Armando García Menocal: cronista en arte para un retrato de la historia

El cambio de siglo en el arte cubano ‚Äďconformado por una pl√©yade de artistas con variedad de tendencias, influencias y patrones est√©ticos a√ļn signados por el academicismo‚Äď abri√≥ camino a la modernizaci√≥n. Precisamente, dentro de la creaci√≥n decimon√≥nica finisecular y las d√©cadas inaugurales del nuevo siglo, sobresale Armando Garc√≠a Menocal, el primero en incursionar en cambios y destacado por sus creaciones de g√©nero hist√≥rico.

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Anibal De la Torre, orgulloso de llevar la isla dentro

Anibal De la Torre Cruz (1985) es uno de los m√°s persistentes artistas visuales holguineros. A fuerza de trabajo y talento ‚Äďnunca est√° tranquilo, sino en la b√ļsqueda constante, asegura‚Äď, su firma aparece en la mayor√≠a de las exposiciones colectivas realizadas en Holgu√≠n en los √ļltimos a√Īos. Estas, junto a las personales que ha inaugurado, como la reciente Rostros en la sede provincial de la Uneac, nos reafirman que la po√©tica de Anibal, la cosmovisi√≥n que permea sus cuadros, mezcla de elementos identitarios locales y nacionales, con otros de la tradici√≥n yoruba, es reconocible a simple vista. Ha logrado con ello lo que muchos artistas buscan: un sello de identidad, una marca visible ‚Äďque ha evolucionado, pero ha mantenido, como un v√≠a crucis, los mismos sentidos, b√ļsquedas, dudas y preocupaciones, sue√Īos y signos a los que aferrarse como se√Īales de la vida‚Äď en el panorama de la pl√°stica holguinera y cubana.

 

Por un lado, reconocemos en su obra los retratos y la autorepresentaci√≥n ‚Äďcomo un an√°lisis de las ‚Äúpreocupaciones, cuestionamientos, interrogantes, estados an√≠micos y un modo de representar el yo interior‚ÄĚ‚Äď; y por otro, la representaci√≥n de la cultura y el pante√≥n afrocubano, espec√≠ficamente el yoruba y sus s√≠mbolos, como ‚Äúel resultado de algunas interrogantes sobre la fe en las personas, su influencia sobre ellas‚ÄĚ, y como un ‚Äúcamino de conexi√≥n entre lo terrenal y lo espiritual, una manera de caracterizar una idea, un concepto‚ÄĚ. Su obra, insiste, es un retrato de su vida. Un reflejo del mundo interno que siempre lo acompa√Īa. Ra√≠ces, creencias e identidad podr√≠an resumirla, pero dejemos que sea el propio Anibal De la Torre quien nos cuente sobre las formas en las que el mundo se le transfigura en arte.

Vayamos a los primeros pasos‚Ķ De ni√Īos casi todos dibujamos y casi todos queremos ser artistas‚Ķ Pero, ¬Ņc√≥mo te inclinas a las artes pl√°sticas ya m√°s seriamente? ¬ŅAlg√ļn antecedente familiar, o en tu caso sucedi√≥ eso que muchos llaman, sencillamente, vocaci√≥n?

Mi inclinaci√≥n por las artes pl√°sticas comenz√≥ desde muy temprana edad. Desde peque√Īo mi familia y amigos de mis padres que frecuentaban la casa, dec√≠an que ten√≠a vocaci√≥n para la pintura. Recuerdo que en la primaria mis compa√Īeros me hac√≠an cola para que les dibujara personajes de dibujos animados que daban en la televisi√≥n; mis favoritos a dibujar eran las tortugas ninja y los gatos samur√°i. Cada vez se hac√≠a m√°s fuerte la necesidad de dibujar y pintar.

Me presentaba a concursos de pl√°stica infantil que se convocaban en la escuela, de los que fui premiado en diferentes niveles. En esa √©poca la Academia de Artes Pl√°sticas abri√≥ un curso para ni√Īos (estaba en 6to grado) y me present√©. All√≠ estuve recibiendo clases de dibujo tres o cuatro meses y aprend√≠ mucho gracias a mi primer profesor y amigo en la actualidad Ernesto Sancipri√°n.

Luego de concluido este curso, conoc√≠ a otro artista que me acoger√≠a en su casa para continuar ofreci√©ndome conocimientos de las artes pl√°sticas, las gracias a Octavio Torres. En mi familia tengo la suerte de tener antecedentes en el mundo de las artes pl√°sticas: mi abuelo, que ya no nos acompa√Īa, recibi√≥ estudios de pintura en su juventud y su hijo, mi t√≠o, se gradu√≥ de escultura en la Escuela Profesional de Artes Pl√°sticas de Holgu√≠n. Como dicen por ah√≠, eso va en la sangre. Mi abuelo fue la principal persona que me apoy√≥ y me inculc√≥ desde peque√Īo mi amor por las artes pl√°sticas. Siempre me llam√≥ la atenci√≥n un cuadro suyo, unas palomas en su palomar en tonos ocres y sienas, creo que ese cuadro fue el detonante de mi pasi√≥n por la pintura.

Te grad√ļas de la Escuela de Instructores de Arte en Holgu√≠n en su primera graduaci√≥n ‚Äďluego haces la Licenciatura en Estudios Socioculturales en la Universidad de Holgu√≠n‚Äď, y al poco tiempo comienzas a participar en muestras colectivas y realizas tus primeras exposiciones personales. Ha sido un camino largo hasta hoy y al mismo tiempo de crecimiento‚Ķ Com√ļnmente la docencia en Instructores de Arte est√° m√°s enfocada a la ense√Īanza art√≠stica y sus metodolog√≠as, y no son muchos los j√≥venes instructores que, a la par de trabajar en esto, han sostenido una obra personal s√≥lida. ¬ŅCu√°nto crees que influy√≥ en tu trabajo, y en tu formaci√≥n como joven creador, estos a√Īos cursados en Instructores de Arte?

Entrar a la Escuela de Instructores de Arte fue un paso para perfeccionar mis conocimientos sobre las artes pl√°sticas. Mis cuatro a√Īos en la escuela marcaron una etapa de mucho estudio y dedicaci√≥n. Debo agradecer much√≠simo a mis profesores Luis Santiago, Julio C√©sar Rodr√≠guez, Michel Cruz, Carlos C√©spedes, Eduardo Padilla, Bertha Beltr√°n, entre otros. Excelentes artistas que les debo los conocimientos que me inculcaron y lo que he logrado hasta ahora.

Creo y no quisiera ser absoluto, pero mi a√Īo tuvo la dicha y la suerte de tener a estos excelentes artistas como profesores. Me gradu√© en 2004, en la primera promoci√≥n de esta escuela creada por Fidel Castro. Me incorpor√© en una escuela primaria para cumplir con mi servicio social de cinco a√Īos. Durante este tiempo llev√© al un√≠sono la pedagog√≠a y mi carrera como artista. Trat√© de superarme cada d√≠a m√°s, investigando mucho y present√°ndome a los diferentes cert√°menes que se convocan en la provincia. Fue una etapa en la que comenc√© a despuntar y a proponerme metas a alcanzar. As√≠ apareci√≥ mi primera muestra personal, aquella que romper√≠a el hielo, en 2007 en la Galer√≠a Holgu√≠n. Fue un reto que trajo cr√≠ticas constructivas, pero marcaba el inicio de lo que realmente quer√≠a en mi vida, pintar, y lo primero que me sal√≠a era elementos distintivos de Holgu√≠n, como la Loma de la Cruz, el reloj del Cine Mart√≠, mezclados con palmas, helechos, girasoles, en una paleta de tonos ocres y sienas.

Identidad – Anibal De la Torre – 2012

¬ŅCu√°nto sigue influyendo la experiencia docente en el Anibal artista? Com√©ntame un poco sobre tu participaci√≥n, en dos ocasiones, en la misi√≥n ‚ÄúCultura Coraz√≥n Adentro‚ÄĚ en Venezuela.

Venezuela lleg√≥ de manera sorpresiva. No me imaginaba ir a un pa√≠s con una cultura totalmente diferente a la nuestra; fue un pelda√Īo nuevo que subir en mi vida. A penas ten√≠a 24 a√Īos, muy joven, para asumir una responsabilidad pedag√≥gica con personas de diferentes grupos etarios; realmente fue una tarea que me exig√≠a superarme cada d√≠a m√°s. Llegar a un cerro, realizar un diagn√≥stico profundo de su poblaci√≥n para emprender una labor docente art√≠stica fue un reto dif√≠cil, pero gracias a cultores venezolanos del √°rea, el trabajo se facilit√≥ un poco.

Es v√°lido destacar que esta hermosa experiencia aport√≥ mucho para mis conocimientos y como persona. Fue una etapa en mi vida que aprovech√© mucho, pues visit√© galer√≠as y museos donde disfrut√© originales de grandes artistas de talla internacional, con solo mencionar a Duchamp, Warhol, Christo, Kandinsky, Botero, Carlos Cruz-Diez, Jes√ļs Soto, Mondrian, Picasso, entre otros. Tambi√©n compart√≠ con artistas destacados del pa√≠s, y aprend√≠ mucho de sus experiencias. Tuve la suerte de realizar una exposici√≥n bipersonal de fotograf√≠a junto a mi esposa en la Galer√≠a Elsa Morales, de la Casa del Artista de Caracas. Esa fue mi primera experiencia internacional, que disfrut√© mucho, y tuvo muy buena acogida por el p√ļblico venezolano.

Habl√°bamos de un crecimiento, una evoluci√≥n‚Ķ Al revisar tu obra notamos que, sin importar las diferentes etapas por las que ella ha ido transitando, desde las palmas, relojes, los s√≠mbolos arquitect√≥nicos de la ciudad de Holgu√≠n, de tus primeras series, hasta los recientes Rostros, se reconoce la po√©tica de Anibal De la Torre. ¬ŅQu√© rasgos crees que han identificado tu pintura; no ahora, sino en esa especie de recorrido pl√°stico con el sello de tu trabajo?

Mi recorrido, desde mi primera exposici√≥n personal, es un retrato de mi vida. De d√≥nde vengo, mis ra√≠ces, mis creencias, mi identidad. Este recorrido yo lo ver√≠a como un diario en el que cada exposici√≥n es una nueva etapa, donde plasmo sentimientos e interrogantes que son constantes en el d√≠a a d√≠a. Trato de analizar el mundo que me rodea y c√≥mo influye en el paso de mi vida. La obra de Anibal ha sido eso, un reflejo de ese mundo interno que lo acompa√Īa siempre.

Protección РAnibal De la Torre Р2013

¬ŅQu√© es la identidad para ti?

La identidad es el conjunto de elementos que hacemos propios, como la forma de hablar, caminar, vestir, pintar; el sello que caracteriza a cada persona. Una persona sin identidad es un alma errante caminando sin presente y futuro. Las personas deben tener bien claro esto para saber de dónde venimos y hacia dónde vamos.

Hablemos de dos cosas: la autorepresentaci√≥n (el autorretrato, que sabemos es uno de los ejercicios de an√°lisis m√°s complejos para un artista) y la representaci√≥n de la cultura y el pante√≥n afrocubano, espec√≠ficamente el yoruba y sus s√≠mbolos (caracoles, herraduras, girasoles, clavos, helechos, incluso en el uso de elementos no convencionales como el saco de yute y los caracoles) en tu cosmovisi√≥n. ¬ŅPor qu√© te interesa el retrato y espec√≠ficamente el autorretrato, incluso en las fotograf√≠as de la muestra ‚ÄúSilencio roto‚ÄĚ? ¬ŅPodr√≠amos hablar de asumir la fe tambi√©n desde las posibilidades de la creaci√≥n pl√°stica? ¬ŅY acaso tambi√©n de una cr√≠tica de la religi√≥n con fines mercantilistas, a mucha doble moralidad que abunda hoy?

Desde mi tercera exposici√≥n personal, Revelaciones, comenc√© a representarme a m√≠ mismo en las obras. M√°s bien ha sido un an√°lisis de etapas de mi vida: preocupaciones, cuestionamientos, interrogantes, estados an√≠micos y un modo de representar el yo interior. En la historia del arte el autorretrato ha sido una herramienta para representar estados y etapas de su vida. Es una herramienta que contin√ļo aplicando, todav√≠a queda mucho por expresar.

La muestra fotográfica Silencio roto, fue el resultado de algunas interrogantes sobre la fe en las personas, su influencia sobre ellas y como ha llegado a la doble moralidad y por qué no, de llevar este ritual sagrado a fines mercantilistas. La utilización de diferentes elementos como clavos, las herraduras, los propios caracoles (Diloggun), entre otros, han sido un camino de conexión entre lo terrenal y lo espiritual, una manera de caracterizar una idea, un concepto.

Hablemos un poco de los maestros. Cubanos y extranjeros, creadores conocidos o no. Artistas a los que admiras y sigues. ¬ŅQui√©nes, de una manera y otra, te han influido como artista?

Desde que comenc√© mis estudios en la Escuela de Instructores de Arte, no par√© de buscar, leer e investigar sobre las artes pl√°sticas en el devenir de la historia. A cada artista siempre lo marca alguna tendencia o un pintor en espec√≠fico; en mi carrera he tenido muchas influencias de varios artistas, siempre experimentando, tratando de buscar un sello propio, o m√°s bien algo que te identifique y que cuando vean tu trabajo, digan: ese es un Anibal. Creo que ese es el anhelo que todo artista desea. Admiro mucho la obra de los artistas cubanos Roberto Diago, Jos√© Bedia, Mendive, Ernesto Ranca√Īo, Kcho, los holguineros Yovani Caises, Jos√© Emilio Leyva, Ernesto Sancipri√°n, Jorge Hidalgo Pimentel y Miguel √Āngel Salv√≥, de cuya creaci√≥n art√≠stica he bebido.

La exposici√≥n Persistencia del uso (2014) se caracteriz√≥ por la ‚Äúacogida de la oscuridad, un tratamiento escabroso, poco colorido, abrupto‚Ķ‚ÄĚ. Com√©ntame, Anibal, un poco sobre esta muestra.

Esta fue una exposici√≥n diferente a las dem√°s, en cuanto a la tonalidad. Trat√© de representarla en general con los negros y sienas. Plasm√© de manera simple, o sea, sin mucho tratamiento pict√≥rico, ciertas pr√°cticas de la religi√≥n yoruba, por ejemplo, el empleo de hierbas, velas, cascarillas, miel, ron y condimentos colocados dentro de un estante con tapa de cristal, simulando un botiqu√≠n m√©dico, estableciendo la funci√≥n paralela de √ļtiles para la curaci√≥n. Esta obra fue instalativa y en las dem√°s planim√©tricas us√© fondo negro y por lo general de manera lineal, simbolic√© los caracoles y ojos como estrellas en la noche o como lluvia en el mar.

Incorpor√© a las obras el t√≠tulo como parte de la composici√≥n. Me gust√≥ mucho ‚ÄúYo, t√ļ, √©l, nosotros, ustedes, ellos‚ÄĚ, donde expongo la silueta de la due√Īa del mundo y de los mares, que guarda bajo su falda el √°nfora; que guarda secretos m√≠sticos, empleando los colores negro, azul y gris.

M√°s de 15 exposiciones personales y 80 colectivas‚Ķ Obras tuyas en portadas de libros. Trabajo con diferentes t√©cnicas, materiales‚Ķ Incursiones tambi√©n en la fotograf√≠a. Veo ahora que el dise√Īo escenogr√°fico y de vestuario de una obra de teatro, que es totalmente diferente a lo anterior. M√°s tu trabajo en el Centro Provincial de Casas de Cultura. Creo que siempre est√°s haciendo algo, inmenso en alg√ļn proyecto‚Ķ ¬ŅDime c√≥mo lo haces? Y adem√°s, en esta etapa de claustro por la Covid-19 ‚Äďmomento en que inauguraste Rostros en la sede de la Uneac de Holgu√≠n‚Äď, ¬Ņc√≥mo ha sido el trabajo y la creaci√≥n art√≠stica para Anibal De la Torre?

Nunca estoy tranquilo, o sea, me mantengo creando e incursionando en otras ramas dentro de las artes visuales. Gracias a la tecnolog√≠a me he enamorado del dise√Īo gr√°fico. He realizado varios carteles para cortometrajes de trabajos de tesis de estudiantes del ISA; as√≠ como dise√Īos escenogr√°ficos para una obra de Rosa Mar√≠a Rodr√≠guez, ganadora de una beca de creaci√≥n de la AHS. He incursionado en la fotograf√≠a, que es un soporte con el que me gusta experimentar.

Miradas en composicion fragmentada – Anibal De la Torre – 2021

Durante la etapa de cuarentena, al aparecer la Covid-19, fue un momento que casi todos los artistas se dieron a la tarea de desempolvar proyectos. Yo no estaba exento de eso; fue el momento preciso para poner manos a la obra de la serie Rostros, donde uso como modelos a los amigos que tengo a la mano, mis compa√Īeros de trabajo y mi familia. De ellos capto expresiones faciales en diferentes estados de √°nimo dando mayor tratamiento al rostro y representando con trazos abstractos el cintur√≥n escapular, mientras que el fondo es plano con tonalidades pastel en la gama de los rosas y ocres, estamp√°ndoles elementos recurrentes en mi obra, como los herraduras, caracoles, girasoles, clavos y garabatos.

Creo que hasta yo mismo me sorprendo que en tan poco tiempo haya logrado esto. Mi esposa, Annia Leyva, también artista de la plástica, dice que soy una máquina pintando, que salto de un cuadro hacia otro y de una cosa a la otra, que siempre estoy haciendo algo. Es el resultado de siempre estar creando, ser perseverante y tener fe en uno mismo. Eso es lo fundamental, nunca cansarse y seguir batallando, en un camino que puede tener espinas y pétalos.

Hablemos de la familia, ese eslab√≥n b√°sico para la creaci√≥n. De tu esposa Ania Leyva (y del trabajo juntos) y de los ni√Īos‚Ķ ¬ŅC√≥mo trabajas? Alguna rutina, alg√ļn m√©todo, algo en particular‚Ķ

Me siento una persona afortunada por compartir mi vida junto a mi esposa Annia y de tener a mis dos hijos, Kevin, de 14 a√Īos, y la peque√Īa Anabella, de cuatro a√Īitos. La vida me ha regalado lo m√°s grande que pueda tener un ser humano, los hijos. Ellos son mi inspiraci√≥n cada d√≠a. Soy de los que digo que detr√°s de un hombre hay una gran mujer. Trato de llevarlo todo a la par: trabajo, casa, creaci√≥n art√≠stica, ser un buen padre y esposo. Nuestra casa es peque√Īa, lo mismo pinto en la cocina que en el cuarto, y cuando las obras son muy grandes, las hago en mi trabajo. He acompa√Īado a Annia en varias exposiciones de fotograf√≠a; ella es una excelente artista a la que admiro mucho. Tengo mucho que aprender de ella. Me siento bendecido.

Jugando con el nombre de una exposici√≥n tuya, Anibal, ¬Ņc√≥mo es llevar la isla dentro?

La patria, o sea este pedacito de tierra en el que vivimos, es lo más grande que pueda tener un cubano, donde confluye tu identidad, tus raíces, tu forma de ser. Anibal De la Torre se siente orgulloso de llevar siempre esa Isla dentro.


Línea de Kármán

La exposici√≥n colectiva online L√≠nea de K√°rm√°n, inaugurada recientemente en Telegram, re√ļne la obra de catorce j√≥venes artistas visuales estudiantes del Instituto Superior de Arte (ISA), y deviene sugestivo muestrario de lenguajes, g√©neros y miradas de la creaci√≥n joven en Cuba.

La ma√Īana despu√©s (Aisladas) – Daniela √Āguila/ Fotos tomadas de la exposici√≥n

‚ÄúLos senderos del arte se abren paso. Escrutan la sabidur√≠a, declarada en basamento conceptual desde su propia denominaci√≥n. El impulso creador, en pos de la necesidad de expresi√≥n y di√°logo con el espectador, atisbado desde las diferentes plataformas digitales‚ÄĚ, escribe en las palabras del cat√°logo Mar√≠a de Lourdes Santana Arcos, y a√Īade que aqu√≠ ‚Äúse entretejen l√≠neas, blindadas por cierta visi√≥n de historia en la que el artista no puede sobreexistir al margen del entorno‚ÄĚ, por lo que la muestra, ‚Äúresulta, sin dudas, una propuesta fertilizada por la vivencia personal desde una dimensi√≥n colectiva y una complementaci√≥n de lenguajes, donde dibujo, grabado, instalaci√≥n, calado, fotograf√≠a, performance, y videoarte, devienen en traza del l√≠mite entre una atm√≥sfera subjetiva y el espacio p√ļblico-exterior‚ÄĚ, a√Īade.

De esta manera encontramos ‚Äďen esta exposici√≥n que toma el t√≠tulo del l√≠mite entre la atm√≥sfera y el espacio exterior, a efectos de aviaci√≥n y astron√°utica, conocido como la l√≠nea de K√°rm√°n‚Äď el trabajo de Daniela √Āguila, Daniel Ant√≥n, Jany Batista, Roxana Bello, Rosa Cabrera, Mar√≠a Fernanda Chac√≥n, Liz Maily Gonz√°lez, Yasiely Gonz√°lez, Liz Melisa Jim√©nez, Jhonatan Mario Gonz√°lez, Osmany Reyes, Juan Jos√© Ricardo, Mar√≠a de Lourdes Santana y Aldo Soler.

Liz Maily Gonz√°lez, en ‚ÄúCreaci√≥n de un v√≠nculo. Homenaje a Margaret Mead‚ÄĚ (dibujo sobre imagen impresa) aborda ‚Äúun proceso de sanaci√≥n, la creaci√≥n de un ambiente favorable y un pacto ante el dolor‚ÄĚ, que ‚Äúpermiti√≥ el mejoramiento para el hombre y nuestro paso para convertirnos en seres verdaderamente humanos‚ÄĚ (la sanaci√≥n de un hueso fracturado resulta evidencia del cuidado y la evoluci√≥n humana, como mostraron los estudios de esta antrop√≥loga estadounidense). Mientras que Juan Jos√© Ricardo Pe√Īa, en ‚ÄúSer libre para ser culto‚ÄĚ (grafito y acuarela sobre la pared, intervenci√≥n a manera de cenefas sobre la pared de una casa), ‚Äúrefleja varios cuestionamientos sobre el valor que le damos al arte y como este valor es caracter√≠stica en determinado espacio social. Hago uso del kitsch, el cual es un fen√≥meno con el que vivo a diario para establecer con el espectador un di√°logo desde lo auto-referencial‚ÄĚ.

Bisar РActo 1 (Detalle) РAldo Soler/Fotos tomadas de la exposición

En ‚ÄúLa l√≠nea de la vida o composici√≥n # 1 en honor al silencio‚ÄĚ, performance de tres minutos de duraci√≥n (pieza de hierro fundido perteneciente a un piano familiar Jhon L. Stowers de 1952 de 11 libras), Mar√≠a de Lourdes Santana ‚Äúrepresenta el medio id√≥neo para llevar a cabo una propuesta donde el dolor deviene en traza, y la traza en representaci√≥n de un gesto ef√≠mero‚ÄĚ.

En otra de las obras que integra L√≠nea de K√°rm√°n, la videoinstalaci√≥n ‚ÄúBisar (acto 1)‚ÄĚ, Aldo Soler representa ‚Äúdos videos que inician a la vez, perfectamente sincronizados. Con el paso del tiempo, ambos videos en bucle van perdiendo sincronizaci√≥n, hasta tal punto de que sea muy marcada y los audios se escuchen desincronizados, haciendo inentendibles su contenido. La pieza termina cuando estos videos pasan por todo el ciclo y se vuelven a sincronizar‚ÄĚ, explica.

Mientras que Mar√≠a Fernanda Chac√≥n, en ‚ÄúCabos sueltos‚ÄĚ (instalaci√≥n papel y calado con l√°ser) ‚Äúprofundiza en la idea del paso del tiempo y el deterioro, aludiendo a la representaci√≥n de patrones de alicatado, como emblema de la arquitectura cubana. Son fragmentos de un pasado pr√≥ximo, trozos de la memoria colectiva cubana, s√≠mbolo del pasado republicano del pa√≠s‚ÄĚ.

Interesantes ‚Äďcomo el resto de las piezas y la muestra en s√≠‚Äď resulta la instalaci√≥n ‚ÄúPaisaje emocional‚ÄĚ, a partir de fragmentos de losas, tierra fertilizada y plantas medicinales, de Yasiely Gonz√°lez, y ‚ÄúLa ma√Īana despu√©s‚ÄĚ, serigraf√≠a sobre cartulina de la serie ‚ÄúAisladas‚ÄĚ de Daniela √Āguila. Sin dudas una oportunidad que no debemos desaprovechar para interactuar desde las plataformas digitales con una atractiva muestra del presente (y futuro) de las artes visuales cubanas.


Viaje por los dise√Īos esc√©nicos de Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez

Entre candilejas. Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez y las artes esc√©nicas se titula la exposici√≥n que, en sus redes sociales, comparte el Centro Provincial de Artes Pl√°sticas de Holgu√≠n a partir de una selecci√≥n de dise√Īos que visualiza el trabajo de este artista como creador para la escena cubana.

Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

‚ÄúPor lo regular, cuando se hace referencia a Andr√©s, siempre se recuerda su labor como portadista de Carteles. Es comprensible que as√≠ sea, pues las portadas dise√Īadas por √©l para una de las revistas m√°s populares de la etapa republicana en Cuba son, indudablemente, un patrimonio del arte nacional‚ÄĚ, asegura el investigador Mart√≠n Garrido, curador de la misma y quien ha dedicado parte importante de su trabajo al rescate y estudio de la obra de este necesario art√≠fice pl√°stico holguinero, y a√Īade Mart√≠n que iniciada en los a√Īos 40, su labor para esta esfera de la creaci√≥n, el dise√Īo esc√©nico, se ampl√≠a y enriquece en las d√©cadas del 50 y 60.

La muestra, expuesta en el perfil de Facebook ‚ÄúArtistas holguineros‚ÄĚ ante la imposibilidad de su apertura f√≠sica por la propagaci√≥n de la Covid-19 en la provincia, hace p√ļblica ‚Äúuna parcela de la obra profesional de Andr√©s relativamente poco estudiada y algo menos conocida‚ÄĚ, a√Īade.

Adem√°s del teatro, Andr√©s (1916-1981) realiz√≥ incursiones, ‚Äúsiempre brillantes‚ÄĚ, en el dise√Īo de vestuario y escenograf√≠a para presentaciones de ballet, √≥pera, zarzuela, danza moderna y cabaret, cada uno con las caracter√≠sticas propias de la manifestaci√≥n y que le permitieron mostrar su ‚Äútalento multifac√©tico‚ÄĚ, ‚Äúsu maestr√≠a como dibujante, su versatilidad como creador, su conocimiento profuso de la historia del traje y de la historia del arte en general‚ÄĚ, dice.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

Destaca, adem√°s, que ‚Äúsu profesionalidad en la esfera del dise√Īo destinado a las artes esc√©nicas se advierte en todas y en cada una de las piezas que ahora mostramos, demostrando por qu√© cr√≠ticos tan exigentes como Rine Leal o Luis Amado Blanco solo tuvieran para √©l los m√°s encendidos elogios‚ÄĚ al rese√Īar obras donde el creador dej√≥ la impronta de su firma.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

Las obras expuestas en esta muestra ‚Äďque celebra el aniversario 105 de su natalicio y los 40 a√Īos de su muerte; adem√°s, el vig√©simo aniversario de la realizaci√≥n en Holgu√≠n de la primera exposici√≥n que, tanto en Cuba como en otras partes, se dedic√≥ a vindicar el trabajo del notable artista‚Äď pertenecieron a las colecciones particulares de dos destacados artistas cubanos: el maestro Ramiro Guerra, pionero de la danza moderna en Cuba; y el dise√Īador esc√©nico Eduardo Arrocha, ‚Äú√ļnico disc√≠pulo de Andr√©s, a quien debe su consagraci√≥n a estas disciplinas‚ÄĚ.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

‚ÄúFundidas en un todo, ambas colecciones se conservan hoy en Holgu√≠n por voluntad expresa de Arrocha. Las piezas que las integran son como peque√Īas obras maestras de esta disciplina, que por su calidad no desmerecen dentro del conjunto total de la obra de Andr√©s‚ÄĚ, a√Īade, y que nos reafirman a Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez como uno de los grandes dise√Īadores esc√©nicos de todos los tiempos en nuestro pa√≠s, y una de las figuras que engrandece nuestro patrimonio visual.

Entre candilejas – Andr√©s Garc√≠a Ben√≠tez ‚Äď Foto CPA Holgu√≠n

Los artistas abstractos se re√ļnen

El Centro Provincial de Arte de Holguín inauguró la muestra virtual Todos abstractos, compuesta por obras de 60 creadores exponentes de la abstracción en Cuba, y dedicada al Premio Nacional de Artes Plásticas Pedro de Oraá y al holguinero Armando Gómez.

Obras de la muestra Todos abstractos ‚Äď cortes√≠a del CPA Holgu√≠n

En esta exposici√≥n nacional ‚Äďque puede ser visitada en el perfil de la instituci√≥n ‚ÄúArtistas holguineros‚ÄĚ‚Äď participan artistas de varias generaciones, incluidos j√≥venes miembros de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z, y destaca por la variedad de la expresi√≥n y la multiplicidad de enfoques, miradas, t√©cnicas y denominaciones estil√≠sticas; funcionando, adem√°s, como una espiral de confluencias de las diferentes formas de acercarse a lo abstracto: desde la abstracci√≥n geom√©trica hasta la crom√°tica y distintas denominaciones estil√≠sticas como la abstracci√≥n l√≠rica, sint√©tica, anal√≠tica, el surrealismo abstracto, el informalismo (expresionismo abstracto, abstracci√≥n constructiva, la pintura mat√©rica, la action painting), la abstracci√≥n postpict√≥rica, entre otros.

Obras de la muestra Todos abstractos ‚Äď Foto cortes√≠a del CPA Holgu√≠n

Si bien est√°n consiente que faltan nombres, esta ‚Äúsolo pretende ofrecer un flashazo en el cap√≠tulo del arte abstracto cubano contempor√°neo, haciendo novedoso el hecho de brindar una mirada amplia a la condici√≥n abstracta‚ÄĚ, comenta en las palabras de cat√°logo, su organizador, el artista y profesor Ronald Guill√©n, y destaca ‚Äúla alegr√≠a de poder compartir con el p√ļblico internauta, no solamente las obras mismas, sino tambi√©n el entusiasmo de los momentos vividos mientras recib√≠amos y seleccion√°bamos cada pieza, cada dato, cada curr√≠culo; el descubrimiento de los sitios, grupos y nombres que intentan aupar y promover la abstracci√≥n cubana toda, ocultos algunos y compartidos otros, la conexi√≥n m√°gica y creativa que enlaza a tantos artistas de diferentes creados, generaciones y experiencias de vida‚ÄĚ bajo la se√Īal del arte abstracto.

Obras de la muestra Todos abstractos ‚Äď Foto cortes√≠a del CPA Holgu√≠n

La obra de Pedro de Ora√° es bastante conocida, ha marcado impronta en el arte cubano, y es cercana con los pintores holguineros. Por su parte, Armando G√≥mez, que este 2021 celebra sus 80 a√Īos, posee una obra importante en la abstracci√≥n mat√©rica. Residente en M√©xico, graduado de pintura y escultura de la Escuela Profesional de Arte de Holgu√≠n, desarroll√≥ sus primeras piezas basadas en los principios del expresionismo abstracto.

Obras de la muestra Todos abstractos ‚Äď Foto cortes√≠a del CPA Holgu√≠n

Integran, adem√°s, la muestra ‚Äďcon piezas que van desde la fotograf√≠a, la cer√°mica y la instalaci√≥n a diferentes t√©cnicas pict√≥ricas, y donde encontramos a miembros de diferentes generaciones‚Äď artistas como Abenamar Bauta Delgado, Adela Gonz√°lez, An√≠bal de la Torre Cruz, Carlos (Koky) Trillo, Carlos Garc√≠a de la Nuez, Claudio Sotolongo, Emilsy P√©rez, Francisco N√ļ√Īez, Freddy Garc√≠a Azze, Grettel Arrate, Jorge Luis Hern√°ndez, Jos√© √Āngel Vincench, Jos√© Manuel Mayo, Jos√© Vega Batista, Juan L. Brouwer, Julia Vald√©s, Julio Ram√≥n Serrano, Katia Leyva, Leandro P√©rez, Lidisbelis Carmenate, Luis Miguel Garc√≠a, Luis Santiago Pe√Īa, Mariannis Mirabal Ripoll, Martha Beatriz Castro, Rafael Gonz√°lez Morales, Ramiro Ricardo Feria, Ricardo Salgado Arias, Yimer Gonz√°lez, Teonila Maltas, Yuliet Aguilar V√°zquez y Yuliet Fern√°ndez Lluch, entre otros.

Obras de la muestra Todos abstractos ‚Äď Foto cortes√≠a del CPA Holgu√≠n

Todos abstractos, compendio de un interesante momento de arte abstracto insular, posee curadur√≠a de Ronald Guill√©n y Bertha Beltr√°n, y direcci√≥n general de Yuricel Moreno, al frente del Centro de Arte, instituci√≥n que celebra su aniversario 30 este a√Īo.


Ernos Naveda: ¬ęHablo desde los instintos m√°s s√≥rdidos¬Ľ

Conoc√≠ la obra de Ernos Naveda gracias al narrador, poeta y dramaturgo Roberto Vi√Īas. Luego supe que otros muchos elementos en com√ļn ‚ÄĒpersonas, intereses y espacios simb√≥licos‚ÄĒ nos un√≠an. Desde nuestro encuentro inicial y para nada fortuito, la relaci√≥n de trabajo con Ernos me ha puesto en contacto no solo con los lenguajes visuales de su obra, sino tambi√©n con su voluntad y talento creativo. Esta entrevista es una invitaci√≥n a conocerle.

cortesía del entrevistado

¬ŅCu√°les son tus principales b√ļsquedas e inquietudes creativas?

Mis amigos se ríen cuando digo que estoy en mi período esponja. Absorbo todo lo que la realidad me brinda, me condiciona. Absorbo, y cuando las inquietudes me exprimen, voy soltando en chorros dispersos lo que la creación demande. Es difícil para mí, en mi corta experiencia como creador, poder definir o conceptualizar mi trabajo. Tanteo mucho, eso sí, y creo que ya voy decantando lo que me interesa y lo que no, aunque a pasos lentos.

Antes de comenzar a estudiar Artes Visuales, fui actor de teatro callejero. Me encaramaba en zancos de casi dos metros de altura. Envuelto en unos trajes de colores y a esa distancia del suelo podía observar la realidad de una manera distinta. En esa perspectiva eduqué a mis ojos a mirar donde los otros no se detienen. Si hubiese tenido una cámara en ese entonces habría captado instantáneas que podían mostrar las ciudades vistas desde otras ópticas, desde otros enfoques. Hubiese sido valioso mostrarle a la gente lo diferente que se ven sus espacios desde esa altura. Quizás sirviera para modificar algo en sus vidas, para inyectar dosis de esperanza en sus realidades. Desde esa altura descubrí la idea de que se puede transformar la realidad si se mira desde otro ángulo, quizás más alto.

¬ŅC√≥mo definir√≠as el lenguaje de tu creaci√≥n?

Ahora mismo me interesa lo √≠ntimo, lo humano, como las peque√Īas cosas de Serrat. He desarrollado buena parte de mi obra creativa desde el confinamiento, y eso inevitablemente coarta la manera de ver el mundo y traducirlo desde las im√°genes, desde las palabras. Pero no soy absoluto, me permito no serlo. Tal vez ma√Īana, cuando volvamos al mundo fuera de nuestras casas, fuera de nuestro aislamiento social, me interese lo abierto, los grandes espacios, las multitudes, etc. Pero ahora estoy aqu√≠, hablando desde las esencias m√°s √≠ntimas de los humanos, sacando a la luz del flash sus diferencias y sus peque√Īos universos independientes. Y eso me fascina.¬†

¬ŅQu√© discursos visuales te interesa proponer con tu obra?

cortesía del entrevistado

Yo nací casi con el siglo y la concepción sintetizada, la agilidad que se le da a las palabras, la interdisciplinaridad, lo intertextual, la cita, la exposición de los referentes en la creación, sin máscaras, son cosas que vienen en un chip generacional. Me gusta proyectar imágenes o sensaciones sobre el espectador de manera descarnada, fuerte, de golpe frente a él. Prefiero que mis mensajes sean así, digamos, agresivos, violentos, carnales. He estudiado la obra de Robert Mapplethorpe y de Patti Smith, me siento muy identificado con sus visiones, con sus discursos.

Hablo desde la carne, desde los instintos más sórdidos, desde ese lado en que el recato no importa, donde uno abre a la verdad y la sensualidad de los cuerpos, las relaciones, etc. No me gusta abordar la belleza desde los cánones más establecidos de ella, por eso trato de reinventarla, de mostrar una belleza que diste de aquella ya expuesta y comercializada. No puedo evitarlo, no puedo luchar contra mi tiempo.

El arte visual en el XXI tiene grandes retos para los artistas porque hay mucha competencia. Este es el siglo de las imágenes, gracias al auge de las tecnologías, de las cuatro o cinco cámaras en los teléfonos, de las marcas, de los megapíxeles, de los espacios, del Facebook, del Instagram, de Pinterest. Es como un gran tobogán donde se encuentra mucha calidad visual. La gente lo hace todo el tiempo. Para los artistas es muy difícil establecer sus discursos, por eso trato de llamar la atención desde esos presupuestos estéticos que te mencionaba. Hay que hacerse notar, alzar los brazos y gritar en medio de ese tobogán de imágenes. Es muy divertido.

¬ŅC√≥mo transcurre tu proceso creativo?

En una euforia permanente, en una convulsión de cosas, en una agitación y un desvelo delicioso. Siempre estoy en algo, y ese algo se llena de caos. Si pinto, lo embarro todo. Si hago unas fotos, todo en la casa se vuelve un set, todo se mueve de su sitio, y luego se recompone de una manera distinta. Me gusta que todo se mueva, que todo gire. No soporto la quietud. Y eso hace un cortocircuito en la obra. Hay imágenes que trasmiten cierta quietud, en los cuerpos y los objetos, digamos. Cuando las edito o reviso, me digo, es increíble que mientras esto nacía, todo a su alrededor estaba en completo caos y movimiento. Tal vez si creara desde la calma, el resultado sería todo lo contrario.

Est√°s en estrecho contacto con la escena gracias a tu relaci√≥n con el grupo Teatro Rumbo. ¬ŅEn cu√°nto influye el teatro en tu concepci√≥n de una idea visual que buscas concretar en otro lenguaje art√≠stico que no sea el de las tablas?

Comenc√© en el teatro desde ni√Īo. Fui integrante de las compa√Ī√≠as de teatro infantil. En la adolescencia me integr√© a un grupo de teatro callejero y all√≠ pude viajar a festivales donde tuve la dicha de ver por d√≥nde iban los tiros del teatro en Cuba. Un d√≠a se me dio la oportunidad de trabajar como actor en un proyecto de teatro de sala que dirig√≠a Ir√°n Capote. Era una puesta con un texto de Abel Gonz√°les Melo y trabaj√© junto a actores con mucha experiencia. All√≠ conoc√≠ a Ir√°n.

Poder trabajar con ambas experiencias, la del teatro callejero y la del teatro de sala, me fue abriendo el horizonte escénico. Ya no solo me limitaba a imágenes callejeras, ahora tenía la experiencia de la síntesis del espacio, de los tiempos, de las acciones. Es desde el teatro donde descubro el mundo de la imagen, la composición, la luz, etc.

Una vez que comienzo a trabajar la performance y la fotografía, esa influencia del teatro, de la escenificación de la imagen que sugiere cierta tensión dramática, de la existencia de una síntesis visual para captar una historia, no se quedó a un lado. Estaba ahí, en mi obra. Y la dejé estar.

Posiblemente yo sea el espectador m√°s fiel de Teatro Rumbo en estos √ļltimos 10 a√Īos. He estado muy cerca de sus procesos. S√© c√≥mo se gestan, c√≥mo se producen, c√≥mo se vive el teatro desde adentro. Es un mundo muy fascinante. Por eso no me cuesta trabajar con ellos, usarlos como modelos, sugerir elementos para la escenograf√≠a, dise√Īar im√°genes en sus puestas. Digamos que, de alguna manera, nuestros trabajos est√°n complement√°ndose todo el tiempo.¬†

cortesía del entrevistado

¬ŅPiensas que toda obra de arte es, per se, esencialmente teatral?

S√≠, lo creo. El teatro est√° en todo, en la manera en que se estructuran las dem√°s manifestaciones, incluso a la hora de montar una exposici√≥n pict√≥rica en una galer√≠a, en la manera en que dise√Īamos una ficci√≥n o cuando buscamos cierta reacci√≥n en el espectador-lector-consumidor-oyente-receptor, en todo est√° en teatro. Creo que se puede aprender mucho desde el teatro.

Desde que la pandemia forma parte de nuestras vidas como artistas, ¬Ņcu√°nto han cambiado, evolucionado o se han modificado tus h√°bitos creativos, tus jornadas de trabajo y tus maneras de concebir un proyecto?

El aislamiento social ha hecho que cambie todo, nuestras rutinas, nuestros ritmos, nuestros horarios. Hemos tenido mucho tiempo para pensar, para reestructurarnos, redirigirnos. Y tambi√©n para crear. En mi caso particular, he cambiado todo. El hecho de trabajar desde casa ha variado mi espacio de privacidad a tal punto que mi hogar se ha convertido en un taller. Cada rinc√≥n tiene ese esp√≠ritu. Y puedo crear a cualquier hora. Por otro lado, est√° la finalidad de esos trabajos: antes uno pensaba en una galer√≠a, en un performance p√ļblico, etc. Ahora solo se trabaja para exponer desde las redes sociales de Internet. A eso ya le he cogido el punto.

Hemos tenido la oportunidad de colaborar contigo gracias a los proyectos de videopoemas online ‚ÄúDramatis Personae‚ÄĚ y ‚ÄúEncrucijada: di√°logo y creaci√≥n‚ÄĚ. ¬ŅSientes que tus videos dialogan con tu realidad como creador y a la par con la realidad de los artistas que participan en su realizaci√≥n?

Trato de establecer ese puente creativo. Me dejo arrastrar por sus voces, por sus palabras, y busco los resortes que producen en mi creación. Intento poner la escena para su universo. Es un reto y una oportunidad que agradeceré siempre.

cortesía del entrevistado

¬ŅQu√© sinergias se han cruzado en tus proyectos?

Estoy conociendo mucha gente inteligente e interesante. Eso es lo mejor cuando uno siempre espera nutrirse de otras experiencias, de otros discursos creativos, de otras maneras de ver y representar el mundo desde el arte. Si he le√≠do buena literatura en estos √ļltimos tiempos, si he visto buenas pel√≠culas o he revisado cat√°logos de artistas y fot√≥grafos que no conoc√≠a, se debe ante todo a eso, a las voces que voy conociendo, a las pistas que me dejan sobre otros autores, otras historias, etc. Es muy gratificante.

Has colaborado como director de arte en varios audiovisuales. ¬ŅEstas experiencias han ayudado a construir y cimentar tu mirada art√≠stica sobre lo real y simb√≥lico?

Lo simbólico lo entiendo desde la síntesis, desde la traducción de discursos mediante elementos que los resuman. Trabajar como director de arte en audiovisuales tiene una buena carga de eso. Hay que reducir en pocas cosas físicas y a nivel visual lo que el discurso literario de ese guion expone. Es arte puro.

¬ŅQu√© tal resulta tu experiencia al dialogar con un equipo creativo? ¬ŅBuscas complacer o te aferras a una postura creativa inamovible? ¬ŅCrees en el di√°logo, en las m√ļltiples influencias y confluencias?

Lo consenso todo. Busco un punto intermedio donde se complazca sin que pierda el sello personal, sin que pierda tu huella, tu marca. Cuando uno trabaja en equipo es porque los integrantes de ese equipo se han acercado por ciertos criterios est√©ticos en com√ļn. Por eso vale, ante todo, detectar esos intereses y trabajar en base a ellos.

¬ŅHasta qu√© punto tu identidad como cubano ha marcado tus horizontes creativos, los ha condicionado o reducido?

La cubanidad es algo que se impone aunque uno piense que sus referentes art√≠sticos o sus motivaciones son de otra parte. Nuestras vivencias aqu√≠ hacen que todo pase por el filtro de la cotidianidad, de lo que somos hist√≥ricamente. Y ese elemento cotidiano estar√° siempre. El receptor tambi√©n lo configura as√≠ desde sus m√ļltiples lecturas, incluido el receptor extranjero que pensar√° tu obra desde tu proceder. Nacer, vivir y trabajar desde Cuba ha de marcarnos para siempre.

¬ŅCrees en la autocensura? ¬ŅTe ha afectado alguna vez?

Al principio me autocensuraba mucho. Es un fenómeno terrible porque uno piensa demasiado en si esto me sale bien o no. Puede que hasta se abrume leyendo teorías y comparando su trabajo con fulano y mengano, sin percatarse que el tiempo avanza y uno lo pierde al dejarse llevar por ese miedo. Hasta que me di cuenta de que, aunque todo está dicho, uno también tiene su voz y a alguien le está haciendo falta escuchar lo que tienes para decirle.

M√°s all√° de la creaci√≥n, ¬Ņqui√©n es Ernos Naveda?

Una playa.



Contar la historia del arte joven, desde el audiovisual

El documental¬†M√°s all√° del p√≥rtico, 35 a√Īos de la¬†Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z, y las c√°psulas promocionales¬†Reminiscencias, dedicadas a revisitar la historia, trayectoria, quehacer y trascendencia de esta organizaci√≥n, a partir del testimonio de sus miembros en¬†Guant√°namo¬†forma parte de los preparativos que alista la provincia para conmemorar el cumplea√Īos de la AHS a nivel nacional, a celebrarse el venidero 18 de octubre.

Dayamis Rodr√≠guez de la Cruz, vicepresidenta de la Asociaci√≥n en el Alto Oriente Cubano, explic√≥ a¬†Venceremos¬†que las propuestas son el resultado de una colaboraci√≥n iniciada en febrero de este a√Īo, con la casa productora Charabia, bajo la direcci√≥n art√≠stica del reconocido realizador Pedro Guti√©rrez, y con Alejandro Lloga en las c√°maras, as√≠ como en la edici√≥n y postproducci√≥n.

‚ÄúLa idea es crear materiales que contribuyan a salvaguardar la memoria colectiva de la organizaci√≥n, al mismo tiempo que se visibilice la AHS en Guant√°namo, en el resto del pa√≠s y en el mundo, pues servir√°n como herramientas para divulgar el devenir de la vanguardia de j√≥venes artistas tanto en plataformas digitales como tradicionales‚ÄĚ, asegur√≥ Rodr√≠guez de la Cruz.

Sobre las cápsulas comentó que se centran en entrevistas a los presidentes de la Asociación como Ana Iris Aranda Pillot, Eldys Baratute Benavides, Alexander Beatón Galeano y Norma Rodríguez Derivet, quienes testimonian sobre la significación de la AHS para su vida profesional, pero además valoran desde perspectivas diversas los aportes al desarrollo cultural de la provincia.

En el caso del documental, adem√°s de la visi√≥n de los presidentes asociados, tambi√©n se cuenta con la visi√≥n de miembros con resultados de m√©rito en la organizaci√≥n y personalidades gremio art√≠stico e intelectual tales como Carelsy Falc√≥n Calzadilla (tambi√©n fue presidenta de la AHS en el territorio), el cr√≠tico Jorge N√ļ√Īez Mote (presidente de la filial de la Uni√≥n de Escritores y Artistas de Cuba), la poetiza Mireya Pi√Īeiro, el actor Yosmel L√≥pez Ortiz y el escritor Yordis Monteser√≠n, entre otros.

M√°s all√° del p√≥rtico contin√ļa la l√≠nea de otros j√≥venes creadores guantanameros como Adriel Bosch y Antonio Ernesto Planos, quienes hace un lustro intentaron compilar parte de la historia de la AHS en una multimedia.

Gestados en situaciones extraordinarias, debido a la COVID-19, el proceso de creaci√≥n de los audiovisuales ha sido totalmente at√≠pico, seg√ļn confes√≥ Rodr√≠guez de la Cruz, pues oblig√≥ a repensar las din√°micas de producci√≥n, trabajar con un equipo de solo tres personas m√°s el entrevistado, cuidar, adem√°s de la calidad del producto, de las distancias y las medidas higi√©nico-sanitarias, para no exponerse demasiado al peligro, pero se logr√≥ avanzar.

‚ÄúHa valido la pena el esfuerzo -agreg√≥ la vicepresidenta- una vez visto el resultado, con las memorias compartidas y las an√©cdotas, estamos seguros que ser√° muy interesante para el p√ļblico por la emotividad que encierran esas vivencias, incluso de quienes desde la distancia a√ļn recuerdan y a√Īoran a la AHS guantanamera‚ÄĚ.

Sobre el estreno de los productos comunicativos, la también crítica de arte adelantó que se prevén en dos etapas.

Primero los promocionales Reminiscencias, que se mostrarán en el marco de la 45 edición de la Jornada de la Canción Política, a principios de agosto venidero. Lo ideal sería hacerlo de manera presencial pero en caso de persistir la contingencia sanitaria, se exhibirán las cápsulas en las plataformas digitales de Facebook y Youtube. Igualmente se prevé incluir los materiales en la parrilla de la TV provincial y nacional.

Por su parte, el documental se lanzar√° el propio el 18 de octubre, coincidiendo con el cumplea√Īos de la AHS en Cuba, ese momento servir√° de regocijo para todos, pues si el momento lo permite, a trav√©s del espacio 1900 y en el patio de la Casa del Joven Creador, los protagonistas de los audiovisuales, y los asociados celebrar√°n el orgullo de pertenecer a una organizaci√≥n eternamente joven y transformadora.

También como parte de los regalos por el onomástico de la Asociación, la casa productora Voxel realizó la serie Memorias 35 aniversario, con el propósito de reflejar la historia de la joven vanguardia artística en Baracoa. Dicha propuesta se socializó durante las Romerías de Mayo online.

(Tomado de Venceremos)



Manuel Ojeda, el peso de la quietud y la persistencia de la memoria

‚ÄúEl peso de la quietud¬†surge en parte como una necesidad por retomar el camino de la pl√°stica‚ÄĚ, comenta el joven realizador Manuel Ojeda Hern√°ndez¬†sobre su proyecto de documental beneficiado por el Fondo de Fomento del Cine Cubano (FFCC), un camino que comenz√≥ en su natal Camag√ľey cuando se gradu√≥ de la Academia de Artes Vicentina de la Torre.

‚ÄúSoy fot√≥grafo de formaci√≥n y el proyecto surge, en sus inicios, por la necesidad de abordar un fen√≥meno desde mi especialidad; para ese entonces todo era puramente formal. Una vez visibilizado el fen√≥meno descubr√≠ que se hac√≠a cada vez mayor la necesidad de contar una historia. Fue de esta manera que me acerqu√© poco a poco al g√©nero documental y me distanci√© un tanto de la fotograf√≠a para adentrarme en un proceso completamente narrativo‚ÄĚ.

‚ÄúHoy en d√≠a todo se mezcla y en este caso siento que la narraci√≥n del documental se construy√≥ a partir de s√≠mbolos, elementos conceptuales y referentes pl√°sticos. Uno de los principales objetivos que me trac√© fue desprenderme de mi formaci√≥n como fot√≥grafo, pensar solamente en el c√≥mo contar la historia y no dejar que la visualidad la contaminara. Siempre hab√≠a pensado en c√≥mo contar desde la puesta en c√°mara y desde sus recursos expresivos, pero en este caso dirigir ha sido una experiencia completamente diferente‚ÄĚ, cuenta Manuel¬†sobre su proyecto seleccionado ‚Äďpor un comit√© integrado por los experimentados Am√≠lcar Salatti, Mario Masvidal, Carlos de la Huerta, Magda Gonz√°lez Grau y Narciso Jorge Fuentes‚Äď para el otorgamiento de todo el financiamiento solicitado en la modalidad de Producci√≥n de proyectos de cortometrajes de ficci√≥n, documental y animaci√≥n.

Estudiante de Dirección de Fotografía en la Facultad Artes de los Medios de Comunicación Audiovisual (FAMCA) de la Universidad de las Artes (ISA), miembro del Registro del Creador de Artes Plásticas y del Registro del Creador Audiovisual y Cinematográfico (RECAC), Manuel Ojeda ha trabajado, en diferentes roles, en varios largometrajes de ficción y documentales cubanos y extranjeros, entre ellos Omega 3 (Eduardo del Llano, 2014), Skin (Guy Nattiv, 2018), la premiada Yuli (Icíar Bollaín, 2019), The Cuban (Sergio Navarrete, 2019) y La Red Avispa (Olivier Assayas, 2020). Como director de fotografía labora en la realización del documental El Patio, ganador también del FFCC, y en el cortometraje de ficción Temporada, ambos dirigidos por Josué García, y en futuros proyectos como el corto de animación No Binario y los cortometrajes de ficción La Noche de los Visitantes y Parece Sangre.

Es suya, junto a Ana Mar√≠a Gonz√°lez, la direcci√≥n de fotograf√≠a del documental Romer√≠a, la Utop√≠a (2020) de Manuel Alejandro Rodr√≠guez y Carlos G√≥mez, dedicado al principal evento de la AHS que llena parques y plazas ‚Äďy escenarios virtuales en las recientes ediciones‚Äď de la ciudad de Holgu√≠n. Adem√°s, su nombre aparece en los cr√©ditos de cortometrajes y documentales de David Beltr√°n, Yoe P√©rez, Emmanuel Martin, Sergio Castillo, Diana Moreno, Inti Herrera y Orlando Mora.

Esta entrevista naci√≥ como parte de un reportaje ‚Äďdonde dialogaron realizadores y directivos‚Äď sobre el trabajo de la Oficina de Ayuda a la Producci√≥n y del Fondo de Fomento. Ante una fecha de entrega, las respuestas de Manuel¬†no pudieron ser incorporadas al texto, pero sus opiniones y su experiencia con el trabajo del FFCC, sus expectativas como joven realizador, la importancia del mismo para el cine cubano y el proceso creativo de El peso de la quietud, resultan interesantes para compartirlas con los lectores del Portal del Arte Joven¬†Cubano.

Cortesía del entrevistado

 

¬ŅC√≥mo crees ha influido tu formaci√≥n como artista pl√°stico en la creaci√≥n audiovisual?

Cuando me gradu√© ten√≠a dieciocho a√Īos y mis aspiraciones se resum√≠an en entrar al ISA. En el 2012 me mud√© para la casa de mi padre en La Habana y enseguida comenc√© a cursar un taller de foto still¬†que se imparti√≥ en el ICAIC; fue de esta manera que vi en la fotograf√≠a una herramienta para contar una historia. Con anterioridad, en mi formaci√≥n pl√°stica solo hab√≠a empleado la fotograf√≠a para documentar los procesos creativos (una instalaci√≥n, un performance o un videoarte). En aquel entonces no ten√≠a en cuenta los recursos expresivos que se pod√≠an aprovechar, solo cuanto tuve ese acercamiento fue que descubr√≠ este universo.

De este taller surgi√≥ la idea de una serie fotogr√°fica titulada ‚ÄúSumergidos en la Orilla‚ÄĚ. Las piezas que la compon√≠an eran un fotograma en s√≠ y cada una de ellas contaba su propia historia. Luego de cursar varios talleres, me fui acercando cada vez m√°s al audiovisual y al mismo tiempo comenc√© a estudiar en el ISA en la especialidad de Direcci√≥n de fotograf√≠a; desde ese momento dej√© de pintar para dedicarme completamente al estudio de este nuevo lenguaje.

Tener una formación plástica ha influido mucho en mi creación cinematográfica, me reencontré con principios que ya conocía (el comportamiento de la luz, el color, la composición, entre otro) y simplemente tuve que reinterpretar estos conceptos y explorar otros, pero el fin es el mismo: comunicar, ya sea una idea, un sentimiento o transmitir una emoción.

Creo que todav√≠a me falta mucho por aprender, pues va a ser complicado desprenderme por completo de la fotograf√≠a, no creo que eso suceda. Pero con cada obra descubrimos algo, y precisamente con ‚ÄúEl peso de la quietud‚ÄĚ he tenido la posibilidad de reencontrarme con procesos creativos similares a los que sent√≠a cuando pensaba o realizaba una obra pl√°stica.

Hablemos del El peso de la quietud y de la necesidad de atrapar las historias de las cosas…

El peso de la quietud¬†es un documental sobre la persistencia de la memoria, la eterna espera en un desvelo y el silencio del olvido. Es una historia que se cuenta a trav√©s de un objeto (la silla), un fen√≥meno que se hace com√ļn e invisible ante la rutina de una ciudad que aparenta estar detenida en el tiempo. Sus t√≠midos rostros se ocultan entre el agitado paisaje habanero. Abandonadas a su suerte, a la intemperie de una de las esquinas de cualquier basurero, a la orilla del muro del Cementerio Col√≥n o simplemente bajo la sombra de un √°rbol en las afueras del Teatro Nacional descansan algunas de estas sillas, fr√°giles e inservibles.

Es por ello que surge la necesidad de encontrar en la memoria de estos objetos los testimonios que atesoran. Sus historias pueden ser simples o poco atractivas, pero el fenómeno surge cuando se establece un diálogo entre la silla y su nuevo contexto, cuando se transforma su apariencia formal por la sustitución y el reciclaje de un material por otro, o con la relación que existió con su antiguo protector y ahora con su nuevo custodio. Claro está, se adquiere un nuevo significado, pero en la mayoría de los casos no se modifica su función objetual.

Cortesía del entrevistado

 

¬ŅC√≥mo llegas al Fondo de Fomento? ¬ŅY c√≥mo, luego de ser seleccionado, ha sido tu experiencia?

La convocatoria del Fondo fue un impulso para terminar el proceso de desarrollo e investigación de mi proyecto. Supe de esto, ya que en su primera convocatoria se presentó en la modalidad de Post producción el largometraje documental Hacia la luz de Aracelys Avilés, que fue beneficiado con el cien por ciento del presupuesto solicitado. En este proyecto tuve la suerte de ser parte del equipo creativo y de filmación, donde asumí la responsabilidad desde la fotografía. Cuando se lanzó la segunda convocatoria para el Desarrollo de cortometrajes de ficción y documental, me presenté con la carpeta de producción del proyecto. Meses después tuve la grata notica, por partida doble: mi proyecto El peso de la quietud y El patio, de Josué García Gómez, en el cual soy el fotógrafo, fueron seleccionados y apoyados con el ciento por ciento del financiamiento para su producción.

En lo personal esta oportunidad signific√≥ un gran compromiso, sobre todo porque tuve que asumir la responsabilidad de producir y dirigir el documental. Esto marc√≥ una experiencia completamente diferente ante todo lo que hab√≠a hecho desde mi perfil como fot√≥grafo. Producir ha sido todo un reto para m√≠, pero ante la situaci√≥n actual que atraviesa el pa√≠s debido a la Covid-19 y al reordenamiento monetario, tuvimos que ajustarnos a un dise√Īo de producci√≥n que fuera lo m√°s pr√°ctico posible y de esta manera sacar el proyecto adelante.

Las relaciones con el Fondo siempre han sido muy favorables, desde el comienzo me recibieron con mucha amabilidad y respeto. El trabajo ha sido sobre la base de la comunicación y se mantiene de cerca un interés por el desarrollo y el estatus del proyecto; no solo se le da seguimiento a los recursos productivos y financieros, también se visibilizan los proyectos en forma de promociones por diversos canales de comunicación. En lo particular tengo mucho que agradecer a todas las personas que trabajan allí, en especial a Helda, por su paciencia y los consejos que me ofrece cada vez que me acerco con alguna inquietud.

Cortesía del entrevistado

 

¬ŅExpectativas?

Estas se resumen a los deseos de que se mantenga esta iniciativa. El Fondo de Fomento es una plataforma necesaria para el desarrollo de nuestro cine cubano. Por muchos a√Īos se luch√≥ por algo como esto y hoy, m√°s que disfrutarlo, debemos cuidarlo para seguir avanzando.

Espero que a partir de ahora se lance su convocatoria con mayor frecuencia, y que se desarrolle seg√ļn las inquietudes del propio lenguaje. Que a su vez se visibilicen m√°s proyectos y que surjan otras plataformas similares para oxigenar nuestra cultura. Que sirva para establecer un precedente y crear una conciencia colectiva entre la industria y el cine independiente.

¬ŅCu√°nto crees que apoya el FFCC al desarrollo del cine cubano y al independiente en particular?

Para nadie es un secreto que en los √ļltimos a√Īos en nuestro pa√≠s las producciones cinematogr√°ficas han sido insuficientes. Realmente no creo que el problema radique en la falta de exponentes o en la ausencia discursiva de estos; durante muchos a√Īos la voluntad de crear ha mantenido viva una voz y muchas han sido las estrategias que han surgido para hacer cine de manera independiente.

Hasta hace muy poco tiempo existía cierto divorcio entre el cine independiente y la institución, ya sea por falta de reconocimiento, apoyo o negación, o tal vez, un poco de todo. Lo cierto es que había un desbalance; por un lado, el ICAIC realizaba muy pocas producciones y prácticamente eran los mismos directores; mientras que a los más jóvenes les costaba mucho trabajo poder completar todo el ciclo, para esto tenían que acudir a otros fondos, que por suerte existían pero que, a su vez, no cubrían la mayor parte de la producción.

Pienso que el FFCC llegó como una respuesta que era necesaria para rescatar el cine nacional; por suerte para todos, hoy es un hecho. Es la posibilidad de poder contar con recursos para materializar los proyectos, también se ofrece como un puente entre las producciones independientes y las instituciones; para que los cineastas jóvenes realicen sus proyectos y de esta manera afirmar que se amplían las opciones de hacer cine desde cualquier parte de Cuba y del mundo, visibilizando y sumando todas las voces en un mismo lenguaje (nuestro cine cubano).

Cortesía del entrevistado

¬ŅEn qu√© crees que puede mejorar el trabajo del Fondo y su relaci√≥n con los cineastas cubanos?

En estos momentos creo que hay que esperar un poco para ver c√≥mo se comportan los primeros resultados; todo esto es muy reciente, pero hay que seguir con el impulso y llevarlo a√ļn m√°s lejos. Siempre hay cosas que modificar, es parte del desarrollo y no podemos negarnos a eso. Ahora tenemos el Registro del Creador Audiovisual y Cinematogr√°fico, es algo que nos respalda, sobre todo a los independientes, pero todav√≠a falta mucho por hacer. Pienso que podemos avanzar m√°s en t√©rminos de informaci√≥n y educaci√≥n sobre los procesos de la ONAT, el banco y todos los tr√°mites legales que conllevan esta nueva etapa. Tambi√©n creo que, en un futuro no muy lejano, el Fondo deber√≠a proponerse cubrir los otros procesos de la producci√≥n cinematogr√°fica, que tambi√©n son importantes para completar el ciclo, hablo de la distribuci√≥n y la exhibici√≥n. Muchas veces no tenemos en cuenta estas etapas y resulta que es algo que debemos considerar desde el principio. El Fondo deber√≠a crear su propia plataforma y de esta manera las pel√≠culas desarrolladas con su apoyo tendr√≠an un recorrido mucho m√°s largo y garantizado.

Creo que es necesario destinar recursos a la restauraci√≥n patrimonial, es responsabilidad nuestra preservar nuestra memoria cultural. Si hoy no tenemos en cuenta esto, es muy probable que ma√Īana las mismas pel√≠culas que son apoyadas por el Fondo padezcan este mal.