Cada vez más cerca, danza y poesía en el lente de Wilker López (+ fotos)

La exposición fotográfica Cada vez más cerca, del joven realizador audiovisual Wilker López, se exhibe en los alrededores del parque Calixto García de Holguín como parte de las acciones culturales por el verano 2020 y de la segunda fase de recuperación de la Covid-19.

Fotos Carlos Parra

Basada en Imaginem et Similitudinem, coreograf√≠a del guantanamero Joel Gonz√°lez interpretada por la Compa√Ī√≠a de Danza Contempor√°nea Codanza, bajo la tutela de la maestra Maricel Godoy, la muestra, compuesta por 10 gigantograf√≠as, ‚Äútiene la particularidad de ir acompa√Īada por los versos de varios poetas holguineros,‚ÄĚ coment√≥ Wilker.

Inspirados en las im√°genes de Wilker, los versos que acompa√Īan las fotograf√≠as portan mensajes de aliento a todas las personas que lucharon contra la Covid-19, a trav√©s de la obra de Delf√≠n Prats, Maestro de Juventudes de la AHS; Lourdes Gonz√°lez, Zulema Guti√©rrez, Jos√© Luis Serrano, Mois√©s May√°n, Ronel Gonz√°lez, Luis Yuseff, Elizabeth Soto y Gilberto Gonz√°lez Seik.

Desde el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas hasta la Casa de Cultura Manuel Dositeo Aguilera se extienden estas im√°genes, que expresan, explic√≥ el artista, que ‚Äúa√ļn en la fase de recuperaci√≥n, el aislamiento social contin√ļa siendo el mejor medicamento contra el virus‚ÄĚ.

Fotos Carlos Parra

‚ÄúSe escogi√≥ esta coreograf√≠a porque contiene el esp√≠ritu sanador de lo natural y por ser Codanza una compa√Ī√≠a que sobresale en el √°mbito danzario nacional, que durante m√°s de 20 a√Īos ha llegado al pueblo y ha trascendido las fronteras del pa√≠s‚ÄĚ, destac√≥ el fot√≥grafo.

‚ÄúWilker L√≥pez, entrenado en las lides del fotoperiodismo y de la realizaci√≥n audiovisual, atrapa la fuerza de Imaginem et Similitudinem, y a trav√©s de una mirada barroca reafirma, desbordando espacios, que el hecho art√≠stico se encuentra cada vez m√°s cerca‚ÄĚ, escribi√≥ en las palabras del cat√°logo de esta muestra el joven periodista y escritor Erian Pe√Īa Pupo.

Cada vez m√°s cerca responde a ‚Äúla capacidad del arte para salvar de cerca en circunstancias dif√≠ciles, como lo ha sido la crisis sanitaria ocasionada por la Covid-19, donde la creaci√≥n art√≠stica se percibe m√°s pr√≥xima, aun cuando grandes eventos culturales se encuentran suspendidos, adem√°s de acercar la compa√Ī√≠a y la danza a su p√ļblico‚ÄĚ.

Fotos Carlos Parra

Nacido en Las Tunas en 1991, Wilker es estudiante de cuarto a√Īo de la Facultad de Artes de los Medios de Comunicaci√≥n Audiovisual (Famca) en la Universidad de las Artes (Holgu√≠n). Como fot√≥grafo del Centro de Comunicaci√≥n Cultural La Luz, ha colaborado con medios como Juventud Rebelde, La Jiribilla y Arte por Excelencias. Ha llevado a cabo la direcci√≥n y direcci√≥n de fotograf√≠a de varios documentales, videos clip, comerciales de TV y campa√Īas publicitarias.

Ganador del Premio de la Ciudad de Holguín 2020 en la categoría Comunicación Promocional y de otros galardones internacionales como Plata en el Effie Awards en Ecuador y Bronce en el Ojo de Iberoamérica, en Argentina, con el documental Cuentos de Libertad. Realizó los videos clips dedicados al aniversario 300 del pueblo de Holguín.

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra

Fotos Carlos Parra


«Si no hay lugares para ver artes visuales, nos vamos a quedar muy atr√°s»

Spin off de una entrevista o cómo conocí al artista

La oficina de la presidencia de la filial provincial de la Asociación Hermanos Saíz en Santiago de Cuba es normalmente un lugar alegre, un sitio para la cofradía y cocinar buenas ideas. Pocas veces ves allí gente ansiosa; pero aquel día había una carga de estrés notable en el ambiente; cuando llegué con el desenfado habitual, en el centro de aquella salita estaba Yuri Seoane con sus gafas, su cabello hirsuto y sus manos en la cintura. Hablaba rápido y se quejaba de las pocas posibilidades de los artistas jóvenes de alcanzar espacios estelares en los informativos cubanos. Aclaró que creía que era un problema que había en Santiago porque veía en el Noticiero Cultural la vida de otras provincias.

Le habr√≠a gustado que supieran de √©l en esos d√≠as que preparaba su primera expo en la Casa del Joven Creador, en la peque√Īa galer√≠a que estaba cruzando la puerta. Hac√≠a rato que me hab√≠a acomodado en uno de los llamativos asientos que adornan el lugar que, para ser honesto, puede que con su rojo brillante alteren un poco a los presentes. Lo comprend√≠, le coment√© que no ten√≠a acceso al Noticiero Cultural, pero que pod√≠a ayudarlo haci√©ndole una entrevista para que lo vieran en Internet. Imagino que fue frustrante porque todos quieren el ‚Äúvidrio‚ÄĚ, pero parece que se resign√≥ y pens√≥ que algo es algo.

El di√°logo con Yuri comenz√≥ con la b√ļsqueda de sus motivaciones para crear la muestra que llevar√≠a a la expo Mundo Interior, que pronto se inaugurar√≠a. El di√°logo fluy√≥, y como esas cosas que suceden, sin saber c√≥mo, ni cu√°ndo, la conversaci√≥n lleg√≥ a un punto de giro. Deriv√≥ en sus concepciones sobre el panorama de las artes visuales en Santiago de Cuba y las posibilidades o imposibilidades que tienen los j√≥venes para mostrar su obra en la ciudad.

Artes visuales, entre la imposibilidad y la voluntad para existir

¬ŅC√≥mo valoras la promoci√≥n de los artistas j√≥venes en el campo de las artes visuales en Santiago de Cuba?

De manera general hay muy poca promoci√≥n para los artistas noveles. Tambi√©n debo decir que muy pocos artistas se atreven a incursionar en las artes visuales actualmente, por lo general los artistas se van m√°s por los formatos convencionales, los dibujos, la pintura o el grabado. He visto poca incursi√≥n en las artes visuales que re√ļnen muchas manifestaciones como el video arte y el performance. El arte en esta ciudad sufre de la imposibilidad de mostrar cosas nuevas m√°s all√° de lo que ya se conoce.

Si no hay lugares para ver artes visuales, nos vamos a quedar muy atrás, no van a morir pero van a quedar desactualizadas respecto a lo que sucede en un mundo que cambia constantemente. Creo que hay una responsabilidad institucional importante y creo que las entidades de la cultura, que son las que tienen los recursos, deberían analizar el fenómeno de la poca existencia de las artes visuales porque falta apoyo, no hay salones, y hay baja promoción.

Cu√°les crees que podr√≠an ser las causas de lo que expresas, ¬Ņtendr√° que ver con las ausencias? ¬ŅCon toda la gente que se ha ido a La Habana o del pa√≠s? Porque si por un lado hay poca promoci√≥n tambi√©n hay que entender que ella depende de la calidad de la obra que se produzca.

Hay muchas maneras de buscarle una explicaci√≥n al fen√≥meno, hace muchos a√Īos Santiago era una potencia en el campo de las artes pl√°sticas, la pintura, las instalaciones, el grabado. Pero se han perdido muchos espacios vitales para la existencia del arte. Te puedo mencionar los salones 30 de Noviembre, los festivales del Caribe, donde hab√≠a mucha calidad en las obras, exist√≠an muchos eventos que refrendaban la calidad.

En mi visión, muchas de las personas que eran protagonistas de esa vida cultural, especialmente en los 90, que era un peor momento en lo económico que el actual, ya están asentadas, su obra les trajo beneficios. Ahí comenzó una decadencia de esos espacios tan importantes para hacer visible las propuestas artísticas hasta su desaparición. Con ese panorama muchos jóvenes emigran para poder hacer su obra, para poder desarrollarse como artistas, lo que ha traído consigo que no haya un desarrollo de las artes visuales en la ciudad.

¬ŅC√≥mo crees que est√© impactando ese √©xodo en la visi√≥n que se puede tener en la ciudad sobre las artes visuales y en la posible actualizaci√≥n a nivel conceptual de los artistas para crearlas y de los p√ļblicos para apreciarlas?

Para ilustrarte sobre lo valiosa que puede ser la incidencia institucional te pongo el ejemplo del SAVE (Santiago Artes Visuales y Experimentales); es una voluntad del Consejo Provincial de las Artes Pl√°sticas con muy buenos resultados en la visibilizaci√≥n de los artistas j√≥venes. Sin embargo, el SAVE es una vez cada dos a√Īos, pasa mucho tiempo para que los artistas muestren su obra, adem√°s, es competitivo, o sea, que no aseguran la participaci√≥n porque las obras son sometidas a un proceso de curadur√≠a y de selecci√≥n.

Sin ánimos de comparar, a veces yo mismo me sorprendo de que en Guantánamo haya tantas posibilidades, a ellos los felicito porque deberíamos aprender de su experiencia, tienen muchos eventos: Salón de la Uneac, Salón del Centro de Artes Visuales, hay salones en Baracoa. Me sorprendo cuando artistas de otras provincias me llaman para decirme que hay salones y espacios para mostrar su arte. Santiago es Santiago, esta no es cualquier provincia, es el eje de Oriente en todos los sentidos, no necesitamos decir la historia de Santiago para entender lo que estoy queriendo decir.

Al escuchar a Seoane me percat√© de lo importante que es mostrar a la ciudad como espacio para la creaci√≥n, para la satisfacci√≥n de las necesidades espirituales de los artistas, ese es el √ļnico modo de propiciar un desarrollo efectivo de la producci√≥n cultural en la provincia. Alegra ‚Äאּy mucho!‚Äď que los artistas est√©n preocupados por la promoci√≥n, que busquen soluciones a los problemas, que generen interrogantes, que se cuestionen el alcance de su trabajo y, sobre todo, que defiendan desde el arraigo el deseo de quedarse, pero tambi√©n es importante hacerles saber que quedarse no debe ser un sacrificio a toda costa.

Con Yuri Seoane he seguido conversando, he visto su obra, he escrito sobre √©l, y aqu√≠ va otro peque√Īo esfuerzo por darlo a conocer, aunque no sea en el ‚Äúvidrio‚ÄĚ, pero algo es algo.


Inaugura AHS exposición alegórica a siglos pasados

Una remembranza al quehacer pictórico de siglos pasados, especialmente a los estilos barroco y manierismo, realiza la exposición Cacofonía, del artista de la plástica Ignacio Alejandro Rodés Mederos, que fue inaugurada la víspera en la sede tunera de la Asociación Hermanos Saíz (AHS).

A trav√©s de 12 piezas, el autor nos acerca a representaciones de artistas con una labor notoria en las artes visuales, como son el nerland√©s Rembrandt Harmenszoon van Rijn, el espa√Īol Jos√© de Ribera y el italiano Michelangelo Merisi de Caravaggio, tres exponentes del barroco, movimiento cultural y art√≠stico que se desarroll√≥ en Europa y sus colonias americanas entre el siglo XVI y XVIII.

Por su parte, el manierismo surgió en Italia a comienzos del siglo XVI y se caracterizó por la abundancia de formas difíciles y poco naturales.

Ignacio trabaja mayormente en esos cuadros las t√©cnicas del √≥leo sobre lienzo y el √≥leo sobre tabla, aunque tambi√©n hay dos ‚Äúfrutos‚ÄĚ de arte digital, abordados desde la manipulaci√≥n. √Čl reinterpreta las obras del per√≠odo cl√°sico y les aporta elementos de la modernidad, aunque en algunos casos los cambios son m√°s visibles que en otros, tal fue su intenci√≥n.

‚ÄúEstas piezas nacieron poco a poco durante un a√Īo. Mi formaci√≥n no es de academia y esta es una forma de aprender, pues estudio con los maestros del pasado. A las intervenciones que hago las llamo ‘cacofon√≠as’. Me gusta tratar de modificar obras que ya est√°n aprobadas y son cumbres del arte occidental‚ÄĚ, dijo el hacedor de la muestra.

‚ÄúAhora lo que me interesa es crear un objeto de representaci√≥n, pero m√°s adelante pienso experimentar con otros t√≥picos y t√©cnicas. El que pretenda ser artista debe estar en un constante crecimiento. Quiero ampliar los formatos; usar modelos reales para la representaci√≥n, sin abandonar por ello este m√©todo de estudio y trabajar mucho para perfeccionar mi quehacer‚ÄĚ, a√Īadi√≥ el creador.

Cacofonía es un viaje al pasado, un boleto cultural en el que ganamos en conocimiento y apreciación estética, una excelente opción para este verano.


Decir Ramiro Guerra, es hablar de danza cubana

El pasado 29 de junio estar√≠a cumpliendo nuestro Ramiro Guerra 98 a√Īos. Su andar por la danza se√Īal√≥ el inicio de muchos pretextos, deseos, necesidades y pol√©micas. Para el arte joven hoy tambi√©n resulta una obligatoria referencia, por lo que se considera importante destacar su legado en la danza de todos los tiempos. Ramiro Guerra es la danza cubana.

Precursor y fundador, coreógrafo, maestro de la Danza Moderna y Contemporánea Cubana. Aunque su formación inicial estuvo desde el ballet clásico, supo girar sus intereses a la danza moderna, estimulado por el acercamiento a su maestra Nina Verchinina.

foto archivo danza cubana contempor√°nea

Se propuso trabajar desde una zona en la danza que por los a√Īos 50 en Cuba no era muy referenciada. Esto le oblig√≥ a formar un p√ļblico, una est√©tica, una t√©cnica y una conciencia para la danza cubana. Para ello supo explorar en el material de nuestro folclor, que le aport√≥ hacia el centro de una identidad cubana, de una t√©cnica con la base de esa danza y de una creaci√≥n, focalizada principalmente, en nuestra identidad.

Fue esta una de las primeras alertas culturales que nos dej√≥ este maestro: indagar en nuestra energ√≠a simb√≥lica y en nuestra herencia africana, en los m√ļltiples procesos que le otorgaron un sentido y conciencia de las costumbres cubanas. Este fue su centro.

Entre su creación en el Conjunto Nacional de Danza Moderna, hoy Danza Contemporánea de Cuba, se destacan obras como Suite Yoruba (1960), Orfeo Antillano (1964), Medea y Los Negreros (1968), entre otras bien significativas y de mayor complejidad en su exigencia como coreógrafo.

Tambi√©n ubic√≥ una zona de pensamiento en la danza, en libros como Apreciaci√≥n de la danza (1968), Teatralizaci√≥n de la danza y otros ensayos (1988), Una metodolog√≠a para la ense√Īanza de la danza (1989), Calib√°n danzante (1998), Coordenadas danzarias (2000), Eros baila. Danza y sexualidad (2001).

Su vida nos deja preguntas, alertas, focos de an√°lisis, bases de exploraci√≥n. Ramiro es un camino de inquietud y experimentaci√≥n que no debemos perder en el andar de este arte visual. Su legado se activa cada vez que se descorren hoy cortinas, cuando pensamos en el cuerpo, cuando decimos core√≥grafo o maestro. √Čl supo ubicar y continuar un pensamiento.

foto archivo danza cubana contempor√°nea

Su vida es un libro de consultas universales. Es una guía de irreverencia y de fuerza. El principio y la base de nuestra teoría y creación de la danza.

El arte joven debe tener cada vez más dominio de nuestro pasado cultural porque, justo ahí, es donde encontramos la luz de nuestro presente. Miremos en el pasado, pinchemos, preguntemos y activemos todo un sentido que ha estado latente. Hablemos de Ramiro y eternamente estaremos hablando de danza cubana.


Mundos insospechables que invitan

Id√°n Luis Ferr√°n ha mapeado la ciudad de sus experiencias, la ciudad de sus memorias. En la composici√≥n abstracta de la poes√≠a ‚ÄĒlas calles del recuerdo‚ÄĒ construye mundos insospechables que invitan. Esta entrevista busca un acercamiento con este joven creador ariguanabense que conf√≠a en que el arte es, sin dudas, materia trascendente.

¬ŅC√≥mo llegas al mundo de las artes visuales?

Desde ni√Īo siempre tuve una marcada inclinaci√≥n por dibujar, por llevar casi siempre un pedacito de crey√≥n en la mano, dec√≠a mi madre. Vigilaba sigiloso para no ser atrapado mientras garabateaba alguna pared que encontraba. Ten√≠a una afici√≥n casi inconsciente por los murales. No corr√≠ con la suerte de beber directamente del arte visual o del arte en general; crec√≠ lejos de esos caminos y, por alguna extra√Īa raz√≥n, cuando cumpl√≠ 16 a√Īos, ingres√© a lo que fue una excelente escuelita de arte en mi localidad llamada «Eduardo Abela». A partir de ah√≠, empec√© a encontrar la paz y a viajar finalmente por el sendero m√°s indicado para m√≠, pues creo que no pudiera haber sido otra cosa en esta vida.

cortesía del entrevistado

¬ŅC√≥mo defines la po√©tica de tu visualidad?

Esta pregunta en particular est√° relacionada con el proceso de mi trabajo. Ser√≠a bueno saber de antemano que mi definici√≥n de la realidad esta inherentemente vinculada a mi visi√≥n como artista: la po√©tica viene a m√≠ horas antes de pintar alg√ļn cuadro. En este m√©todo que desarrollo conviven la subjetividad y el propio destino de la obra. Dec√≠a Cort√°zar: «La obra ya est√° hecha antes de hacerla», y en mi caso necesito inspiraciones que confluyen entre la familia, los amigos, gentes y lugares que me son importantes. Ahora, creo que el pintor tambi√©n pinta lo que quiere ver, lo que desea apreciar despu√©s de limpiarse las manos manchadas, porque en su b√ļsqueda visual no encuentra lo que anhela contemplar m√°s tarde en lo real, en lo vivo o muerto que le rodea. Yo defino la po√©tica de mi visualidad como algo en√©rgico, como mundos insospechables que invitan.

En tu producci√≥n, ¬Ņc√≥mo se entroncan la investigaci√≥n y el proceso creativo?

La investigaci√≥n es mi vida. No puedo acostarme a dormir sabiendo que necesito investigar algo, tengo la maldita ‚ÄĒo bendita‚ÄĒ man√≠a del bichito inquieto, ‚Äúsabelotodo‚ÄĚ. Esto inevitablemente se relaciona con el proceso creativo, existe el entroncamiento entre los dos en el punto en que surge el milagro: la idea. Como dije antes, todos los procesos e investigaciones que necesito para hacer una obra vienen casi siempre tomados de la mano. Uno me dice qu√© hacer con el otro. Son como los estudios previos que hace cualquier escritor que arruga un trozo de papel y se dispone a orde√Īar otro tintero. Ya despu√©s vienen los bocetos, las restauraciones de ideas, las reinversiones, los cambios, los rescates y los accidentes.

cortesía del entrevistado

Tu experiencia como artista, ¬Ņcu√°nto te ha aportado a la hora de ejercer como maestro de ni√Īos y adolescentes en el Proyecto Cultural Casa Miqueli, en San Antonio de los Ba√Īos?

Tuve la oportunidad ‚ÄĒm√°s que eso, la dicha‚ÄĒ de conocer a Ra√ļl Bonachea Miqueli, director, fundador y promotor principal de este magn√≠fico y ansiado centro art√≠stico multidisciplinario para ni√Īos y adolescentes. Recuerdo que cuando no sab√≠a pronunciar bien su nombre me hizo saber, por intermedio de un amigo en com√ļn, la idea de fundar este proyecto. Hac√≠a ya alg√ļn tiempo que yo hab√≠a impartido de manera muy conservadora un taller de pintura para ni√Īos en la ciudad, con fines de proyecto comunitario.

Desde ese entonces surgi√≥ en m√≠ cierta vocaci√≥n por el magisterio dirigido especialmente a los ni√Īos. De alguna forma aquella experiencia me marc√≥, y finalmente me he reencontrado otra vez como profesor del taller de pintura de la Academia Casa Miqueli de San Antonio de los Ba√Īos.

El aporte ha sido tanto que creo no hay mejor regalo. No paro de aprender, de tal forma que planifico una clase para ense√Īarles los colores primarios, secundarios y complementarios, y termino aprendiendo de los ni√Īos. Ellos tienen esa capacidad de ense√Īarle a uno, incluso sin planificarlo. El premio es que se descubren cosas que quedan para toda la vida y yo, como «el profe», tomo nota, y formo parte de ese hermoso y longevo sentimiento.

¬ŅAsumes la abstracci√≥n como una forma de reflejar los mapas visuales de tus experiencias o como un lenguaje de posibilidades ilimitadas?

La asumo de las dos formas, y que la primera pregunta sería el pretexto para seleccionar la manera en que se dice, el famoso cómo. Sin duda alguna hay posibilidades ilimitadas en la creación de mis cuadros abstractos, el solo hecho de que escoja este lenguaje para manifestarme y comunicarme, extralimita toda frontera y a la vez vence a la censura.

La abstracci√≥n es uno de los mejores derroteros para decir, sin olvidar que ‚ÄĒdetr√°s de todo esto que explico‚ÄĒ tambi√©n subyace una expresi√≥n exacerbada del individuo a partir de su propia validaci√≥n: puedo reflejar no solo mapas o planos urban√≠sticos, sino toda una inmensidad de mundos y misterios.

En buena parte de tu trabajo, la abstracci√≥n se asume como la imagen que define mapas a√©reos de tus propias geograf√≠as en la memoria. ¬ŅDe qu√© manera comienzas a trazar estos recorridos?

De cierta forma ya hice un peque√Īo argumento antes, a manera de introducci√≥n de los procesos y de mis experiencias. Ahora me gustar√≠a responder esta pregunta a modo de relato:

                                              A ojo de pájaro

cortesía del entrevistado

En el meticuloso desorden de un saloncillo estrecho puede surgir la magia de los altos vientos y de las entra√Īas vivas de la tierra; en el sal√≥n m√°s peque√Īo de un edificio como cualquier otro, la magia surge siempre ‚ÄĒcomo el diamante del carb√≥n oscuro‚ÄĒ hasta en el sitio m√°s com√ļn y vulgar que hayamos visto: la magia surge siempre que est√© el mago, con su ancestral oficio de aparecer y desaparecer las cosas, con su olvidado oficio de las fantas√≠as de ni√Īo. Sabe hacernos ver un conejo en una nube, y una forma en donde no la esper√°bamos, como la de la reina de corazones entre los bastos de la baraja espa√Īola, todo por arte de magia. El mago hace ver por su esp√≠ritu de ni√Īo, y hace ni√Īos a los dem√°s cuando les muestra la imagen de lo que ve. Es mago el obrero que muestra con entusiasmo e ilusi√≥n c√≥mo la m√°quina hace una cuchara, porque sabe ver la magia que hay en ello, as√≠ como es mago todo aquel que conoce que existe magia en su trabajo y sabe mirarlo con ojo de ni√Īo en un juego. La magia verdadera, la de los altos vientos y las entra√Īas vivas de la tierra, nace en cualquier sitio donde est√© la inocencia, incluso en el sal√≥n m√°s estrecho y con balc√≥n de un edificio como otro cualquiera; donde un mago enjuto, delgado y de sonrisa temblorosa, se asoma a su balc√≥n y mira, l√°nguido, y ve el esp√≠ritu de nuestras calles, y las pinta como en un mapa, en un lienzo geogr√°fico, vistas desde arriba en una noche difusa. Porque como en difusa noche se anda por nuestras calles, y todo es oscuro y borroso recuerdo de la luz que en alg√ļn momento fue, y todo es ruina y nostalgia que nos hace ver el mago, porque es sincero, y no puede m√°s que mostrarnos lo que de veras ve, sin lugar a enga√Īo alguno.

¬ŅHasta qu√© punto, en la abstracci√≥n, consigues revelar un estado de la memoria, de tus √°nimos y tus propias reflexiones?

Es sumamente importante, al menos en esta etapa de mi obra abstracta, el reflejo de una ciudad vista desde arriba. Siempre me pregunt√© c√≥mo se ver√≠a mi gente y c√≥mo me ver√≠a yo ‚ÄĒhormiguitas en este pedazo de tierra que nos vio nacer y crecer. Fue una necesidad, casi f√≠sica, de homenajear la villa con este lenguaje abstracto.

La parte dif√≠cil fue reconstruir algunos planos de los lugares m√°s representativos del pueblo, esos que habitan en mi coraz√≥n, pues yo quer√≠a, como bien dices, pintar memorias, sucesos, gentes, y no ten√≠a planos de las zonas ni ning√ļn aparato viable como recurso para alcanzar una foto tan alta del barrio.

Recuerdo que una vez me sub√≠ en el cuartel «Roberto Vald√©s Santos», que se encuentra en una loma y que supuestamente es el sitio de m√°s altitud del pueblo. Desde all√≠ tampoco pude obtener lo que quer√≠a. Entonces hall√© una f√≥rmula de imaginarlo, mirando desde abajo y calculando c√≥mo se ver√≠a desde arriba. Para ello tambi√©n recre√© a escala varios bocetos y estudios de campo visual. Ya ten√≠a el terreno, ahora faltaban los entes y las emociones que convivir√≠an en el cuadro. Para ello ide√© una tabla de color de la tez de la piel de personas con un papel protagonista, y obtuve as√≠ una paleta llena de colores de distintas gamas de pieles que iban a ser plasmadas a manera de manchas (sueltas, caminantes y fugaces) en el formato y plano escogidos. Entonces mis propios √°nimos y reflexiones se fueron empinando como papalotes, satisfechos poco a poco.

¬ŅC√≥mo valoras la salud de las artes visuales j√≥venes en la Cuba de hoy? ¬ŅExisten suficientes oportunidades para que el talento sea reconocido o a√ļn faltan espacios?

cortesía del entrevistado

A√ļn faltan espacios. Por ejemplo, sin ir tan lejos, aqu√≠ mismo en mi localidad no existe un sal√≥n dedicado al arte abstracto, y considero que eso es una pena, pues tales inquietudes palpitan entre varios colegas pintores de nuestra comunidad.

De igual forma considero que sí existen espacios muy oportunos para impulsar y difundir el arte de los jóvenes creadores cubanos de hoy, como la AHS, entre otras instituciones; pero tampoco creo que sean suficientes las oportunidades ni los recursos. Sé que la palabra recursos no se encuentra en la pregunta; pero también se hace indispensable hablar de ella, dado que sin pinceles, pinturas, lienzos, papel, marquetería, etc., no se confecciona la obra deseada, y en este tema sí es verdad que las artes visuales están enfermas, más que en la cuestión de los espacios y las oportunidades. Hay mucha escasez de materiales en el país. Es lo que puedo decir a partir de mi propia experiencia.

En tu obra tambi√©n trabajas la figuraci√≥n. En ella, el cuerpo humano ejerce una fuerza de im√°n, pero a manera de un cuerpo otro, h√≠brido, metaf√≥rico, donde el hombre se transforma en ave y donde se cuestionan los c√°nones sociales de los femenino y lo masculino. ¬ŅQu√© exploraciones te conducen a esa senda?

El primer impulso est√° en que identifico a los cuerpos humanos como una materia que, con una solapa, salvaguarda o encarcela un alma o un esp√≠ritu diferente en cada uno de nosotros. Lo que hago es que manipulo dicha materia a mi antojo y la fusiono con otro ser, en este caso con las psittacidaes: familia de loros que carecen de dimorfismo sexual. Uso esa l√≥gica conceptual para discursar a partir de nuevos seres que nacen en un contexto social. Hace mucho tiempo iba por la calle y mir√© a una mujer caminando que no era una mujer, pero tampoco era un hombre. ¬ŅQu√© era ese (o esa) no mujer/no hombre?, me pregunt√©. Ahora propongo nuevos seres en pos de una nueva especie humanoide. Simplemente propongo.

cortesía del entrevistado

¬ŅSientes que en tu obra existe el erotismo, ya sea el de los cuerpos o el provocado por la intervenci√≥n de los espacios mentales a los cuales haces referencia en tus obras abstractas?

El erotismo tambi√©n es «energ√≠a» y creo que est√° marcada para m√≠, m√°s que para muchos, en la parte abstracta de mi trabajo. La obra, cuando nace, se construye de cierta manera independiente en varios puntos y aspectos, deja de ser inocente y se relaciona m√°s all√° del propio creador, se convierte en amor deseoso y puro. La obra deja de ser solamente de alguien para enamorar a muchos m√°s, e incluso ir a la cama con otros. ¬ŅAcaso no hay erotismo en estas l√≠neas?

En la evoluci√≥n de la po√©tica de tu visualidad, ¬Ņqu√© te interesar√≠a descubrir?, ¬Ņcu√°les ser√°n tus pr√≥ximos caminos?

Mis pr√≥ximos caminos seguramente ser√°n los que a√ļn no conozco, pues todav√≠a no los tr√°nsito. El coterr√°neo y maestro Silvio Rodr√≠guez parafraseaba as√≠: «Mi canci√≥n favorita es la que escribir√© ma√Īana». Esa idea emp√°tica me hace pensar que mi tr√°nsito o camino ser√° el que necesite para continuar la b√ļsqueda, esa traves√≠a que respirar√© en un momento futuro e incierto.

Por ahora s√© pocas cosas sobre √©l: ¬Ņpor qu√© pinto?, a veces creo que esa pregunta latir√° en m√≠ muchos a√Īos, y que funcionar√° tambi√©n como un motor con todo su mecanismo intacto, el cual no me deja parar de crear o de, al menos, intentarlo.

En cuanto a lo que me interesa descubrir o redescubrir, solo podr√≠a hablar de mis deseos inmediatos, de lo que persigo muchas veces sin un √©xito del ciento por ciento: las «ENERG√ćAS» que subyacen en la propia pieza, en su entorno, o en la relaci√≥n obra-espectador. Claro que tengo ambiciones, ¬Ņqui√©n no? Me gustar√≠a descubrir muchas cosas; pero me gusta m√°s ser consecuente con ciertos principios del pensar que me hacen feliz.

cortesía del entrevistado

Liesther Amador: «Soy un insatisfecho superviviente»

Conoc√≠ la obra de este joven al azar, mientras realizaba las correcciones del cat√°logo de la exposici√≥n de arte contempor√°neo cubano La Tierra Dada, que organiza la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z. Su obra Tiempo Muerto, merecedora del Premio Post-it 2019, que se otorga a creadores menores de 35 a√Īos, despert√≥ mi curiosidad en primera instancia y me dispuse a indagar m√°s sobre el concepto y la historia de esas fotograf√≠as en las que las personas, como √°rboles, sembraban sus cuerpos en la tierra.

La obra de Liesther Amador Gonz√°lez (Ciego de √Āvila, 1983) navega entre los medios expresivos de la pintura, la fotograf√≠a, el dibujo, la instalaci√≥n, el site specific work, la intervenci√≥n en el paisaje y el performance. La realidad del artista y su entorno se convierten en materia art√≠stica, un registro documental. En su discurso, lo individual, lo familiar, el tiempo, la tierra y lo vivencial son asumidos como puntos de equilibrio, que podr√≠an tensar un hilo conductor entre cada una de sus piezas. Podr√≠a decirse que hay una especie de radiograf√≠a interior en cada ellas, la b√ļsqueda incesante de alguien que escarba en la tierra, como quien escarba en su conciencia, hasta encontrar su ra√≠z.

H√°blame de los inicios. ¬ŅC√≥mo descubriste las artes visuales? ¬ŅCu√°ndo sentiste que era el camino?

Desde ni√Īo me gust√≥ pintar, ten√≠a habilidades para dibujar, modelar con plastilinas o fango. Mis padres se encargaron de cultivarlas con regalos (crayolas, l√°pices de colores, acuarelas, etc.) y sobre todo con elogios. Siempre me estimulaban a participar en concursos. Recuerdo que esas primeras ‚Äúobras‚ÄĚ eran motivo de orgullo en sus conversaciones con amigos o visitas.

tomada del perfil de facebook de liesther amador

Mi madre se empe√Ī√≥ inagotablemente en conservarlas en carpetas que a√ļn andan por casa.¬† La motivaci√≥n es la base de la formaci√≥n vocacional, sobre todo en la ni√Īez donde la fantas√≠a puede ser incitada y conducida. Nada m√°s serio para un ni√Īo que sus juegos a ser adulto. All√≠ es donde deben actuar con cautela maestros, padres o tutores, pues hay mucha fragilidad tambi√©n, un descuido o mal manejo puede marcar el rumbo, desvirtu√°ndolo o simplemente mat√°ndolo.

Con esa mesura la asumieron todos en mi familia y cuando mis preguntas sobre t√©cnicas de dibujo se fueron complicando (c√≥mo sacarle un destello de luz al parabrisas de un carro que ese momento dibujaba), buscaron ayuda en el √ļnico artista (el pintor) que hab√≠a en mi pueblito.

As√≠ comenz√≥ a ponerse maduro mi juego y el objetivo fue prepararme para las pruebas de ingreso a la Academia deAartes. En aquel entonces (1998) ten√≠a la opci√≥n entre Camag√ľey o Trinidad, las dos a m√°s de 150 kil√≥metros de mi Jicotea natal. A vencer los miedos de la ‚Äúdesprotecci√≥n‚ÄĚ, hacer sacrificios sentimentales y materiales tambi√©n estuvieron dispuestos mis viejos, pues yo ten√≠a en aquel momento 14 a√Īos, 130 cm de estatura y la situaci√≥n econ√≥mica era dura para mi familia y toda Cuba.

Aunque podr√≠a decirse que el artista visual se va formando sobre la marcha, a partir de su propia sensibilidad y los intereses que marcan sus inquietudes art√≠sticas, el proceso de formaci√≥n acad√©mica siempre deja una huella importante. ¬ŅQu√© particularidades marcaron tu etapa como estudiante?

As√≠ llegue a la Academia de Artes Pl√°sticas ‚ÄúOscar Fern√°ndez Morera‚ÄĚ en Trinidad un d√≠a de octubre de 1998, con un miedo terrible a una realidad ajena totalmente, pero convencido de que ese era mi lugar.

La formaci√≥n acad√©mica no define la condici√≥n de artista. Es un error recurrente en la instituci√≥n cubana del arte catalogar desde all√≠. Ser artista es una actitud ante la vida, no es cuesti√≥n de acumular habilidades t√©cnicas o erudici√≥n te√≥rica para vencer un plan de estudios, pero no se puede negar que esta formaci√≥n va a marcar para siempre y allanar√° el camino de quien decida empe√Īarse en el arte.

cortesía de liesther amador

En principio, hay incontables trillos para la creaci√≥n visual, y la academia viene con algunos a pon√©rtelos en la cara, desde metodolog√≠as probadas por a√Īos en la tradici√≥n. Estos, en mi experiencia, son los cimientos donde se sostiene todo, aun cuando el arte desdibuja sus fronteras, se expande a una infinitud de disciplinas, facturas industriales o virtuales, metodolog√≠as conceptuales de distanciamiento total del artista en la realizaci√≥n de la obra, etc., aun cuando todo esto es asumido desde hace tiempo por las instituciones del arte.

Mirando mi camino transitado desde la distancia, puedo afirmar con total responsabilidad que una academia de arte o cualquier escuela no dependen del confort o la cobija de la instalación, sino de la calidad del claustro que la estructura.

La Academia de Trinidad donde estudi√© y en la que se formaron artistas que ya tienen un lugar en la historia de arte cubano, fue descrita en s√≠mil por el destacado cr√≠tico y curador Gerardo Mosquera, como una ‚Äúescuela de √Āfrica‚ÄĚ por sus condiciones insalubres‚Ķ; eran las ruinas de un Cuartel de Dragones del Ej√©rcito espa√Īol, pero era un verdadero oasis para la ense√Īanza.

Allí, un claustro heterogéneo en maneras de asumir y experimentar el arte te mostraba caminos técnicos e ideoestéticos, y te exigía su tránsito, pero en esencia había asumido como método fundamental darte la libertad de la experimentación, el incentivo y el respeto a la individualidad creativa, sin descuidar ponerte en la conciencia códigos del compromiso social del arte.

En esos planes de estudio recuerdo y reconozco cu√°nto me marcaron ejercicios que buscaban introducirnos en investigaciones cuya praxis nos exig√≠a la inserci√≥n en el medio sociocultural. Esa marca no se ha borrado, por el contrario, crece a√ļn. Recuerdo a profesores como Luis Blanco, Tony G√≥mez, Alain Fern√°ndez, Mario Guerra, Papito, Duffay, Acebo, Alejandro Bastida que, entre otros, hab√≠an asumido la ense√Īanza desde la experiencia que la producci√≥n art√≠stica contempor√°nea exig√≠a.

Estos m√©todos ten√≠an su base en el comportamiento de la producci√≥n del arte cubano durante los a√Īos ochenta, signados por dos problem√°ticas ideost√©ticas: la asimilaci√≥n cr√≠tica de los resultados de autoconciencia del arte llevado a cabo por las vanguardias durante el siglo XX y el replanteo de sus roles sociales para nuestra situaci√≥n cultural. Estoy seguro que de all√≠ ven√≠a todo.

de la obra Tiempo muerto/ cortesía de liesther amador

Es muy grato recordar esa etapa hermosísima de mi vida, pero me entristece el hecho de que esa Academia no exista para nuevas generaciones, por una decisión con un análisis que creo fue poco profundo por la gran implicación cultural y social que tenía ese centro para una ciudad declarada Patrimonio de la Humanidad, pues su función iba más allá de la formación de artistas visuales de la región central del país, esta servía de contraparte al peligroso mercadeo de arte para la feria (candonga) al que una ciudad turística se expone permanentemente.

¬ŅQui√©n funciona ahora como contrapartida a la seudocultura? ¬ŅQui√©n eleva o muestra como estandarte, verdaderos valores art√≠sticos al for√°neo? ¬ŅQui√©n le brinda otros referentes al p√ļblico trinitario que est√° siempre expuesto a la deformaci√≥n que genera ese mercadeo?, incluso, y por qu√© negarlo, ¬Ņqui√©n eleva la competencia, la calidad en cuestiones t√©cnicas o creativas para ese mercadeo mejor que esos estudiantes de arte? En eso debi√≥ pensarse; otros problemas pudieran pesquisarse por especialistas en temas socioculturales, estoy seguro. Pudiera parecer que padezco del sentimiento del trinitario ausente, pero no es as√≠, el problema es de talla mayor cuando hasta el edificio con alto valor patrimonial que albergaba a la escuela, queda en el abandono.

¬ŅCu√°les son los principales referentes que crees que han influenciado tu obra y tu visi√≥n del proceso creativo?

La lista sería extensa, te mencionaré algunos que considero son los más cercanos, el orden de los nombres de estos referentes no responde a una mayor o menor influencia, indistintamente todos con mayor o menor evidencia están en mi trabajo: Antonia Eiriz, René Francisco, Eduardo Ponjuan, José Bedia, Joseph Beuys, Bill Viola, Spencer Tunick, Marina Abramovic, Santiago Sierra.

Como ves, son diversas mis referencias, algunos marcan por su actitud o postura ante el arte y su finalidad, otros en la manera que abordan desde el arte determinados procesos culturales o sociales, otros desde los contenidos conceptuales o temáticos que emplean o emplearon. Creo que esos son los tres caminos fundamentales que marcan mi interés por ellos.

El nacimiento de una obra visual a veces requiere de un punto de calma, de soledad, de b√ļsqueda interior. La variedad de aristas en tu creaci√≥n da la impresi√≥n de una exploraci√≥n constante. ¬ŅQu√© es lo que m√°s disfrutas en el proceso creativo de una obra?

No siempre una obra nace desde ese punto de calma, soledad o de b√ļsqueda interior. En mi caso hay obras que han nacido en el punto de ebullici√≥n de un proceso en esencia contrario. En mi trabajo casi siempre hay una dosis de accidente, creo que constantemente cedo un poco del control, lo mismo a las personas con las que trabajo o colaboro, o a los materiales y t√©cnicas que empleo; ese riesgo me excita y creo que enriquece el proceso y el resultado.

Adem√°s, nunca hay un control total por parte del artista sobre la obra que genera. Siempre hay un otro, otras realidades para la obra, tan simple como que el espacio donde se exhibe o se genera va a condicionarla y ya en eso dejamos de tener el control total, por ponerte un ejemplo.

Tambi√©n hay de soledad y b√ļsqueda interior, pues suelo ser autorreferencial, o exhibir algunos de mis traumas, eso tiene que ver con un principio √©tico que asumo como m√°xima, ser sincero, por eso mi discurso se hace directo, sin adornos, a veces en forma documental; encuentro la poes√≠a all√≠.

de la obra Tiempo muerto/ cortesía de liesther amador

Leyendo a Martí me he dado cuenta que se puede ser directo, duro en el discurso y no perder esa poesía. Eso no está en el empaque de la obra, la llamada superficie o atmósfera, sino en el subsuelo de donde nace.

El arte est√° lleno de f√≥rmulas y trucos factuales que act√ļan en el subconsciente del individuo, eso no se puede negar o desechar, pero una obra no puede ser en esencia eso, pues ser√° solo adorno, telenovela para hacer llorar a las amas de casa o simplemente un objeto para el mercado f√°cil.

La historia del arte est√° llena de ejemplos de esos artistas cuya obra no ha sido valorada en su momento, han sido censuradas o motivo de burlas por sus contempor√°neos simplemente por poner una dosis justa de sinceridad, sin embrago eso son los que han corrido las fronteras para el arte.

En las obras de esos nombres que te menciono como mis referentes est√° ese condimento esencial que es la sinceridad ‚Äďtambi√©n de embeleco, claro‚Äď y de cierta manera todos han asumido los riesgos que esto implica, pero tienen el beneficio de trascender y eso es algo que todo artista intenta, pero pocos lo logran.

Lo familiar, las ra√≠ces‚Ķse muestra como un sitio recurrente en toda tu obra. ¬ŅQu√© impulsos te interesa expresar en este sentido?

Ya te mencionaba anteriormente de d√≥nde vengo. Mi familia es numerosa en un pueblito peque√Īo, y eso genera una especie de n√ļcleo poderoso que me ha condicionado el car√°cter a un sentimiento de sobrevaloraci√≥n familiar. Mis t√≠as tienen derechos de madre y los primos nos criamos como hermanos. Aclaro, nada es perfecto por la diversidad de caracteres, pero fue riqu√≠sima para m√≠, esa f√≥rmula. De eso quiz√°s venga todo.

La creación de un artista parte de motivaciones, de experiencias cercanas o ajenas, pero este tiene la responsabilidad de ahondar, no quedarse en la epidermis del asunto. Uno trabaja sobre lo que más conoce, lo que más siente o padece, entonces mi familia es una mina riquísima de materias primas.

de la obra Tiempo muerto/ cortesía de liesther amador

Mart√≠ dec√≠a, ‚Äúins√©rtese a la ra√≠z el tronco‚ÄĚ y las m√≠as est√°n muy prendidas a ese n√ļcleo familiar. Los que cultivamos plantas sabemos que al trasplantar un √°rbol hay que cuidar de no da√Īar sus ra√≠ces, siempre hay que dejar parte del sustrato natal para que sobreviva al adaptarse al nuevo terreno, por eso regreso permanentemente a mis ra√≠ces, para no marchitarme, creo que no soy capaz de adaptarme totalmente a este nuevo terreno. ¬†

En la base de la sociedad est√° la familia por lo que es com√ļn denominador a todos, es tema universal recurrente en la historia del arte, entonces es f√°cil que esos microrrelatos que expongo se conviertan en universales.

La pintura, el performance, la instalaci√≥n, la fotograf√≠a, el videoarte‚Ķ todo un universo de experimentaci√≥n que gira en torno al arte contempor√°neo, y lo define. Por lo general una arista no es comparable con la otra. ¬ŅQu√© intentas expresar desde cada una? ¬ŅEn cu√°l te sientes m√°s satisfecho?

No encuentro preferencias por ning√ļn medio de los que he usado. Creo que un artista, joven o viejo, debe conservar la capacidad y el deseo por la experimentaci√≥n, y eso es lo que he hecho.

Creo que hay medios id√≥neos para cada idea y mientras m√°s capacidades y herramientas un artista acumule, mejor. Uno tiene que ejercitar permanentemente ese instinto para elegir caminos, modos de hacer, porque puedes convertirte en estanque o en un so√Īador que esperando los recursos ideales para hacer la obra nunca la produzcas porque nunca lleguen. A√ļn soy alguien en formaci√≥n, eso es todo.

Soy un insatisfecho superviviente, quisiera producir el doble y superior en calidad. Entonces permanentemente siento que la mejor obra es la que estoy por hacer.

¬ŅQu√© ense√Īanzas te deja tu experiencia como profesor de Dibujo y Pintura de las Academias de Artes Pl√°sticas Ra√ļl Mart√≠nez (de Mor√≥n) y Ra√ļl Corrales (de Ciego de √Āvila), labor que realizaste por casi una d√©cada? ¬ŅConsideras que es importante que un artista se vincule a la faceta pedag√≥gica como un ejercicio m√°s de creaci√≥n?

Te confieso que en principio tome el magisterio como un juego de ego y rebeld√≠a. Llegar en impositivo a √©l marc√≥ esa postura adolescente. Yo quer√≠a seguir mis estudios en el ISA, pero las circunstancias econ√≥micas y la salud de mi madre no me lo permit√≠an y como √ļnica opci√≥n impuesta por el servicio social me dieron impartir clases en la academia Ra√ļl Corrales en Ciego de √Āvila, que coincid√≠a su inauguraci√≥n con mi graduaci√≥n en 2002.

Fue un choque violento, pues para nada el sistema que impon√≠a la novata direcci√≥n de ese centro se asemejaba al que yo hab√≠a vivido como estudiante en Trinidad: incomprensi√≥n de prioridades en los planes de estudio, baja preparaci√≥n por parte de algunos profesores en asignaturas fundamentales y complementarias para la especialidad, arbitrariedades que lastraban la movilidad creativa de los estudiantes y otros problemas que por √©tica no puedo mencionar; un choque generacional, subvaloraban y subestimaban a esos tres chiquillos ‚Äúrebeldes‚ÄĚ reci√©n graduados (Reg√ľel Altunaga, Jeosviel Abstengo y yo).

tomada del perfil de facebook de liesther amador

La rebeldía me dio por jugar a ser el profesor que me hubiera gustado tener, que no era más que una mezcla de las características de esos que te mencioné anteriormente. Y me enamoré de ese juego, descubrí que tenía vocación para dar clases, sentía una satisfacción enorme con la evolución de mis estudiantes, dispuse casi todo mi tiempo a esa labor y por un período no lo sentí como una pérdida, pues para enfrentarse a un grupo de adolescentes estudiantes de arte hay que dosificar las energías para que no te falten para estar en superación permanente, pues exigen, cuestionan y si de pronto te conviertes en su referente, es mucho peor, pues eres como el líder de una banda deliciosamente peligrosa y eso sí que requiere de ajustar la responsabilidad, la ética y el autocontrol.

Realmente lo disfrut√© much√≠simo y poco a poco el empe√Īo no fue demostrar nada, porque me gan√© el respeto, incluso el cari√Īo de algunos de esos profesores que reconocieron sus lagunas y se superaron.

Yo crec√≠ como profesional, como persona, dej√© de jugar al profesor y lo fui, pero no dej√© de ser ese rebelde, irreverente ante lo mal hecho, la mediocridad, y segu√≠ tropezando. Un d√≠a me di cuenta que no pod√≠a cambiar un sistema simplemente porque la direcci√≥n no lo entend√≠a y mis prioridades empezaron a cambiar, entonces decid√≠ dejarlo, pero te declaro que en alg√ļn momento volver√© a enfrentar un taller como profesor, pues me encanta esa profesi√≥n. Desde mi experiencia, tienes dominio real del conocimiento cuando logras ense√Īarlo y eso se logra en el ensayo ante ese disc√≠pulo que te ense√Īar√° tan bien como el mejor profesor.

Recientemente obtuviste el Primer Premio en el Post-it 2019, muestra-concurso dedicada al arte cubano contempor√°neo para creadores menores de 35 a√Īos. La obra premiada fue Tiempo muerto. Com√©ntame un poco sobre ella.¬†

Es una serie que vengo realizando desde 2016. Tiempo muerto en la cultura agr√≠cola ‚Äďprincipalmente en la ca√Īera‚Äď se le denomina al per√≠odo comprendido fuera de la zafra (corte, recolecci√≥n y procesamiento artesanal o industrial del fruto). Este apelativo queda como rezago de un per√≠odo neocolonial donde el desempleo, la escasa demanda de fuerza laboral y la desprotecci√≥n salarial eran sin√≥nimos de desventura entre campesinos y obreros. Parad√≥jicamente, esta denominaci√≥n determina el intervalo de siembra y cultivo, el tiempo de germinaci√≥n, de renacer asistido y natural de los cultivos.

Hago este preámbulo a la raíz cultural del término para pulsar sobre este contrasentido simbólico que determina uno de los contenidos metafóricos sobre los cuales se establece esta obra, que además asienta sus bases discursivas en paradojas culturales y sociales como: modelo de éxito, realización personal o colectiva, fama, felicidad, sacrificio, reconocimiento social, etc… respecto a la realidad de cada individuo o grupo que acepta construir estas escenas, literalmente sembrados en el contexto que los define o que ellos mismos, como entes activos, condicionan.

de la obra Tiempo muerto/ tomada del perfil de facebook de liesther amador

Hay un marcado interés biográfico en esta investigación. Aunque no se exhibe en su totalidad, lo hago evidente a través de algunos datos personales, de tiempo y lugar que componen el título individual de cada fotografía o video, porque es principio la voluntariedad, la identificación y conciencia con y sobre la idea.

Todo individuo o grupo est√° marcado por utop√≠as, algunas comunes ‚ÄĒestas utop√≠as son esos emplazamientos sin lugar real, que mantienen con el espacio real de la sociedad una relaci√≥n general de analog√≠a directa o inversa‚ÄĒ. Estas intervenciones proponen la construcci√≥n de ese tipo de emplazamiento.

Más allá de los hechos fotográficos, se generan acontecimientos, performances rituales donde la experiencia y las relaciones entre individuo/grupo/artista se desdibujan en el intercambio, en la cooperación de construir espacios heterotópicos que intentan situar al hombre en reflexiones filosóficas y/o psicológicas sobre su condición. En cada escena hay una experiencia de vida asociada directamente al contexto.

Tiempo Muerto propone desde la fotograf√≠a una b√ļsqueda en la relaci√≥n entre el individuo y su circunstancia, pretende la construcci√≥n de monumentos fotogr√°ficos, apuesta por una operatoria donde lo territorial y la territorialidad poseen el mayor protagonismo. Ambos conceptos gu√≠an su mirada hacia el espacio f√≠sico, pero tambi√©n incluye las relaciones sociales que tienen lugar en su interior.

Has realizados diversas exposiciones personales y colectivas, te has desempe√Īado como curador en otras. Desde tu punto de vista, cu√°les son los principales retos que debe sobrepasar un artista visual cuando decide exponer su obra.

Aprender a aceptar la cr√≠tica negativa, aprender de ella tanto como de la positiva. Aprehender lo bueno de los dos criterios, pues ambos son peligrosos, eso es saber extraer de la paja el trigo limpio. Ser consciente de que cada exposici√≥n es un reto del que tienes que salir airoso, por respeto a ti y al p√ļblico que asiste. Ser valiente como un guapo que llega a la cola de la cerveza y dice ‚Äú¬°Ahora compro yo!‚ÄĚ, porque una vez que estas all√≠ no hay segunda oportunidad para esa obra, porque la dejas sola y no vale un ‚Äúyo quise hacer, pero‚Ķ‚ÄĚ, simplemente la obra es lo que est√° y ella debe imponerse con todas las calidades posibles, por respeto.

tomada del perfil de facebook de liesther amador

Hablar de uno mismo es un ejercicio dif√≠cil para un artista, pero tambi√©n podr√≠a ser un ejercicio de autorreconocimiento necesario. ¬ŅQu√© rasgos crees que definen a Liesther?

Creo que soy alguien con ‚Äúpaciencia de asi√°tico‚ÄĚ, que ‚Äúaprende a esperar‚ÄĚ y a seleccionar con la cautela de un cazador los momentos, las ideas para hacer lo que me gusta. Soy un artista que entrena para esperar, que experimenta y juega con los medios que dispone, de all√≠ la gama de maneras que te encuentras en mi dossier.¬†

No creo que pueda definirme con claridad, como lo puede hacer alguien diciendo que es ‚Äúel pintor de las tejas‚ÄĚ, o ‚Äúel de los remos y botes‚ÄĚ. Esa definici√≥n no la tengo y cr√©eme, no me interesa.¬† ¬†

¬ŅQu√© experiencias art√≠sticas te gustar√≠a tantear en el futuro?

Exponer en un circuito de arte que me exija un nivel superior.   


Querernos de lejos

Cerramos los ojos y, por un instante, parece que nos trasladamos hacia el mismo centro de la vetusta, hermosa y se√Īorial villa de Santa Mar√≠a del Puerto del Pr√≠ncipe, con el trazado asim√©trico de sus calles, donde cualquiera puede desorientarse pero no perderse porque los camag√ľeyanos, amables y orgullosos de su urbe le ense√Īar√°n, de inmediato, el rumbo a seguir.

En eso pensamos al apreciar la más reciente obra del joven creador Iván Carbonell Guerra, Machuty, licenciado en la especialidad de Instructor de Arte, Miembro de la Asociación Hermanos Saíz, a quien la terrible pandemia, la COVID-19, le ha servido de motivo de inspiración. De sus pinceles e inagotable fantasía, nació Querernos de lejos, acerca de la cual accedió, amablemente, a contarnos vía correo electrónico.

‚Äď ¬ŅQu√© te propusiste con Querernos de lejos?

Con mi obra trato de representar la dramática situación de contingencia sanitaria que vive el mundo a causa del nuevo coronavirus, la terrible COVID-19 que ya ha cobrado más de 270 000 vidas humanas en todo el mundo, y lamentablemente también en Cuba.

Mi intención es hacer un llamado a la reflexión de la humanidad a protegerse y tomar conciencia de cumplir las medidas orientadas por las autoridades de la Salud y, sobre todo, quedarse en casa para evitar la propagación de este siniestro virus.

En cuanto a las estructuras arquitect√≥nicas, en algunas zonas de la obra las l√≠neas se acent√ļan y desempe√Īan un papel esencial, con lo cual le da mayor expresividad y solidez a la pintura; con ello dejo bien definido que nuestras trincheras para vencer esta batalla contra la pandemia son nuestros hogares. Adem√°s, utilizo texturas, resultado de una constante experimentaci√≥n en que estoy inmerso y se funden con trazos de carboncillo que le aportan frescura y contraste a los elementos compositivos.

Por otra parte, recurro a una armónica gama de matices con el propósito de establecer un diálogo estrecho entre la obra y el espectador.

‚Äď ¬ŅQu√© t√©cnica utilizaste?

Emplee en la conformación una técnica mixta, ya que me permitió trabajar con varios materiales y me brindó la posibilidad de combinarlos entre sí, dando como resultado los efectos visuales que deseaba.

‚Äď Nos parece percibir una visi√≥n del Camag√ľey colonial en esta obra, ¬Ņes as√≠?

Esto es algo que muchas veces no te propones, directamente, pero aflora al manejar los pinceles. Siempre que puedo represento a mi ciudad de Camag√ľey desde mi visualidad creativa, en muestra de admiraci√≥n, respeto y cari√Īo a la tierra que me vio nacer y que es el pilar fundamental de mi formaci√≥n art√≠stica como creador.

Siempre he representado, impl√≠citamente, la ciudad de Camag√ľey, sobre todo ese Camag√ľey colonial lleno de ricas tradiciones identitarias que me acompa√Īan donde quiera que est√©.

Camag√ľey es una tierra que seduce a todos, tanto visitantes como sus pobladores. Es un homenaje a la tierra del Mayor, de Guill√©n y de tantos h√©roes y creadores, y por supuesto para todos aquellos h√©roes que en los hospitales, los laboratorios, cuidando el orden interior y en otras dis√≠miles tareas luchan, desde sus diversos frentes, para vencer esta pandemia.


Remolino de arte

‚ÄúEs un remolino de arte‚ÄĚ, as√≠ describen sus amigos a Leonardo Pablo Rodr√≠guez Mart√≠nez, uno de los j√≥venes pintores m√°s expuestos y reconocidos dentro del panorama cultural camag√ľeyano por la solidez de su trabajo, la responsabilidad y compromiso no s√≥lo con los que creen en su talento sino tambi√©n consigo mismo.

La familia es cuna, la educación primaria y las influencias parten de esa cuna, por lo que para Leonardo es imposible separar hoy la decisión de su vocación artística sin darle el crédito merecido a su padre, Oscar Rodríguez Lasseria, importante artista del barro y del pincel en la provincia.

‚ÄúFormaba parte de un entorno que hice m√≠o y aprend√≠ un gusto por el arte donde la arcilla adquir√≠a ante mis ojos las formas m√°s bellas e inesperadas y esa pasi√≥n heredada la desarroll√© con los a√Īos.

‚ÄúEn el momento que decid√≠ que estudiar√≠a en la Academia de Artes Vicentina de la Torre, la primera objeci√≥n la obtuve de mi padre. Supongo que intentaba alertarme de los sacrificios y disciplina que esta carrera conlleva, pero mi vocaci√≥n ya estaba determinada y no me equivoqu√© con ella‚ÄĚ.

Leonardo Pablo Rodríguez Martínez, artista de la plástica./ Claudia Beatriz Borrero Báez

‚Äď¬ŅC√≥mo fueron tus a√Īos en la Academia?

Al inicio me sentía muy inseguro, sentía que debía probar mucho más por mi procedencia familiar, pero en corto plazo aprendí de mis temores y me impuse el reto de crear mi propio camino.

No fui un alumno modelo; de hecho, siempre fui un poco rebelde, pero al menos no era el peor de mi clase, aunque supongo que mis profesores no dir√≠an lo mismo (sonr√≠e). Realmente no era muy bueno dibujando, algo que luego resolv√≠ con mucho trabajo extra y rigor, pero en general tuve cuatro a√Īos llenos de ense√Īanza en los que la percepci√≥n del mundo y la realidad me cambiaron inevitablemente.

‚ÄďTe especializaste en la t√©cnica de la escultura. ¬ŅPor qu√© inclinarse entonces hacia el dibujo y la pintura?

Entendí que la carrera más completa sería la escultura, pues de la misma forma tendría que dibujar y pintar para mis proyectos, pero además aprendería a manipular la tridimensionalidad y el espacio. Tampoco me interesaba la pintura clásica ni los métodos románticos, prefería la experimentación.

Después de graduarme y esforzándome para crear un mejor dibujo fui encontrando en la pintura una mayor comodidad como medio expresivo, aunque nunca abandoné la instalación, la escultura y el performance.

Creo que ese hábito se me quedó de lo que aprendí estudiando la especialidad, porque he hecho exposiciones en que los materiales que empleo son superficies grandes de madera, de cartón, u otros que tienden a agredir el espacio.

Leonardo Pablo y Reynaldo Labrada, organizador y creador del Almacén de la Imagen./ Claudia Beatriz Borrero Báez

‚Äď¬ŅEs la figuraci√≥n el estilo que te distingue?

Me siento identificado con la abstracción figurativa, con el hecho de perder al espectador entre formas supuestamente aleatorias e indefinidas en un juego de luz y sombras, que cuesta descubrir o que quizás nunca descubran.

Y es que mi trabajo, en su mayoría está hecho para mí, son mis historias y las cuento a mi manera.

En cambio, con la escultura y la instalación, la figuración es recurrente, pues me apropio de símbolos y de elementos específicos para construirlos y recontextualizarlos.

‚Äď¬ŅQu√© te apasiona, adem√°s del √≥leo y el dibujo?

Con 12 a√Īos ya era aficionado del buen cine y hac√≠a mis propias pel√≠culas con amigos y una c√°mara casera, escrib√≠amos guiones y practic√°bamos improvisadas puestas en escena, algunas veces imitando pel√≠culas.

Luego en la Academia de Arte hice experimentos y videos de arte y de danza, pero de a poco el lienzo sustituy√≥ parcialmente la c√°mara pero a√ļn hago fotograf√≠as para llevarlas a la pintura.

Pero ese ni√Īo de los videos a√ļn est√° dentro de m√≠, y sin dudas volver√° a coger la c√°mara, es s√≥lo cuesti√≥n de tiempo que suceda y qui√©n sabe si se convierta en una de esas etapas de mi obra.¬† ¬†

Nueva serie de cuadros abstractos y figurativos, influenciados por el Arte Concreto y el Minimalista./ Claudia Beatriz Borrero B√°ez

‚Äď¬ŅC√≥mo enfrentas el reto que supone la tan llevada y tra√≠da etiqueta de ‚ÄúJoven Promesa‚ÄĚ?

‚ÄúJoven Promesa‚ÄĚ, esa tela puede que a√ļn me quede grande. En lo personal trabajo por el placer y la satisfacci√≥n de hacerlo sin trascendencia personal. Cada obra es un hijo del que luego cuesta desprenderse.

Con los proyectos colectivos pienso en alentar a otros a que me sigan. Así lo hicimos en las provincias de Santiago de Cuba, Villa Clara y Cienfuegos con 8+1, una gira promocional realizada en 2018.

Hay muchos jóvenes artistas llenos de potencial por todo el país, pero que lamentan la nula promoción de sus obras. Lo que estamos haciendo es demostrar que desde provincia se puede promocionar el arte.

Proyectos como ‚ÄúDentro del Juego‚ÄĚ en Santa Clara o los que organiza¬† el artista Alejandro Lescay desde Santiago de Cuba, son muestras de que s√≠ se puede.

-Nos hablabas de 8+1. ¬ŅQu√© es?

El proyecto de Arte 8+1 nació en el 2015, después de organizar y crear el Salón Nacional de Autorretratos en 2010, el cual contó con la participación de más de 40 artistas de la plástica.

8+1 re√ļne a nueve artistas en cada edici√≥n, convoca a los creadores a trabajar bajo una coherencia formal o conceptual sin alejarse de sus propios estilos y los convida a realizar obras originales, muchas veces sac√°ndolos de su zona de confort.

El proyecto cuenta ya con seis ediciones y lo que ha marcado su éxito es su certero poder de convocatoria y organización. Para nosotros el proceso de producción y desarrollo de la muestra ha sido tan importante como la misma, lo que fomenta un esquema fundamental: la promoción.

De alguna manera es una plataforma en términos de unidad de equipo y de la divulgación que se le hace a cada edición; por eso tratamos de que sea itinerante y vaya por todo el país.

Leonardo Pablo ArtStudio/ Claudia Beatriz Borrero B√°ez

‚ÄďLa AHS para ti‚Ķ

Ha sido un apoyo excepcional para mi carrera, fundamentalmente para mis proyectos colectivos, son tan merecedores como yo del relativo éxito que han alcanzado.

Me ha ofrecido las posibilidades de realización, de crecimiento, de superación que no he encontrado en ninguna otra parte.

La Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z en Camag√ľey tiene el privilegio de contar con la confianza entre sus asociados, eso dice mucho de su trabajo para con los artistas miembros y los que no lo son.

Mientras fungía como jefe de la sección de Artes Visuales impulsamos algunos programas de subvención, promoción, colección y exhibición de obras de arte, pero aun así siempre será insuficiente, por lo que la promoción debe seguir siendo sistemática y sostenida, aspecto fundamental para el desarrollo de las carreras de los artistas jóvenes.

‚ÄďRecientemente inauguraste tu propia galer√≠a, com√©ntame sobre tus planes futuros y lo que te tiene inmerso en estos momentos.

Ahora trabajo en el Leonardo Pablo ArtStudio, allí estoy creando una nueva serie de cuadros abstractos y figurativos, influenciados principalmente por el Arte Concreto y el Minimalista.

En tiempos de coronavirus, pandemia que azota a toda la población mundial, es prioridad para mí seguir creando desde la seguridad de mi casa y esperar a que cuando todo pase poder exhibir lo realizado en este tiempo.

Leonardo Pablo ArtStudio/ Claudia Beatriz Borrero B√°ez

May Reguera irradia Luz online

En este mes de mayo se inaugur√≥ en plataformas la exposici√≥n internacional Online Luz, gestada por el fot√≥grafo camag√ľeyano Daniel Mart√≠nez Reyes y que reuni√≥ trabajos fotogr√°ficos de m√°s de 40 artistas de Cuba, Espa√Īa, Estados Unidos e Italia. Una iniciativa que naci√≥ de forma individual y que desde su anuncio a trav√©s de Internet tuvo ‚Äďy tiene‚Äď una gran acogida, extendi√©ndose m√°s all√° de nuestras fronteras digitales.

Una de las principales figuras de la escena fotogr√°fica emergente y contempor√°nea cubana es May Reguera, una joven actriz, fot√≥grafa y realizadora audiovisual que desde que supo de la iniciativa no dud√≥ en participar y quien es hoy ‚Äďsin temor a sonar absoluto‚Äď una de las tantas promesas del lente contempor√°neo cubano. El Portal del Arte Joven Cubano indag√≥ con la artista sobre su amplio espectro creativo.

de la serie Retrato de una mujer con huevos. Foto May Reguera, Tomado de su perfil de Facebook

‚ÄďEres fot√≥grafa, actriz y realizadora audiovisual, ¬Ņte desempe√Īas en algo m√°s en el amplio espectro de la creaci√≥n?

En los audiovisuales pocas veces he dirigido, aunque lo he disfrutado mucho. Generalmente he trabajado para otros directores haciendo Dirección de Arte y Vestuario, cosa que me gusta muchísimo y espero seguir haciendo. En mi estudio @myreguerastudio ofrecemos servicios de producción y logística para proyectos y fotógrafos que vengan a capturar a Cuba, además de la realización de fashion films.

‚Äď¬ŅC√≥mo llevas en paralelo cada una de estas disciplinas, cual es tu estrategia para que una profesi√≥n no impida el desarrollo del otra?

Haces un plan y te organizas. Todo puede hacerse y al mismo tiempo todo confluye. Cuando estoy en alguna producción como actriz tengo que dejar lo demás a un plano menos protagónico, pero contar con el equipo hace posible hacerlo todo. Mi esposo dirige el estudio junto conmigo y cuando estoy actuando, él se ocupa.

Póster de la exposición online de fotográfíca LUZ (cortesía del entrevistado)

‚Äď¬ŅDesde cu√°ndo comenz√≥ tu inter√©s por la fotograf√≠a, como adquiriste los conocimientos que hoy pones en pr√°ctica?

Siempre me gust√≥ la fotograf√≠a y para m√≠ era un hobby que mantuve desde peque√Īa. En alg√ļn momento tuve la posibilidad de trabajar para una revista y lo hice. Aprend√≠ sobre la marcha, ya montada en el carro como se dice popularmente, equivoc√°ndome muchas veces y con el apoyo del equipo de la revista.

Me he apoyado mucho m√°s en la intuici√≥n y en mi gusto personal que en conocimientos te√≥ricos; ahora estoy en un momento de b√ļsqueda hacia esas zonas.

‚ÄďDentro de los variados g√©neros o categor√≠as dentro de la fotograf√≠a, ¬Ņcon cu√°l o cu√°les te sientes m√°s c√≥moda trabajando?, ¬Ņpor qu√©?

Me gusta el retrato. Amo retratar personas, disfruto conectar con ellas y abrirlos y mostrarlos, para que ellos mismos se redescubran. Es un acto de amor y de mucho crecimiento.

Autorretrato foto May Reguera. tomado de su perfil de Facebook

‚Äď¬ŅC√≥mo ha sido la recepci√≥n de tus trabajos en el p√ļblico nacional e internacional?, ¬ŅQu√© opini√≥n tienes sobre estas recepciones?

Generalmente han sido positivas. He estado muy acostumbrada al amor y el apoyo de mis seguidores y espectadores. Mientras más me direcciono a un lugar y lo defino, más atención positiva recibo, pero también aparecen ciertos detractores, que a su vez considero necesario para crecer.

El conflicto genera desarrollo, es un aprendizaje de las clases de Dramaturgia en la Escuela de Arte. Considero que cada uno tiene dos mitades, y son necesarias para formar un todo.

As√≠ que agradezco much√≠simo tanto lo positivo como lo negativo, y siento esto √ļltimo alimento para ser mas detallista y profunda, y mejorar. Cada cr√≠tica ha sido para m√≠ un impulso para llegar m√°s lejos.

‚ÄďMenciona exposiciones tanto nacionales e internacionales que tienes en tu haber. ¬ŅCu√°l o cu√°les son las que m√°s te han satisfecho por la acogida o la pol√©mica que han suscitado y por qu√©?

Personales: Telón, #Amarilla, Paisaje y #Libre. Colectivas son siete y con Luz serán ocho. Para mí cada exposición personal han sido una meta, un impulso y una respuesta a necesidades concretas de cada momento, elegir sería difícil, como la Decisión de Sofía.

Las colectivas me nutren mucho, me hacen interactuar con otros fotógrafos y aunque realmente la interacción me gustaría que fuera para mayor, son una oportunidad para compartir y crecer como generación, como grupo.

Autorretrato foto May Reguera. tomado de su perfil de Facebook

‚Äď¬ŅC√≥mo supiste de la convocatoria de la exposici√≥n online Luz en la que participas?

El chico fot√≥grafo que la esta organizando me escribi√≥. Hab√≠amos interactuado en alg√ļn momento y yo hab√≠a publicado una foto suya en la p√°gina de mi estudio. Me cont√≥ sobre la expo y sin pensarlo le dije que s√≠.

‚Äď¬ŅQu√© te motiv√≥ para hacerlo?

Estamos en un momento de tránsito, de cambio, nuevas dinámicas se imponen y la necesidad de consumir, hacer creaciones, y el arte son una especie de cura y sanación. Está apoyando la plataforma Behartnet que es un proyecto de una mujer cubana que admiro, y creo que son motivos suficientes.

‚Äď¬ŅCrees que con necesarias iniciativas semejantes dentro del contexto que se est√° viviendo y fuera de este? ¬ŅQu√© diferencia ves de esta iniciativa en el contexto actual de pandemia?

Creo que la reclusión nos ha obligado a buscar alternativas, a indagar dentro de casa y aumentar las necesidades de protección, de compartir por lo menos en el ciberespacio.

Para mí siempre ha sido una plataforma necesaria, cuando intenté exponer en galerías y se hizo difícil hice mi instagram, una galería en el que expongo desde entonces. Así que considero que estas iniciativas son totalmente enriquecedoras en cualquier contexto.

‚Äď¬ŅC√≥mo esperas que haya sido la recepci√≥n de esta convocatoria/expo/online?

Estoy abierta a la sorpresa, a ver qué pasa. Son 46 artistas y se ha abierto una página nueva para ello. Espero que sea una galería que disfruten todos.

‚Äď¬ŅC√≥mo te sientes al ser parte de esta exposici√≥n?

Me encanta. Soy amante de las nuevas experiencias y todo lo que ellas me regalan.

‚Äď¬ŅHay nuevos proyectos en caminos?

Repongo #Libre en la Fototeca de Cuba, lo cual será una experiencia tremendísima. Estaba programado para el 8 de mayo y se pospuso para julio, provisionalmente.

Espero liberarnos de este virus y reencontrarnos con #Libre, con una nueva libertad.

Ten√≠a planeado para finales de a√Īo mi expo #Rojo, pero creo que ser√° imposible con el poco tiempo que me va a dejar nuestro contexto actual. Y estoy armando algo nuevo, alternativo, para no quedarme con las ganas de hacer, ser√° mas sencillo que #Rojo, que dependa mas de m√≠ y con impresiones en peque√Īo formato para asegurar que puedo asumir los gastos. Ya veremos.


La danza es un ejercicio intelectual

Para Kaisa Garc√≠a Hern√°ndez la danza es un ejercicio espiritual, una experiencia de vida que cada d√≠a enriquece los caminos de esta joven artista. En La Habana o en Madrid, ya no importa, Kaisa crea desde el cuerpo y desde la mente. ¬ŅSus horizontes?, tocar la condici√≥n humana.

Se sobrentiende que en la vida de un bailar√≠n su formaci√≥n f√≠sica es un factor elemental en su desarrollo, ¬Ņqu√© otras herramientas cohesionan esta preparaci√≥n? ¬ŅHasta qu√© punto la danza es, tambi√©n, un ejercicio intelectual?

La formaci√≥n de un bailar√≠n profesional incluye, adem√°s de la parte f√≠sica, una serie de asignaturas te√≥ricas espec√≠ficas que ampl√≠an su cultura general y mejoran su presencia esc√©nica. «La cabeza gu√≠a los pies», sentenci√≥ Jean Georges Noverre, de ah√≠ que sea tan importante saber c√≥mo y porqu√© me muevo.

foto Klaus Wegele / cortesía de la entrevistada

Por otro lado, te grad√ļas como bailar√≠n muy joven, alrededor de los 18-19 a√Īos, incluso a veces desde antes puede que hayas tenido presentaciones importantes en concursos o participaciones dentro de alguna compa√Ī√≠a. A esa edad solo posees en tus manos las herramientas para danzar, pero no para pensar la danza en profundidad; es ah√≠ donde la universidad entra a jugar un importante papel.

Cualquier licenciatura dentro del campo danzario va enfocada a desarrollar la parte intelectual del bailar√≠n, no la f√≠sica. Claro, al enriquecer su conocimiento te√≥rico y cr√≠tico, su cuerpo se mover√° mejor. O sea, la universidad no te mejora la flexibilidad, pero te hace pensar en cu√°ntas maneras la puedes utilizar y analizar. La universidad hace de ti un mejor profesor, un core√≥grafo m√°s creativo, un investigador. Y s√≠, para los que a√ļn no lo saben, el arte danzario se investiga, se analiza, se piensa, o sea, es un ejercicio intelectual.

La danza es algo inseparable de la condici√≥n humana, eso me lo ense√Ī√≥ mi querido profesor Miguel Cabrera. Si vas a la historia, la humanidad siempre ha estado danzando; de ah√≠ que este ejercicio intelectual pueda abordarse desde tantas perspectivas y pueda, al mismo tiempo, hacer aportes a distintos campos del conocimiento.

En estos tiempos de obligatoria cuarentena sorprendes a tus seguidores en redes sociales con improvisaciones. ¬ŅParte esto de un impulso art√≠stico o es un ejercicio que, quiz√°s, te conduzca hacia lo coreogr√°fico?

Ambas cosas. Siempre que se me ocurre un movimiento me gusta grabarme para luego observarlo y poder guardar ideas para futuras creaciones. Me gusta la coreograf√≠a pero hasta ahora, oficialmente, solo me he desempe√Īado como bailarina en las compa√Ī√≠as en que he estado. Por eso esta nueva experiencia de improvisaciones express en cuarentena se me ha hecho un entretenimiento y un reto. Debo confesarte que antes odiaba verme en video, algo contradictorio porque siempre me ha gustado salir por la pantalla, pero es que soy muy autocr√≠tica. Sin embargo, con el tiempo, me he vuelto m√°s tolerante conmigo misma y por eso me lanc√© a esta necesidad de compartir mi danza a trav√©s de las redes, el √ļnico escenario que por ahora tenemos los artistas.

¬ŅQui√©nes constituyen tus referentes en el mundo de la danza? ¬ŅQu√© otras referencias provenientes de diversas artes conforman y enriquecen tu universo?

Con respecto a las manifestaciones art√≠sticas en general podr√≠a decir que soy m√°s bien fan√°tica a descubrir y a que la gente me haga descubrir artistas. Tengo una sed constante de conocimiento y la verdad es que hay tanto por develar en este vasto universo…

Debo confesarte que, cuando me preguntan por mis referentes en el mundo de la danza, tiemblo. Y es que en realidad no sigo con frenes√≠ a nadie en espec√≠fico. Te pudiera decir que vibro con las interpretaciones de Bar√Ĺshnikov, los espect√°culos de Sara Baras y las creaciones de Pina Bausch, que disfruto la cuban√≠a de las piezas de Alberto Alonso, principalmente su Carmen, y que disfruto much√≠simo leer a Ramiro Guerra. Pero tambi√©n admiro el trabajo de j√≥venes cubanos que conozco, como el de los integrantes de Otro Lado. Soy de consumir de todo un poco, a veces profundizando m√°s y, otras menos, pero sin llegar a fanatismos extremos.

foto Klaus Wegele / cortesía de la entrevistada

Sin embargo, me considero una gran mel√≥mana. Me atrever√≠a a decir que consumo m√°s m√ļsica que danza, imag√≠nate, siempre ando a la caza de piezas musicales para crear. Adem√°s, llevo mis o√≠dos preparados para que la gente me proponga m√ļsicos que a√ļn no he escuchado.

Como referentes en mi universo creativo pertenecientes a otros campos del arte, en la actualidad ‚ÄĒporque hay que aclarar que esto var√≠a por periodos‚ÄĒ saltan a relucir por la parte cubana nombres como: Harold L√≥pez-Nussa, Tom√°s S√°nchez, Carilda Oliver y Luis Rogelio Nogueras; mientras que en el campo internacional me quedo con Gaud√≠, Keith Jarrett, Amy Winehouse y Adele, Carlos Ruiz Zaf√≥n,¬† Charles Bukowski y Helmut Newton.

Al final todo lo que nos gusta conforma un reflejo de nuestra personalidad. Esas preferencias llegan como intertextos conscientes e inconscientes de todo lo que creamos, de ah√≠ que encuentre en mis aficiones un factor com√ļn: las emociones a flor de piel proyectadas de manera concentrada y organizada. Y es as√≠ como soy en mi vida profesional en todos los aspectos, sea impartiendo una clase de entrenamiento, realizando una conferencia, bailando, investigando, creando o escribiendo.

Tu formaci√≥n como bailarina incluye el ballet, las danzas espa√Īolas, las contempor√°neas, populares y folkl√≥ricas cubanas, ¬Ņd√≥nde te sientes m√°s c√≥moda? ¬ŅC√≥mo ajustas la disposici√≥n de tu cuerpo y de tu mente para adaptarte a diversos estilos?

Realmente fue un proceso duro. Mi cuerpo y mente dieron un giro de 180 grados cuando tuve la fortuna de comenzar a estudiar danza espa√Īola profesionalmente. Duro pero placentero. El hecho de tener que adaptar mi cuerpo a un estilo tan rico y distinto al ballet hizo que mi mente se abriera al universo danzario, porque a trav√©s del aprendizaje de la danza espa√Īola fui capaz de demostrarme a m√≠ misma que pod√≠a moverme diferente, y all√≠ en realidad comenz√≥ la exploraci√≥n de mi cuerpo danzante.

Despu√©s de cuatro a√Īos bailando profesionalmente con el Ballet Espa√Īol de Cuba, decid√≠ irme al Ballet de la Televisi√≥n Cubana, donde estuve tres, y all√≠ fue otro cambio. Una vez m√°s dif√≠cil pero enriquecedor. All√≠ se baila de todo, por lo que la exploraci√≥n continu√≥.

Cuando vas ganando en versatilidad, cada vez se vuelve menos complejo asimilar otros estilos. En mi caso, disfruto mucho la Escuela Bolera y la Danza Estilizada dentro de la danza espa√Īola; dentro de lo cubano me siento mas c√≥moda haciendo danzas populares y bailes folcl√≥ricos guajiros; y el contempor√°neo tiene dis√≠miles aristas que me permiten volar y eso me encanta.

foto Klaus Wegele / cortesía de la entrevistada

Sin mentirte, donde m√°s c√≥moda me siento ahora es en mi estilo ‚Äúexploratorio‚ÄĚ, estoy en una etapa de mi vida en la que realmente quiero seguir probando movimientos nuevos desde un cuerpo danzante ya aceptado, porque conozco de √©l sus fortalezas y debilidades. Aceptar tu cuerpo no es limitarlo a tu zona danzaria de confort, sino expandirlo a otras zonas desconocidas desde lo conocido. Esa es la herramienta que utilizo para ajustar la disposici√≥n de mi cuerpo y de mi mente para adaptarme a varios estilos.

Tuve la suerte de contar con la danza académica como mi primera base, mi primera formación, y ya a partir de allí pude aplicar conocimientos de esta mientras ampliaba mi zona danzaria, hasta llegar al punto en que estoy hoy, donde mi ser es totalmente consciente de que funciona como un complejo filtro intertextual de movimientos y sensaciones.

Quiz√°s esta debi√≥ ser la primera pregunta, ¬Ņc√≥mo descubres tu vocaci√≥n? ¬ŅC√≥mo se incentiva, desde el talento y la insistencia, el talento de un ni√Īo?

Esa m√°s bien es una pregunta para mis padres, ya que gracias a su apoyo es que soy artista. Todo comenz√≥ por una manera de ‚Äúentretener a la ni√Īa‚ÄĚ y ‚Äútomar un respiro‚ÄĚ. Siempre he sido muy hiperactiva y cuando me llevaban al teatro, tanto para ver danza como para escuchar a la Orquesta Sinf√≥nica, me quedaba tranquilita, hipnotizada.

Por eso surgi√≥ la idea de ponerme en clases de danza cerca de mi casa, y as√≠ empec√© en ballet y danzas populares cubanas con cuatro a√Īos. Mientras fui creciendo me gust√≥ tambi√©n la pintura e incluso en alg√ļn momento me imagin√© como violinista, pero la danza siempre fue la protagonista.

Mis padres me daban la libertad de decidir desde muy peque√Īa, y fue as√≠ como detectaron mi pasi√≥n por el movimiento. Crear un ambiente de total confianza y estar dispuesto a destinar muchas horas a la actividad art√≠stica de tu hijo(a) es fundamental para incentivar el talento y desarrollarlo. Al menos mis padres lo lograron con esa f√≥rmula, aunque de manera muy intuitiva, ya que nadie de la familia se dedicaba al arte.

Desde tu juventud y tu talento, ya has sido profesora en diversas compa√Ī√≠as. ¬ŅC√≥mo transcurre el proceso de la docencia y qu√© te aporta como bailarina? ¬ŅTe sientes c√≥moda en este oficio?

Superc√≥moda. Es algo a lo que quiero entregarme, a nivel universitario sobre todo, a tiempo completo. Espec√≠ficamente el proceso de docencia dentro de las compa√Ī√≠as en las que he estado, ha sucedido de manera autom√°tica, como usualmente sucede en mi carrera. En el Ballet Espa√Īol, adem√°s de ejercer como bailarina, debes ser profesora de la escuela en cuanto te grad√ļas, y eso para m√≠ nunca fue un problema. En el caso del Ballet de la Televisi√≥n, impart√≠a ballet a mis compa√Īeros profesionales cuando alg√ļn profesor se ausentaba por alg√ļn motivo, ¬°y yo encantada! En general he impartido casi todas las asignaturas relacionadas con la danza espa√Īola, la preparaci√≥n f√≠sica y el ballet.

foto Klaus Wegele / cortesía de la entrevistada

Ser profesora y ejercer como bailarina desde tan joven puede tornarse un poco dif√≠cil, porque cuando te acabas de graduar con 18-19 a√Īos, tu mente y tu cuerpo est√°n listos para realmente probarse como bailarines y resulta un poco forzado intentar ense√Īar algo que a√ļn no acabas de asimilar del todo (como bailar√≠n, no como profesor) y que todav√≠a no has tenido tiempo de contrastarlo con otros conocimientos. Quiz√°s por eso, cuando comenc√© a estudiar mi licenciatura, el impartir clases se me hizo m√°s c√≥modo y pas√≥ de ser un acto de repetici√≥n de ejercicios que me hab√≠an ense√Īado, a ser un acto de reflexi√≥n y an√°lisis; donde ya los ejercicios ten√≠an un porqu√©, un objetivo. De esta manera uno se siente m√°s c√≥modo para aplicar sus propias combinaciones de ejercicios sin miedo a da√Īar a nadie y que al mismo tiempo estos sean efectivos.

Y sí, se produce una autoretroalimentación en el proceso, pues como todo el tiempo debes estar actualizándote en cuanto a metodologías y otras teorías necesarias para el buen desarrollo escénico del estudiante o profesional, esos conocimientos también los puedes aplicar para tu propio desarrollo como intérprete y creador.

En la actualidad radicas en Madrid. Toda migraci√≥n conlleva un ejercicio de adaptaci√≥n y de memoria. ¬ŅDe qu√© manera llevas lo cubano, ese concepto que es a la vez abstracto y concreto, a tu experiencia danzaria en otros pa√≠ses?

La cuban√≠a se expresa de infinitas maneras. Somos un ajiaco cultural, como dec√≠a nuestro Fernando Ortiz. Lo cubano se expresa, porque en realidad es algo que no se controla, en la forma en que me muevo y en la que pienso. Es una esencia que es dif√≠cil de explicar, pero f√°cil de identificar… Me gusta decir que es un sabor con peso, con aires de resistencia y de grandes pasiones, de cadencia sensual, divertido, pero fuerte, r√°pido a veces, nunca ligero. Esa esencia me identifica en todo acto creativo, desde el movimiento hasta la investigaci√≥n.

Me siento sumamente orgullosa de eso pues por mi f√≠sico, al menos aqu√≠ en Espa√Īa, no hay forma de que me relacionen con Cuba, y eso es precisamente por los estereotipos ya asentados por demasiados a√Īos sobre nuestro pa√≠s.

El cuerpo del bailar√≠n, ¬Ņlo consideras un templo?, ¬Ņo es un solo una de las tantas materias que habita el creador y que complementa otras habilidades y referencias?

El cuerpo es la herramienta de trabajo del bailarín, de ahí que debamos considerarlo un templo en cuanto a cuidados y gratitud. Es además un dispositivo complejo que se debe llevar al límite para potenciar su uso, pero que al mismo tiempo se debe cuidar de roturas graves; y con esto me refiero tanto a lo físico como a lo emocional porque, al fin y al cabo, somos seres humanos.

¬ŅQu√© resortes espirituales te acompa√Īan en tu proceso creativo?

Soy de emociones y sentimientos, y de crear o recrearme una historia (la que sea) para cualquier pieza. A veces siento la necesidad de danzar algo basado en un sentimiento que tuve y otras veces es una pieza musical la que me provoca cierto estado emotivo que me lleva a esa necesidad de moverme. En cualquier caso, el sentimiento es lo que impulsa. La inspiraci√≥n me llega ‚ÄĒo la hago venir‚ÄĒ mediante las experiencias vividas, las deseadas por vivir y las infinitas imaginadas.