyecto. Por ahora los trabajo separados.

cortesía del entrevistado

Gustos y preferencias musicales…

Me encanta la buena música, toda, incluyendo la urbana. Tengo mis gustos particulares por el Rock Británico (todos los nombres que pueden caber aquí desde The Beatles, Queen, hasta Coldplay y Racing Glaciers) Dentro de la música cubana me encantó estudiar el género Canción. Pablo Milanés, Santiago Feliú, Carlos Varela, Liuba María Hebia, Habana Abierta, David Torrens, Kelvis Ochoa, Roly Berrío e Israel Rojas son de mis compositores preferidos. Me encantan las Artes Visuales todas sus manifestaciones: pintura, escultura, video arte, performance, libros objetos, grabado, dibujo, etc. Voy mucho a las exposiciones. Me gusta ir a ver obras de teatro, la danza y me fascina el ballet. El cine, los teatros musicales… creo que todo lo que tenga calidad y buena factura me interesa.

Eres muy talentoso, ¿cómo es que todavía, con 30 años, no perteneces a la AHS o a la Uneac?

No me he acercado a esas instituciones por pura pereza, tal vez. Tengo muchos amigos que pertenecen a la AHS o a la Uneac. Cuando empecé la carrera de Historia del Arte en la Universidad de La Habana parecía que mi vida tomaba otro rumbo paralelo a la creación artística. En esa época no tenía pensado ser «artista» en definición, por eso me mantuve cerca de los Festivales de Cultura para Aficionados (era como hacer trampas). A pesar de no ser considerado de un nivel profesional y de tener dentro de ellos artistas con niveles excelentes de interpretación. Este espacio fue lo único que me mantuvo unido a la creación en esa época. Hace solo un año y medio que me decidí ser «artista» en serio.

Tus ojos son tres diamantes

dos son negros uno es viajante

 luz y oscuridad, es parte del mismo elefante. (Camina)

Si no fuera por la telenovela cubana, como mencioné al comienzo de esta entrevista, jamás hubiese conocido a Giordano. Para un joven artista, eventos como este generan expectativas. Aunque no siempre se cumplen todas. La televisión no es la catapulta ideal para satisfacer sus ansias artísticas.

¿Cómo llegaste al playlist de la novela?

Llegué a la novela por Elizabeth, la hija de Esteban, el Editor principal de la novela. A ella le encantó el tema “Piedra Lunar” y se lo enseñó al padre. Me llamaron un día para verme y me sorprendieron con la noticia. La directora también estuvo de acuerdo y decidieron llamar a Ernesto Cisneros, el Director Musical. Tuvimos un encuentro y dio el último voto para que se incluyera la canción dentro del playlist. Y así llegué, todavía no conozco a los demás compositores, pero pronto lo haré en algo que llamaremos «una sorpresa».

¿Qué significa entonces, la AMISTAD en la vida de Giordano?

La amistad es lo primero en mi vida. La real amistad, esa que no traiciona en ningún momento bajó ningún concepto. Mi esposa es mi amiga, mi Madre es mi amiga. Mis amigos son todos aquellos que no me mentirían nunca, que me escuchan y aconsejan como mismo lo he aprendido a hacer yo con ellos.

cortesía del entrevistado

¿Cómo es un día en tu vida?

¿Un día en mi vida? Bueno, imagínate que vivo el día a día. Eso me ha llevado a tener experiencias inolvidables. Hay momentos que son perfectos desde que me levanto hasta que me acuesto. Siempre trato de mantener ese buen ánimo, evito el estrés y trato de ir entendiéndome a mí mismo para amarme lo más que pueda, sin importar cuáles sean las situaciones. Amarme primero para poder amar a los otros como un reflejo.

En sus canciones se nota una frescura que deviene de la claridad de sus letras. A veces las ideas brotan de ellas al final del mismo texto, como en un resumen, a la manera que siempre propuso Emilio Ballagas. También se perciben atisbos de elementos de la ciencia ficción como piedras lunares, espacios, viajes, más allá, gravedad.

No soy de leer libros de Ciencia-Ficción pero sí me gustan las películas de ese género. El misticismo pudiera venir de leer muchas teorías diversas de cómo se creó la vida y cómo ha sido la evolución cognitiva y psicológica del ser humano en la sociedades. Todo lo referente al Espacio Exterior me interesa, sobre todo como recurso visual en mi poesía. Casi siempre hago un símil entre el Cuerpo Humano y el Universo, y voy mezclando los conceptos.

De qué país lejano has salido tú

 de qué planeta azul vienes con tu luz

 solo sé que comienza un viaje

 hacia el más allá. (Sueño azul)

cortesía del entrevistado

Quizás Giordano es un artista simbolista. Prefiere evocar ideas a través de palabras en concreto para que sea el espectador quien se haga su propia canción o letra.

Todavía no me considero dentro de un género en específico, ni musical, ni literario. La música que hago es una mezcla consciente de muchas cosas, algo experimental pero que encuentra patrones sólidos cuando se conforma. Como me he mantenido al margen del mercado y las instituciones pudiera decir que pertenezco a la música hecha en Cuba. Estudiar, conocer y aprender en cada experiencia de la vida me ha dado muchas alegrías. Soy un fiel simbolista, existencialista y experimentalista.

La canción preferida entre mi novia y yo es “Piedra Lunar”. Pero todas las que hemos escuchado de Giordano ha servido para crear ambientes mientras hacemos cualquier cosa en el ámbito casero. Y es que desde el mismo arreglo, su voz casi angustiada, los temas de Giordano transmiten un amor por las relaciones humanas, por el romanticismo.

¿Te consideras romántico?

 Muchísimo. Tengo una esposa preciosa y es una pena que la Covid-19 nos mantenga separados. Pronto espero estar con ella. Tengo muchísimos amigos que me aman y mi familia también. En ese aspecto estoy muy satisfecho con los regalos de amor que el presente me da.

¿Eso va construyendo tu concepto de felicidad?

La felicidad es despertar tranquilo con la persona que amas al lado y una taza de café en la mañana. Tener un instrumento musical cerca y un lienzo en blanco listo para usarse. Abrir el frío y tener comida que uno disfrutó haciéndola. Caminar descalzo por la casa limpia, el olor de los árboles, un tatuaje nuevo, un encuentro con un viejo conocido, un libro policíaco. Hay tantas cosas que me hacen feliz y se traducen en el verdadero concepto de felicidad.

Esto me recuerda lo que leí en varios textos de algunos psicólogos. Para Freud, por ejemplo, un hombre feliz es una especie de ser complementado. La vida social pudiera ser el complemento ideal de un artista.

¿Has valorado tu papel en esta sociedad? ¿Crees que estás asumiendo el rol que siempre quisiste?

Hasta el presente sí. No pienso detenerme en mis metas y sueños. Mientras más entienda como funciona esta sociedad contemporánea y más cerca estén en mis manos cambios reales y necesarios, más comprometido estaré con ellos.

cortesía del entrevistado

Pareces un hombre práctico. Además de la plástica y la música, ¿qué otras manifestaciones artísticas te apasionan?

Me gusta escribir poesía. Siempre he querido escribir un libro.

En ese mal llevado concepto de trovador he querido colocar a Giordano. Las razones que tengo pululan sobre mis hombros. La trova es algo más allá de un hombre y una guitarra. Es, también, una forma de vida, una actitud. Es tener sentido y sensibilidad para andar por ahí mirándole los detalles a todo lo que se mueve. Es un puente, para todo lo que se ama y se aprende.

¿Cómo ves la trova cubana y su promoción?

Actualmente hay muy buenos trovadores. Buenísimos en interpretación y en composición. La promoción es verdad que es escasa, pero más lo es el público.

¿Crees entonces que la trova, como canción, es necesaria?

El público cubano necesita escuchar trova, entender de música y poesía. Hoy día los cantautores tenemos que tener el ánimo de intentar cautivar ese público con un poco de lo que nos piden y un poco de lo que queremos mostrar.

Veo una aurora boreal

juntándose con mi sangre

cuántas vueltas más daré

 me he pintado en la pared

 ver mi rostro no me hace permanecer.

 Hay un paisaje veloz

 un aliento sideral

 siento en mí tu gravedad

eres mi piedra lunar

 tan lejana

  tan palpable.

 Orión me anima a no mirar atrás

 espero en silencio

estatua de sal

puente pequeño

 un muro sin voz

 el mar no fue vil

 el odio es peor.

(Piedra lunar, Giordano Guerra Cabrera)


Carlos Ernesto Varona: “No tengo límites”

Conocí a Carlos Ernesto Varona Velázquez cuando ambos soñábamos ser guitarristas. Eran aquellos los años de la niñez y la posibilidad. El tiempo ha pasado desde entonces y, como siempre, se ocupó de transformar todo a su paso. Sin embargo, no cambió la certeza de Carlos Ernesto, su amor infinito hacia el instrumento y hacia la música. Lo invito, lo provoco con una pregunta que habla, también, de las memorias que compartimos…

—¿Sientes que tu formación en las escuelas elementales de Arte fue esencial para la conformación del artista que eres hoy?

—Por supuesto. Para mí es un poco contradictorio porque uno tiene muy corta edad cuando comienza a recibir una educación. Sin embargo, ese es, al mismo tiempo, el momento más importante en la formación de un músico.

cortesía del entrevistado

—De esa experiencia, ¿cuál consideras que fue tu aprendizaje mayor?

—Sería injusto decir que solo hubo un gran aprendizaje. En la enseñanza de un artista, los aprendizajes son de diferentes tipos y todos se complementan. Para poder hacer música se necesita tener un bagaje cultural amplio y que te permita canalizar y expresar tus habilidades.

—En la actualidad, ¿cuál es la salud de la Escuela Cubana de Guitarra?

—Considero que es buena: hay muchos jóvenes guitarristas de nuevas generaciones que apuestan y desean mantener el legado de Nicola. Gracias a la información que nos brindan hoy las plataformas digitales se puede estar más al tanto de lo que ocurre a nivel internacional. Así se tiene una retroalimentación en la que se evidencia la importancia mundial que ha tenido nuestra escuela.  

cortesía del entrevistado

—¿La tradición guitarrística clásica en nuestro país se ha visto afectada o modificada por el avance de la música popular, o este avance se ha integrado de forma orgánica y ha resultado en beneficio de lo clásico?

—El sector de la música clásica no tiene tanta demanda del público como solía ser años atrás. Algunos eventos, por tradición, mantienen quizás a ese público que tuvo alguna vez, pero la sociedad actual se aleja mucho de consumir ese tipo de música. Partiendo de esto, te digo que lo clásico no se ha visto afectado por lo popular; se ha integrado para hacer llegar un arte refinado a un público mayoritario que suele consumir otro tipo de música. Esta no es una tendencia actual, siempre se ha incluido en el programa de guitarra clásica, debido a que este es un instrumento que es también muy popular. Un ejemplo de esto es El manisero, de Moisés Simons o Drume Negrita, de Eliseo Grenet, piezas que han sido llevadas al repertorio de la música de concierto. Tuve el placer de interpretar hace poco El Concierto de las Islas, de Rafael Guedes: en el primer movimiento se encuentra una guajira, en el segundo un bolero, y en el tercero un danzón-son.

—¿Cómo enfrentas tu rutina de entrenamiento musical?

—Mi rutina de entrenamiento va enfocada más al aspecto musical, a que la técnica esté en función de la música. Los años como estudiante me ayudaron mucho en la cuestión técnica, pero con el paso del tiempo uno empieza a entender mejor la música y a darle más valor a este aspecto que es el esencial. Luego busco cómo resolver técnicamente para poder respetar así el discurso musical que quiero comunicar.

cortesía del entrevistado

—¿Qué piensas es indispensable en la formación de un joven guitarrista?

—Es indispensable el interés que tenga ese joven por aprender. La guitarra es un instrumento de mucha exigencia porque uno es quien crea el sonido desde y con sus propias manos. No es un instrumento que tenga un mecanismo que ejecute el sonido, como sucede con el piano, donde uno presiona una tecla y hay un mecanismo que es el que percute la cuerda. En la guitarra, ambas manos están en contacto directo con la cuerda, cosa que hace un poco complejo obtener un resultado en un tiempo breve; y constantemente la dificultad va in crescendo a medida que avanzas en repertorio.

—¿Hasta qué punto la pasión por la guitarra es importante en el desarrollo del instrumentista? ¿Qué papel juega la disciplina?

—Como ya te mencioné, la pasión y el interés son fundamentales. Ahora, la disciplina debe existir siempre. Nada se logra si no existe disciplina.

cortesía del entrevistado

—Es una realidad que muchos de nuestros mejores guitarristas históricos no se encuentran en activo como instrumentistas; y buena parte de los que sí se encuentran activos no viven ya en Cuba. ¿Piensas que este es un fenómeno que se puede revertir y que tiene alguna repercusión en la formación de las nuevas generaciones?

—De los guitarristas que no se encuentran activos, sería inapropiado juzgar el porqué de su inactividad: las razones son personales. De los que están activos y no están en Cuba es un orgullo que, habiendo sido formados por la Escuela Cubana de Guitarra, sean los que formen parte ahora mismo de la meca de la guitarra en el mundo.

cortesía del entrevistado

La mayor demanda musical en Cuba, un país tropical y caribeño, siempre va a ser de música popular. Siempre existió un Ernesto Lecuona y un Bola de Nieve, excelentes músicos ambos, pero cada cual en su vertiente. Los tiempos cambian y la música clásica fue la música popular de otros momentos históricos; lo cual hace que en países europeos exista una mayor tradición de lo clásico, debido a que es su cuna natural y es lógico que por esto haya una mayor demanda, lo que a su vez posibilita que la tradición sea más fructífera. No tengo certeza de que se pueda revertir o no este fenómeno en nuestro país, de acuerdo a lo que te he comentado.

Por otro lado, aunque tengamos excelentes guitarristas que, tal como mencionas, ya no están en activo o no viven en cuba, lo cierto es que quedan muy buenos profesores y guitarristas clásicos en las escuelas, y esto tiene una positiva repercusión en la formación de las nuevas generaciones. Además, los guitarristas que viven y trabajan fuera de Cuba regresan a nuestro país e imparten clases magistrales, dan conciertos, por lo cual no se encuentran desconectados de nuestra escuela de guitarra, y pueden ser faro para los jóvenes en formación.  También los nuevos aprendices se nutren de las tecnologías, el internet, las redes sociales y las diversas plataformas que los profesores emplean para subir videos. Por ejemplo, hay algunos en los que se explican —a modo de clase online— los análisis técnico-musicales de las obras clave en la formación de un guitarrista.

—¿Qué piezas prefieres interpretar?

—Las piezas que prefiero interpretar son aquellas con cuyo lenguaje me identifico. No puedo hacer algo con lo cual no me sienta implicado, pues no estaría comunicando nada. En el montaje del repertorio no tengo límites, pero sí escojo a la hora de dar un concierto aquellas obras con las que más me identifico, pues esa identificación es la que le haré llegar al público.

—¿Qué es lo que más aprecias de tu práctica como maestro?

—Ver que mis alumnos crezcan en la música. Y digo en la música porque la guitarra es solo uno de los tantos medios que hay y que expresa esta rama del arte.

—¿Hasta qué punto la competitividad y la emulación sanas son importantes para el desarrollo de un guitarrista?

—La mejor competitividad y emulación que puede existir es con uno mismo. Lo importante es ver cómo se evoluciona y mejora a través del tiempo. El crecimiento profesional de cada persona es diferente e individual. Cada cual tiene su tiempo, pero eso no significa que todos no podamos llegar a una misma meta si se tienen las condiciones necesarias.  

—¿Cómo te insertas en la dinámica de concursos, becas, premios y festivales?

—Cuando era estudiante, los concursos Isaac Nicola se habían eliminado, eran solo festivales. El intercambio junto a guitarristas de tu generación y también de otras generaciones es muy importante, ya que uno se nutre de otras experiencias. No he sido la persona que se destaca más por su frecuente participación en concursos, pero sí hay algo positivo en esto, y es que uno se traza una meta a corto plazo, lo cual te ayuda a la superación como músico. Veo el concurso no como la búsqueda de un reconocimiento. Si el reconocimiento llega, eso es bueno, pero lo más valioso está en disfrutar y aprender del proceso.

cortesía del entrevistado

—¿Quiénes son tus referentes de instrumentistas clásicos?

—La lista sería interminable. Aprendo de todos, no solo de los que dominan la guitarra. Uno no puede limitarse al instrumento que toca, la música es más grande que un solo instrumento.

—No siempre el talento es suficiente para que un instrumentista triunfe, ¿cuáles serían los otros factores?

—Ya hemos hablado en preguntas anteriores de la importancia de la motivación y la disciplina. También influye la perseverancia y la capacidad de estar abierto a aprender continuamente, desarrollar tus competencias y hacer surgir otras nuevas, aumentar el conocimiento en todo sentido. Otra cuestión es estar interesado en promocionar tu arte y hacerse ver por un público más amplio en los medios de comunicación existentes.

—¿Sientes que hay suficiente presencia de artistas jóvenes cubanos en el panorama mundial? ¿Cómo sucede en el caso de los guitarristas?

—Sí, realmente la juventud cubana se impone en la música del mundo, y en el caso de los guitarristas sucede también. Vemos cómo hay músicos de formación clásica que se insertan en proyectos nuevos de música popular, en los que la guitarra forma parte indispensable, y estos artistas lo hacen con una calidad admirable.

—¿Cuál es el principal desafío al estrenar una obra o enfrentarte por primera vez a una pieza? ¿Surgen en ese momento dudas o certezas, o una mezcla de ambas cosas?

—Lo más difícil es enfrentar una obra que no se haya ejecutado antes, o sea, un estreno mundial. Al no existir un precedente de ejecución, uno va a ser quien marcará una pauta en ese sentido. Yo he tenido el placer de interpretar e incluso grabar estrenos mundiales. El día de mañana —no importa si se trata de otros músicos que ejecuten la pieza o sea yo mismo el que vuelva a la partitura— se podrá otorgar una nueva perspectiva a esas obras que estrené, para así descubrir aristas diversas, pero ya teniendo un punto de partida.

—¿Qué se puede aprender de la observación crítica que la práctica no ofrece?

—La práctica es el criterio de la verdad… y la música no es teoría, sino un ejercicio práctico, pero debe existir una guía que vaya más allá de lo teórico. O sea, la teoría puede dar una explicación a la práctica, pero no aporta a la práctica en tanto el aprendiz no asimile el conocimiento teórico. Por tanto, es importante siempre que esa observación crítica llegue con la ayuda de un maestro o un tutor, el cual ya haya interiorizado previamente el enfoque teórico. Pero en general, la observación crítica musical siempre va a producirse desde un punto de partida, y ese punto es la práctica.

cortesía del entrevistado

—Durante los años 2015 y 2019 fuiste guitarrista de la Compañía Lizt Alfonso Dance Cuba. Esta experiencia, ¿qué aportó a tu carrera individual? ¿De  qué manera sientes que tu mirada como músico se vio modificada por la intervención y presencia de otras artes?

—El flamenco es un estilo folclórico foráneo que tenemos cerca gracias a las influencias españolas en el arte cubano, pero a la misma vez no es algo que uno aprenda en la academia. La Compañía Lizt Alfonso va más allá de la guitarra, que es en lo que principalmente tuve que enfocarme: esta nueva práctica me costó mucho trabajo. Esos años constituyeron un ejercicio de superación musical para mí y, además, adquirí un sentido del espectáculo en general; o sea, aprendí a no ver los elementos por separado sino el funcionamiento como sistema: un engranaje perfecto donde los bailarines, los músicos, la producción, todos están en función de un mismo objetivo. El resultado final como un todo es lo que le llega al público. En este caso, la música está en función del baile y al mismo tiempo el baile está en función de la música, lo que crea una sinergia escénica que es el espectáculo que disfrutamos.

—Junto a tu pareja, la cantautora Paloma Henríquez, fundaste el Dúo Nu9ve, ¿la vida personal y la música colisionan y se fusionan en este proyecto?

—Realmente no es una colisión sino más bien una fusión de dos personas, de dos experiencias de vida diferentes. Esa manera de ver la vida es la que unimos en un proyecto a través de la música, donde se mezclan las melodías y letras de Paloma con las armonizaciones y arreglos míos. Buscamos una homogeneidad en el discurso artístico.

cortesía del entrevistado

—¿Qué nuevos paradigmas de creación ha develado para ti?

—No puedo estar distante de lo que pasa en la música actualmente y vamos a decir que estamos permeados por los usos cotidianos de las tecnologías. Es un reto integrar las nuevas tecnologías, como por ejemplo el live looping, en lo que es el lenguaje musical de Nu9ve, pero siempre persiguiendo un lenguaje asequible para la audiencia, un lenguaje que puede ir desde canciones muy trovadorescas hasta algunas tendencias más alternativas actuales.


El Piña Colada, un festival sin etiquetas (+FOTOS)

Es justamente lo que hace que muchos músicos encuentren en la cita musical avileña su lugar exacto: la diversidad.

Y es, además, parte del encanto y las razones por las que la Plaza Máximo Gómez, el Teatro Principal, el Patio del Artex y cuanto espacio en la ciudad de Ciego de Ávila acoja un concierto se llene de un público también diverso.

Incluso, explica los altos índices de audiencia que ha tenido la edición flashback que acaba de suceder a través de las redes sociales, la radio y la televisión debido a la situación epidemiológica que viven el país y el mundo.

En la cita de 2019 David Torrens, que había llegado por primera vez hasta aquella provincia cubana para participar en el Festival Piña Colada, lo explicó a la prensa desde su experiencia personal:

“Yo hago pop, hago trova, un poco de esto y un poco de lo otro y tú tienes que esperar todo el año a que te toque tu festival, entonces Arnaldo ha hecho una cosa muy linda y es crear este festival donde junta a todas las músicas, no es discriminatorio, es todo lo contrario, es para sumar, esto es muy especial. Estoy impresionado de que haya grupos de salsa, de pop, de música alternativa, de rock, de todo y que el público sea capaz, en una misma ciudad, de escuchar y de disfrutar todos esos géneros…”

¿Qué artistas han estado en el Piña Colada? La lista sería interminable, solo mencionaré algunos nombres de músicos y bandas bien conocidos, de esos que con solo pronunciarlos ya nos suenan ciertos ritmos en el oído y usted me dirá si se le ocurre una etiqueta válida para el Piña Colada:

Miriela y Aceituna sin hueso (los primeros que ofrecieron su música en estas citas), Ivette Cepeda, Polito Ibáñez, Interactivo, Pancho Amat, Bobby Carcassés, Maykel Blanco y su Salsa Mayor, Alexander Abreu y Havana D’ Primera, Pedrito Calvo, Bonny y Kelly, Pupy y los que Son Son, Tendencia, Karamba, Raúl Torres, Vania Borges,William Vivanco, Tania Pantoja, Triángulo Oscuro, Tony Ávila, David Torrens, Luna Manzanares, Hayla María Mompié, Diego Gutiérrez, César López y Habana Ensemble, Adrian Berazaín, Enrique Álvarez y la Charanga Latina, Andy Rubal y su grupo, la Orquesta Revé, Alain Pérez y Waldo Mendoza. Toques de Río, Rumbavila, Haydée Milanés, Emilio Vega, Mauricio Figueiral, Alejandro Falcón, Teamglao, Lizzy Proyect o Luis Franco, Buena Fe, Telmary y Habana Sana, David Blanco, Moncada y, por supuesto, Arnaldo y su Talismán.

La lista podría continuar y crecería con representantes, me atrevo a asegurarlo, de todos los géneros, estilos y generaciones de la música cubana. Para los más consagrados creadores y también para aquellos jóvenes inquietos en busca de un espacio, se han abierto las puertas del Piña Colada. Conectado directamente a la Asociación Hermanos Saíz, comprometido desde su concepción con el aprendizaje y el crecimiento, presto a darle play a la música, pero también a pensarla en su vínculo con la sociedad y, especialmente, con la juventud.

Crecería, incluso, con teatristas, artesanos, artistas de la plástica, grupos portadores de las más genuinas expresiones de la cultura popular avileña, porque hace mucho dejó de ser un festival para la música “fusión”, o para la música alternativa, incluso, excede el universo inmediato de la música misma, para dejarla ser también en medio de todas las artes, en medio de la vida.

El Piña Colada es cada vez más un festival para las artes, una auténtica fiesta de la cultura cubana, con la música como núcleo y motor, como protagonista, pero también como pretexto para festejar ese dominio imprescindible e infinito: la creación.


«Todo cambió» para Gisselle Lage

Escuchar su voz es tener la sensación de sentir una caricia necesaria, un leve suspiro afianzado en el más oscuro silencio. Quien percibe su timidez en el escenario, también encuentra madurez, valentía y sensibilidad. El feeling, la trova, el bolero, el jazz o la bossa nova, le abren espacio y la entronizan hasta convertirla en una de las cantantes más talentosas en el panorama musical cubano. Limpieza y sinceridad en sus interpretaciones caracterizan a Giselle Lage Gil, cantante, pianista y compositora de Santiago de Cuba, miembro de la Asociación Hermanos Saíz.

Aunque prefiere dedicarse a la música popular, confiesa que estudiar canto lírico y piano le ha brindado muchas herramientas en su desempeño posterior. No tener antecedentes de músicos en la familia, convirtieron a Giselle en una exigente estudiosa de las piezas que interpreta. Un piano, obras clásicas de la literatura, además de papeles con anotaciones, y una bandera cubana, colonizan el pequeño estudio donde ella crea, se define, transforma lo visible en hermosas melodías para el alma. Con un poco de nervios nos cuenta cómo es que llega a la música.

«Comienzo desde que tenía seis años, empiezan las cantorías infantiles de la Sala Dolores. Me dio la oportunidad de participar dos años seguidos en el concurso Cantándole al sol y presentarme sistemáticamente en el Teatro Heredia, el Teatro Martí y otros espacios. Fue muy bonito, ya que me fue creando la disciplina de ensayar, pues había que cantar el fin de semana. Además del compromiso, los niños lo disfrutábamos mucho y lo veíamos como un juego. Eso fue una excelente preparación para lo que vino en el futuro.

Aunque iniciaste con el canto, luego estudiaste piano. ¿Recuerdas que te hizo cambiar en aquel momento?     

Estando en la cantoría me empieza a gustar el piano. En la Sala Dolores, sede de la Orquesta Sinfónica de Oriente, veíamos los instrumentos, pero siempre el piano me llamó la atención especialmente. Comienzo a estudiarlo a los seis años de manera particular con la maestra Deysi Díaz Páez y estuve con ella hasta que ingresé a la Escuela Vocacional de Arte a los nueve años. Allí estudié piano básico y dejé de cantar hasta noveno grado. Luego me presenté para ingresar en el Conservatorio Esteban Salas y pasé de nivel en piano básico igual.

Foto Bárbara Aguilar/ cortesía de la entrevistada

En segundo año, el canto regresó a mi vida de una manera bastante casual. Un día estaba un compañero mío René Avich, estudiante de guitarra que debía hacer la prueba de acompañamiento con la canción “Veinte años” de María Teresa Vera, él no tenía con quién hacerla y me brindé porque era un tema que conocía y me gustaba mucho. Hicimos el examen, él salió excelente porque es un músico supervirtuoso. Después me llamaron, me felicitaron y me propusieron ser parte de unas brigadas artísticas que se originaban en el Conservatorio y era liderado por el Jefe de Cátedra de Guitarra Mario Pujals. Sorprendida dije que sí, ya que desde niña no cantaba y fue una alegría que me dijeran que lo había hecho bien.

A raíz de pertenecer a esas brigadas artísticas, tuve la oportunidad de cantar en diferentes espacios dígase comunitarios, en hospitales, en instituciones culturales y a los 18 años, tuve el privilegio de participar en el Festival Boleros de Oro, aquí en Santiago de Cuba. Eso fue un giro radical en mi carrera porque ver a esas glorias vivas del bolero en esta ciudad fue muy inspirador. Eso marcó aún más mi objetivo en cuanto a la música. Posteriormente, al unirme profesionalmente con René Avich después de graduarme, estuve en el Festival de la Trova, pues incursioné en la música tradicional cubana.

Al retomar el canto, sabía que para dedicarme a eso tenía que hacerlo bien, entonces decidí estudiar canto lírico con dos maestras extraordinarias como Cristina Delisle y María Isabel Prado. Mi objetivo principal era asimilar toda la técnica, todos los recursos para encaminarme en otro tipo de interpretación, no en el canto lírico, sino la música tradicional o la música popular.

Estudiar el canto lírico y el piano son complementos en mi formación porque me gradué de piano en 2008, y aquí la formación de piano es clásica. Mi formación fue netamente clásica. Pero por mi parte fui estudiando acerca de la música popular, técnicas, armonía a la hora de hacer los arreglos al piano, de rearmonizar las canciones. Pero la técnica de la música clásica es primordial para todo lo que he podido hacer luego, es la base para tener elementos y herramientas que te permitan abordar el género que quieras. Sin esa técnica es muy difícil caminar en otros géneros.

¿Existe la posibilidad de que en algún momento des un giro a tu carrera y te dediques a la música clásica?   

Realmente no lo creo, no desecho esa posibilidad pero desde el principio que estudié el canto lírico sabía que quería mejorar mi voz, adquirir técnicas, herramientas, y luego interpretar otro tipo de música. Quizás en otro momento use algunos recursos de la técnica en algo específico.   

La belleza y ductilidad de tu voz te permite pasearte con acierto en la trova, el jazz, el bolero, la bossa nova y otros géneros. Sin embargo, quien te escucha reconoce tu estilo sin mucho esfuerzo. ¿Cómo lo logras?

Eso es algo que ha ido sucediendo un poco al azar, pero también he propiciado que pase, porque me gusta ser fiel a mi esencia. Y aunque vaya pasando de un género a otro me gusta abordarlo desde esa esencia que tengo como creadora. Entonces uso el jazz o la trova como una plataforma, un lenguaje con códigos específicos para expresarme. No me modifico cada vez que cambio de género, trato de mantener esa esencia que me identifica como cantante.

Muestras fluidez cuando interpretas bossa nova. ¿Te resulta complejo este género?   

Es algo que me apasiona muchísimo y tenía esa inquietud, quería hacer temas de bossa nova que me gustan. Estudié el idioma y aprendí elementos de la fonética que están en el portugués y hay que asimilarlos. Me aprendí temas y en mis presentaciones incluyo algunos en portugués.  .

¿De todos los géneros que interpretas cuál prefieres?

Esa es una pregunta difícil. Realmente me gustan muchos géneros porque hay canciones específicas que me han llevado a esos géneros. No me he propuesto decir que voy a cantar bossa nova por el género, son las canciones las que me llevan a ese punto. Y más que quedarme con géneros, me quedo con canciones porque puedo hacer muchas cosas.

cortesía de la entrevistada

¿Influencias…? 

Muchísimas, sobre todo de la música cubana, Benny Moré, Elena Burke, Omara Portuondo, Emiliano Salvador, Chucho Valdés y otros. Creo que esos referentes te ayudan a encauzar tu interpretación a la hora de abordar la música.

Aunque no se conozca mucho esta faceta, también eres compositora. ¿Cómo es el proceso creativo? 

Tengo algunos temas de mi autoría, algunos donde he hecho la letra y la música, pero lo que más he hecho es musicalizar textos de otras personas o poemas. Me resulta más fácil musicalizar los temas que hacer la letra. Y he musicalizado diferentes textos; recientemente le tocó a uno de mi madre Sara Gil. Ella escribió un tema precioso titulado “Todo cambió”, dedicado al distanciamiento social que vivimos durante la cuarentena y que de cierta manera debemos mantener. Me presentó el texto, lo leí, y me pareció hermoso. Tiene imágenes bastante conmovedoras y lo musicalicé. Eso lo hemos hecho en otras ocasiones.

¿Cómo tu familia te ha apoyado en tu carrera?   

Eso es muy importante, y sobre todo mi madre que ha estado ahí paso a paso desde mis inicios en la música, llevándome a la cantoría, a la Escuela Vocacional de Arte, preocupada siempre por todo. Yo digo que los padres de los niños que estudian música aprenden también, porque los escuchan estudiar todos los días, y participan con los pequeños en ese momento.

Entonces mi madre ha vivido el proceso desde los inicios y ha sido un apoyo fundamental en mi carrera todo el tiempo. Ahora que me dedico a la música, ella trabaja conmigo como mi representante artística y hacemos un buen equipo.

Foto Sara L. Gil / cortesía de la entrevistada

¿Cuán importante ha sido para ti el espacio Crónicas de mi ciudad?

La peña me ha ayudado mucho a desarrollarme. Ahí tengo que fungir de presentadora, hacer entrevistas, conducir el espacio, interactuar con otros artistas. Al principio lo hacía con muchísimo temor, pero poco a poco, con el choque constante, fui creando los mecanismos y ya me siento a gusto, me siento relajada al conducir el espacio. Ha sido una gran escuela porque pruebo temas, incluso con los artistas que invito y ya se ha convertido en una especie de laboratorio.    

Proyecciones en el futuro…  

Me encuentro grabando un disco de música cubana, acompañada del excelente pianista Portillo Herrera, junto a sus músicos del Trío Cauce. Es un fonograma que combina bolero, feeling, trova tradicional y he disfrutado mucho el proceso, debido a que su formato original es trío, o sea, piano, bajo, drum y voz. Los arreglos van desde conservar esa esencia tradicional, hasta combinar la música tradicional con el jazz, es decir, que es un álbum que tiene un poco de todo.    

Ganadora de la beca El Reino de este mundo en 2018, convocada por la Asociación Hermanos Saíz, la joven cantante, compositora y pianista santiaguera Gisselle Lage adereza con su voz una ciudad. Temas como “Escribiendo sobre lo mojado”, su hermosa versión de “Alfonsina y el mar”, o su interpretación de “Bringa nunca mais” de Tom Jobim y Vinicius de Moraes, son una prueba fehaciente de su talento. En el piano conquista el silencio y nos devuelve su voz como un regalo, como una sublime confesión de que la belleza aún existe.  

 


Raulito Prieto en Primera Base (+ Fotos)

A Raulito Prieto la música le viene en las venas. Creció bajo el influjo de las sonoridades de su padre, Raúl Prieto, uno de los cantautores más reconocidos de Holguín y de su generación. Es como si el destino le hubiera dicho, obstinado, que no podía ser otra cosa que músico. Escogió el bajo y se aventuró en sus propias búsquedas; primero junto a su padre, cuyo grupo dirigió artísticamente, y después, con estos mismos músicos, se lanzó a la carrera –aún más difícil cuando se hace desde provincia– de fundar una banda desde las posibilidades de lo alternativo y donde confluyen, en los diferentes temas y arreglos, el funk, el pop, el jazz y la trova.

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda

Estas búsquedas le hicieron obtener recientemente el Premio en la categoría mayores en el Concurso Primera Base 2020, organizada por el Havana World Music (HWM) con el auspicio de la Egrem y colaboración del Bristish Council y la Asociación Hermanos Saíz (AHS). Pospuesto el HWM en su séptimo año a causa del avance de la Covid-19, se realizó una edición online del Primera Base del 16 al 18 de julio, y en esas fechas, las bandas preseleccionadas actuaron “para el público y el jurado desde nuestras redes sociales”, dice una nota del propio HWM.

“Es la primera vez que participo en un concurso de cualquier tipo, nunca habíamos estado bajo esa presión. Es un concurso muy importante, con un jurado de lujo, porque en él estaba lo que más brilla en la música alternativa joven en este país sin temor a equivocarme, y los que no estuvieron de jurado, lo hicieron presentando las bandas, participando, y eso nos puso muy feliz”, asegura Raulito.

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda

El jurado estuvo compuesto por los músicos Haydée Milanés, Ruly Herrera, Jorge Luis Lagarza, Yissy García, Cimafunk, Daiana García, Zeney Alonso, Radney Barreto y la británica Alley Lloyd; la musicóloga y cantante Yentsy Rangel, la también musicóloga y productora Gretel Garlobo, y Darsi Fernández, abogada especializada en industria musical y delegada de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) en nuestro país.

Primera Base, nacido “de la preocupación por una ausencia de espacios de difusión de otras músicas” y en una “apuesta precisamente por gente que busca la experimentación”, como afirmó Eme Alfonso, directora artística del HWM, tiene el objetivo de “descubrir, apoyar y visibilizar a los artistas emergentes de la escena musical cubana, apostando siempre por la originalidad y la calidad de las propuestas. En un país como Cuba, donde la música está presente hasta en los lugares más inesperados, HWM busca promover y difundir el trabajo de las nuevas generaciones de músicos en la isla aún por descubrir”, leemos en su sitio web oficial.

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda

La convocatoria está dirigida a bandas, solistas y productores menores de 35 años. En esta edición participaron 97 bandas, de las que solo 10 quedaron finalistas para optar por los premios. En la categoría juveniles concursaron: Cuadrigales, Los Monos Lácteos (ganador), Misifuz y Tópoc; en el apartado de mayores: Akira Colarte y Habana on Me, La Pimienta y Raulito Prieto; y como DJ productores: Jaidpit, Kill the Party (ganador) y Milano. También contó con la votación del público por su banda favorita en los diferentes sitios habilitados para ello.

“La convocatoria salió en enero de este año y el plazo de admisión venció en marzo. Pidieron una carpeta promocional con tres temas, un dossier con todo el grupo, las letras de las canciones… El concurso tiene algo que me gustó muchísimo desde el primer momento: no se podía hacer cover, música que no fuera de autoría propia. Es un concurso totalmente de música original. Los grupos tenían que ser noveles, sin discos grabados, videoclips”, comenta. “Podía ser profesional pero no tener ninguno de estos compromisos editoriales”, añade Raulito, voz líder de una banda integrada, además, por Carlos Alberto Ramírez (piano), Carlos Vega Pérez (piano), Ismary Yanet Oliva Soto (trombón), Ángel Luis Reyes Montalvo (trompeta), Pedro Enrique Hechavarría Marro (saxofón) y Rubén de la Peña de la Rosa (percusión).

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda

El Primera Base “iba a ser en el Pabellón Cuba, donde participarían estas bandas, para que el jurado los viera, pero como se decidió hacer online, hicimos esta carpeta con un video promocional presentando la banda, un concierto de tres temas seguidos, para ver el desempeño en escenario, en vivo. Las instituciones se sumaron: la AHS, la Egrem con el Club Bariay, que fue donde lo hicimos, la Empresa de la Música, con parte de la producción. Luego se presentó online, se hicieron diferentes secciones con los concursantes y hasta aquí hemos llegado”.

Entre los premios, Raulito Prieto y su grupo formará parte del cartel del HWM y tendrá un concierto como parte de la programación del Festival en 2021, además de la difusión en medios de comunicación nacional y local, y la facilidad, para quienes no lo son, de ingresar en la AHS.

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda

“Ojalá podamos hacer desde esta tierra un portal de la música alternativa para el mundo; primero desde aquí, pues no es un secreto para nadie que las capitales son las que tienen la mayor fuerza para lanzar la obra de cualquier artista, pero pienso que desde Holguín podemos hacerlo. Me siento muy feliz, al igual que mis músicos. Como cantautor te regocija mucho cuando existe este tipo de eventos donde es reconocida tu obra, no solo por la musicalidad, sino por lo que estás diciendo, por el compromiso social que hay en las letras, el ánimo de ser coherente con lo que sucede en tu país, intentar ser lo más natural, genuino posible. Este concurso nos dio la oportunidad, nos escuchó, y para mí es un placer inmenso empezar por ahí”.

Con la seguridad de que “toda carrera empieza por primera base”, Raulito Prieto y su banda (como Adrián Aguilera, director de Tópoc, el otro grupo holguinero también finalista del Primera Base, pero en la categoría juveniles) continúan trabajando y ganando espacios desde Holguín, sitios luchados con el talento y el trabajo constante.

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda

“Se han perdido muchos espacios para la música alternativa, por lo que las instituciones tienen que jerarquizar y tematizar, saber dónde puedo colocar cada género. El público seguidor de la música alternativa sí está, lo que no hay es donde presentarse”, dice. “La música alternativa no es trova, no es pop, no es jazz, no es ningún género hecho, es algo alternativo, es una música donde se ve el virtuosismo de los intérpretes, se ve la letra, el espectáculo…”, añade Raulito Prieto.

Fotos tomadas del perfil de Facebook e Instagram de Raulito Prieto y su banda