«Hasta en lo m√°s cotidiano y com√ļn hay algo que contar»

Entre las chimeneas humeantes y los camiones Volvo ciclópeos cargados de mineral, más allá de la tierra roja impregnándolo todo y los paisajes lunares. Por encima de los monótonos edificios y el marchar cotidiano de los otros hacia la industria, anda él.

Una vez fue el testigo privilegiado de las noticias y las multiplicó para la teleaudiencia, con destreza y pasión. Pero la vida estaba reservándole otros rumbos. Todavía intenta averiguar cuáles, en tanto, sigue entregando belleza a quien esté dispuesto a mirar, con el corazón.

Alexudis Leyet, desde Moa, cuenta cómo los detalles inadvertidos por otros captan su atención y son congelados por su lente.

fotos cortesía del entrevistado

¬ŅC√≥mo llegaste hasta la fotograf√≠a?

Hace m√°s de cuatro a√Īos me fui del telecentro Moa TV. Anduve alg√ļn tiempo haciendo cualquier trabajo para mantener a mi familia. La pas√© mal en verdad. Estaba decepcionado, pero la idea y la esperanza de estar relacionado con lo que me gusta hacer, la fotograf√≠a, siempre estuvo ah√≠.

Entonces me regalaron una cámara Nikon D3400 y aunque muchos dicen que es una cámara de iniciación, eso ni me preocupa. Hay quienes tienen tecnología de punta y no la saben usar. No obstante, creo que en este mundo todavía me falta bastante, tengo que aprender más.

Generalmente todos miramos, pero pocos vemos y los fot√≥grafos debemos ver y graficar eso que otros no logran. Hasta en lo m√°s cotidiano y com√ļn hay algo que contar.

fotos cortesía del entrevistado

Sin embargo, tu experiencia profesional era como camar√≥grafo de televisi√≥n. ¬ŅPor qu√© no seguir haciendo audiovisuales?

Siempre me gustó la foto fija. Siempre. Me impresionaba cuando estaba en coberturas de prensa y veía a fotorreporteros que parecían francotiradores, esperando el momento para disparar… Es muy fácil transmitir un mensaje a través de un video, no así con la foto fija. Es un reto resumir todo en una captura.

fotos cortesía del entrevistado

¬ŅPor qu√© escoges la naturaleza como tu principal modelo?

Soy de El Cedrito, de Sagua de Tánamo, en el campo. Siempre me gustó la naturaleza y ahora que tengo mi cámara puedo estar más cerca con mi lente 70/300 milímetros.

Me gustan los primeros planos que, en mi opini√≥n, son muy reveladores. Y a√ļn quisiera adentrarme m√°s en este mundo maravilloso, en este modo expresivo.

Facebook se ha convertido en el principal medio para dar a conocer tu obra, ¬Ņen qu√© otros espacios la has socializado?

En la Casa de la Cultura de Moa participé en la exposición Cubanías, con algunas de mis piezas, gracias a un artista plástico que trabaja allí, Fidel Silvente.

fotos cortesía del entrevistado

Hoy en d√≠a la fotograf√≠a para ti es un hobby, pero ¬Ņa qu√© te dedicas profesionalmente?

Hago fotos de quincea√Īeras, etc√©tera, pero comenc√© casi al mismo tiempo que el coronavirus y no he tenido mucha suerte.

¬ŅCon qu√© sue√Īas?

Sue√Īo abrirme paso en este mundo y sus tendencias, participar en exposiciones y eventos y estar en lugares donde salir a tomar fotos no asuste a la gente.

Mientras tanto reflejas tu ciudad y sus peculiaridades m√°s all√° de los esquemas mentales. ¬ŅQu√© tratas de mostrar?

Cuando he hecho fotos donde se ve el mar de Moa, que sabes que no es azul, sino un poco como tierra roja revuelta, la gente me dice, ‚Äúoye, pero pusiste el mar azul‚ÄĚ. Y es que yo espero ver el mar de Moa bien azul y limpio un d√≠a. Me interesa fotografiar cosas buenas del municipio que est√°n ah√≠ y las personas ni las ven.

Hoy todo es tan convulso que ya las personas no se fijan en un p√°jaro o una mariposa y mucho menos en cosas que suceden en fracciones de segundos que, al detenerlas en una foto, se convierten en arte.


La travesía plástica de Fidel Silvente (+Obras)

En Moa y desde hace 16 a√Īos, un joven artista defiende su fe en la creaci√≥n para trascender, de la ense√Īanza de la pl√°stica para cambiar las vidas de sus alumnos, del trabajo continuo para triunfar: Fidel Silvente Palacios, autor de iniciativas socioculturales, instructor de artes pl√°sticas, miembro del grupo nacional de miniaturistas de Cuba; fundador del proyecto de arte contempor√°neo Ultreia y ganador del Premio ‚ÄúRosa Elena Sime√≥n‚ÄĚ, que se otorga anualmente por investigaciones relativas a la flora y la fauna. As√≠ de diversos son sus intereses y su creaci√≥n, sobre los cuales dialoga con esta reportera.

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

 

¬ŅCu√°ntos a√Īos llevas de graduado como Instructor de Arte?

Soy egresado de la primera graduaci√≥n de la Escuela de Instructores de Artes (EIA), en Holgu√≠n, en el a√Īo 2004. Inici√© mi vida laboral en la escuela Secundaria Interna ESBEC ‚ÄúPunta Gorda‚ÄĚ. Luego trabaj√© en la escuela primaria ‚ÄúDominador Fuentes Correa‚ÄĚ. Y ya en 2009 comenc√© a laborar como Especialista de Artes Visuales en la Casa de Cultura ‚ÄúJose√≠to Fern√°ndez‚ÄĚ, de Moa.

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

¬ŅEn tu caso la docencia limita la creaci√≥n art√≠stica?

La docencia, más allá de interferir en mi vida artística, ha sustanciado mi obra. Muchas veces cuestioné mi travesía hacia el camino del quehacer profesional, pero más tarde descubrí que cada paso nos dirige a mejorar, a perfeccionar nuestro trabajo.

No es un t√≠tulo quien define nuestra obra, son las creaciones y el p√ļblico quienes definen y permiten esa tan ansiada conversaci√≥n visual entre emisor y perceptor, donde la √ļnica protagonista es la creaci√≥n pl√°stica.

Fotos cortesía del entrevistado

De ahí que asuma que desde el momento que puse mis obras en galerías, en paredes de casas y que logré comercializarla, eso me convierte en profesional.

Por su parte, la docencia me ha ense√Īado que el arte es diverso, que hay colores propios en cada persona, que cada obra tiene vida y que ense√Īar nuestros conocimientos nos procura un lugar en el coraz√≥n de nuestros pupilos.

Callar el saber para uno mismo nos hace ego√≠stas. Exponer los saberes nos permite ense√Īar, aprender, ser mejores personas.

Fotos cortesía del entrevistado

Fidel Silvente en apertura de evento Cartacuba/ Fotos cortesía del entrevistado

¬ŅCu√°les han sido los momentos m√°s gratos en tu experiencia como Instructor de Arte?

Guardo como momentos gratos esos espacios que comparto con los instructores en talleres de experiencias, en actividades culturales, en el hecho de pertenecer a un grupo en que tenemos cosas en com√ļn, cuando participamos en el evento Escaramujo, cuando convergemos en exposiciones.

Los momentos inc√≥modos han sido los breves en que he sido etiquetado de ¬īprofesorcito¬ī, el no poder optar por un registro de creador que avale mi preparaci√≥n profesional. No obstante, me siento realizado porque he ganado la admiraci√≥n de mis compa√Īeros y la gratitud del p√ļblico que ha acudido a alguna muestra expositiva.

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Seg√ļn declaras en tu perfil de Facebook, eres miembro del grupo nacional de miniaturistas, ¬Ņpor qu√© escoges esta forma de expresi√≥n?

En el a√Īo 2017, durante el evento ESPINCE que se realiza cada a√Īo en Moa, recibimos la visita de Jos√© √Āngel Naranjo, experimentado artista tunero, y √©l me introdujo en el movimiento de artistas miniaturistas.

En toda Cuba existen grupos de creadores que practican esta actividad. He participado en exposiciones en Sancti Sp√≠ritus, Camag√ľey, con el proyecto EJO, en Gu√°imaro y en La Habana.

En Moa dise√Ī√© y desarroll√© un evento con car√°cter bienal llamado Cartacuba, donde las artes pl√°sticas desde las miniaturas tocan temas ambientalistas y nos reunimos artistas de distintas ciudades. Es interesante crear grandes obras desde lo peque√Īo.

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

¬ŅC√≥mo consideras que se encuentran las artes pl√°sticas en Moa?

Las artes plásticas en Moa siempre fueron trabajadas con una óptica naif. La mayoría de los artistas naturales son autodidactas y practican el paisajismo.

Desde la creación de las EIA y la incorporación de instructores a las filas de creadores, hemos aportado aire fresco y contemporáneo al accionar plástico.

Fotos cortesía del entrevistado

Fidel Silvente contin√ļa laborando, aunando voluntades creadoras, organizando exposiciones, ense√Īando, gestionando sus propias piezas para su visibilizaci√≥n en distintos contextos y poniendo al panorama art√≠stico de su municipio otros colores.

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado

Fotos cortesía del entrevistado


Flashazos al corazón

Frank Lahera O¬īCallaghan es uno de los j√≥venes artistas cubanos que ha despuntado por su multifac√©tica labor creativa y por la calidad, tanto conceptual como est√©tica, de sus propuestas. Su inter√©s por recrear las esencias lo ha llevado a incursionar en un sinn√ļmero de t√≥picos, permeados de un perfil antropol√≥gico. Se apropia de las posibilidades expresivas de la fotograf√≠a, el video arte o el performance, aunque tambi√©n maneja con mucho soltura los c√≥digos del dise√Īo gr√°fico y la publicidad.

[+]


Rostros como puertas en la obra de Aníbal De la Torre

Aníbal De la Torre posee una poética reconocible a vuelo de águila en el panorama visual holguinero y de por sí, cubano. Basta con detenerse frente a una de sus piezas para darnos cuenta que si bien cada una es diferente, estos rostros que ha captado exploran idénticos temas y al mismo tiempo dan cuerpo a una singular cosmovisión: el individuo (el creador) que asume la fe en la religión yoruba y que la expresa mediante el arte.

La Espera РAníbal De la Torre

Palpamos ‚Äďcomo si estuvi√©ramos escudri√Īando, buscando algo m√°s all√°‚Äď esta simbiosis (fe/arte) en la muestra Rostros, expuesta en la galer√≠a Fausto Cristo de la sede provincial de la Uneac en Holgu√≠n, donde An√≠bal re√ļne 13 piezas en gran y mediano formato que nos reafirman, en primer lugar, su capacidad como dibujante y retratista, a partir de un trazo conciso, una l√≠nea depurada e impresionista, y adem√°s la intenci√≥n de capturar ese ‚Äúalgo m√°s‚ÄĚ que buscamos y encontramos en la fuerza del rostro.

Sus rostros (literalmente las deidades yorubas, los Orishas, se llaman ‚Äúdue√Īos de la cabeza‚ÄĚ) no son meros retratos. Los rostros de An√≠bal son reflejos del alma; digamos m√°s bien que una especie de puente entre quien nos observa desde el lienzo y quienes, desde este lado del umbral, intentamos comprendernos a nosotros mismos. An√≠bal ha ido consolidando su mirada ‚Äďfragu√°ndola, mir√°ndose a s√≠ y claro, encontr√°ndose en las posibilidades de esta mixtura‚Äď luego de las b√ļsquedas a las que se somete todo artista, y del crecimiento que han resultado sus muestras anteriores (unas quince personales y adem√°s un promedio de 80 colectivas, nacionales y for√°neas).

Las obras de An√≠bal, los rostros que nos observan, reflejan sus estados de √°nimo, atrapan ‚Äďcuesti√≥n dif√≠cil, sin dudas‚Äď la espiritualidad que los asecha: los miedos, alegr√≠as, esperanzas‚Ķ que perviven en cada cual y que dan cuerpo a la cosmovisi√≥n del artista. Para esto An√≠bal De la Torre conjuga elementos propios de la religi√≥n yoruba, como clavos de l√≠nea, garabatos, herraduras, caracoles y girasoles, que se ‚Äúestampan en el fondo plano de colores pastel, y que a la vez contrastan con el cintur√≥n escapular, contenidos en un peque√Īo espacio abstracto con tonos sienas, sepia, negro y blanco, colores que he venido sistematizando en las muestras anteriores‚ÄĚ, comenta el artista, graduado en la Escuela de Instructores de Arte (2004) y en Estudios Socioculturales en 2013.

Trance 2 РAníbal De la Torre

Otra cuesti√≥n evidente en su obra ‚Äďadem√°s de que su peque√Īa hija y su esposa, la tambi√©n creadora visual Annia Leyva Ram√≠rez, curadora de esta muestra, sean modelos en algunas de las piezas, como ‚ÄúMadona con Ir√©‚ÄĚ y ‚ÄúMusa de luz‚ÄĚ‚Äď es la frecuente autorepresentaci√≥n del propio artista, la mirada hacia el propio yo y sus interrogaciones: ‚ÄúCasi siempre estoy as√≠, de manera evidente, como reflejo del individuo que asume la fe en la religi√≥n yoruba‚ÄĚ, asegura quien nos mira desde la portada del cat√°logo (‚ÄúAutorretrato‚ÄĚ) o desde el cartel de la exposici√≥n (‚ÄúRoseado de fe‚ÄĚ).

El culto sincr√©tico no es excusa en estas piezas, es asunci√≥n de fe, marca de po√©tica, simbiosis de rostros/fragmentos de alma con elementos de la cultura yoruba, que An√≠bal dibuja o inserta como complementos (caracoles, fragmentos de yute) en las obras, y que, desde √Āfrica lleg√≥ a Am√©rica en los barcos cargados de esclavos que trajeron una cultura que, en el transcurso del tiempo, se sincretiz√≥ con religiones preexistentes de base africana, con el cristianismo, con la mitolog√≠a amerindia, entre otros.

‚ÄúLos rostros desde el lienzo invocan a penetrar en el misterio m√°s insondable‚ÄĚ, escribi√≥ en las palabras del cat√°logo el escritor Jos√© Conrado Poveda, y a este misterio nos convida An√≠bal con la seguridad de que un rostro no es una ventana, es una puerta abierta, y con el riesgo de que frente a una de estas piezas, nos encontremos nosotros mismos.

 

 


‚ÄúCaja de Luz‚ÄĚ para talentosos j√≥venes camag√ľeyanos

Caja de Luz es el nombre de un nuevo proyecto que auspicia la filial camag√ľeyana de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z; y que se prev√© tenga su primera edici√≥n en el pr√≥ximo mes de julio.

La iniciativa re√ļne a j√≥venes menores de 35 a√Īos, profesionales o aficionados a la fotograf√≠a, como es el caso de Alejo Rodr√≠guez, Ihordan Torres, Norlys Guerrero, Alejandro Hern√°ndez y Argel Ernesto Gonz√°lez.

Son ellos quienes formar√°n parte de la primera Caja de Luz, que incluir√°, seg√ļn la p√°gina en Facebook de la joven vanguardia art√≠stica e intelectual, un programa con conferencias, paneles, conversatorios con reconocidos creadores de la provincia, y de manera especial, exposiciones fotogr√°ficas.

Caja de Luz pretende crear un dossier a los artistas y fot√≥grafos que est√°n vinculados a la secci√≥n de Artes Visuales de la Asociaci√≥n Hermanos Sa√≠z, filial Camag√ľey.

De igual manera refiere AHS Camag√ľey que en una primera idea, la propuesta formar√≠a parte del Sal√≥n de Artes Visuales para J√≥venes Creadores Gesto, pero se decidi√≥ crear un proyecto independiente con fotograf√≠as en vivo, que hasta hoy no existe en la demarcaci√≥n, m√°s all√° de ser una subsede del evento Noviembre Fotogr√°fico, con sede principal en La Habana.

«Este es un evento que so√Īamos hace mucho tiempo. Es la primera vez que contamos con un espacio propio creado desde la AHS para los amantes de la fotograf√≠a y es algo que se agradece much√≠simo», expres√≥ el joven Alejandro Hern√°ndez.


La sencillez impresionante del azul y el gris

Con Azul y Gris, expuesta en la galer√≠a El Zagu√°n, del Fondo Cubano de Bienes Culturales (FCBC) en Holgu√≠n, el joven artista holguinero Ram√≥n de Jes√ļs P√©rez de la Pe√Īa realiz√≥, luego de aparecer en varias muestras colectivas, su primera exposici√≥n personal.

Toda primera muestra personal marca un antes y un despu√©s: es una especie de parteaguas que pone una obra que hasta ese momento ha formado parte de la curadur√≠a de un proyecto colectivo, a ocupar un sitio privilegiado, mostrar un corpus propio. Y toda primera muestra es, por dem√°s, una osad√≠a, una interrogante, una b√ļsqueda, en la que el artista se ‚Äúofrece‚ÄĚ y se expone a la mirada acuciosa de quien mira (o m√°s aun, la mirada de quien observa y escudri√Īa en la propuesta que nos ofrece).

Ram√≥n de Jes√ļs sali√≥ airoso en este primer juego (apuesta) de colores y texturas, ese espacio de confluencias de rostros y formas expresivas que es su primera exposici√≥n. En Azul y Gris (colores psicol√≥gicamente fr√≠os y en el caso del azul, primario) predominan dos l√≠neas, que al mismo tiempo se complementan en una sola po√©tica: por un lado los retratos y por otro la pujante fuerza de sus abstracciones. Sus retratos son rostros mayormente femeninos, como sacados de revistas o sesiones de fotos, como modelos que posan desprejuiciadas frente a √©l, sabiendo que ‚Äúatrapar√°‚ÄĚ la sensualidad de la mirada, el labio insinuante y procaz, la levedad del momento, la fragilidad del cuerpo, la osad√≠a‚Ķ Pero al mismo tiempo, estos rostros femeninos evaden el kitsch de la primera mirada, para cargarse de complementos, de manchas de color, de relieves y mixturas‚Ķ No son rostros abstractos, pero en la figuraci√≥n ‚Äďen esas miradas femeninas como las de Frida Kahlo y Marilyn Monroe, que es excepci√≥n en el rostro del Lennon de ‚ÄúImagine‚ÄĚ‚Äď encontramos la base de la propia abstracci√≥n con que va poblando su pintura; donde, adem√°s de las cualidades f√≠sicas que captura, la expresi√≥n cobra fuerza (es como si la luz del tr√≥pico, siempre subversiva, lo inundara todo).

Por otra parte, lo que m√°s me llama la atenci√≥n de la obra de Ram√≥n de Jes√ļs P√©rez de la Pe√Īa son sus abstracciones cargadas de fuerza y lirismo, influenciadas principalmente por el action painting y el color field painting; im√°genes que desde la no figuraci√≥n que s√≠ encontramos en sus otras piezas, intentan expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones como el movimiento, la velocidad y la energ√≠a (el ‚Äúautomatismo‚ÄĚ de Jackson Pollock, que redujo su gama crom√°tica pr√°cticamente al negro, el blanco y el gris azulado, y los brochazos irreverentes de Franz Kline, por ejemplo, son palpables en piezas como ‚ÄúCronos‚ÄĚ, ‚ÄúEncuentro I y II‚ÄĚ y ‚ÄúSemana‚ÄĚ). Incuso, donde m√°s autonom√≠a alcanza precisamente Ram√≥n de Jes√ļs es en esos ‚Äúpaisajes‚ÄĚ abstractos que pueblan su mirada, como vemos en piezas como ‚ÄúMi primavera‚ÄĚ (mi obra preferida de la muestra), ‚ÄúEl cuarto de Tula‚ÄĚ, ‚ÄúCromos‚ÄĚ y ‚ÄúTu piel‚ÄĚ.

Ram√≥n de Jes√ļs P√©rez de la Pe√Īa, graduado de la Academia Profesional de Artes Pl√°sticas El Alba y con formaci√≥n en los estudios de animaci√≥n Anima de Holgu√≠n, no plasma im√°genes o retratos femeninos en √≥leo sobre lienzo al azar: en sus obras vemos momentos, emociones, acciones, pensamientos, inquietudes, que captura, a veces con la rapidez del trazo o la acci√≥n inmediata, con las influencias de los maestros de la abstracci√≥n, pero sin depender, en su esencia, de ellos. Los colores, que conoce y explota, la esp√°tula, el brochazo, la l√≠nea segura en el dibujo, las gotas y trazos que pueblan la orograf√≠a de su arte, son acaso excusas para mostrarnos las formas que no vemos siempre, pero que rigen nuestros d√≠as con la sencillez impresionante del azul y el gris.


La enfermedad sobre la enfermedad: el testimonio fotográfico de una realidad (+Galería)

El distanciamiento social al que forzó la COVID-19 a nivel mundial resultó ser una de las medidas más importantes para hacer frente y prevenir el contagio de una enfermedad que puso en jaque al mundo y en tela de juicio nuestra propia condición existencial. Esta situación afectó en todos los niveles la dinámica social y personal de la Humanidad. Desde lo individual, lo colectivo, lo social, lo económico, lo cultural, los artistas del mundo tuvieron que reconducir su quehacer en función de estimular la creatividad, la generación de nuevos proyectos y reformular visualidades diversas para nada alejadas de la realidad propia, interpretada y construida de acuerdo a los horizontes de cada uno.

Desde los predios de la fotografía, creo que no ha quedado un artista del lente que, de un modo u otro, no haya registrado la crisis que trajo consigo esta enfermedad. Para algunos, los balcones y las ventanas se convirtieron en los espacios de trabajo más demandados. Para otros, fueron directamente los hospitales o centros sanitarios los espacios desde donde documentar esta situación. Y para muchos otros la motivación ha partido desde el espacio privado, desde el ambiente social de la vecindad. Incluso, la motivación en ellos ha transcendido los límites de lo personal y hasta de lo geográfico, y artistas de diversas partes del mundo se han congregado en diferentes proyectos artísticos colectivos.

Aun en medio de un ciclo obligatorio de distanciamiento social, la narrativa visual de la fotograf√≠a y las potencialidades y alcance de las tecnolog√≠as, han permitido que los fot√≥grafos narren, desde sus experiencias, las circunstancias que la COVID-19 ha generado, as√≠ como el impasse que domina hoy la realidad de la Humanidad. Desde el momento mismo en que esta pandemia forz√≥ a un cambio radical en la vida de todos, innumerables im√°genes han circulado por la plataforma virtual, en tanto espacio de socializaci√≥n por excelencia ante tal realidad, como muestra de los comportamientos, de la situaci√≥n de cada regi√≥n y de estados de √°nimo que fluct√ļan entre lo esperanzador y lo fat√≠dico: historias que comportan una carga visual y discursiva en las que se conjugan lo social y lo humanitario.

En tanto manifestación que se vale de la instantaneidad de su ejercicio, de la veracidad de su registro y de la facilidad para su circulación, la fotografía ha estado ahí, en la línea de fuego, reflejando a través de las diversas miradas de sus creadores no solo lo que sucede al interior del confinamiento, en la intimidad familiar, en ese complejo ambiente de convivencia al que todos hemos tenido que recurrir sin siquiera tener más opción. También, la fotografía ha registrado lo que sucede al exterior del confinamiento, evidenciando las huellas de un enemigo invisible que se mueve a la velocidad de la luz, y que deja a su paso una catástrofe mundial.

De diversas maneras posibles, los fotógrafos cubanos se han sensibilizado y comprometido con la situación sanitaria que desde un principio provocó esta enfermedad. Y es que, cuando se genera una suerte de ansiedad en el interior del artista es el momento en que surge la fiebre de la creatividad, esa necesidad de decir a través de imágenes lo que siente. Respetando las singularidades de cada creador, es la condición humana, su drama actual, la inseguridad y la voluntad de sobrevivencia los temas que unifican, curatorialmente si se quiere, todo ese enjambre de fotografías que circulan hoy sobre nuestra realidad.

El joven fotógrafo cubano Manuel Almenares (La Habana, 1992) ha venido desarrollando, desde el momento justo en que la COVID-19 impusiera un nuevo ritmo de vida y angustias en nuestro país, el ensayo fotográfico La enfermedad sobre la enfermedad, donde resume en blanco y negro, no por gratuidad sino por el matiz dramático y refinado que le ofrece a la imagen, escenarios reveladores del impacto de la enfermedad en su ciudad natal. La fuerza potente que encierra este ensayo le permitió a su creador ser galardonado con el Gran Premio de la Fototeca de Cuba y la Beca de Creación Alfredo Sarabia in Memoriam, en su edición de 2020.

Las imágenes que conforman este ensayo resultan una minuciosa crónica social y visual sobre el paso, evolución e impacto del coronavirus en los barrios de Centro Habana y Habana Vieja, así como sobre las consecuencias que facturó para el decursar cotidiano de su gente. Y me refiero a una crónica social no con el interés de anclar su discurso en el compromiso abnegado de un artista para con el momento que vive, sino desde la mirada de un joven fotógrafo que se debate a través de imágenes urbanas los modos de representación de la ciudad que habita. Son sus obras testimonios de una realidad que lejos de olvidarse, quedará perpetua en la memoria y en el pensamiento de todos aquellos que nos ha tocado experimentarla y, con buen tino, sobrevivirla.

El acierto de Manuel Almenares con su ensayo La enfermedad sobre la enfermedad radica, en mi opinión, en cómo el creador logra transgredir los límites del registro documental hacia un ejercicio de reflexión sobre una realidad que afecta a todos. Logra así que la mirada del espectador se detenga, que indague en esos ambientes urbanos, los cuales, aun cuando parecieran ángulos harto conocidos de la ciudad, se nos presentan desde una nueva sensibilidad coyuntural. Precisamente, ese anclaje circunstancial viene denotado por la presencia constante en el ensayo de la mascarilla o nasobuco, accesorio de primera necesidad y obligación que adherimos a nuestra cotidianidad producto de la pandemia, a lo que se le suman las expresiones de incertidumbre, angustia y desolación de los individuos captados por el lente de Almenares. 

El artista ‚Äútestimonia din√°micas de convivencias vecinales, pasillos sombr√≠os y vetustos, interiores que abruman, solares que guardan todo tipo de historias, verjas que limitan el contacto mas no el saludo, exteriores de una ciudad que intenta sobreponerse a la enfermedad, zonas de fe autoconstruidas como escudo para soportar al emisario de la muerte. Es un testimonio enfocado en sujetos an√≥nimos, h√©roes de su cotidianidad, superh√©roes de sus familias, supervivientes de carne y hueso que intentan no flaquear ante lo espinoso, que encuentran una alternativa para deslizarse tangencialmente por el infortunio, para batear alegremente toda clase de bolas malas.‚ÄĚ[i]¬†

En líneas anteriores me refería al dramatismo y la elegancia que comportan las imágenes de Almenares, potenciado por el empleo del blanco y negro como recurso técnico y visual para su ensayo. Esa aclaración me permite introducir ahora un discurso más prolongado sobre la exquisitez de la técnica de este joven fotógrafo. Se advierte aquí una cuidadosa elaboración de la imagen, no en el sentido de una posproducción digital o en la preparación de una escenografía determinada. Ninguna de ellas tiene cabida en la praxis que revela este ensayo. Manuel Almenares traduce en arte fotográfico lo que se le presenta en la realidad inmediata; escoge meticulosamente las escenas, cuyo resultado visual pareciera como si estas estuvieran ahí, esperando por él para ser capturadas por su lente. Además, manifiesta un gusto por el enrarecimiento del ángulo a fotografiar, por complejizar la visualidad de la escena, en consonancia con cada situación reflejada. Así, le otorga a su trabajo un halo expresionista, dramático y hermoso al unísono, que remueve algo en el interior del que se acerca a observar.

Me atrevo a afirmar que para el proyecto South Florida Latin American Photography Forum (SoFLaFoto) y su fundador, el fotógrafo cubano radicado en Estados Unidos desde 1995, William Riera, el ensayo La enfermedad sobre la enfermedad comporta un potencial loable y necesario de visualización, motivo suficiente para compartir con la comunidad artística fotográfica que promueve SoFLaFoto.

Esta es una plataforma que naci√≥ a ra√≠z del confinamiento que trajo consigo la pandemia, cuyo esbozo del proyecto fue desengavetado por su creador con la pretensi√≥n de crear un espacio que potenciara ‚Äúla visualizaci√≥n y promoci√≥n de la fotograf√≠a latinoamericana y de aquellos trabajos de artes visuales basados en la fotograf√≠a que reflejan la vida de la comunidad latina (‚Ķ) teniendo en cuenta la ausencia de espacios aglutinadores y de promoci√≥n e investigaci√≥n del arte fotogr√°fico en un √°rea tan cambiante como el sur de la Florida. De esta forma, el proyecto SoFLaFoto surge como una plataforma que asume el desaf√≠o de localizar, recopilar, organizar y compartir la informaci√≥n relacionada con las obras de los fot√≥grafos que han documentado la vida de la comunidad latina, el decursar de la regi√≥n latinoamericana (Hispanoam√©rica, Brasil y Hait√≠), adem√°s de la variedad de temas que son relevantes para la sociedad como la memoria, la historia, la di√°spora, la inmigraci√≥n, la identidad, la familia, la religi√≥n, las cuestiones de g√©nero, el racismo, la adicci√≥n, la desigualdad, los derechos LGBTQ: todo esto dentro del √°mbito de la fotograf√≠a latinoamericana, documental y callejera.‚ÄĚ[ii] ¬†

SoFLaFoto, como proyecto de promoción y visualización de la fotografía contemporánea, acertó en auspiciar el ensayo fotográfico La enfermedad sobre la enfermedad como ejercicio expositivo disponible en la plataforma virtual The Exhibit. De esta manera, se traduce del lenguaje ensayístico que ofrece Manuel Almenares con su trabajo al lenguaje de la curaduría digital, herramienta actual en vigor en tanto dinámica de circulación y movilización de las prácticas artísticas contemporáneas en tiempos de pandemia.

Véase en este ensayo el nervio social de una ciudad que atraviesa la enfermedad sobre la enfermedad: una, de índole social, de una cotidianidad tensa que intenta sobrevivir ante los obstáculos que sobrevienen; otra, de matiz sanitario, que sobrepasa toda voluntad humana y se impone con voz cantante en el decursar del planeta. 

Biografía del artista:

Manuel Almenares Estrada (22 de enero de 1992. La Habana. Cuba)

Email: almenaresmanuel@gmail.com

IG: @manuelalmenares_visual

FB: manuel.almenaresestrada

Teléf.: (+53) 58417385

Fotoperiodista de la Revista Opus Habana, de la Oficina del Historiador de la ciudad de La Habana (OHC) (2017-2019) y fotorreportero de Carnival Corporation, Fathom (l√≠nea de cruceros) (2016). Ha expuesto sus obras tanto en muestras personales como colectivas en pa√≠ses como Espa√Īa, Ucrania, M√©xico, Estados Unidos y Cuba. Ha participado en diversos eventos de arte, entre ellos la Bienal de La Habana, la Muestra Joven del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematogr√°ficos), la Bienal de Fotograf√≠a Alfredo Sarabia in Memoriam, Fotofest International & Foundation for Culture and Society y PhotoESPA√ĎA 2019. Entre los reconocimientos obtenidos se encuentran el Gran Premio de la Fototeca de Cuba y la Beca de Creaci√≥n Alfredo Sarabia al ensayo La enfermedad sobre la enfermedad; el Premio J√≥venes en el Lente (4ta edici√≥n); el Premio del Centro Provincial de Artes Pl√°sticas y Dise√Īo de La Habana 2016; y la Menci√≥n de la Fototeca de Cuba en la Beca de Creaci√≥n Ra√ļl Corrales al proyecto Vida interior. Es adem√°s miembro del colectivo internacional de fot√≥grafos Jibaro Photos.

Notas:

[i]Fragmento del texto curatorial de la exposici√≥n virtual La enfermedad sobre la enfermedad en La Habana, del fot√≥grafo cubano Manuel Almenares, en la plataforma online de exposiciones The Exhibit. Abierta al p√ļblico desde el 15 de enero hasta el 28 de febrero de 2021. Muestra auspiciada por el South Florida Latin American Photography Forum (SoFLaFoto). Link de la exposici√≥n: https://theexhibit.io/exhibition/hold-still-pandemic-in-havana

[ii] Fragmento del statement del proyecto SoFLaFoto, fundado en 2020. En Facebook e Instagram: @soflafoto.


Siempre me he considerado un narrador visual

El Caribe tiene de magia y de mito, tiene rostros de dioses y voces dis√≠miles, y Edison Montero (Eddaviel) ha intentado atrapar sus esencias, sus rastros. Su memoria espiritual es un mapa de referencias que despliega en sus ilustraciones, en sus c√≥mics, en sus murales, en las m√ļltiples maneras de arte que Eddaviel abarca y contempla. Desde Rep√ļblica Dominicana, Eddaviel sabe que el mundo es s√≠ntesis y sumatoria de todo lo que somos y de lo que llegaremos a ser.

Muchas veces, las memorias de nuestra infancia, de lo vivenciado en esa etapa de la existencia, acompa√Īan a nuestra creaci√≥n con el paso de los a√Īos, ¬Ņtu infancia ha servido de inÔ¨āuencia en tu trabajo?, ¬Ņcu√°les son las memorias de ese tiempo que han tenido un impacto en ti?

Claro, las memorias de mi infancia han sido parte fundamental en mi desarrollo personal y creativo. Nac√≠ rodeado de los hermosos paisajes del sur de Kiskeya y me adentr√© en sus montes, r√≠os, monta√Īas, playas y en su gente, conoc√≠ la magia de las tradiciones, los mitos, creencias, leyendas y supersticiones; mis abuelos me contaron grandes historias sobre el bosque, los Bac√°, las brujas, galipotes y otros seres que habitaban nuestra tierra; danc√© al comp√°s de los tambores en una Ô¨Āesta de palo, fui monaguillo en la iglesia cat√≥lica y descubr√≠ los misterios del Liborismo con mi padre; jugu√© al topao con mis amigos y mont√© bicicleta por todos los rincones de mi pueblo natal; navegu√© en las aguas de la literatura con las aventuras de Julio Verne, fui El Principito y me perd√≠ en la Nada de La Historia Interminable, calqu√© dibujos de Drag√≥n Ball y Caballeros del Zodiaco, aprend√≠ a contar historias con el Cuentacuentos e imagin√© el futuro con Back to the Future. Recordar mi infancia es conectar con esas emociones y ver en mi obra la inÔ¨āuencia de todos esos maravillosos momentos.

¬ŅSientes que eres pionero en el trabajo y el g√©nero que has seleccionado para encaminar tu creaci√≥n, dentro del contexto regional y geogr√°Ô¨Āco que habitas?

Mientras m√°s me adentro en la historia de la ciencia Ô¨Ācci√≥n y la fantas√≠a en la literatura, la ilustraci√≥n y la pintura de Kiskeya, me doy cuenta de que son g√©neros muy poco explorados en nuestra regi√≥n, a pesar de que tenemos grandes creadores en la literatura especulativa como Francisco Javier Angulo Guridi, Virgilio D√≠az Grull√≥n, Virginia de Pe√Īa de Bordas (escritora de La eracra de oro, uno de mis cuentos favoritos que explora lo fant√°stico en el Indigenismo), mi contempor√°neo Odilius Vlak; y en la pintura contamos con las m√°gicas y monstruosas visiones de Vladimir Vel√°zquez, el arte de Samuel G√≥mez, Welinthon Nommo, AJ Marti y Markus Edgical Goth.

Siento que a√ļn hay muy pocos creadores y que las obras m√°s cercanas en la literatura ‚ÄĒy sobre todo en la ilustraci√≥n y la pintura‚ÄĒ se han enfocado en el costumbrismo y la religiosidad popular que en s√≠ mismo es pura fantas√≠a, pero muy pocos han creado un mundo m√°gico o de ciencia Ô¨Ācci√≥n a partir de nuestra realidad m√°gica-caribe√Īa. Ese es el espacio en donde siento que mi obra se va abriendo un camino con elementos como una intervenci√≥n extraterrestre en la creaci√≥n de la mujer en la mitolog√≠a ta√≠na, la b√ļsqueda de un mundo ancestral rob√≥tico-m√°gico caribe√Īo, la creaci√≥n de un steampunk en nuestra isla o las visiones afrofuturistas plasmadas en mi obra.

cortesía del entrevistado

¬ŅQu√© tal la salud del arte vinculado al g√©nero fant√°stico, en cualquiera de sus registros y formas, en Rep√ļblica Dominicana? ¬ŅPercibes un cambio, una evoluci√≥n, en la √ļltima d√©cada?

S√≠, estos a√Īos me han llenado de felicidad, sobre todo al poder compartir espacio creativo con mi c√≥mplice en el crimen de imaginar, el escritor Odilius Vlak, con quien desarroll√© ‚ÄúCaribe Extrem√≥Ô¨Ālo‚ÄĚ; el primer congreso de Ciencia Ficci√≥n y Fantas√≠a en la Rep√ļblica Dominicana, y adem√°s publicamos una primera antolog√≠a de ciencia ficci√≥n y fantas√≠a dominicanas titulada Futuros en el mismo trayecto del sol.

Es genial ver c√≥mo ha ido avanzando todo al leer los textos de Junot D√≠az o Peter Dom√≠nguez, ver las obras de Vladimir Vel√°zquez, Welinthon Nommo, Markus E. Goth y otras en el mundo del c√≥mic como Bac√°, de AJ Marti o Duarte como nunca antes visto, un proyecto de c√≥mic hist√≥rico-fant√°stico desarrollado por Moro Studio del que pude ser parte; pel√≠culas como ‚ÄúAzul Magia‚ÄĚ y festivales como La Fiesta del C√≥mics, SketchDom o MaCo Expo.

Al recordar todas estas acciones y creaciones siento que esta década ha estado aportando mucho a lo fantástico desde todas sus manifestaciones y espero que siga dando mucho más.

cortesía del entrevistado

¬ŅC√≥mo deÔ¨Ānir√≠as tu estilo? ¬ŅQu√© referencias acompa√Īan la visualidad de tu arte?

Es una pregunta dif√≠cil, pero si tuviera que buscar una deÔ¨Ānici√≥n para mi estilo dir√≠a ‚ÄúPopsurrealismo M√°gico-Caribe√Īo‚ÄĚ y ‚ÄúAfro futurismo Caribe√Īo‚ÄĚ, ya que ah√≠ estar√≠an abarcados todos los elementos que componen mi obra: surrealismo, realismo m√°gico, pop art, c√≥mic, ilustraci√≥n, literatura especulativa, mitolog√≠a, fantas√≠a, Afro Indigenismo cat√≥lico, esoterismo, ocultismo y religiosidad popular. Dejo ver en mi arte la exploraci√≥n sobre la realidad cultural y m√°gico-religiosa del ser afrolatino caribe√Īo, esa fusi√≥n de las expresiones africanas, ind√≠genas y europeas que conforman el Caribe: tres continentes en una sola geograf√≠a m√°gica.

cortesía del entrevistado

Como muralista, ¬Ņde qu√© manera valoras la intervenci√≥n de espacios en la ciudad?, ¬Ņsientes que la relativa fugacidad de los espacios intervenidos aportan a tu proceso creativo?

La magia del muralismo radica en lo ef√≠mero. Nos hace ver que incluso las obras de arte que pensamos eternas est√°n expuestas a la destrucci√≥n en manos del tiempo, en la creaci√≥n de armon√≠a y embellecimiento de los espacios p√ļblicos, y en el poder de comunicaci√≥n e interacci√≥n con el espacio y el p√ļblico sin necesidad de ser un lugar especializado para el arte. Para m√≠, el muralismo ha sido un medio m√°s de expresi√≥n en donde compartir mis ideas. Nunca me he considerado completamente muralista, sino m√°s bien un narrador visual que usa las paredes como el lienzo, como el papel o un medio m√°s para poder compartir mis visiones con otro p√ļblico, ese que a veces no tiene el acceso a un museo, una biblioteca, un libro u obra de arte.

A la hora de crear una pieza en las calles y seleccionar el muro se genera una interacción entre idea y espacio sin un orden objetivo. A veces busco un espacio que coincida con lo que quiero plasmar; otras veces creo una obra sugerida por el ambiente en donde estoy pintando, o simplemente adapto mis ideas al espacio encontrado o sugerido por un cliente, un proyecto, un festival.

cortesía del entrevistado

Me fascina c√≥mo haces visible en tu creaci√≥n los cuerpos y las identidades afro. Lamentablemente, en el g√©nero fant√°stico, casi siempre se sigue un patr√≥n eurocentrista y racialmente exclusivo (y excluyente). ¬ŅHasta qu√© punto sientes que esta es una de las l√≠neas de pensamiento (pol√≠tico) que acompa√Īa y gu√≠a a tu creaci√≥n?

Al Ô¨Ānal del d√≠a todo es pol√≠tico. Somos entes que vivimos en sociedad y hemos sido marcados por el espacio geogr√°Ô¨Āco que nos ha concebido. En mi caso, como caribe√Īo y amante de lo especulativo no he buscado como punto principal ser inclusivo, ni tener un pensamiento pol√≠tico enfocado en nuestra herencia afro, ind√≠gena o europea, sino m√°s bien capturar la magia que me rodea utilizando todos esos elementos que han construido mi personalidad y mundo creativo. As√≠ puedo reinterpretar con mi arte esas historias que me contaba mi abuelo, visualizar las locuras que habitan en mis sue√Īos, las voces de mis vecinos, el Bac√° que ten√≠a Deoleo, la nave espacial qu√© pas√≥ la noche anterior por el Patio de Pip√≠, los rituales que hac√≠an anta√Īo en el corral de los indios de Maguana, las almas vendidas en la frontera RD-Hait√≠, la mitolog√≠a de mi tierra, los misterios de nuestras monta√Īas, los portales y todas las curiosidades cient√≠Ô¨Ācas y espirituales que viven en m√≠. Al leer y ver c√≥mo los autores que me encantan han plasmado sus mundos en obras literarias, cinematogr√°Ô¨Ācas o pict√≥ricas, al analizar mi mundo e inÔ¨āuencias puedo ver que todas, absolutamente todas estas historias tienen rostros: rostros mulatos, negros, ind√≠genas y europeos, esos rostros que crecieron conmigo, que me han acompa√Īado toda la vida y todos los rostros que siguen apareciendo en cada paso, con cada historia.

cortesía del entrevistado

Para el artista joven, ¬Ņcu√°les son las principales din√°micas de inserci√≥n en el mercado nacional y en el internacional? ¬ŅExisten suÔ¨Ācientes oportunidades?

Siempre he sido hiperactivo y he venido creando proyectos artísticos con nada desde antes de empezar la universidad; ya en la universidad empecé a realizar los primeros festivales de cómic, exposiciones de arte estudiantiles, participé en cortometrajes y demás proyectos junto a otros amigos. Poco a poco fui creando un portafolio variado en donde plasmaba todas mis curiosidades y deseos como artista y así creé nuevas amistades. Para mí,  lo principal es tener una base o proyecto creativo que represente lo que eres y quieres para ti. A partir de eso es solo mostrarlo, compartirlo con amigos, con instituciones, festivales, concursos, centros culturales y editoriales que estén acordes a nuestras visiones y, sobre todo, visibilizarte en las redes sociales.

Las redes sociales son la mayor oportunidad que tenemos en la actualidad y mediante ellas he podido proyectar mi arte a nivel nacional e internacional. Me han dado la oportunidad de compartir mis visiones con diversas casas editoriales, centros culturales, me han permitido crear murales y otros proyectos en Argentina, Per√ļ, Estados Unidos, Hait√≠, Puerto Rico, Canad√°, Suecia, Francia y otros pa√≠ses. Instagram me permiti√≥ ser el artista visual invitado al Afropunk Paris 2015, all√≠ pude compartir espacio con grandes artistas como Lenny Kravits, Zo√© Kravits, Willow y Jaden Smith, Lianne La Havas, Leon Bridges y otros, mientras que mediante Facebook pude conectar con algunas personas para desarrollar un proyecto expositivo y crear un mural en Suecia.

Mi recomendaci√≥n principal es crear nuestra obra y empezar a compartirla en todos los medios ya mencionados, en alg√ļn momento encontraremos alguien con inter√©s en lo que estamos haciendo.

cortesía del entrevistado

¬ŅCu√°les son los desaf√≠os que se presentan en el contexto dominicano, caribe√Īo e hispanohablante a los artistas de c√≥mics e ilustradores?

¡Ups!, lo primero es que no tenemos un mercado en nuestros países. Eso nos da tres posibilidades: ser pioneros, enfocar nuestra obra a otro mercado (razón por la cual muchos creadores hispanohablantes siempre publican sus creaciones en inglés) o morir en el intento.

En 2009, junto a otros artistas, cre√© Moro Studio, una compa√Ī√≠a de c√≥mic e ilustraci√≥n con el objetivo de realizar nuestros propios c√≥mics. Durante a√Īos intentamos posicionar nuestras historietas a nivel nacional: el problema principal era que no hab√≠an muchas librer√≠as o espacios para la distribuci√≥n del material, y muy poco apoyo o incentivo institucional a proyectos literarios e historiet√≠sticos. Con los a√Īos eso ha ido cambiando un poquitito y el mayor de los aportes ha venido de mano de las publicaciones digitales y las redes sociales, que suplen el espacio de distribuci√≥n y llegan as√≠ a un mayor p√ļblico con un m√≠nimo de inversi√≥n monetaria.

cortesía del entrevistado

¬ŅQu√© estrategias de conexi√≥n, con creadores de otros pa√≠ses, fundamentalmente los caribe√Īos, piensas que podr√≠an facilitar v√≠nculos tanto espirituales como creativos?

Lo primero ser√≠a crear puentes, investigarnos m√°s, generar m√°s di√°logo, m√°s congresos y festivales sobre nuestro on√≠rico y especulativo Caribe, y convertirlo en un espacio geogr√°Ô¨Āco unido por nuestras voces creativas. Vernos, leernos, escribirnos, Ô¨Ālmarnos y dibujarnos m√°s, ya que en el Caribe no tenemos una buena conexi√≥n y generalmente no sabemos lo que se est√° creando en cada pa√≠s.

Para mí en particular es una sorpresa siempre que encuentro un nuevo proyecto de Martinica, Cuba, Puerto Rico, Haití o Guadalupe, saber cómo nuestros vecinos plasman sus visiones, esas visiones que tienen más conexiones que las existentes actualmente entre nuestros pueblos.

Formas parte del colectivo de literatura especulativa Mentes Extrem√≥Ô¨Ālas, ¬Ņqu√© aporta lo literario a la visualidad de tu quehacer?

Sin la literatura, mi obra no existiría. Siempre me he considerado un narrador visual y uso la ilustración como un medio narrativo para poder contar mis historias. Si nos trasladamos al origen del lenguaje escrito, podemos ver que los primeros textos o formas de comunicación eran una secuencia de imágenes que estaban más cerca del cómic o arte secuencial que de las letras actuales; razón por la cual me es imposible desconectar mis visiones de lo literario.

Desde ni√Īo he sido un lector fascinado por la mitolog√≠a, la fantas√≠a, el ocultismo y la ciencia Ô¨Ācci√≥n, siendo estos los puntos de inspiraci√≥n para mi creaci√≥n visual, de arte secuencial y literaria que me llevaron a crear el proyecto Mentes Extrem√≥Ô¨Ālas junto al escritor Odilius Vlak, un proyecto que busca ante todo mostrar lo especulativo creado en el Caribe desde diferentes medios narrativos.

cortesía del entrevistado

En el Caribe se fusionan tres culturas fundamentales: la africana, la europea y, en menor medida, la ta√≠na. S√© que una de tus principales b√ļsquedas es crear una fantas√≠a afrocaribe√Īa, que es tambi√©n un espacio espiritual y creativo de inclusi√≥n y de s√≠ntesis. ¬ŅSe ha conseguido ya este bell√≠simo objetivo? ¬ŅEstamos en v√≠as de llegar a √©l?

A√ļn seguimos en el camino creativo y mi obra, junto a la creaci√≥n del escritor Odilius Vlak, son un vivo ejemplo de exploraci√≥n a la amalgama caribe√Īa desde el espacio m√°gico, espiritual o metaf√≠sico a trav√©s del arte.



Un artista siempre joven

‚ÄúSi me preguntaran c√≥mo ser√≠a Eduardo dentro de cinco a√Īos, los que me conocen dir√≠an que seguir√≠a siendo el mismo. Un eterno joven que a pesar de sus canas, esas que reflejan el tiempo inexorable pero que tambi√©n traen la experiencia, no perder√≠a nunca la inocencia, la ilusi√≥n y el deseo de seguir dibujando.‚ÄĚ

Esta, sin dudas, es la esencia que une el pasado, el presente y futuro de Eduardo Castillo S√°ez. Un pintor camag√ľeyano que ha encontrado hoy muchas maneras de expresar el arte desde su percepci√≥n del mundo interno del artista; una sinergia inexorable entre sus sue√Īos y la necesidad de crear un discurso pict√≥rico de peque√Īos trazos y l√≠neas que inmersas entre el blanco y el negro trasluce conceptos en relaci√≥n con el mundo femenino que tanto defiende en sus obras.

Proceso creativo de Eduardo Castillo/ foto cortesía del artista

Tras la silueta de una mujer intangible…

¬†‚ÄúComenc√© mirando el espacio que ten√≠a, observando la pasi√≥n de muchos que se adentraban en el mundo del trazado y del pincel. Fue una simple curiosidad de un ni√Īo que quer√≠a dibujar en una libreta de dibujos.

“Creo que es importante tener una aptitud y desarrollarla, buscar un camino y encontrarte en él con las ganas de aprender. En ese sentido las Academias de Arte forman un pensamiento, una filosofía de cómo ser un artista que sin dudas es necesario pero que adolece todavía de la parte técnica y el cómo proyectarse una vez que termina esa etapa estudiantil y cómo emplear el marketing para promocionar y visibilizar tu obra. 

Pintadas realizadas en el Casino Campestre/ foto cortesía del artista

‚ÄúA√ļn as√≠, mi tiempo en la Academia estuvo influenciado notablemente por mi profesor de dibujo Alberto de la Red y por importantes artistas pl√°sticos camag√ľeyanos como Joel Jover, Luis Mart√≠nez Pedro, Nazario Salazar y Fidelio Ponce de Le√≥n, unido al arte expresionista internacional. Mi obra, como yo, es joven; estamos intentando entre los dos llegar a concretar un tema que nos lleve a un pensamiento en com√ļn para dialogar y reflexionar, y no es mi intensi√≥n conformarme sino el de seguir incansablemente en esa b√ļsqueda.‚Ä̬†

Tras graduarse en 2006 en la especialidad de Artes Pl√°sticas en la Academia de Artes ‚ÄúVicentina de la Torre‚ÄĚ, Eduardo Castillo inici√≥ su adiestramiento laboral dedicado a la docencia como conservador de arte en el Museo Provincial ‚ÄúIgnacio Agramonte y Loynaz.

Su tiempo como conservador redise√Ī√≥ sus c√≥digos est√©ticos con marcados rasgos abstraccionistas y figurativos, dise√Īados desde la calidez de un mundo, en ocasiones surrealista, pero que llega con ideas propias introduci√©ndose subjetivamente en ‚Äúla imagen de la mujer como insinuaci√≥n de un universo complejo y por descubrir‚ÄĚ, como expresara el propio artista, quien de una forma singular nos describe la feminidad desde sus concepciones siempre unida a la belleza.

Eduardo Castillo junto a los artistas plásticos Nazario Salazar y Joel Jover./ foto cortesía del artista

La curiosidad por las figuras femeninas y la imagen de sus rostros y siluetas provocadoras y sugerentes llev√≥ a Eduardo Castillo a crear una veintena de piezas que conforman su m√°s reciente muestra personal ‚ÄúEl Camino incierto suyo‚ÄĚ, expuesta en la Galer√≠a Juli√°n Morales de la sede de la Uni√≥n de Artistas y Escritores de Cuba (UNEAC) en el territorio.

Una exposici√≥n que forma parte de las actividades que se realizan en la provincia en el marco de la XIV Feria de J√≥venes Creadores ‚ÄúGolpe a Golpe‚ÄĚ y la cual deja entrever el principio de un cambio en la parte f√≠sica de su obra atadas en un mismo hilo conductor que lo realza como un artista talentoso en una ciudad de artes visuales.

El Camino incierto suyo…

‚ÄúEsta exposici√≥n surge de un proyecto que llevo desarrollando hace varios a√Īos, que utiliza a la mujer como referencia. En √©l hago un estudio de su comportamiento y sus necesidades, su actitud ante la sociedad y su competencia con la misma belleza. En esta muestra hablo del tiempo transcurrido a trav√©s del viaje, un viaje personal, subjetivo, que se matiza con un car√°cter de momentos.

Obra de la serie El Camino Incierto Suyo/ foto cortesía del artista

‚ÄúEs el comienzo de una vida plagada de transparencia y la necesidad de expresar una contumaz postura en relaci√≥n con el dibujo, como la describiera Jorge Santos Caballero, escritor y curador de esta exposici√≥n. En ella uso t√©cnicas de acr√≠lico sobre cartulinas y dos instalaciones, un rejuego con la l√≠nea donde la presencia de la mujer se visualiza en diferentes lugares con un lenguaje simb√≥lico y una imagen m√°s perceptible y atractiva a la vista.‚ÄĚ

‚ÄúCada exposici√≥n creada por m√≠ son como mis hijos, y esta es una m√°s de ellos, cada una con su manera de ser, su momento y peculiaridades. Muchas veces registro todas estas im√°genes y las miro una y otra vez, porque cada una tiene su propia esencia pero siempre bajo un mismo concepto. Para crearlas me debe motivar el ambiente que me conecta con mi trabajo y centra mis motivos de inspiraci√≥n con la disposici√≥n de reforzar mi obra‚ÄĚ.

Entrega del cuadro Destellos al politólogo Ignacio Ramonet, invitado de honor de la XIV Feria de Jóvenes Creadores Golpe a Golpe/ foto cortesía del artista

¬†‚ÄúUn a√Īo activo para las Artes Pl√°sticas y la AHS‚Ķ‚ÄĚ

“Siendo asociado de la AHS me propuse como Jefe de la Sección de Artes Plásticas mostrar el excelente talento profesional de los jóvenes artistas visuales que hoy pertenecen a la organización y que ven en ella la oportunidad para darse a conocer en un medio que de por sí es competitivo y en el cual es necesario la promoción. 

“La AHS te abre ese camino y te permite compartir con aquellas personas que piensan y dialogan de la misma forma; te da la experiencia de participar en eventos y fortalece tu currículum como artista.

Eduardo Castillo con su obra de tesis de grado de la Academia de Artes Visuales Vicentina de la Torre/ foto cortesía del artista

‚ÄúLa Secci√≥n de Artes Pl√°sticas de la filial camag√ľeyana cuenta hoy con 21 asociados, siete de ellos culminan este a√Īo su paso por la asociaci√≥n, cinco residen en otras provincias y uno en el municipio de Florida. En este a√Īo se realiz√≥ la VI edici√≥n del Sal√≥n de Artes Visuales para J√≥venes Creadores ‚ÄúGestos‚ÄĚ, un encuentro nacional dirigido al p√ļblico joven, a los estudiantes, artistas autodidactas, graduados y profesionales, quienes abarcan todos los g√©neros de las artes visuales con una diversidad est√©tica que explora a su vez nuevos modos de hacer.

‚ÄúSe organiz√≥ adem√°s un amplio programa de trabajo donde se impartieron clases magistrales, conferencias de cr√≠ticos, secciones te√≥ricas, exposiciones personales y la reinauguraci√≥n de un estudio-galer√≠a: Leonardo Pablo Art-Studio. Se realizaron dos pintadas, una dedicada a la literatura, expuesta en la Galer√≠a Ateneo, y la otra, por los 34 a√Īos de la AHS y la cual se exhibe en la Galer√≠a Miras. Los artistas crearon 25 cuadros que se donaron al Centro Provincial del Libro y La Literatura para la decoraci√≥n de sus librer√≠as y cinco de ellos se quedaron como obra de valor de la AHS.

‚ÄúA pesar de los requerimientos y el distanciamiento social provocado por la Covid-19, este a√Īo ha sido at√≠pico pero sin embargo muy activo. Los artistas desde sus casas han creado sus obras personales y se han conectado con los proyectos colectivos. La divulgaci√≥n de su trabajo se ha mantenido a trav√©s de las plataformas digitales con la publicaci√≥n de c√°psulas de videos promocionales. Las exposiciones personales de Alejandro Hern√°ndez, Alejandro Rodr√≠guez Leiva, Odalys Ochoa y Chuli Herrera, fueron muestras del quehacer constante de nuestros artistas en tiempos de pandemia.

Exposición Polvos de Carbón/ foto cortesía del artista

‚ÄúLa vinculaci√≥n entre la organizaci√≥n y las distintas instituciones como el Fondo de Bienes Culturales, la Galer√≠a de Arte Universal Alejo Carpentier y el Consejo de Artes Pl√°sticas, entre otras, es lo que ha posibilitado el logro y funcionamiento de un entramado de acciones donde los artistas han logrado mostrar su excelente talento profesional.‚ÄĚ

Inauguración de la Exposición El Camino Incierto suyo/ foto cortesía del artista